Cinefilia marítima

Ayer me aventuré a ver la que es una película para niños como es Wonka. Cuenta una historia deliciosa, la usual metáfora sobre perseguir tus sueños, coronada por el actor protagonista que vuelve loca a nuestra generación que es Timothée Chalamet.

Creo que esta película merece ser recordada en la mente de los niños grandes como somos nosotros por dos razones:

Su localización y

Su gran metáfora

Empezando como debe ser por el principio, la localidad donde se desarrolla Wonka representa la “crème de la crème” de Europa. En una lista para que sea más visual:

Utilizaron en sus tomas lugares de Inglaterra como pequeños pueblos, salones de baile originales de los años 50, la catedral de San Pablo, Oxford y Bath;

Integraron todo tipo de elementos en la ciudad de la arquitectura belga, checa, holandesa, francesa, alemana y suiza; 

La plaza que preside tantas escenas en la película fue diseñada inspirándose en el casco antiguo de Praga; 

Y la increíble galería donde Wonka sueña con poder abrir su preciosa tienda de chocolates está basada en la famosa Galleria Vittorio Emanuele II de Milán.

La ciudad creada para la película es una obra de arte imaginada por el niño que tenemos dentro, modelada inspirada en los viajes de aventuras.

La segunda parte de mi pequeño comentario tiene relación con la metáfora que he podido sustraer del cuento sobre Wonka. Esta película describe el momento en que Wonka ya tiene su producto estrella, que son sus increíbles chocolates, pero necesita darse a conocer y emprender en lo que es su sueño de tienda. 

Hay varias conclusiones que podemos sacar de la película; la primera más obvia es que el tener un gran producto, o una gran idea, no te va a quitar por arte de magia los obstáculos de tu camino. Puedes perder la confianza de quienes te rodean. Puedes tener enemigos envidiosos que, sin querer o queriendo, te ponen trabas que no te esperas. Y la solución, de manera sencilla y sin enredos, es no dejarse llevar por la negatividad, aceptar la situación que en la que te encuentras, y buscar soluciones dentro de las posibilidades, anticipando aquello que puede socavar tu plan.

Dentro de esta conclusión, como si fuera una muñeca rusa, se encuentra otra, y ésta es exclusivamente del mercado laboral y de la temática de la productividad: hay una increíble escena, musical además, que enseña como Wonka no acepta su destino laboral, no acepta la manera en la que le obligan a crear dinero; no le apasiona; no es lo que él quiere. Por lo que inventa una manera de producir lo mismo con menos tiempo, y lo que es mejor, haciendo que quien de primeras le ponía trabas fuera quien hiciera funcionar su nuevo sistema de productividad. Esto hace que durante sus días en este trabajo tenga tiempo de crear nuevas ideas para sus chocolates, aprenda nuevas habilidades como leer, y consiga hablar con y enseñar sus productos a sus potenciales clientes.

La última y tercera conclusión que saco de esta muñeca rusa es la importancia del ambiente y de no dejarte llevar por él. Wonka tenía tanto enemigos en el mercado como personas que se querían aprovechar de su talento. En el ambiente en el que él se encontraba se podía haber olvidado de sus sueños, o podía haber caído en las redes de aquellos que dictaban su trabajo, pero sabía cuál era su sueño y sabía por qué quería llevarlo adelante (una razón muy pasional además, lo que refuerza siempre la consecución de una meta). 

La película te deja con un saber de boca muy bueno y no te hace ni pensar en mirar el reloj, sino pensar en qué metas quieres tú alcanzar y qué estás haciendo para poder llegar a ellas. 

Es complicado escribir una crítica cuando sabes que es difícil llegar a describir a lo que subyace al nivel que se merece. Wes Anderson ha vuelto a la gran pantalla después de que el Covid retrasara su aparición, pero no ha podido venir en mejor momento.

Cuanto menos sepas de lo que ocurre en “La Crónica Francesa”, mejor. La película es una hilarante sorpresa constante, y el espectador debe prepararse para no tomarse en serio un filme en el que cada detalle ha sido cuidado con seria minuciosidad. Ahora bien, qué increíble encanto aquel momento en el que sientes que una sala de cine está completamente embelesada, atenta y fascinada, intentando captar cada detalle de lo que le están contando en la gran pantalla (aviso: tarea imposible, cada frase contiene demasiadas referencias como para entender todas al primer visionado). Con esta introducción, os digo que es la película de Wes Anderson más propia de las excentricidades del director, llevándolas a ellas y a su extravagante perfeccionismo a límites que, aunque anteriormente entrevistos, nunca habían llegado a la luz de esta manera. Y cómo no, me ha encantado.

El director Wes Anderson ha querido mostrar en su nueva película que es capaz de hacer de todo; un director superhéroe en cada una de las facetas de su filmografía, en sus anteriores largometrajes se centraba en un aspecto a desarrollar dentro de su imaginativo e irreal mundo cinematográfico. Con “La Crónica Francesa” ha creado una nueva receta con todos los ingredientes de su carrera hasta la fecha, pero incluyendo potenciadores del sabor realmente intensos. Se podrá preguntar el espectador: ¿Por qué cambia en la misma escena de blanco y negro a color? ¿Por qué, cuando la película utiliza a actores y se desarrolla en el mundo real, una persecución policial la cuenta utilizando animación (la que, por cierto, fue una de mis partes favoritas)? ¿Por qué, en escenas donde los personajes deberían estar “congelados” (lo que en otras películas se consigue con técnicas de ordenador), Wes decide que los actores deben actuar “como si estuvieran congelados”? Porque puede. Porque ha llegado a tal nivel de genialidad y excentricidad que puede fingir que comete errores. Porque nadie le va a pedir explicaciones, y si lo hiciera, su respuesta sería tan extraña que habría que pretender haberla entendido.

“La Crónica Francesa” es un explícito y arriesgado homenaje al género periodístico. Digo arriesgado porque realmente lo que quiere la película es hacer sentir al espectador que está leyendo una revista, que está pasando las hojas de un panfleto y se está regodeando en las vivencias de los periodistas. Por ello, el filme está dividido en historias, que representan a los artículos de un panfleto. Sí que creo que las historias contadas podrían haber sido publicadas como cortos, pero no es algo tan comercial y el sentido del homenaje se habría perdido.

Si te ríes con los pequeños trucos y bromas de la película, la música no hace más que ayudar: realmente añade gracia a las escenas, y no podría ser de otra manera cuando el compositor es, de nuevo, Alexandre Desplat. La cinematografía es realmente increíble, y en este aspecto me faltan palabras, pero la cantidad de fuentes de inspiración y simbolismos que se encuentran en cada encuadre me fascinaron y me dejaron con la boca abierta. Verdaderamente, la película es un deleite para la vista, es simplemente bonita. Cada plano es una pequeña obra de arte en sí misma.

El único fallo de “La Crónica Francesa”, en mi opinión, es que intentar utilizar todas las técnicas que Wes domina en cada una de las 3 historias que cuenta durante el filme puede llegar a hacerse pesado. En mi caso la historia que más me gustó fue la tercera, donde el hijo del director de prisión de la pequeña de ciudad de Francia donde se desarrolla la película es secuestrado. Y sin embargo, fue la que se me hizo más larga,

 porque la anterior no me había acabado de llamar la atención. Si cada historia hubiera utilizado elementos y técnicas diferentes dentro del mundo de Wes Anderson, hubieran sido más característicamente diferentes, y no arrastrarían la emoción de la historia anterior.

Creo que “El Gran Hotel Budapest” fue un comercial compendio de lo que Wes mejor sabe hacer, “Isla de Perros” fue una producción algo experimental, y aquí en “La Crónica Francesa” Wes ha hecho un homenaje literalmente cómo él ha querido, por lo que ha sido su película con la vertiente más “independiente” de todas. Y sin embargo, no la puedo recomendar más.

PD 1: Me resulta casi imposible definir una nota. Es arte moderno basado en el arte más clásico, así que dejaré aquí mi inexperto 8.4…

PD 2: ¡El ilustrador del cartel de la película y de las distintas portadas que aparecen del panfleto en la película es español! Específicamente, Javier Aznárez. No me imagino cómo ha podido ser trabajar con Wes Anderson pero me llena de orgullo e ilusión que hayan contado con talento español, sobre todo sabiendo que la próxima película del director se rodará en Chinchón.

Volvemos al cine, ¡volvemos al blog! Y no podía ser de otra manera que con un poco de ruido: ¡Benedict Cumberbatch de vuelta en la pantalla grande! Y ya os digo que con una de las mejores películas que ha sacado hasta la fecha.

Si conocéis a la autora de estos artículos, sabréis que es gran fan de este actor desde que en 2012 empezó a protagonizar la aclamada serie Sherlock. Aunque, desde su posiblemente sesgado punto de vista, piensa que es un gran actor (al fin y al cabo fue nominado a un Oscar en 2015), sí que es cierto que en algunas de las películas o series que ha hecho últimamente empezaba a interpretar el mismo tipo de papel y los directores/productores hacían que las filmaciones estuviera demasiado centradas en él. Lo mejor de “El Espía Inglés” es que el espectador disfruta de lo mejor de Benedict Cumberbatch en un entorno, no en solitario.

“El Espía Inglés” es una película muy “typical British”, seria, perfeccionista, dramática, pero con una historia sólida. Cuenta con un elenco de actores que no deja vislumbrar ningún fallo (Benedict Cumberbatch, Rachel Brosnahan, Merab Ninidze), con una banda sonora original y perfectamente complementada a cada escena, y con una medición del tiempo estupenda para mi gusto: en ningún momento el espectador se aburre, pero al mismo tiempo la historia nunca va demasiado deprisa, sino que cada toma y cada diálogo ha sido pensado para que en el centro estén los personajes.

Y esto último es la genialidad de esta película: filme de espionaje basado en hechos reales, transcurre en medio de la Guerra Fría entre EEUU y Rusia, pero la importancia recae en los personajes; el peso de la trama se encuentra en los motivos que llevan a los protagonistas a hacer lo que hacen. Sin motivación, una historia no interesa. Y en esta película, los motivos, las metas, las repercusiones de lo que hace cada persona están realmente mimados. Me gusta creer que el guionista (Tom O’Connor), el director (Dominic Cooke), y todo el equipo ha tratado con mucho mimo una gran historia verdadera que muchos desconocíamos hasta que ellos nos la han mostrado.

Sin explayarme más, y ya “preparando la tinta” con muchas ganas para la próxima crítica, muy contenta os escribo que esta película es más que recomendable para una vuelta al cine, para disfrutar de nuevo de la pantalla grande, del sonido envolvente, de las palomitas, del público unido a una historia.

Tenet es una película que da muchas vueltas: ha evidenciado la progresiva vuelta al cine después del confinamiento a pequeñas pantallas en nuestras casas, contiene varios saltos temporales y además le da una gran vuelta, no solo al género fantástico y de acción, sino al cine. Creo que todo aquel que la haya visto esta pasada semana (cuando se estrenó en los cines españoles) coincidirá conmigo en que es necesario hacer una segunda ronda de visionado para no solo volver a maravillarse, sino también para acabar (¿o empezar?) a entenderla.

Después de la revisión de las normas correspondientes al cine al que vayamos, la adquisición de palomitas y el uso adecuado de la mascarilla, otro imprescindible antes de sentarse en la butaca es adoptar la correcta disposición. No me refiero a tener la espalda erguida, sino a saber que nos enfrentamos a dos horas y media de un metraje brillante, pero en ocasiones inentendible. La historia sí que se llega a comprender, y para nada se necesita un nivel IQ alto, como algunas críticas parecen querer denotar; lo que ocurre es que debemos confiar en que la historia, los personajes y sobre todo, el director, logren unir al final todos los puntos que han ido dejando desperdigados durante las primeras dos horas. Y lo hace. Estamos hablando de una obra de Christopher Nolan, autor de “Origen” e “Interestellar”, y no defrauda.

Es complicado hablar de Tenet sin desvelar demasiado; la esencia sin spoilers de su historia es que se han descubierto ciertos objetos cuya “noción del tiempo” es contraria a la nuestra. Como se muestra en el tráiler, el protagonista (interpretado por John David Washington, que hace un papel mejor incluso que el que tuvo en “BlacKKKlansman”) simula el movimiento con su pistola de recoger una bala; sin embargo, ésta no sale del arma y llega hasta el objetivo, sino que se desplaza desde el objetivo hasta el interior de la pistola. ¿Qué importancia tiene esto? En síntesis, ciertas personas poderosas e influyentes podrán contactar con el futuro, conocer el pasado, e innovar de tal manera que se pueda incluso provocar la III Guerra Mundial.

Tenet es una muy buena película. Ya no digo que le guste al lector, sino que en sí es una increíble obra de arte y una gran producción cinematográfica (creo que todos agradecemos que el desorbitado presupuesto se vea reflejado en la calidad del filme). Desde el primer momento, intuimos que cada detalle de la película ha sido pensado y ponderado: es decir, no va a haber nada que veamos que así no lo haya querido el director. Y es también desde el primer minuto que no se despegan nuestros ojos de la pantalla, porque la experiencia de ver Tenet entraña que no solo somos espectadores, sino que, dado el ritmo frenético de la historia, nos involucramos tanto que formamos parte de ella.

La cinematografía, punto clave para mí en una buena película, no se caracteriza por planos memorables que podamos enmarcar, sino por cuidar que cada detalle aporte una visión más realista del filme. Esto es algo que quiero destacar, pues pocos efectos especiales han sido utilizados, y esto se nota en la espectacularidad de algunas tomas (como puede ser el estrellar un avión real, en vez de una maqueta). También se nota el trabajo que ha habido detrás de cada escena con los movimientos de cámara que se utilizan en los momentos donde los personajes planifican qué arriesgada acción deben maquinar a continuación. Incluso los colores utilizados son importantes para que los espectadores primerizos podamos identificar qué parte del plano se corresponde a una escena del pasado y cuál no.

Un aspecto algo criticado ha sido la utilización de la música, compuesta por Ludwig Göransson; no voy a negar que no son piezas musicales para escuchar en una tranquila tarde de verano, pero sí que innegablemente representan el espíritu de la historia de Tenet, y creo que, al no ser tan “pomposas” como las del habitual de Nolan (Hans Zimmer) le dan un toque mucho más realista a la película. Esta puede llegar a ser creíble (sí, incluyendo los viajes en el tiempo) para el espectador que verdaderamente se haya dejado llevar por los planos, los diálogos, y la banda sonora.

El elenco es excepcional, con John David Washington como el ¿espía? protagonista del que nunca conocemos el nombre, un Robert Pattinson cuya actuación es magnética y para nada lo consideraría un personaje secundario, una pareja formada por Kenneth Branagh y Elizabeth Debicki que es infalible, y apariciones esporádicas de Michael Caine y Himesh Patel.

Tenet es muy sorprendente (no fue para nada lo que pensaba que iba a ser, aun habiendo visto los trailers) y recomendable, pero es entendible que cierta parte del público salga frustrada debido a su confusión respecto a cabos sueltos que en su mente no han logrado atar. Creo que pocos habrán entendido en su totalidad la historia solo con un primer visionado (ni siquiera los actores la entendían bien mientras la rodaban) pero eso no significa que tenga agujeros de guión. Este filme tiene un espíritu, una meta, y es que “no pensemos, y sintamos”. Como dije al principio, cuando se empiece a ver, nuestra disposición debe ser esta. Disfrutar, y dejar que se haga la magia. Por todo esto, mi nota es de un flotante 8.7 (por todos esos “cabos esperando a ser atados”).

Acabo de ver Star Wars: El Ascenso de Skywalker y ahora de primeras todo tiene sentido, y la mayor parte del público está eufórico pero ¿qué pasará a la larga? (es decir, cuando salgamos del cine y nos pongamos a pensar y a debatir lo que acabamos de visualizar).

Primeramente debo decir que la película tenia un papel dificil de cumplir, por la gran historia que tiene detrás y por los insaciables fans que tiene en el momento presente; debía cerrar el ciclo Star Wars y dar la excusa perfecta de por qué se había creado esta saga en primer lugar. ¿La ha dado? Creo que sí.

También quiero comentar de primeras que había leído comentarios de críticos que habían podido ver El Ascenso de Skywalker antes que nadie y la mayoría habían sido negativos; como fan de Star Wars que soy, lo que haré será "contraatacar".

Esta película no es mala, quiero lanzar el mensaje. Pero sí que es cierto que tiene cosas mejorables. Ahora bien, es una película que deleita a los fans y se regodea en lo buena que es la historia original para salvar algún agujero de guión que hay.

Lo peor de hacer una crítica de esta película es que es muy dificil ordenar todo lo que hay en mi cabeza ya que han pasado mil y una cosas en las más de dos horas que dura la película y porque es muy dificil no hacer spoiler (ya de por sí el trailer hace bastante spoiler así que ojo). Lo que sí que me gustaría que quedara claro es que J.J. Abrams ha intentado tenerlo y hacerlo todo en este metraje y casi lo ha conseguido: no muchas cosas se han visto forzadas y si vas con un fan a verla podrá explicarte alguna cosa si te pierdes.

Definitivamente, en esta película la historia cambia constantemente y han sido muchas las ocasiones en las que me he llevado mi cubo de palomitas a la cabeza (literalmente) porque no me podía creer lo que estaba pasando; y aunque alguna decisión no me gustara de primeras, aprendes a aceptar el giro de guión, porque sabes que si no hubieran tomado esa decisión la película no habría dado la talla.

En el aspecto técnico, la película se luce: hay planos increíbles, escenarios que recogen los mejores elementos de lo viejo y lo nuevo, uso de luces y colores maravilloso... y la música la han utilizado por fin bien (porque recuerdo que en Los Últimos Jedi no me gustó demasiado). 

Ahora bien, lo importante se supone que es la historia y sus personajes ¿verdad?. Habia leido que introducían muchos personajes nuevos y que no te da tiempo a conocerlos. Honestamente, ni me parecieron demasiados ni me pareció que necesitaba conocerles más de lo que me han enseñado: su propósito no es ser los nuevos personajes protagonistas sino completar la personalidad de los que ya conocemos. Sí que es cierto que no me gustó que introdujeran personajes nuevos y que con ello se olvidaran completamente de Rose... el uso de la princesa Leia fue un homenaje muy acertado y Luke...bueno, los jedi siempre llevan la razón y cuando aparece, es de la mejor manera. El mejor personaje de la película, sin embargo, no es Rey: Kylo Ren le saca mucha ventaja y Adam Driver está magnífico. No hablaré más sobre ellos dos porque se sabe que en algún momento de la película tendrá lugar algún tipo de confrontación entre Kylo y Rey. . pero no quiero desvelar ni cómo ni cuándo.

La mayor parte de aspectos de la película me dejaron muy asombrada, ya fuera para bien (sobre todo) o para mal, pero me resultaría extraño que te aburrieras o que el filme te dejara indiferente.

¿Recomiendo por tanto verla? Definitivamente, pero a los fans de Star Wars en específico, por obvio que suene, porque esta película está hecha para ellos y para que se deleiten con todas las referencias (la última secuencia es increíble a los ojos de un fan). Mi nota a falta de un segundo visionado es, por todo lo anterior, de 8'3.

(PS: Como nota friki (más si cabe) Dhani Harrison aparece en los créditos finales como stormtrooper...)

Existe una regla en el pensamiento de muchas personas, incluida yo, que concibe que las segundas partes no suelen ser buenas. “Frozen II” es una excepción a esta regla.

“Long story short”: me ha encantando. 

Sí, hay algún vacío en la trama (¿por qué Elsa toma ESA decisión al final? ¿y por qué los espíritus decidieron castigar a ESE grupo y no al otro?) pero te lo pasas tan bien que no te importa.

“Frozen II” es la continuación a “Frozen: El Reino de Hielo” (2013). 6 años después, Disney ha movido a miles de personas a la gran pantalla en un solo fin de semana, para averiguar qué les había ocurrido a Elsa y Anna.

En los primeros minutos del filme nos damos ya cuenta los mayores de que esta película va a tratar sobre la adaptación al cambio; básicamente, la vida en el reino de Elsa y Anna, Arendelle, sigue igual. Exactamente igual. Y ese el problema, que las cosas siempre están en constante cambio, como nos recuerda Olaf detrás de sus momentos graciosos (increíble que los guionistas hayan sabido crear chistes originales pero adecuados al personaje, que no es algo que se suela ver)... Anna está demasiado cómoda con la gente que quiere y Elsa se cierra a lo nuevo por miedo a que algo vaya mal.

Sin embargo, una antigua historia contada por sus fallecidos padres vuelve en la forma de una voz que solo Elsa puede escuchar. Es en este momento cuando la mejor canción de la película se puede escuchar y sí, es otra vez sobre Elsa descubriéndose a sí misma.

Con la ayuda de los personajes de la primera película (aunque esta vez las hermanas tienen mucho más protagonismo), Elsa tiene que explorar tierras lejanas a lo conocido y descubrir aquello que de verdad la llama, porque solo así su pueblo (y algún otro que queda por conocer) y ella podrán avanzar.

Es cierto que Disney ha querido dirigirse tanto a pequeños como a mayores con esta película. Olaf soltaba sus chistes y todos los niños se reían, pero seguidamente había referencias a Queen y a cómo nadie sabe lo que le depara el futuro. Y eso es un punto que ha ganado Disney al saber crear una historia con la que todos nos podemos identificar.

Por la parte técnica, “Frozen II” se merece un largo aplauso. El agua aparece en muchas ocasiones durante la película y hay una escena en particular en la que te olvidas de que estás viendo una película de animación, porque literalmente parece que han cogido una cámara y han grabado un río pasar de lo bien hecha que está. Esta película tiene mucho trabajo detrás, igual o más que el de una película con gente de carne y hueso, y se nota en la cinematografía (encuadres espectaculares y muy pensados), el diseño de vestuario (me pasaría  mucho tiempo hablando sobre lo bien que representa cada prenda al personaje que la lleva), las transiciones...

Lo peor de esta película son los vacíos de guión, porque hay algunos giros que no tienen sentido, y la simpleza de algunas canciones. Sin embargo, lo mejor de esta película es... casi toda ella. Esta película es, en mi opinión, “El Gran Hotel Budapest” de Disney. ¿Qué quiero decir con esto? Para mí “El Gran Hotel Budapest” es la mejor película hecha por Wes Anderson porque aúna las mejores técnicas utilizadas independiente en cada una de sus películas previas. Pues en “Frozen II” he visto muchos elementos diferentes vistos en otras obras que aquí casan increíblemente perfectamente. Hay un ritmo de aventura como el que hay en “El Hobbit”; hay una escena sobre el cambio y la perseverancia como en “Capitana Marvel”; hay emoción como la vista en “Los Increíbles”, “Mary Poppins” y “Moana”; hay incluso referencias a Queen y a Elton John en la primera canción de Disney que escucho con guitarra eléctrica de fondo... 

En conclusión, “Frozen II” es una película compleja, pero no por ello difícil de seguir. También es verdad que hablo con la visión de una persona de 21 años. A lo mejor una personita pequeña no entiende los aspectos más profundos de la historia. Pero siendo honestos, ¿es eso lo importante cuando se lo están pasando bien?

Se me hace muy difícil hacer una crítica sobre Roma sin poner miles de exclamaciones y recomendarle a todo el mundo que la vea... pero no lo haré. Ahora bien, los planos que quedan reflejados en este post provienen de, sin reparos, una obra de arte.

Hay peliculones a los que yo no les he puesto un sobresaliente en anteriores entradas del blog, como por ejemplo Whiplash, y sin embargo, se han convertido en algunas de mis películas favoritas. Otras películas, muy nominadas a Oscar, se han llevado una notaza, pero luego no las he vuelto a ver.

Roma es un intermedio entre estos dos tipos de películas; no es una película que yo pueda recomendar a un cierto tipo de persona porque está hecha a la medida del usuario. ¿Qué quiero decir con esto?

En cada plano de Roma existen siempre varios personajes: el propio plano, por su espectacular fotografía, y aquello que contiene. Como se viene viendo, como amante de la cinematografía, debo valorar a esta película con ayuda de sus planos:

Roma está basada en la historia real de la empleada del hogar, Cleo, que tenía el director, Alfonso Cuarón (”Gravity”, “Harry Potter y el Prisionero de Azkaban”), de pequeño. Durante toda la película vemos cómo pasa el tiempo y cómo va cambiando tanto su vida, como la de la familia a la que sirve, como la de la población de México, siempre bajo el punto de vista de Cleo. Se han visto muchos comentarios sobre cómo la película es muy lenta y no pasa nada hasta la mitad de ella. Yo tengo varios comentarios al respecto: lo primero de todo es decir que desde el principio de la película se están dando señales de lo que ocurrirá en la segunda parte, y es increíble ver ciertas metáforas en algunos planos que te incitan a pensar en qué ocurrirá después sin desvelártelo. Además, la primera parte, que refleja cómo es la vida usual y cuál es el papel que representa Cleo en su trabajo, en la familia y en la sociedad, funciona como un pilar para entender cómo afectan los hechos del final de la película en los personajes.

Principalmente, esta película tiene la capacidad de hacerte sentir. Por medio de la fotografía, que te intenta enseñar todo lo que puede sobre el sitio en el que se encuentre el personaje. Por medio del sonido, que es espectacular el cuidado que le han dado; el sonido de unos pasos de alguien que no conocemos, el sonido de unas hojas que se desplaza desde la izquierda a la derecha si la cámara se mueve de esa manera, conversaciones en la calle de gente que no podemos ver en el plano. Y también gracias a los planos largos, Alfonso Cuarón te mete en la propia película: sigues siendo un espectador pero totalmente inmerso en el ambiente (aquí tengo que mencionar la escena en el hospital de la segunda parte).

Alfonso Cuarón no es solo el director de Roma, sino también estuvo encargado de la fotografía. Y vaya planos que se ha marcado. Se nota que esta historia era muy personal y quería hacerlo rematadamente bien. Creo que si esta película te parece aburrida por momentos es porque quieres que haya acción constantemente, y Roma no es ese tipo de películas. En Roma te tienes que fijar en cada detalle (me ha recordado a Wes Anderson a veces) y entender por qué cada ítem está donde está. Aquí debajo se encuentran tres de mis metáforas favoritas en la película, que reflejan lo pensado que está cada plano para que cuente de la mejor manera lo que está viviendo Cleo, la familia, y el país.

Hay bastantes elementos que me han recordado a otras películas; aunque puede que no tenga demasiado que ver, Call Me By Your Name me vino a la cabeza en varias ocasiones: esta película utilizaba los colores, el sonido, y la música para que nos sumergiéramos en cada escena (habiéndose tachado a esta película de lenta también). Además, en CMBYN (nominada a Oscar el año pasado) también hay un elemento que se repite durante toda le película: una mosca que ocupa los planos. En Roma, los aviones que pasan cada cierto tiempo nos recuerdan que la historia que se está contando sigue sin ser el principal protagonista; hay miles de personas ahí fuera, en el país, en el propio mundo, que están viviendo su propia Roma.

Ya para acabar, no puedo ponerle nota a Roma; es una obra de arte en muchos aspectos, y sí, se merece que le den el Oscar a mejor película. La recomiendo a todo el mundo, pero solo cuando verdaderamente les apetezca y les ilusione sumergirse y explorar al detalle la historia de Cleo y quien la acompaña en pantalla.

La Llegada es una pasada de película. Diría que no tengo palabras para describirla de lo buena que es, pero con algo voy a tener que escribir esta reseña...

La Llegada está protagonizada por actores como Amy Adams, Jeremy Renner o Michael Stuhlbarg e interpretan a sus personajes maravillosamente; al que más destacaré probablemente sea a Michael Stuhlbarg por su casting en varias de las últimas películas nominadas a Oscar (Call Me By Your Name o La Forma del Agua). 

¿Qué es La Llegada? Puede parecer una película de alienígenas en la Tierra del montón, pero es mucho más que eso. Para empezar, el guión es muy inteligente, sorprendente y emotivo, y trata sobre la tolerancia entre los humanos y 'lo que hay fuera'. Todo esto basándose en el lenguaje... y en algo muy típico de ciencia ficción (aunque no diré el qué para no desvelar nada importante).

Esta película es bella: ese es el adjetivo que me viene a la mente si la quiero describir. Su banda sonora es simplemente perfecta para cada momento, ya sea de tensión, de tristeza... da en el clavo en cada escena y en cada emoción que quiere transmitir. Los movimientos de cámara son adecuadamente geniales: no sólo se centran en informar al espectador de lo que realmente es importante, sino que hacen que, a medida que transcurre la historia, te veas más involucrado, como si estuvieras en el campamento base con los protagonistas. Y por una vez, esto se consigue sin los famosos movimientos de cámara rápidos que lo único que hacen es marear si se usan demasiado.

La historia, como ya he dicho, es bastante inteligente (probablemente, muy apropiada de un episodio de Doctor Who). Pero también es muy intrigante, filosófica y actual (no, no es que actualmente hayan llegado alienígenas, me refiero a cómo los países afrontan en la película la invasión).

Acabo de ver “Jurassic World: Fallen Kingdom”, dirigida por J.A. Bayona y me vais a perdonar si repito incansablemente el nombre de este director español, porque merece largos minutos de aplauso por el enorme trabajo que ha hecho con esta película. Pero de esto hablaré en un momento.

¿Cómo debería resumir “JW: Fallen Kingdom”? Pues no sé cómo sin hacer spoilers, al haber tantas historias entremezcladas en la película. Diré entonces que esta nueva entrega vuelve a tener como protagonistas a Owen (Chris Pratt) y a Claire (Bryce Dallas Howard), quienes, en un principio, quieren salvar a los dinosaurios de la inminente erupción del gran volcán de Isla Nublar. De ahí a llegar a una gran mansión quedan, sin embargo, dos horas de película…

Algo que me ha gustado mucho de este filme es que constantemente están pasando cosas, y esto es gracias a la diversidad de personajes que tiene, todo sin perder sus pequeños momentos de pausa que nos ayudan a entender mejor la historia. También la cinematografía está muy bien cuidada, proporcionando planos preciosos, cuya duración es adecuada, y también movimientos de cámara y transiciones que me han dejado maravillada.

Destaca mucho el sonido, y no tanto la música, algo raro para el compositor de esta banda sonora, Michael Giacchino. En las escenas que transcurren en la isla, los sonidos de la explosión del volcán que se cierne sobre los protagonistas ponen en vilo al espectador y le involucran más en la escena.

Aunque la parte de la historia que se desarrolla en la isla es acertada, la parte verdaderamente electrizante la vemos en la mansión Lockwood. Aquí es donde el espectador se estremece mientras se ríe y se asombra por algún giro de guión que no se esperaba.

Sin embargo, no es por un guión excepcional por lo que destaca esta película, aunque es satisfactorio; esta película brilla y despunta por su magnífico director, Juan Antonio Bayona, director de películas tan conocidas como “El Orfanato”, “Lo Imposible" o “Un Monstruo Viene a Verme”. Ha dejado su huella, igual que un dinosaurio, en esta película, tomando el relevo de Steven Spielberg; pero sobre todo donde se escucha su rugido es en la parte final, donde los espectadores nos escalofriamos y nos preguntamos “¿qué pasará ahora?”.

Ciertas partes del guión sorprenden y son innovadoras, aunque sí es cierto que alguna parte del final es semejante a la película que le precede. Sin embargo, “Jurassic World: Fallen Kingdom” es buena porque consigue un correcto balance, entre interesantes protagonistas, dinosaurios divertidos pero aterradores, corbatas y más.

Aunque me gustaría decir más cosas, no quiero hacer ningún spoiler. Esta película se ve mucho mejor cuanto menos sabes y cuantos menos trailers y anuncios has visto. Por todo lo que he dicho, le pongo a la película una buena nota, un 8´4. Me quedo con muchísimas cosas de esta película pero sobre todo anoto (con lava, para que quede claro y muy jurásico) el nombre de J.A. Bayona.

Esta es mi primera vez escribiendo una crítica de una película de Wes Anderson y es también la primera vez que veo una película suya en el cine. Que mejor que empezar esta crítica por lo tanto con un redoble de tambores, justo igual que en esta película, “Isla de Perros”.

“Isla de Perros” es la segunda película de stop-motion del director (¿indie? ¿sí? ¿no?) Wes Anderson. La acción se desarrolla en Japón, donde el alcalde de una de sus ciudades extermina a todos los perros a una isla llena de basura por una enfermedad que, por, ejem, razones, no parece que se pueda curar. Los protagonistas de esta historia son un grupo de perros de la isla y un niño japonés que llega a ésta buscando a su antiguo perro, Spots.

Ciertamente, viendo esta película uno no se puede aburrir; continuamente están pasando cosas. Por ello, uno de mis primeros consejos sería no ver la película en inglés (por lo menos la primera vez que se ve), porque el estar pendiente de lo que dicen te abstrae momentáneamente de la acción y de los diálogos, que sobre todo con Wes Anderson, son muy importantes.

Por ello, destaco de esta película sus diálogos (algunos de ellos en japonés sin subtítulos para identificarte con los perros, que no entienden tampoco el idioma), el humor tan característico de Anderson muy presente (sobre todo en este filme con el propósito de ironizar sobre la situación) y sin duda el entorno que rodea las escenas de la película: Japón.

Pero verdaderamente, esta no es una película por la que solo debiéramos alabar al director y a los actores (muy conocidos y como siempre, muchos de los que repiten con Wes, como Bryan Cranston, Edward Norton o Bill Murray), sino que en especial esta película tiene mucho mérito por parte de los animadores; han hecho un trabajo magnífico, espectacular. La cantidad de esfuerzo, de diferentes técnicas que han usado, sumado a la perfección en las tomas, color y en los movimientos de cámara tan rápidos que Wes requiere se merecen no un aplauso sino dos cuando llegan los créditos.

Sí que es cierto que han llevado el stop-motion a otro nivel, creo que nunca visto, pero han usado tanta técnica que en algunos momentos no parecía una película característica de Wes; las películas de Wes Anderson se caracterizan porque parecen caseras, “hechas a mano”, aunque al mismo tiempo aprecies todo el trabajo que hay detrás. Sin embargo, me doy cuenta mientras escribo estas líneas, que la última película que hizo antes de “Isla de Perros, “El Gran Hotel Budapest”, sí que quitó este elemento “hand-made” y lo intercambió por otros nuevos. Creo, por tanto, que el director ha querido seguir en esa línea de innovación, y, por ejemplo, con “Isla de Perros” ha querido lanzar y centrarse en un mensaje (político); pienso que es por esto por lo que ha dejado un poco de lado los colores pastel que tanto le definen; Wes Anderson quería hacer una película bien hecha que contara una historia y transmitiera un mensaje, no tanto una película solo bonita a la vista.

Esta película merece otro visionado para apreciarla totalmente; hay muchos elementos en cada escena, una fotografía espectacular, una música simple pero potente y muy pegadiza, y una gran influencia del cine japonés del siglo XX que se integra perfectamente con el estilo de Wes Anderson. Este filme, como resultado de años de reunión de estilos muy diferentes con una buena idea de base, resultan, para mí, en una nota de 8,3.

“Lady Bird” es la típica película que entras a ver con expectativas. Cuando se estrenó, llegó a ser la película mejor valorada en las páginas de calificación en Internet. También venía con la publicidad de ser el debut directivo de Greta Gerwig, nominada este año al Oscar a Mejor Director. ¿Ha superado esta película mis propias expectativas?

Antes de comentarlo, repasaré de qué trata este filme: Lady Bird trata sobre Christine “Lady Bird” McPherson, una chica que intenta pasar su último año de instituto en Sacramento de la mejor manera que se le ocurre, viviendo el momento, pero centrada en conseguir ir a la universidad de sus sueños. Aunque se encuentra con dificultades temporales propias de la edad que tiene, su mayor problema es su propia familia, en especial su madre.

La historia es una línea temporal, en concreto, el año anterior a empezar la universidad. No hay una historia con principio y final, sino que somos espectadores de un pequeño trozo de la vida de un personaje. Entramos queriendo saber sobre Lady Bird y salimos más conocedores sobre ésta pero con el mismo sentimiento. Con esto, la película tiene varias capas y argumentos y por ello necesita verse una segunda vez.

Lady Bird no te aburre en ningún momento y en esto ayuda que dure solo una hora y media; es justo lo que necesita. Algo que me ha encantado de esta película es que, cuando crees que se va a volver seria (que sí, en varios momentos lo hace), ese momento se corta de una manera muy creativa y humorística. Saoirse Ronan, como siempre, actúa maravillosamente y tiene geniales complementos, como Timothée Chalamet.

Lady Bird ha ganado dos Globos de Oro, a Mejor Película y Mejor Actriz Principal, y está nominada a cinco Premios Óscar: Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director y Mejor Guión Original. En mi opinión, esta película gana por su frescura, por su inocencia y por sus bonitas pero importantes metáforas. Consigue ser original y divertida aunque en esencia, para los más exigentes, pueda ser una película de solo un visionado. El trasfondo en las escenas que nos induce a pensar al final que la forma de cariño de los personajes es el prestarse atención es algo sin duda diferente a lo que muchas películas de este género nos tienen acostumbrados.

Lady Bird es divertida, original, llena de frescura y muy bien resulta, con personajes muy interesantes. No ha superado mis expectativas pero me ha gustado, siendo diferente a lo que me esperaba. ¿Lo mejor de que sea el debut como directora de Greta Gerwig? Su toque indie y desenfadado. Aunque he salido confusa de la sala de cine, ahora tengo claro que le pongo un 8 sobre 10.

“Loving Vincent” es una película que me ha dejado con sentimientos encontrados, pero con un buen sabor de boca por el trabajo bien hecho. Esta película trata sobre las últimas semanas de vida de Vincent Van Gogh; es su historia contada por los personajes que él pintó, por los paisajes que él visitó.

Es difícil calificar a esta película; técnicamente, es una película de animación, pero no está realizada entera por ordenador o stop-motion: la técnica es muy original; se rodaron escenas con actores reales para luego completar la película en post-producción con la ayuda de un equipo de más de cien personas que pintaron mano a mano cada fotograma para que “la película esté pintada por Van Gogh”. El resultado no es perfecto en algunas tomas, pero es francamente espectacular. Se usa el color para ayudarnos a entender la historia y forma transiciones entre escenas; los cuadros originales de Van Gogh forman parte del camino de vuelta a casa del protagonista, que quiere devolver una carta del pintor a su hermano Theo, a quien se le da un protagonismo inusitado pero interesante.

La historia de Vincent Van Gogh da para mucha exploración. Ya muchas películas y series han hablado de su vida, normalmente con resultados aceptables y algunos excepcionales, como en el caso de un episodio especial en la serie Doctor Who. Sin embargo, “Loving Vincent” se muestra actual, porque nos identificamos con el protagonista en muchos momentos, haciéndonos las mismas preguntas que él se hace, pero no podemos dejar de pensar en que la historia ocurre poco después de la muerte de Vincent.

Sin duda, lo que destaca en esta película es el trabajo que hay detrás y la manera de dirigir la historia; la originalidad de la técnica de la pintura utilizada hace que la película sea una propia obra de arte en cada plano. Está nominada a Mejor Película de Animación pero creo que no va a ganar: aunque la historia es muy bonita y es un homenaje al arte, el filme “Coco” de Disney tiene todas las papeletas a llevarse este Oscar.

Es una pena que “Loving Vincent” no haya sido más promocionada; sin embargo, espero que por el mérito y la belleza que tiene, se abra paso a las casas de la gente para ser descubierta y disfrutada. Como puntuación, le pongo un 8 de 10.

Hoy he ido a ver, gracias a un concurso en las redes sociales, “El Hilo Invisible” o “Phantom Thread”; no había leído ningún comentario negativo sobre esta película y estaba muy interesada, pues, además de ser la última película que protagonizará Daniel Day-Lewis, está nominada a varios Oscar (mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz secundaria, mejor vestuario y mejor banda sonora).

Empezaré por el final: la película me ha gustado pero me ha dejado demasiado confusa y pensante, así que saco en conclusión que esta película es para vérsela dos veces. El Hilo Invisible, dirigida por Paul Thomas Anderson, trata sobre la relación entre un diseñador y su “musa”. La historia está parcialmente basada en el mito de Pigmalión y Galatea. Aunque he leído como sinopsis que es una historia de amor, a mí me parece que en la segunda parte de la película no lo es tanto, pero eso es a gusto del consumidor.

La película es muy interesante, está bien hecha en todos los sentidos, pero es muy extraña; no sabes muy bien qué te ha parecido cuando los créditos terminan. Dura un poco más de dos horas, y está llena de muchas escenas, cortas y largas, que llevan hacia un final en la historia que no habrías pensado al principio del filme. Sin embargo, todas las señales, aunque mínimas están ahí.

Para mí, el hilo invisible de esta película es el hilo conductor. Existe pero en muchas ocasiones no lo ves. Me pasé la segunda parte de la película intentado descifrar qué estaba pasando, qué sentían los personajes, qué era lo que no decían… entendía que los silencios interminables y la música grave marcaban el camino pero estaba expectante: ¿qué es lo que finalmente va a pasar?Encontré escenas que para mí eran un sinsentido pero que estoy segura de que, ahora sabiendo el final de la historia, si las viera otra vez podría decir por qué están en la película.

Tanto la fotografía (muy parecida a la de Wes Anderson en muchos momentos) como el montaje son muy correctos pero lo mejor sin duda es la música, de Jonny Greenwood; sí es cierto que, al ser la película un poco larga, en algún momento podía ser repetitiva pero también puede ser que, al ser la historia cíclica y repetitiva en sí, era justo lo que la música quería evocar. Si esta historia la leyéramos en un libro o la viéramos en filme sin música, nos parecería un horror, un sufrido aburrimiento; sin embargo, la música forma parte del hilo invisible y conductor de la historia, preparándonos para lo que viene y ayudándonos a entender los silencios. La edición de sonido se nota muy cuidada para ciertas escenas pero los silencios se encuentran en su justa medida.

Me ha parecido una película bonita, de toques clásicos, elegante y muy provocadora, cuidada, ordenada pero disparatada, como la relación entre todos los personajes. El propio póster de la película nos la cuenta casi entera: tanto Alma como Reynolds, la pareja protagonista, están constantemente en la mente del otro, para bien, pero sobre todo, para mal. Yo le pongo a esta película un 8 sobre 10.

Por fin ha llegado la tanda de películas nominadas a Oscars al cine, y esta es la primera crítica sobre una de ellas: The Post o Los Archivos del Pentágono.

Como introducción, es imprescindible comentar que el director de The Post es nada menos que Steven Spielberg (Indiana Jones, Parque Jurásico, War Horse, El Puente de Los Espías…) y que el compositor de la banda sonora es John Williams (Star Wars, Indiana Jones, Harry Potter…), y eso ya pone el listón bastante alto.

The Post es una película basada en una historia real, que cuenta cómo el periódico The Washington Post tuvo en sus manos información confidencial del Gobierno y tuvo que decidir si publicarla o no.

Puedo confirmar que es una oda al periodismo. Esto puede llevar al lector a pensar en Spotlight, una película de 2015 también sobre el trabajo periodístico; sin embargo, no coincido. Spotlight se centraba en los periodistas protagonistas, en cómo investigaban, cómo obtenían la información, mientras que The Post es un compendio de todo el engranaje que lleva a un periódico a poder funcionar: periodistas, inversores, abogados, internos, repartidores… Esta película se asemeja a tener delante un esquema de las distintas partes que componen un periódico; te muestra, con un problema, cómo las partes cooperan y están relacionadas.

Eso no quiere decir que la película no tiene un centro. Hay un elenco de personajes que tienen un mayor protagonismo, sobre todo los dos personajes principales interpretados por Tom Hanks y Meryl Streep. De éstos no tenemos una introducción clara, sino que a medida que pasan las escenas, captamos cachitos de sus historias para, en un momento dado, darnos cuenta de la gravedad de la situación. Meryl Streep no está para nada sobreactuada y no acapara las escenas (lo que nos deja respirar, como no pasa en Mamma Mia!). A Tom Hanks se le ve muy metido en su rol de jefe, acompañado por múltiples actores de la serie “Fargo”: Bob Odenkirk, Carrie Coon, Jesse Plemons… Puede que Fargo no tenga demasiados espectadores pero se demuestra que lo merece cuando eligen a estos actores. Una última nota del cast: ¿es Bruce Greenwood el nuevo Stanley Tucci?

No suelo comentar el diseño de vestuario, pero esta vez lo bien que estaba hecho me ha obligado a fijarme. Lo mejor de este aspecto es cómo lo han complementado con la cinematografía. El uso de colores para cada escena y cómo se reflejaba en los colores de la ropa era de 10.

La cinematografía es espectacular; no ha habido plano en esta película que no estuviera pensado. Todo tenía su por qué: en los momentos de más tensión, la cámara se tambaleaba más; cuando había momentos de discusión, la cámara enfocaba de tal manera que sabías cuánta determinación tenía cada uno; en cierta escena, notas cómo cierto personaje, que parece acobardado, en realidad va a por todas, gracias al ángulo desde abajo y la luz. La escena que más me gustó sin embargo en lo referente al encuadre de la cámara fue una de las primeras, donde se enfoca el pasillo de una manera y cuando sale el personaje de éste, la cámara se mueve calculádamente para acabar la escena enfocada en el maletín, que es lo interesante.

Estuve toda la película preguntándome de quién sería la banda sonora, porque era brillante. Nunca repetitiva, muy adaptable a las diferentes situaciones que se iban dando… y me he acabado enterando de que era de John Williams. Cómo no. Me pareció diferente a lo que suele hacer, pero siguiendo el estilo marcado por Spielberg.

En general, la película me ha gustado mucho, aunque tengo que decir que no la volvería a ver muy de seguido, ya que dura bastante (aunque no se hace larga) y el mensaje que quiere transmitir sobre la dirección de la empresa, qué entraña una compañía y su relación con los ciudadanos está recibido. Sin embargo, es una película que recomiendo, sobre todo a aquellos que se preocupan por cómo ha ido, va e irá nuestro mundo. Le doy, por lo tanto, un 8´3.

Han pasado varias horas ya desde que acabé de ver Star Wars: Los Últimos Jedi y estoy todavía más confusa que cuando las luces se encendieron en la sala y comenzaron los títulos de crédito. Vayamos por orden.

Los Últimos Jedi es una película sobre la cual se ha hecho mucha especulación: por todos los trailers y fotos que fueron sacando antes del estreno, parecía que el filme se centraría en el entrenamiento de Rey como pupila de Luke y como nueva Jedi. No revelaré la historia pero tengo que decir que la película no es tan parecida a lo que nos enseña el departamento de marketing de Disney…

Empezaré comentando la estructura de la película. Un tipo de película como es La Guerra de Las Galaxias necesita sus momentos de explicación entre toda la acción. Si observamos las películas de la primera trilogía de Star Wars, en ellas pasan multitud de cosas pero gracias a los diálogos, a los planos, y en general, al guión, las escenas de acción van dándose la mano de manera calmada y con sus correspondientes explicaciones. Así podemos entender el desenlace y cómo las tramas desembocan en el objetivo final. Sin embargo, al empezar Los Últimos Jedi me he encontrado en torno a media hora de acción barata sin explicación, que hubiera venido a cuento si hubiera sido una escena introductoria, no una buena porción de la película. Lo que nos interesa no aparece… ¿qué pasa con Rey?

No desvelaré qué ocurre después de que Rey encuentre a Luke Skywalker pero definitivamente me dejó desconcertada. El tiempo de Rey en la isla se puede asemejar con el tiempo de Luke con Yoda en El Imperio Contraataca pero es sin duda muy diferente, ya que Rey esta vez está más sola. Como se pudo ver en los trailers, Luke ha olvidado todo lo que tiene que ver con los jedi y Rey quiere aprender sobre la fuerza. Esto trae consigo una relación muy interesante entre Rey y Kylo Ren, el lado oscuro y la luz, técnicamente. Nada nunca es blanco y negro, nos quieren hacer creer, pero luego lo rebaten, y al final, cuando se desvela el rol de cada uno, no se entiende demasiado bien el porqué de que uno de ellos elija la luz…

Esta relación es una de las tramas principales pero hay bastantes más, lo que no es del todo beneficioso. Por un lado tenemos a Poe Dameron, al que por fin le podemos calificar como protagonista. Se profundiza un poco más en su personaje pero esto es más gracias a su expresión facial que al diálogo. Por otro lado están Finn y Rose, ésta un nuevo personaje que me parece de lo más acertado. Tiene mucha y muy marcada personalidad, es decidida, y un contrapeso al gran número de hombres en pantalla que se solía ver en las películas anteriores. He de decir que la igualdad en escena entre hombres y mujeres se nota que ha sido buscada pero no forzada, y es algo de lo que el elenco suele hablar mucho en las entrevistas. El equilibrio entre Finn y Rose no es sólo compatible, sino que encaja perfectamente. Su dinámica ha sido de lo que más me ha gustado de la película. Sin embargo, sus escenas llegaban en los momentos en los que quería seguir viendo qué ocurría con la trama principal así que me llegué a cansar un poco con alguna parte de su historia.

La princesa Leia sale muchas veces en la película, algo que eché de menos en El Despertar de la Fuerza; es un contrapeso a esa acción sin sentido, proporciona calma, luz, y explicaciones. Hay una escena en concreto con su personaje que me dejó sin aliento. Probablemente de lo mejor de la película.

Ahora bien, debo de dejar de hablar de las diferentes tramas porque si las enumerara todas esta crítica sería demasiada larga. Este aspecto por lo tanto no me ha gustado. No han sabido gestionar bien todas las diferentes tramas y personajes, no han sabido crear un diálogo en el que quedara claro lo que quería cada uno, no había planos donde se mostrara lo importante. Cada secuencia era un mix de diferentes elementos que no aclaraban la historia. Lo que repito de esta película es que necesitamos explicaciones de por medio.

Otro aspecto que no me gustó fue el uso de la música, y pensaréis: ¿cómo puede ser que critiques la legendaria banda sonora de Star Wars? Pues bien, la música en las escenas primeras fue perfecta, ya que te introducían a la acción con un ambiente épico y entusiasta. A partir de los primeros veinte minutos sin embargo, la música no me llamó nada la atención: cuando no te das cuenta de la música en una película esto significa que la banda sonora no es que no exista, es que no está acompañando a la escena y no está cumpliendo su función. Hay escenas entre Rey y Luke que estaban cargadas de emoción pero yo no llegaba a sentir por completo lo que la historia me quería transmitir porque la música no llegaba a su máximo esplendor.

Este es el momento en el que hablo de lo que me ha gustado de la película. La historia está bien pensada, los actores hacen su papel de una manera correcta, y las escenas de acción están bien montadas. También hay muchos giros en los roles de los personajes sorprendentes, que al fin y al cabo, en una película como Star Wars, lo valoro mucho. La aparición de muchos guiños a las películas antiguas es muy acertada y llena de nostalgia incluso a aquellos que las vieron hace poco.

La definición de los personajes principales era el papel que tenía esta segunda película y ha sabido explicar, después de darle muchas vueltas, la dirección que la trilogía quiere tomar. Por ello, como historia, como parte de una saga, la película cumple su función y no está nada mal. Ahora bien, en su faceta artística ha decaído mucho. Por diferentes comentarios, llevaba las expectativas de que Rian Johnson era un buen director pero me ha decepcionado mucho. No había casi planos pensados, así que en una de mis partes preferidas de una película, la cinematografía, me he llevado una verdadera decepción. ¿Dónde quedó Luke mirando al cielo del desierto con el viento levantándole el flequillo? Sin embargo, es cierto que J.J. Abrams es uno de mis directores favoritos y dejó un legado para esta segunda película complicado de poder defender.

Una se pregunta quién no se sabe ya el final de esta historia. Y cuando pregunta a la gente se da cuenta de que mucha. Ahí está el potencial de esta película: Asesinato en el Orient Express.

Asesinato en el Orient Express es uno de los libros más conocidos de Agatha Christie, del que ya se hizo una película muy famosa en 1974. Pero como llevo diciendo durante los últimos años, hay muy poca originalidad en el cine últimamente; lo único que se hace es recuperar viejas sagas que funcionaron cuando se estrenaron e intentar revivirlas explorando a, por poner un ejemplo, familiares del protagonista. No faltan las innumerables adaptaciones de libros (como ésta) o los remakes de películas antiguas. Pocos de estos intentos de verdad funcionan. Mismamente este año se hizo notar cómo el público desea algo medianamente original con la oleada de premios que se llevó La La Land.

Pero enzarcémonos en esta película, dirigida por Kenneth Branagh, al que no puedo dejar de recordar como mi querido Lockhart. No es ni por asomo la primera película en la que ejerce de director: ya ha tenido experiencia en películas como Thor o Cenicienta, entre muchas otras. No sé si ha sido el doble trabajo de actor principal y director lo que ha hecho que no consiga con esta película lo que consiguió con estas otras pero algo le ha fallado en AeeOE.

Voy a dejar claro desde el principio que esta película no me ha gustado mucho, y no es precisamente porque me haya leído el libro antes; he ido muchas veces al cine a ver películas basadas en libros que ya me había leído y que han conseguido sorprenderme y emocionarme. Con ésta, he mirado el reloj.

Desde la primera escena, había algo que no lograba convencerme: para empezar, los efectos especiales, aunque es cierto que no eran extremadamente importantes para esta película, cuando había escenas donde se necesitaban, una quedaba muy decepcionada porque parecía que estaba viendo un videojuego de la PlayStation en pantalla grande. Todo sea por contratar a los mejores actores que hay para que aparezcan dos minutos en la película, ¿verdad? Segundo, la música, creada por Patrick Doyle, (compositor de Harry Potter y el cáliz de fuego, Thor, Cenicienta...) no la vi adecuada para ciertas escenas; incluso me pareció que en la primera escena tardó unos segundos en comenzar, y no me pareció que las imágenes fueran acordes al tipo de música que estaba escuchando. 

También al principio, me pareció que todo tardaba. Con esto no quiero decir que las escenas introductorias no fueran necesarias, todo lo contrario. Pero sí que es verdad que había ciertos chistes que hubieran dado resultado si no se hubieran alargado, y ciertas conversaciones filosóficas que, aunque pudieran venir a cuento, no estuvieron bien introducidas.

La presentación de los personajes me pareció divertida, quedando claro, al ser muchos personajes y tener un tiempo reducido, el carácter que representaba a cada personaje. Tengo que decir que el departamento de maquillaje y vestuario lo bordó, porque solo echando un vistazo al personaje podemos intuir su personalidad.

Ya metidos en la película, y con un hombre muerto en el tren, sí es cierto que hay intriga en saber quién lo ha matado, pero se dan, en mi opinión, demasiadas pistas. La manera de enfocar las escenas, la fotografía, y diversos encuadres me parecieron también bastante poco acertados, a menos que se hubieran hecho otro tipo de transiciones entre escenas, donde entonces serían aceptables.

Y aquí viene el párrafo que explica el título: esta película está llena de tópicos. Prefiero no revelar cuáles son porque entonces la película no tendría ningún atractivo, pero creo que son tópicos demasiado conocidos y redundantes, lo que te hace pensar cuando los ves que el director/guionista ha sido muy poco original. 

No puedo negar lo bien que actúa todo el reparto, que sin embargo podría haber sido utilizado mucho más que para poner caras de susto, teniendo a Olivia Colman, Judi Dench, Michelle Pfeiffer, Willem Dafoe, Penélope Cruz o Daisy Ridley.

Después de un tiempo vuelve a haber crítica; y vuelve a ser de una película que me ha gustado mucho. La crítica es sobre “Guardianes de la Galaxia 2”.

Esta película está muy pero que muy bien. Te sorprende durante las dos horas que dura, lo que hace que te parezca que no dura tanto. Por esto mismo, por este elemento de sorpresa no quiero decir exactamente la sinopsis del filme.

Si vais a Internet o a los trailers no os vais a encontrar tampoco de lo que va la película, y es justo una de las cosas que ya me ha gustado: el marketing de la película. No hay un trailer que te destripa el argumento, o stills que no dejan nada a la imaginación… Yo entré en el sala de cine sabiendo que era una continuación de la aclamada Guardianes de la Galaxia y que iban a salvar, claro está, la galaxia. Y eso era justo lo que necesitaba saber. Y también lo que vosotros deberíais saber también. Nada más. (Nota aparte: esto mismo me pasó con Argo porque no tenía la menor idea de lo que iba la película y es una de mis preferidas. A lo mejor las compañías deberían aprender y no desvelárnoslo todo, dejar que los buenos gags nos lleguen en directo.)

¿Qué es lo que me ha gustado de esta película, aparte de todo? Para empezar, que no ha perdido el espíritu de la primera. El humor, la acción, las persecuciones, las prisiones, los conflictos… todo está ahí. Es imposible aburrirte viendo esta película, a menos que no te rías con ninguno de los chistes. Si no, siempre estará el bebé Groot para animarte.

Algo que me parece destaca mucho en la película es lo fácil que hace comprender la complejidad de la historia y personajes. Hay muchos protagonistas, algo difícil de llevar en un filme, y lo mejor de todo es que ninguno sobra, les llegas a conocer a todos y te preocupas por lo que les vaya a pasar y la conexión que tienen todos. Son personajes, si bien pensado, simples en la primera película pero que no nos dejaron indiferentes, y que en este segundo volumen podemos explorar más pero sin que haya una diferencia brutal en el desarrollo de los personajes, lo que contribuye a hacer la historia más real (si es que eso puede ser).

En esa “fácilmente comprensible complejidad” de la historia entran los varios villanos que nos encontramos ya desde el primer minuto. Vuelvo a decir que ninguno de ellos sobra y que está claramente definido el por qué de su querer hacer el mal, cosa que a veces puede pasarse por  alto para simplemente llegar a la acción pura y dura. En esta película tenemos mucha acción pero acompañada de mucho humor, diálogos geniales e historias de cada uno de los protagonistas que nos hacen quererlos un poco más.

Además de que los actores tienen un personaje más profundo al que representar, quiero mencionar otros dos aspectos que me han gustado mucho. Por un lado, como no, la banda sonora. Ya la había escuchado antes de la película cuando se dejó conocer la lista de canciones  que aparecerían y me podía imaginar el tono de la película escuchándolas. Viendo la película en el cine, tengo que decir que no podían haber escogido mejor música y haberla puesto en los mejores momentos. Bravo por el director por escogerlas y bravo por post-producción por haber editado muchas muy buenas escenas, que ya por si solas te divierten, y muy parecidas a la escena introductoria del primer volumen de Guardianes de la Galaxia, con Peter Quill bailando al son de ´Come and Get Your Love´. Icónico. Lo mejor de todo es que el equipo de esta película obviamente sabe que lo que le encantó a mucha gente de la primera GdlG fue la banda sonora y por ello han querido hacerla un personaje más en la historia, mencionándola en varias ocasiones e incluso dándole un significado (hasta ahí puedo llegar con la música, que si no hay spoilers).

La última cosa que quiero destacar es el manejo de los efectos especiales y la cinematografía. Siendo una película de Marvel, no te esperas un CGI malo, pero sí que es verdad que Doctor  Extraño puso el listón muy alto. Ahora bien: en GdlG 2 han creado mundos preciosos y llenos de detalle, con colores muy vistosos y sin un momento de “ahí se nota el ordenador”. No sabría decir si los efectos especiales eran mejores que los de Doctor Extraño, así que esa es una nota bastante aclaratoria sobre lo mucho que me gustaron los efectos especiales.

Es verdad que la historia central, el arco de la película puede sutilmente hacer referencias a otras conocidas sagas pero eso se omite muy rápidamente cuando se conocen todas las demás historias presentes en la película. Hay otras películas en las que hay una sola historia, basada en un único protagonista principal y, si “copian” a otras conocidas películas, se nota demasiado y al final incluso te aburres. En GdlG 2 esto no pasa ni por asomo y para nada copian otras sagas; simplemente algunos recursos algo sentimentales ya han sido usado previamente. Pero se deja pasar. Al final y al cabo, es una película de Marvel.

Intento pensar en algo malo de la película pero de verdad no encuentro nada. Sí que quiero remarcar que, al haber visto la película, me pude finalmente meter en redes sociales a ver lo que la gente opinaba, y me sorprendió mucho ver que a bastante gente no le había gustado. Yo, aunque para gustos colores, no llego a entender cómo a alguien que le ha gustado GdlG 1 no le puede gustar GdlG 2 porque sigue teniendo el mismo estilo, los personajes están en la misma tono pero se desarrollan, el humor es incluso mejor…