alors on lit !

Le tableau Untitled No 1 de Paula Rego fait partie de sa série Abortion Series, une collection d'ouvrages que l'artiste a lancée en 1998 à la suite du référendum négatif au Portugal concernant la dépénalisation de l'IVG. Furieuse face au résultat du référendum, qui assurait la criminalisation continuelle de la procédure, Rego a visé à créer cette série afin de présenter sans concession la réalité de l'avortement clandestin et celles des femmes qui le subissaient.

En discutant de ses oeuvres, Rego atteste que son but principal a été d'approcher le sujet d'une manière assez clinique ou aseptisée. Comme un scientiste disséquant une grenouille ou analysant un phénomène tout à fait naturel, elle voulait capter le thème politiquement tendu de l'avortement sans sensationnalisme afin de dévoiler la réalité de cette procédure surtout subie en clandestinité. C'est la raison pour laquelle on ne voit pas de sang ni de violence dans les oeuvres de Rego ; elle dénonce la marque d'infamie attachée à l'IVG en illustrant les moments lors d'un avortement clandestin dont on ne se rend pas compte quand on y réfléchit.

Pourquoi le répugnant, le sanglant, le bouleversant, le choquant et le scandaleux attirent-ils notre attention ? Quoi que ce soit le vol, le viol, le meurtre, ou la tragédie, les faits divers nous révulsent en même temps qu'ils nous consomment. Pensez à la popularité du genre de la série policière, ou la façon dont les histoires brutales des tueurs de série prolifiques nous captivent. Sommes-nous des monstres parce que nous nous trouvons fasciner par le monstrueux ?

Bien que Jean Genet ait farouchement attesté qu'il ne s'est pas inspiré de l'affaire Papin en écrivant sa pièce de théâtre Les Bonnes, il est presque impossible de ne pas mettre Claire et Solange, les bonnes fictives de Genet, et les soeurs Papin en parallèle en lisant son oeuvre. L'affaire Papin, qui fait référence à Léa et Christine Papin, deux soeurs qui ont sauvagement assassiné leur patronne (ainsi que sa fille), a saisi l'attention de la France. Au lieu de se détourner de l'affaire atroce et sinistre, le public s'est plongé dans cette histoire des meurtrières vengeresses et leur folie. Mais pourquoi ?

L'image que j'ai choisi vient du magazine français L'Assiette au Beurre (No. 284, 1906), dont la production a arrêté. Connu pour son ton satirique, le magazine a servi en tant que critique sociale et a été responsable de l'introduction de plusieurs idées radicales en France, tels que le féminisme et l'anarchisme. Ici, la couverture du magazine illustre cette fascination du public quant aux fait divers sanglants et bouleversants. La foule ne détourne pas le regard sous le choc ou par horreur face au meurtre, mais le regard fixement.

Cette photo, Arms Embrace, fait partie du recueil photographique de Marna Clarke, photographe Américaine, dont le titre est Time As We Know It. Provoquée par un coup d'oeil dans le miroir, Clarke vise à capturer son propre vieillissement avec les photos. Selon Clarke, elle s'est déshabillée immédiatement et a commencé de se photographier, sans filtres et sans poses. D'après Clarke, sa photographie lui permet de « lâcher prise » de la dysmorphophobie qu'elle a subit pendant toute sa vie et ses craintes qu'elle étaient « trop grosse. » Incroyablement inspirée, elle a commencé de capturer non seulement des photos de son corps, mais les anecdotes et les moments quotidiens de la vie, ainsi que des photos de son conjoint, Igor (c'est lui qu'elle embrasse dans cette photo).

Peu après le début du projet photographique de Clarke, Igor a atteint un cancer et a pris la décision de refuser la chimiothérapie. Malheureusement, il est mort peu de temps après. Clarke a documenté ainsi ce processus douloureux du deuil. Le but de son recueil, initialement conçu pour illustrer son acceptation de sa taille, a changé : non seulement de documenter son propre vieillissement, mais de capturer les moments intimes et tout à fait quotidiens du couple, malgré le vieillissement et la maladie, et de vraiment mettre en illustration l'acceptation de son avenir inexorable, la mort.

Connu pour ses photos électriques et érotiques, Helmut Newton a défendu son oeuvre contre des critiques en proclamant qu'il « adorait les femmes ». D'après lui, son corpus photographique mettait en valeur la femininité ainsi que la sexualité féminine. En tant qu'artiste, il avait comme but de libérer ses modèles femmes des exigences rigides de la société et des règles sociales dictant la sexualité féminine et le désir féminin. En fait, plusieurs de ses modèles (y compris Nadja Auermann, passée en photo ici) ont pris la défense de Newton, en disant qu'en étant passées en photo par le photographe controversé de Vogue, elles se sont senties fortes, puissantes, et même emancipées des normes sociaux.

Cependant, est-ce que adopter la position de la mythique Leda, connue principalement pour être violée par Zeus, peut être vraiment considéré comme une acte militante pour les femmes ? Selon Newton et Auermann, la réponse est oui, soutenant que la photo de Newton retourne la situation. Ici, Leda n'est plus celle qui subi le viol, mais une participante active aux rapports sexuels violents.