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Tenía mucho la espinita de hablar de esta serie pues me la había encontrado mucho en páginas de fan arts sin embargo me topé con la sorpresa de que cuenta con 9 temporadas a la fecha en que subo esta reseña por lo que tome la decisión de ir hablando poco a poco de todas estas, por lo que hoy solo vamos a conversar sobre el volumen 1 de Rwby.

Sinopsis

Rwby (pronunciado como “Ruby” y acrónimo de las palabras: Red, White, Black y Yellow) es una serie americana con inspiración japonesa creada por el estudio Rooster Teeth de la mano de Monty Oum el cual nos cuenta las aventuras del equipo Rwby, un grupo de cazadoras quienes protegen al mundo de Remnant de las criaturas conocidas como “Grimm”; dicho grupo de protagonistas está constituido por: Ruby, Yang, Blake y Weiss.

Animación

Cuando empecé a ver esta serie me dijeron que le tuviera paciencia y que lo viera  como una inversión, ahora entiendo por qué pues en materia visual es lo más feo que he visto en mucho tiempo y no es que sea cosa de ser una producción del 2013 pues hay series y películas de bajo presupuesto que se pueden ver mucho mejor que esta serie y que incluso podríamos decir que han envejecido bien, bueno aquí no pasa lo mismo pues a la vista esta serie sí que envejeció mal.

Aunque eso no quiere decir que no funcione pues al ser una serie de acción y aventura esta serie cumple con lo que debe cumplir y no me refiero a la historia sino a las peleas pues la animación con todo y sus defectos visuales se ve fluida, y con coreografías de batallas excelentes por lo que si puede que no sea la cosa más bonita del mundo pero te puede llegar a fascinar con sus peleas increíbles. 

Personajes

Aquí tengo sentimientos encontrados pues los episodios de esta primera temporada van de los 5 a los 12 minutos por lo que en la mayoría de los casos en materia de ritmo de la historia van a lo que van sin detenerse tanto en profundizar con los personajes, esto en principio podría parecer un problema pero después te das tiempo que con poco se hace mucho y no hay que ir tan lejos tan solo tenemos que ver a Jean y Blake, personajes que no tuvieron tanto tiempo en pantalla (a pesar de que Blake es del grupo de protas) pero aun con lo poco que se hizo llegas a sentirte encariñado con los personajes, con lo que viven, con su motivaciones.

Sumado a eso tenemos una campaña de publicidad muy buena que se lanzó en 2013 en donde el estudio mato dos pajaros de un tiro: mostrarte algo de la serie y presentarte a los personajes. Con lo que se saltaron las presentaciones que pueden llevar varios capítulos y capital que el estudio no tenia, de igual forma demostrando que no necesitas mucho para contar gran cosa.

Música

Sería un crimen no hablar de Rwby sin nombrar a su soundtrack pues si algo ha hecho famosa a esta serie son sus peleas con coreografías exageradas y su banda sonora que se ha convertido en hipnos literalmente para la comunidad de los que destaco “This will be the Day” opening de esta temporada y una gran pieza de rock, y por el otro lado tenemos “Mirror Mirror” con la que se demuestra la inspiración que tienen los personajes con cuentos clásicos en este caso Weiss quien está basada en Blanca Nieves. Pero a su vez un contraste con la pieza antes mencionada pues ahora tenemos una sinfonía lenta con armonía.

Opinión

Se los diré sin rodeos, Rwby es una serie que tiene que lograr enganchar desde el primer momento usando su argumento pues adelantándome un poco se los digo las primeras dos temporadas son una porquería visualmente hablando (en cuanto a los diseño de personajes) pero he aquí el problema y es tiempo pues la duración hace que no se pueda profundizar el argumento tanto como debería haciendo que este tenga huecos en ciertas partes al igual que afecta su ritmo pues es muy frenético todo al punto que te pueden llegar a sentir saturado, por lo que si Rwby es una buena serie pero repito tiene que haber algo que te enganche desde el primer momento.

Bueno, empecemos con esto porque, de lo contrario, no cumpliremos con lo prometido en cuanto a entregar a tiempo las reseñas, así que hoy toca: "La Leyenda de los Chaneques".

Sinopsis

Creo que todo buen mexicano de la primera década de los 2000 conoce la saga de Las Leyendas, esa gran franquicia de Anima Estudios que empezó hace ya más de una década y que ha regresado con una nueva entrega para, en esta ocasión, contarnos otra historia del folclore mexicano, tocando los Chaneques o los Duendes, para quienes me lean desde otras partes del mundo.

Esta entrega transcurre 5 años después de "La Leyenda del Charro Negro", presentando a un Leo San Juan sin poderes, quien se encuentra viajando hacia Veracruz para largarse del país, siendo acompañado por su hermano Nando, quien solo hace de chofer. Aunque yo, siendo Leo, lo hubiera dejado acompañarle, tomando en cuenta que el muy cabrón de Nando prácticamente es desertor del ejército y, por lo tanto, un traidor a la corona española, no creo que sea muy buena idea dejarlo solo; pero bueno, eso no tiene nada que ver con la historia.

El caso es que, por cosas del destino (por no decir el guion y que Anima quiere seguir explotando esta madre), ambos protagonistas se ven envueltos en el misterio de los Chaneques.

Animación

Creo que es obvio que después del salto tecnológico entre la primera y segunda entrega, Anima siempre ha sido sinónimo de cierta calidad, pues ya es un estudio que tiene años de experiencia y que, sobre todo, no la iba a cagar con su saga principal, pues no solo es la más querida por el público, sino que también es la que más dinero les ha generado. En esta ocasión, no es la excepción, pero, por otro lado, no tenemos nada más allá, pues como podrán imaginar, es más de lo mismo: se mantiene el diseño de personajes, los mismos colores en escenarios, siendo la única variante los Chaneques, aunque, siendo honesto, esto ya sería el colmo de la hueva que no se cambiara el diseño de los antagonistas.

Realmente, me hubiera gustado que hubiera ciertos cambios, aunque fueran menores, pues se supone que en la línea temporal transcurrieron 5 años, por lo que es tiempo suficiente para que dos weyes que ya han de estar por sus 20 y 28 años, respectivamente, presenten aunque sea unos cambios menores, más por su estilo de vida nómada. Yo que sé: otro peinado, cabello largo, barba, no sé, ¡algo!

Me parece justificable que los personajes secundarios, como lo pueden ser Xóchitl o Teodora (por mencionar algunos), no presenten estos cambios, pues se sobreentiende que al estar bien tiesas no crecen. Y aun así, estos dos personajes antes nombrados tuvieron cambios en sus edades, pues se convirtieron en los intereses amorosos de los hermanos. Por lo que este diseño que se ha mantenido desde la segunda entrega me parece más algo que no han querido desarrollar por flojera.

Personajes

Este es un apartado que se ha sabido manejar "bien", y lo pongo entre comillas porque el resto del grupo de Leo sigue manteniendo las mismas personalidades, por lo que no hay un desarrollo ni una involución de estos 6 personajes. Donde sí la hay es con Leo, pues si bien sigue siendo el chico valiente al que toparse con monstruos le suda 10 hectáreas de corneta, el cambio está en que ahora le importa muy poco estos, llegando al punto de no querer ni saber nada de ellos, sin importar las súplicas de un niño que literalmente llora por su ayuda, algo que el Leo de las entregas pasadas no hubiera dudado en hacer. Claro que esto tiene una justificación, siendo que el pobre quedó dolido y traumado por lo que pasó hace 5 años.

Diría que la evolución en esta ocasión se va para Nando, pues es quien tiene que cargar con el papel protagónico durante la primera parte de la película. Pero esto tampoco funciona porque sigue siendo lo mismo, el mismo hermano mayor castroso. Y aunque no le quito el mérito de querer hacerlo solo, se queda en la nada, pues al final sigue siendo el alivio cómico que es más un lastre que una solución.

Y ahora vamos con lo "meh": los antagonistas, nuestros queridos chichones de piso. Durante toda la promoción de la película, a los Chaneques se les vendía como una amenaza peor que el Charro Negro, cosa que no terminó por ser así, resultando en villanos molestos y peligrosos solo por el hecho de ser como depredadores que cazan en manadas, lo que podrías decir "bueno, eso está bien", pero cuando te das cuenta de que son neutralizables con mucha facilidad, dejan de sentirse amenazantes. Al final, cuando de verdad sí se siente como un peligro, es solo porque los buffearon haciéndolos un Chaneque gigante.

Y para rematar, tenemos la última escena de la película, en donde nos dejan en claro que todo esto fue una excusa para justificar dicha escena y, sobre todo, seguir estirando la franquicia que tuvo buen final con el Charro Negro.

De su motivación no tengo quejas, pues muchos dirán que es algo muy simple y claro, que lo es. No lo niego. Pero si algo ha hecho bien esta saga es mostrarnos personalidades y motivaciones antagónicas acorde a lo plasmado en el folclore del país azteca, siendo en esta ocasión el respeto por la naturaleza. Como bien sabrán muchos de los que me lean, los Chaneques son bien conocidos por ser los protectores de todo lo natural en México, por lo que era obvio que la excusa para volverlos malos era joderles sus bosques, pues es algo que se habla mucho incluso en la actualidad: jode a los Chaneques y ellos te joden a ti, llévate bien con ellos y te irá bien.

Opinión

Mucho antes de hacer reseñas, me preguntaba ¿por qué tan poca fe en Anima Estudios? Bueno, ya sé por qué, pues este estudio te da una de cal y otra de arena, pues por un lado te da muy buena animación, pero por el otro, te entrega un guion con calidad buena tirando a mala. Y es que antes me extrañaba que estas películas se estuvieran estrenando directamente en plataformas de streaming, en Vix para ser exacto, pero después de ver esta última entrega (El origen no la vi), entiendo el porqué, pues antes, si me hubiera animado a pagar los 150 MXN por el boleto de cine, pero con esta no, porque no es mala, pero es un "bien" a secas. No tiene nada diferente ni que de verdad enganche, como sí lo tenían las demás entregas de la saga, sintiéndose, como dije al principio, como algo hecho para seguir cobrando con esta franquicia.

Bueno, empecemos con una nueva reseña, en esta ocasión hablando por primera vez de un juego y sobre todo de un juego perteneciente a una de mis franquicias favoritas, así que hoy nos toca hablar de Danganronpa S: Summer Camp.

Sinopsis:

Danganronpa S: Summer Camp es un RPG de rol, el cual es el quinto juego de la franquicia Danganronpa, siendo este el primer spin-off, ya que no sigue la línea de ninguno de los dos universos planteados hasta la fecha por los creadores. Dicho juego ya se encuentra disponible para todas las plataformas, incluidos los móviles, por lo que si después de leer esta reseña te sientes atraído, puedes correr a comprarlo.

En esta ocasión, los personajes de toda la franquicia comparten universo, siendo enviados a un campamento de verano en la Isla Jabberwock (mismo lugar que conocimos en la segunda entrega de la saga principal), en donde tendrán que pasar diferentes pruebas con el objetivo de pulir sus talentos, mientras el icónico Monokuma, antagonista de todos los juegos y mascota de la franquicia, les hace la vida de cuadritos.

Gráficos:

No esperen los mejores gráficos ultra 4k a los que nos podría tener acostumbrados las plataformas de última generación, pues recordemos que este videojuego está catalogado como un RPG de rol, es decir, casi una visual novel, por lo que lo que veremos la mayor parte del tiempo es un tablero con una mezcla de 64 bits y 8 bits, al más puro estilo de juegos como Mario Party. Los momentos en los que veremos más calidad son las peleas RPG con los diferentes enemigos de la partida. Asimismo, los momentos de charla con otros personajes también estarán bien detallados gracias a los ya clásicos sprites y escenas ilustrativas, a las cuales ya nos tiene acostumbrados la franquicia.

Sin embargo, esto para mí significa una caída gráfica en comparación con el resto de la saga, pues aunque estos juegos nunca se han caracterizado por ser algo super innovador a la hora de hablar de gráficos, solían enfocarse en cosas básicas para su universo, como lo son los debates, que aquí obviamente no iban a estar, pero al ser un RPG, esperaba algo mejor a la hora de pelear con los NPC, cosa que, como podrán imaginar, no terminó pasando.

Jugabilidad:

No hay que pedirle peras al olmo, lo que ves es lo que se te ofrece. Como dije en el punto anterior, es un tablero al estilo de Mario Party, por el cual podrás irte moviendo gracias a unos dados, con el objetivo de llegar hasta un punto en específico, ya sea para tener algún diálogo con X personaje o para tener un combate con uno de los tantos NPC. De igual forma, podrás nivelar a tu personaje con la intención de llegar lo más lejos en el tablero antes de que se te acaben los turnos, porque, si bien este juego va por turnos, es para obligarte a replantear tu estrategia una y otra vez.

Aquí es donde tengo otra queja, pues este juego solo nos da 50 días para acabar el tablero, es decir, llegar al final del mismo, cosa que es imposible con tan pocos días. Además, cada vez que tiras el dado, es un día perdido y, si tienes la mala suerte de caer en la casilla equivocada, podrías enfrentarte con un NPC más fuerte que tú, perdiendo y, por ende, perdiendo un día, o, en el peor de los casos, siendo regresado al principio del tablero.

Personajes

Dudé un poco sobre si incluir este apartado, ya que si eres fan de la franquicia, ya conoces a los personajes de sobra. En esta entrega no hay nada nuevo en cuanto a desarrollo de personajes porque se mantienen tal cual los dejamos en sus respectivos juegos. Aunque hay un cambio en la jugabilidad, ya que este juego es un Gacha, lo que significa que mientras más juegues, más puntos obtienes y más personajes/skins puedes conseguir. Esto hace que puedas jugar con tu personaje favorito, por ejemplo, si eliges a Nagito, juegas con él, y si eliges a Junko, juegas con ella. Sin embargo, esto afecta poco la experiencia, ya que lo único que se modifica son los diálogos de interacción entre personajes, que, todo sea dicho, tampoco son muchos.

Opinión

Recuerdo haberme emocionado mucho al escuchar que Danganronpa tendría un nuevo juego después de que Kazutaka Kodaka dejara Spike Chunsoft para formar su propia compañía. Sin embargo, cuando me enteré de la temática y jugabilidad de esta entrega, sabía que no habría mucho que exprimir. Como dice el meme, no esperaba nada y aún así me decepcionó.

Duele decirlo, pero este juego no tiene la esencia de los otros juegos de la franquicia, salvo por el hecho de que se mantienen las personalidades de los personajes. La jugabilidad y los pocos días dentro de la partida hacen que el juego se vuelva tedioso con el tiempo, y esto no se arregla ni con los diálogos de personajes ni con el Gacha, ya que con el tiempo desbloqueas todo lo posible o tienes que aplicar las micro transacciones. Lo mismo ocurre con las interacciones con otros personajes, ya que con el tiempo los terminas viendo a todos sin ni siquiera llegar a la mitad del tablero.

Siento que con esto, Spike Chunsoft nos deja en claro que este fue un juego para exprimir lo que queda de la franquicia para después dejarla en el olvido. Ya ha pasado un año desde su lanzamiento y no ha recibido actualizaciones relevantes para mantener el juego vivo. Es una lástima, ya que con poco podrían haber hecho un juego entretenido, pero no quisieron hacerlo así.

Ok, empecemos con esto antes de que se junte el trabajo otra vez, porque aún me falta ver la segunda temporada de Edens Zero. Así que hablemos de uno de los animes más esperados de esta temporada que acaba de finalizar: Oshi no ko.

Argumento

Empecemos diciendo que Oshi no ko es la adaptación al anime del manga homónimo escrito por Aka Akasaka (Kayuya-sama love is war) e ilustrado por Mengo Yokoyari (Kuzu no Honkai). Como podemos ver, tenemos a dos de los autores más reconocidos de la industria trabajando juntos. La historia que nos muestran en esta ocasión está centrada en el doctor Gorou y su paciente Sarina, quienes después de una serie de acontecimientos terminan muriendo y reencarnando en los gemelos Ruby y Aquamarine (a quien solo llamaré "Aqua") Hoshino, hijos de la reconocida Idol Ai Hoshino, quien en las vidas pasadas de los protagonistas era su estrella favorita.

Ya con el tema de la reencarnación, tenemos claro que esta no será la típica historia de idols a la que nos tienen acostumbrados, pues Oshi no ko no solo se centra en la venganza de Aqua hacia el hombre que lo mató, quien a su vez resulta ser su padre en esta nueva vida. Este anime también le escupe en la cara a esas obras que solo nos muestran el lado fantasioso de convertirse en un idol y lo hace dándole en donde más le duele a la sociedad japonesa. Es aquí donde entra en juego el título que he escogido para esta reseña, pues nos muestra el costo de la fama.

Video musical oficial

Esta es la primera vez en la historia de este blog que me verán hablar de un video musical oficial, pero en esta ocasión lo vale, pues Yoasobi, artista encargada de producir este apartado junto con Doga Kobo Studios, nos entregó un pequeño vistazo de lo que les conté en el apartado anterior. Este no será un anime bonito, sino uno en el que vamos a sufrir, pero entonces, ¿qué vemos en el video?

Bueno, este video nos muestra la vida de Ai Hoshino mediante sus visuales y su letra, pero no solo nos muestra a Ai, sino que nos muestra a cada Idol sumida en una industria tan podrida como lo es la del entretenimiento, haciendo alusión desde las preguntas incómodas en las entrevistas, la percepción que tienen los fans hacia sus artistas favoritas, terminando con Ai contando todas las mentiras que tiene que decir en su día a día, convenciéndose de que tiene que ser perfecta mientras esconde que es madre, pues eso dañaría su reputación. Terminando con la única verdad que dijo en toda su vida, ese "te amo" hacia sus hijos que quema en el alma después de ver el primer capítulo.

Este es algo que complementa muy bien la historia, sobre todo para el personaje de Ai, quien, como detallaré más adelante, no es como que tuviera mucho para destacarse en cuestión de desarrollo.

Animación

Este, sin duda, es uno de los principales motivos por los cuales personas que no conocían el manga se interesaron por el mismo, al igual que el anime, pues es sencillamente hermoso, desde su diseño de personajes hasta los mismos escenarios, en los cuales, por obvias razones, en esta primera temporada, tuvimos una mayor cantidad de momentos en los que se pueden ver colores con gran cantidad de brillo, pero siendo en su mayoría tonos fríos como azules o morados, esto para no perder la seriedad de la obra o la connotación de los personajes. Estos colores son contrastados por los tonos blancos y rosas pastel que se usan, sobre todo, en los conciertos de las idols.

Pero también tenemos el lado más oscuro, como por ejemplo la parte donde Aqua jura vengarse de su padre o donde Akane intenta suicidarse. Aquí se invierte por completo la paleta de colores, que no solo mantiene esa sensación fría, sino que carece de tono, es decir, se apaga casi por completo, logrando un balance perfecto entre ambas emociones: la felicidad y la tristeza.

Personajes

No voy a tratar a Ruby como la niña incomprendida porque, aunque tenga su propio desarrollo (nulo pero lo tiene), Ambos gemelos son quienes se llevan todo el protagonismo en la historia. Siendo una llave al podrido mundo de la fama pues después de ser asesinado de su madre ambos tienen un objetivo matar a su padre (Aqua) ser una gran idol como Ai (Ruby) esto los lleva a conocer a determinados personajes quienes muestran como es de dura la industria y sobre todo la gente para prueba de esto tenemos a Akane quien sufrio la repercusión de ser la mala en una historia mal contada, Arima quien es actriz desde niña siendo la que mejor conoce el precio de hacer las cosas mal, Mem-cho quien solo pudo seguir su sueño mintiendo sobre su edad pues en este mundo si no eres joven ni bonita no sirves ¿Lo ven? Personajes afectados de una u otra forma por un mundo cruel que tarde o temprano te pasa factura.

Y de esto no se salvo Ai Hoshino, la madre de Ruby y Aqua, quien también es un personaje interesante, aunque no tenga tanto tiempo en pantalla como los gemelos. Ai es una idol famosa y exitosa, pero a su vez con una vida llena de mentiras. Tiene que esconder a sus hijos para no dañar su imagen ante los fans y se siente sola y vacía en su vida aunque a simple vista parece tener todo lo que alguien con su estatus social pudiera desear.

Es a través de su interacción con los gemelos que comienza a darse cuenta de que la fama no lo es todo y que hay cosas mucho más importantes en la vida terminando su corta participación (en el anime) en la historia con un simple: "Los amo". La unica verdad en toda su vida.

Un final algo apresurado a mi parecer y algo que de seguro shockeo a mas de uno en especial si no estás familiarizado con el manga pues literalmente Ai fue quien cargo con la campaña de publicidad de la serie antes del estreno de la misma dando a entender que seria un personaje muy importante y en escencia lo es pues es el motor de ambos gemelos, sin embargo la manera en que la introdujeron daba a entender otra cosa.

Conclusión

En resumen, Oshi no ko es un anime que nos muestra la oscura realidad detrás de la industria del entretenimiento y cómo la fama puede corromper a las personas. La animación es hermosa y los personajes tienen un desarrollo interesante, especialmente Aqua pues como podreemos ver más adelante Ruby en un momento parece quedarse estancada. Si bien es cierto que la historia puede parecer un poco lenta al principio, se va desarrollando de manera interesante y emocionante a medida que avanzan los capítulos. En general, es un anime que vale la pena ver si buscas algo más maduro y profundo en cuanto a temática se refiere.

Es de las primeras veces que me pongo a leer un manhwa y debo decir que me esperaba más de esta historia de la que estoy a punto de hablar.

Sinopsis

Esta obra nos cuenta la historia de amor entre dos chicas Kim Minji y Kang Yuna —a las cuales les diré solo Minji y Yuna para hacernos más fáciles las cosas— Dos chicas de universidad que han sido amigas desde los 17 años, sin embargo Yuna está enamorada en secreto de su amiga relación que termina floreciendo después de que ambas tienen relaciones.

Dibujo

Como ya deja ver en la sinopsis este manhwa no es para niños y lo recalco porque hay muchas escenas de sexo “explicito” a lo largo de la trama siendo este uno de los puntos que hace destacar al estilo de dibujo ya que se nota que la autora sabe a la perfección como dibujar el tema erótico pero no para que te la jales como ya estamos acostumbrados en occidente gracias al hentai si no que de verdad los colores cálidos como los son los rojos y rosas oscuros connotan una vibra muy romántica y sensual que más que causar una excitación te hace emocionarte con el momento de pasión carnal que viven los personajes o en el caso de las antagonistas te quedas cautivado por la  principal quien gracias a los tonos negros y morados que tienen sus escenas explicitas le dan una vibra de mujer fatal que es imposible que no te pique un poco la curiosidad sobre ella.

Entrando más de en el apartado del diseño de personajes pues bien se dice que la vista vende y en el caso de los personajes estos venden muy bien pues su diseños son la razón por la que muchos empezamos a leer esto y es que son sencillamente hermosos ya hablaremos más a fondo de ellos en el siguiente apartado pero en materia visual ambos son completamente opuestos a la vez que complementarios y guarden bien esto último pues como dije hablo más al respecto a continuación.

Personajes

Como dije estos son opuestos a la vez que se encuentran en un complemento y tomo como ejemplo a la pareja principal Minji y Yuna. Esta última en diseño es preciosa uno de los diseños más hermosos que he visto y miren que he visto diseños atractivos a la vista, pero en personalidad es un completo dolor de muelas sobre todo ya muy avanzada su relación con Minji quien todo sea dicho también es muy bonita pero a diferencia de compañera en la historia esta es un cinamon roll como lo solemos decir. Haciendo que te pongas de su lado en todo momento a pesar de que Yuna también es una de las protas también actúa como una figura antagónica para Minji —recordemos que villano y antagonista no es lo mismo aunque pueden esta relacionados—.  Y este es contraste del que le hablo siendo diferentes tanto en diseño como en personalidad una queriendo estar con el amor de su vida sin importar que y la otra con tantas inseguridades al respecto que termina poniéndose el pie ella sola solo por creer que lo correcto.

Ahora hablemos de las dos antagonistas Hyra y Mi-jin —Si, se parece a “Minji” pero está concedido así a propósito—, quienes entre ellas son opuestas una siendo la que quiere tener el control de todo y todos a su alrededor porque no hay nada más importante que ella —Hyra— y la otra una simp en toda regla que quiere que Hyra le haga caso en todo momento pues genuinamente la ama —Mi-jin— sin embargo lo que reflejan a las protas es algo muy diferente con ambas siendo unas completas hijas de perra maestras en la manipulación aunque la que se lleva las palmas en este apartado a la vez que en diseño es Hyra quien si es una mamacita pero también una gran villana y nótese que en esta ocasión ocupo la palabra «villano» y no «antagonista» esto gracias a que sus motivaciones como tal son pésimas siendo literalmente “Soy mala porque quiero que seas mía y de nadie más porque chúpalo” pero no ocupaban más para hacerla la villana pues literalmente no solo es la mayor fuerza antagónica sino que también es detestable de verdad llegas a odiarla.

Y en cuanto a Mi-jin  pues en un momento llegas a querer meterle un buen golpe para que ya entre en razón pero no la odias incluso en un momento llegas a sentir pena pues todo lo hace por amor, por ser aceptada por la chica que le gusta llegándose a sentir como una de las victimas más que como la victimaria.

Opinión

Como dije esperaba más y yo se que desde la sinopsis esto sonaba como el típico k drama que esta de moda pero es que incluso los k dramas tienen un mejor desarrollo pues la primera parte de la historia va por buen rumbo Minji y Yuna son pareja y Hyra les pone el pie de forma discreta como la mala que se disfraza de la amiga pero cuando Hyra entra en modo mala total todo se va al caño.

Y es que la trama se empieza a sentir super tediosa y lenta; pero no lenta de buena forma pues la historia se estaba cociendo a fuego lento pero iba bien se sentía orgánico pero después pasamos a lo lento en plan  “awebo voy a alargar esto todo lo que pueda aunque se nota que ya se acabaron las ideas”; siendo en todo momento el mismo patrón: Hyra manda Mi-jin a cagarle la madre a Yuna, Yuna se distancia de Minji, Minji la recupera, Hyra le da una nueva oportunidad a Mi-jin. Y asi seguimos como por 2 meses hasta que ambas protagonistas le dan cara a Hyra y la ponen en su lugar; aquí es donde pensarías que todo se pondrá bueno otra vez con Hyra ahora si siendo la perra más perra de todas las perras pues no.

Lo que sigue después de eso es unos dos capítulos del pasado de Hyra para que puedas enfatizar con ella —Spoiler: no lo haces al contrario la odias mas por lo que punto bueno a medias pues alimentas al villano pero no como debía ser—; y después ¿Qué sigue? Bueno un arco súper empalagoso con ambas protas cogiendo como conejos, pero después Hyra se desquita ¿Verdad? No, después ambas protas van a una reunión donde medio se reconcilian con Hyra y Minji reconociendo que ya se acostumbro a sentirse insegura sobre su relación pero no importa porque el amor es mas fuerte, terminando asi la historia :)

No hace falta que diga mas ¿Verdad?

Hola :D, estoy de regreso en mi hermoso blog al cual le he estado dando más mantenimiento estos días. Hoy nos toca hablar de uno de los animes que, de nuevo, no tenía planeado ver y que, al igual que me ocurrió con Lyicoris Recoli, el universo hizo su parte para que me interesara a primera vista dejándome una opinión interesante.

Argumento Boku no Kokoro no Yabai Yatsu —Bokuyaba— o, traducido al inglés como The Danger in my heart, es la adaptación del manga romcom —comedia romántica—, slice of life homónimo. Dicha adaptación estuvo a cargo de Shin-Ei Animation, el mismo estudio que nos ha traído Takagi-San, por lo que ya tienen experiencia en este formato. Y, la sinopsis citando al sitio Animeflv, dice así: “Kyotaro Ichikawa puede parecer el típico estudiante de secundaria, pero en su corazón sueña con el asesinato. Por ello, no es de extrañar que la persona que más desea matar nunca esté lejos de su mente: la ídolo de la clase, Anna Yamada. Leyendo a solas en la biblioteca de su querida escuela, empieza a encontrarse sin querer con Yamada, que viene a atiborrarse en secreto de sus queridos caramelos y dulces. A través de sus interacciones, Ichikawa descubre lo tonta que es Yamada y no puede evitar apoyarla desde la barrera. Mientras tanto, la propia Yamada no puede evitar burlarse implacablemente de Ichikawa debido a sus reacciones atolondradas. Gracias a una serie de interacciones cotidianas muy conmovedoras, el vínculo distante entre ambos se convierte en algo más que simples conocidos de biblioteca. Tal vez, con el tiempo, Ichikawa llegue a darse cuenta de que sus deseos asesinos se han convertido en algo totalmente distinto”.

Animación Como dije en el punto anterior, este estudio ya tiene mucho tiempo en el mercado, por lo que ya sabemos que es cierta garantía de calidad. Y, esta vez, haciendo una comparación con el material base de la obra, puedo decir que me gusta mucho más el estilo de la animación, pues potencia de buena manera los diseños del manga, llevándolos al siguiente nivel. Por otro lado, tenemos su paleta de colores, la cual es, en su gran mayoría, cálida. Esto da una sensación acogedora, por llamarla de alguna forma. Los planos, como ya era de esperarse en esta clase de obra, tienden a ser fotográficos, ocupando colores brillantes que resaltan mucho a los protagonistas, siendo Anna la que se ve más beneficiada por estos, complementando su personalidad alegre.

¡Hablando de Anna! Pues, como era de esperarse, es la que se lleva las palmas en esta ocasión, en cuestión de diseño, pues no nos vamos a engañar, es quien se encarga de llamar la atención a primera vista, teniendo uno de los diseños de personaje más llamativos de la temporada, siendo también una de las beneficiadas por el estilo que optó el anime, pues su diseño en el manga, si es lindo o, siendo más técnico, es funcional. Pero los puntos mencionados con anterioridad le han dado nuevos matices a la protagonista, haciéndola más atractiva a la vista.

Y, por el lado del contraste, tenemos a Kyotaro, pues no solo en su personalidad es lo opuesto a Anna, sino también en su diseño, porque si, Anna puede que tenga colores que muestren cierta ausencia como lo puede ser su cabello negro, la diferencia está en que este factor se contrasta con su ropa o su color de piel que es en extremo blanco. Mientras que, con Kyotaro, tenemos una paleta de complementarios con una falta de tono. Basta con ver el opening de la obra para ver a lo que me refiero, siendo el chico quien tiene la paleta de colores más apagada.

Personajes Como dije en el punto anterior, estos chicos son contrastes el uno del otro —de hecho, la mayoría de los personajes en los romcom lo son—, y ahí es donde está la magia de este tipo de obras y la razón porla que a la gente sigue encantando. Anna es la típica chica cabeza hueca, con un buen cuerpo y una cara bonita, mientras que Kyotaro es el típico edgy que no soporta a la gente, siendo este el principal problema de este anime, pues es gracias a este chico que su obra puede llegar a sentirse lenta en ocasiones.

Opinión Bueno, como dije, la mayor parte del problema de este anime está en su protagonista, pues gracias a él se dio una gran diferencia en esta obra que la diferencia de obras como Takagi, Nagatoro, Uzaki, etc. Pues uno de los factores comunes de las obras antes mencionadas es que inician con los protagonistas ya conociéndose. En este anime, no pasa eso, pues son tres capítulos que están vistos desde el punto de vista de Kyotaro y narrados desde su voz interior, contándonos cómo este percibe al mundo que le rodea y a Anna. Siendo esta un arma de doble filo, pues te da un contexto más definido, pero no tan acorde con lo acostumbrado en el género en estos días, dando como resultado un inicio tedioso que, en general, el anime tiene un ritmo lento. Fuera de ese tema, pues no es nada fuera del otro mundo, pues es una romcom, ni más ni menos. No hay nada realmente innovador, siendo en conclusión un anime que te puede llamar la atención por su estilo de animación, a la vez que uno con el que pasarás un buen rato, pero tampoco es algo para perder el sueño.

Bueno no pueden decirme que no les tuve piedad para subir esta reseña, ahora que ya paso un tiempo desde su estreno podemos por fin hablar de  GOFG Vol. 3 para poder analizar lo nuevo —y ultimo— que nos trae el pistolas junto Marvel.

Argumento.

Este filme va a explorar el pasado de Rocket quien queda herido de gravedad después de una pelea con Adam Warlock por lo que el resto de los guardianes tienen que emprender otra travesía épica llena de acción y momentos cómicos; algo ya común en cintas de este grupo de héroes quienes regresan a la gran pantalla desde End Game —No cuento Thor love and Thunder pues salieron muy poco esta peli—.

Fotografía

Quiero empezar con este apartado pues no es secreto para nadie que sea seguidor de Marvel —o que de mínimo vea noticias referentes a películas—, que la empresa no está pasando por su mejor momento a nivel guion y a nivel efectos visuales. Y enfocándonos en el último punto quiero decir que James Gunn sin duda se la saco en este apartado, no voy a decir que es perfecto porque si encontré algunos fallos pero nada para criticar de forma negativa la cinta.

Pero ¿Por qué pasa esto? ¿Acaso James es un Dios que vino a salvar a esta compañía? Pues no, esto es gracias a que GOFG fue grabada antes y post producida antes de todos estos problemas por los que atraviesa la compañía por lo que la calidad no se vio afectada, y regresándonos de paso a esa época en la que Marvel se preocupaba más por calidad que cantidad.

Personajes

Hablemos claros. Las películas  y series de MCU a últimas fechas se centran más en hacer reír al espectador que en entregar una historia y personajes de calidad. De nuevo aquí nos libramos de esos puntos pues me atrevo a decir que esta es de las películas en donde más vemos el desarrollo de los guardianes —comparando con las otras dos películas de la trilogía—. Como era esperarse está peli es de Rocket quien a pesar de estar fuera  la mayor parte de la cinta los flashbacks nos cuentan su vida, y realmente sufres con él en más de una ocasión.

Llegando a enfatizar con él, entendiendo el porqué de su comportamiento tan maldito durante las otras dos entregas, pues vemos de primera mano cuanto ha sufrido desde que era un simple mapache.

Por otro lado tenemos al villano en esta serie, El AltoEvolucionador; debo decir que no es una amenaza nivel Thanos o Khan de hecho es un villano normalito que no tiene mucha trascendencia pero la actuación de Chukwudi Iwuji, lo lleva a otro nivel por completo. Lo dicho no es la mayor amenaza a la que se han enfrentado los protagonistas pero se siente como una; de verdad llegas odiarlo siendo sin duda uno de los mejores villanos del MCU y el mejor de la trilogía de los guardianes.

El resto de los personajes también resaltan a su forma dándoles el último toque para su cierre dejando todo listo para su partida dejando sus huellas para que la siguiente generación de guardianes siga sus pasos.

Opinión

Puedo entender por qué dicen que esta es la mejor peli de Marvel desde End Game pues como dije al principio recuerdas la buena época de la compañía, porque si, la película tiene comedia pero no es las bromas tontas que han estado metiendo a últimas producciones. Si tuviera que ponerle quejas a es el desarrollo de Adam Warlock quien el Vol. 2 fue vendido como la mayor amenaza que enfrentaría este grupo de Héroes. Pero termino siendo un niño con súper poderes encargado de ser el alivio cómico en la cinta. Aunque la justificación que le dieron para esta personalidad me da esperanzas de ver un poco más de desarrollo para convertirlo en un personaje fundamental rumbo a la siguiente generación de los Vengadores.

Por otra parte tenemos las escenas post créditos que en lo personal fueron decepcionantes pues esperaba algo que me conectaran con Khan Dinasty que es el próximo gran proyecto de los Vengadores, pero no. No hay nada relevante por lo que si aún no la han visto ahórrense tiempo y no se queden al final de los créditos.

Pero también háganse un favor y vean esta película que es de lo mejor que han sacado Marvel en mucho tiempo pues se la van a pasar bien, van llorar pero sobre todo se van divertir.

No voy a dar una gran introducción, ya todos sabemos a lo que venimos, así que empecemos de una vez.

Esta es la segunda adaptación a la gran pantalla sobre el personaje insignia de Nintendo, misma que ya se le considera, la película animada más taquillera de la historia pues al momento de escribir esto acaba de doblar el presupuesto con el que conto además de desbancar a Frozen de Disney como el filme animado más taquillero.

Argumento

Esta adaptación corrió a cargo de Ilumination Studios (Los minions) mismo estudio que fue escogido por el dios del gaming moderno Shigeru Miyamoto. Contandonos una historia que nos muestra los inicios del legendario fontanero y de cómo se convirtió en el héroe del reino champiñón, con la ligera variación que ahora el que debía ser rescatado es su hermano Luigi y no la princesa Peach, quien ahora es remarcada como una gobernante, fuerte y sin miedo de pelear por defender a su gente.

Animación

Dejemos algo claro desde el principio, a nivel visual Ilumination es sinónimo de calidad pues aunque esta compañía tiene ciertos puntos negativos de los cuales voy a hablar más adelante; en el apartado visual se lucieron en esta entrega, con una paleta de colores en donde resaltan los colores cálidos en todo momento, incluso en los momentos más oscuros como en el reino de Bowser, la animación conserva un brillo que la hace llamativa en todo momento pero sin llegar a ser pesada o cansada a vista.

De igual forma tenemos a los personajes con una gran cantidad de expresiones, claro ejemplo Peach quien gracias a la personalidad que le dieron se prestó a ser una chica sumamente expresiva tanto a nivel  de rostro hasta su movimientos, siendo esta una pisca de lo que puede llegar a lograr Ilumination.

Personajes

En el apartado de los personajes, podemos definirlo con una simple palabra: carisma. Pues todos los personajes que aparecen desde Toad hasta Bowser cuentan con un cierto toque los diferencia y sobre todo no los sientes forzado; esto también aplica a la princesa a la cual le llovió mucho hate en su tiempo, al ser considerada como un intento forzado del empoderamiento femenino. Pues nada más fuera de la realidad, porque sin duda Peach se siente como una gobernante a la cual no le tiembla la mano y como dije en el principio, una mujer fuerte que no tiene miedo de ensuciarse un poco si la situación lo requiere.

Mismo caso con Mario y Bowser respectivamente, el primero mostrándose como una persona inexperta pero con esa garra que le impide rendirse por mas jodida que se vea la situación. Y Por otro lado Bowser te impone, lo sientes como una amenaza real hacia Mario.

Quizás el único que podría flanquear un poco es Luigi pues no tiene tiempo en pantalla para que tenga un gran desarrollo, aunque esto da pie a que en una hipoteca secuela se pueda explorar más su desarrollo, o quien sabe, tal vez pueda salir algo estilo Luigi’s mansion.

Opinión

La principal razón por la cual me dio miedo el saber que Ilumination era el que haría este trabajo es porque si bien son muy buenos a nivel visual, pueden flanquear a nivel guión. Bueno me da gusto saber que me he equivocado a medias, pues como era de esperarse esta película no es perfecta pero si muy  buena, con la que pasaras un buen rato.

Aunque sin duda me hubiera gustado ver más en pantalla sobre Luigi quien al final de toda la aventura se siente algo forzado que le entre a los catorrazos cuando todo el tiempo quien se llevó la peor parte fue Mario, y no vale decir que tenía el power up de la súper estrella pues resulta contra producente pues Mario tuvo que entrenar para siquiera llegar a comprender los poderes, mientras que Luigi puede llegar y adaptarse así de fácil.

Por otro lado creo que el manejo de Bowser no fue el mejor, pues si impone y lo sientes como el malo, sin embargo a la hora que te enteras que está haciendo todo ese desmadre solo porque esta simpeando a Peach, pues no puedes evitar peder algo de respeto por el, ya que si bien esto da pie a muchas cosas jocosas como la súper conocida canción “Peaches” escrita y cantada por su actor de doblaje (Jack Black), desentona con el personaje pues es en los juegos actuales en donde se deja en claro que Bowser quiere algo con Peach y no por amor, sino porque sabe que así se queda con el reino champiñión y de paso se quita de encima a Mario.

Dejando en claro que como tal Bowser es un desgraciado y no un simp como lo quisieron poner en esta ocasión.

Primera vez hablando de un establecimiento, sé que esto no es mi giro como tal y no me considero un experto catador pero este lugar se lo merece además de que está ligado a la reseña de Mario Bros la cual cuando ustedes estén leyendo esto es muy probable que ya se encuentre publicada en esta página.

Empecemos diciendo que esto es  una experiencia muy diferente a las salas de cine tradicionales y VIP, pues literalmente estas en la comodidad de tu auto, también podríamos llamarla económica en cuestión de los boletos, pues al menos al lugar que fui fueron 300 pesos mexicanos por un auto el cual según los reglamentos oficiales del establecimiento puede ser sin límite de pasajeros, por lo que podrían ir 10 y el precio seguiría siendo el mismo.

Ahora no es la primera vez que voy a uno de estos lugares, sin embargo es importante recalcar que la primera película que vi en este formato fue Jurasic World y fue durante plena pandemia por lo que no cuenta.

Ahora decir que el cine en esta ocasión fue Autocinema Coyote, en especial la sucursal ubicada en insurgentes sur, CDMX. A muchos cuando les mencionan esta clase de establecimientos piensan en el tiempo con el que tienen que llegar al lugar pues a diferencia con las salas tradicionales, no tienes tu lugar garantizado y muchos quieren un buen lugar para ver su peli favorita.

Primero decirles que este cine tiene una cartelera semanal y por horarios, por lo que siempre están rotando las películas, aunque esta temporada estará repleta de Mario por lo que no hay mayor problema.

Bueno puedo decirles que yo llegue a las 20:05 hrs y la función empezaba a las 20:30 hrs. Ya cuando yo accedí había buena cantidad de autos dentro pero aun así me toco buen lugar (en el centro de la segunda fila) por lo que llegar con una media hora puede ser un punto positivo para que tengas buen lugar y por ende una mejor experiencia.

El segundo tema es el audio, pues en ocasiones hay lugares en los que tienes que estar con la ventanas del auto abiertas para escuchar bien, bueno en este lugar queda resuelto pues el mismo establecimiento te entrega una bocina bluethooth conectada la pantalla para que pongas el sonido al volumen que tu consideres apropiado sin afectar a los demás. Mismo sistema que deberás entregar al finalizar la función y con el cual te asistirán si tienes problemas durante la proyección aunque por lo que he investigado son raros los casos donde esto ocurre.

El único pero que le pongo es que al ser tantos vehículos, el servicio de dulcería es increíblemente tardado, tomando en cuenta que solo se puede ordenar desde el auto prendiendo las luces del vehículo 15 minutos después de iniciar el filme, algo que podríamos pensar que se arregla yendo al local en físico dentro del recinto sin embargo esa tampoco es una opción muy viable pues se tardan en atenderte alrededor de una media hora (dependiendo de cuanto pidas) por lo que el contrabando sigue siendo una opción. Además no es como que la comida del lugar sea la gran cosa, de hecho es el precio calidad estándar de cualquier cine VIP.

Antes de empezar con esta reseña quiero tomar un momento para recordarles que pueden comprar mis libros en Inferno y La Colección del terror en Amazon también pueden leer mi novela Viaje: heal and glow en Booknet, ahora si empecemos.

Hace unos meses empece seguir el manga y el anime de Edens Zero llevándome un grato sabor de boca por lo que ahora que ya salió un pequeño tráiler de segunda temporada de la serie de animación me rehúso a que en este blog no exista una reseña de esta joyita aunque claro está en esta ocasión me voy a centrar solo en él anime por lo que sí quieren una reseña del manga hasta la fecha díganmelo en comentarios.

Argumento.

Edens Zero  es un manga/anime que de manos de Hiro Mashima (Fairy Tail) el cual nos cuenta la historia de Shiki Grambell un humano que criado por una maquina llamada Shiki en el planeta Grambell de ahí su apellido este chico crece criado por su abuelo Ziggy quien le indica que no importa que pase debe tener amigos y cuidar de ellos. Así pasan los años hasta la llegada de Rebecca Bluegarden una Bcuber (Youtuber) quien se topa a con el protagonista de pura casualidad y quien es la que termina sacándolo del planeta después de una serie acontecimientos iniciando así su viaje por el cosmos para encontrar a una entidad cósmica llamada “Madre”.

Animación.

La animación estuvo a cargo de J.C Staff mismo que nos ha traído animes como Food Wars, Konosuba y Toradora. Por lo que calidad tenemos y de sobra ya que no solo respetan los diseños del autor sino que también dan un buen toque durante las batallas aunque para mí en donde más destacan es en el apartado de las batallas en el espacio.

Ahora algo que no va como tal en la animación sino en el diseño de personajes pero que si me gustaría decirlo es que muchos de los personajes se sienten como un copia y pega de los diseños ocupados en Fairy tail, no solo por el hecho de que reutilizo  a Happy sin justificación simplemente es un Happy diferente y ya. Eso también pasa con otros personajes como Rebecca o Elsie quien recuerdan mucho a Lucy y Erza respectivamente, ese es el único pero que le puedo poner en este apartado pues en cuestión de animación les repito hay calidad sin embargo me hubiera gustado ver un poco más de creatividad del autor para con algunos personajes en su apariencia.

Personajes.

Menos mal que este apartado beneficia a muchos personajes pues a pesar de sus diseños calca se diferencian muy bien de sus antecesores y de igual forma te llegas a encariñar con ellos sobre todo con Rebecca y Homura quienes en la segunda temporada tendrán un buffeo bastante significativo, realmente no hay personajes que sientas que no deben de estar ahí, todos tienen su tiempo en pantalla justo y necesario tanto para el alivio cómico como para los protagonistas quienes tienen sus momentos en solitario para brillar sin el resto del equipo. Si algo debo criticar es el tema de los villanos pues en toda la temporada los villanos solo me parecieron bien a secas y no los sientes como alguien que de verdad valla a ser un dolor de cabeza solo uno te invoca esa aura y tendrá su debut recién en la segunda temporada.

Opinión.

Bueno ahora si hablando de mi opinión, este anime es muy bueno pero no es perfecto pues el defecto más grande está en su trama y esto es un problema que sufren ambos formatos (manga y anime) hay determinados arcos y momentos que realmente se hacen lentos e incomibles pero que afortunadamente aportan algo a la trama en este caso a Homura quien es la que se lleva el premio al arco más pesado del anime. Sin duda el ritmo es algo que no le juega a favor en este anime pues no hay relleno por fortuna pero sí que existen  momentos tediosos que quieres saltarte pero no puedes porque son importantes para entender lo que sigue.

En conclusión Edens Zero es un anime que si te gusta todo el tema de los viajes espaciales y la ciencia ficción debes de ver pues te la pasaras bien aunque tampoco esperes un Code Gears simplemente míralo como una serie con la que pasaras un buen rato y después de unos capítulos te quedaras con ganas de lo que sigue.

¡Gracias! Gracias HBOMAX por entregarnos una de las mejores series del año 2023, no vamos a entretenernos mucho con la introducción ya que todos sabemos porque estamos aquí, así que vamos a lo que venimos.

Argumento

Aunque a  mi parecer sobra decir de que va esta serie lo hare de todas formas por si aún hay personas que no han visto esta carta de amor a las series.

The Last of Us es la adaptación del juego homónimo estrenado en 2013 y desarrollado por la mítica compañía Naughty dog (La Saga Unchurted y Crash Bandicoot) esta nos cuenta la historia de Joel Miller (Pedro Pascal) un hombre amargado y solitario el cual ha perdido todo gracias a la pandemia ocasionada por el hongo Cordyceps el cual convierte a su huéspedes en monstruos horribles sin ninguna clase de empatía o humanidad. En este contexto Joel es encomendado a cuidar de Ellie (Bella Ramsey) una chica aparentemente inmune a la infección por lo que la misión de Joel será llevarla a los laboratorios de un grupo anarquista conocido como «Las luciérnagas» para que puedan utilizar a Ellie como conejillo de indias.

Fotografía

Para mi The last of Us destaca sobre todo en dos apartados: Fotografía e historia. Es en este primer apartado que pudimos tener una muestra de lo comprometidos que estuvieron en este proyecto pues sin duda los escenarios pos apocalípticos son un calca y pega del videojuego, te sientes parte del entorno en todo momento. También cabe decir que esta serie transcurre su mayor parte de día por lo que los escenarios nocturnos serán pocos pero bien llevados permitiendo que te enteres de lo que estás viendo en todo momento. En cuanto al día contamos con tonos cálidos durante casi todos los episodios mostrando un lado de luz en un escenario tan desalentador.  

Y ni hablar de los infectados  pues pese a salir muy poco sin duda son un gran trabajo de efectos prácticos porque si, muchos de los infectados fueron realizados con maquillaje y prostéticos dejando de lado el ya demasiado usado CGI lo cual es un gran toque por parte del estudio, el cual también demuestra lo comprometidos que están con el proyecto.

Al igual que cuando reseño animación en esta oportunidad tampoco tengo nada en que quejarme del apartado visual pues es hermoso a la vista.

Personajes

Este mundo tiene gran cantidad de villanos y aliados durante toda la emisión por lo que hablar de ellos por individual me tomaría demasiado tiempo, solo les diré que algunos se llegan a sentir muy meh y otros por otro lado se siente que nacieron para el papel ejemplo de esto son los protagonistas. Pedro Pascal y Bella Ramsey nacieron para estos personajes, está claro que la Señorita Bella no se parece ni de lejos a la Ellie del videojuego, sin embargo hace suyo al personaje, lo abraza, dándole una muy digna caracterización demostrando el pedazo de actriz que es.

Y ahora tenemos a Pedro «papasito» Pascal quien es literalmente Joel, no solo parece un calca y pega del personaje pues desde que lo vez por primera vez dices «Joder este es Joel, es totalmente él» si no que alguien con el calibre de Señor Pascal llevo al personaje al siguiente nivel dándonos un Joel de alguna manera «hibrido» entre el Joel de las dos entregas del videojuego.

Esto es un tema que también se repite con otros personajes, pues muchos de ellos se vieron potenciados por los actores y actrices que les dieron vida, demostrando que cuando se quieren hacer las cosas con pasión, todo sale bien.

Opinión

Si la serie está muy bien pero no es perfecta, puede entender porque la gente los compara con The Walking Dead, pues si de algo peca esta serie es de qué le han quitado ese factor de acción que caracteriza a los videojuegos siendo sustituidos por abordar el factor psicológico y de relación humana entre los supervivientes. Esto causa que muchos capítulos se sientan pesados pese a que te siguen sumergiendo en la historia episodios que bien pudieron saltarse o no tener la duración que tuvieron pues se puede llegar a sentir demasiado como por ejemplo el tercer capítulo que no me mal entiendan, es hermoso en toda regla pero es un bajón tremendo de adrenalina después de venir de los primeros dos.

Como dije en el punto de fotografía el trabajo de caracterización es excelente, pudieron darnos más peleas con saqueadores o infectados que fue lo que llamo algo de lo que más carece esta serie.

Como conclusión, vean The Last of Us, véanla porque es un pedazo de serie. Pero tengan en cuenta de que si vienes del videojuego no tendrás una adaptación fiel al 100% pero si una a la altura, ya se está hablando de una segunda temporada de la cual no daré detalles por si no has jugado el segundo juego, pero sin duda esta es una buena oportunidad de corregir los puntos flojos de la primera entrega para tener una segunda entrega mucho más cruel y fría porque el punto psicológico se presta mucho para expandir la serie en el futuro.

Esta es la segunda adaptación que recibe un trabajo de Naughty Dog, una muy buena la cual se merecen después de que Hollywood detrozara una de sus sagas principales, muy bien por ellos. 

Me estaba dando una vuelta por la nostalgia por lo que decidí entrar a mí cuenta de Blogger encontrándome con reseñas ya re subidas en este blog como Yancha Gal no Anjou-San o Venom; para mí sorpresa me encontré con este manga al cual no recordaba haberle hecho reseña siendo que es uno que me gusta mucho en cuestión de dibujo y en cuestión de historia bueno ya lo verán además así aprovecho la noticia de su adaptación al anime.

Argumento

Dosanko Gal wa Namara Menkoi es un manga escrito e ilustrado por Kai Ikada publicado en Shonen jump+, el cual nos cuenta la historia de Natsukawa Tsubasa un chico el cual se tiene que transferir a Hokkaidō la segunda mayor isla del territorio nipón y cuya región cuenta con un frio de los mil demonios durante el invierno y adivinen ¿Quién se mudó ahí en invierno? así es, Tsubasa. Así es como él protagonista se termina encontrando con una belleza de mujer llamada Fuyuki Mimami  una Gal o Gyaryu muy atrevida, de muy buen ver por lo que de aquí en adelante comienzan las aventuras congeladas de este par qué está destinado a amarse por él resto de sus días.

Dibujo

En general este obra destaca más por su apartado visual que por otra cosa ya que si bien su trama y sus personajes son divertidos y entretenidos no deja de ser la típica trama del chico tímido que cautiva a la chica con melones de su escuela y a su rival gracias a la obra del guion, en cambio su estilo de dibujo lo encuentro fresco, no puedo llamarlo único pues deben haber más del estilo pero sí algo diferente a los estilos ya determinados entre los autores de manga. Bien saben ustedes que a nivel visual es muy difícil que tenga quejas, esta ocasión tampoco será la excepción.

Opinión

Como dije en el apartado anterior la obra destaca más por los visuales pues su trama se siente floja en ocasiones incluso para los estándares de un slide of life romcom. Pues aunque en esta obra también podemos encontrar los ya típicos teams para que los lectores decidan su dama preferida, estas solo destacan por su apariencia. Esto es algo que también afecta a Mimi —Minami— la diferencia se marca en el tiempo en que le dan a las demás para desarrollarse pues aunque cuentan con capítulos enteros y créanme cuando les digo que son capítulos seguidos —también llamados arcos— la chica principal tiene un ritmo mucho más activo lo cual hace que se te pasen volando y en donde descansa la mayoría de la comedia.

Contrastando con el ritmo lento y dramático de las otras 3. Aunque no mal interpreten sus historias son interesantes a la par que cumplidoras pues logras enfatizar con estas; solo que no la constante bomba con patas que es Mimi juega en su contra, al punto que los arcos de desarrollo de las rivales se vuelven eternos. ¡Y hablando de Mimi! Ella si en efecto se lleva toda la atención, es el alivio cómico y la que a leguas se nota que va a ganar; pero no hay nada más pese a toda la aura que la envuelve no hay nada más allá aun tomando en cuenta que le dan su debido desarrollo obvio solo se fijan en ella por sus atributos.

Como conclusión obvio les deseo el mayor de los éxitos en debut en la pantalla chica pero no le auguro algo bueno para una hipotética segunda temporada tomando en cuenta la posible extensión de la animación y el ritmo que lleva el manga estaríamos hablando de una segunda temporada un tanto tediosa al igual que una primera regular. Sin duda si te gustan los romcom tipo Yancha Gal o Nagatoro puedes darle una oportunidad al manga pero te puede llegar a aburrir después de unos capítulos y te costara mucho retomar el hilo.

Llevo unos días leyendo la novelización de la película Belle pero me han sido suficientes para dar mi opinión al respecto, primero aclarar que esta no es una reseña pues ya este libro es una adaptación del anime del cual de ya he hablado anteriormente por lo que si quieres conocer más sobre esta obra te dejo el link de mi reseña.

Y si ya viste la peli o te interesa leer la novela de una, puedes conseguirla en Amazon o en donde vedan mangas en tu país. En mi caso yo lo compre por Panini manga México por lo que si eres mexicano te invito a ir a un Panini point para adquirirlo o pedirlo en su tienda en línea.

Bueno ahora si empezando con mis impresiones debo decir que el libro me ha gustado más que la animación pues es mucho más descriptiva sobre todo en las escenas dentro de “U” así como en la manera de narrar desde cómo está constituido físicamente este espacio virtual hasta el proceso de creación de un “AS” siendo narrado como en todo momento desde la perspectiva de Suzu.  

Obvio esto no pasa en la película pues ahí solo tenemos un vistazo rápido a U y como se crea un avatar y aunque claro a nivel visual la animación gana por goleada ese nivel de inmersión que crea la narración escrita es muy buena siendo un capítulo entero para explicar el mundo virtual.

Ahora si recuerdas en mi reseña me queje de que los puntos en el que la pantalla se queda estática (gracias a pasa algo fuera de cámara) eran muy largos. Bueno esto no pasa en esta adaptación pues como podrás imaginar acompañamos a Suzu en todo momento por lo que cosas que quedan implícitas en el filme en esta ocasión sí se detallan. Esto es algo que también ayuda a los personajes secundarios pues en el filme les faltaba tener más participación para llegar a enfatizar siendo ayudados de igual forma por el tipo de narrador en esta ocasión.

Hablando ahora de la lectura así como el ritmo. Es una lectura rápida pero que no te llegas a confundir pues como dije antes te sumerges siendo raro cuando pierdes el hilo siendo este uno rápido de retomar, igual los capítulos son cortos (6 paginas aprox) por lo que si tienes un finde libre lo puedes llegar a devorar como fue mi caso.

Ya para terminar hablaremos de Zusu y Dragón (aquí se tradujo con ese nombre pero en el doblaje de la película lo tradujeron como “Bestia”). Recordemos que la historia toca temas fuertes los cuales no diré para no dar spoilers; lo que si les puedo decir es que en este apartado ambas versiones están a la par ya que sientes el dolor y el sufrimiento de ambos personajes. Siendo este un punto que me preocupaba pues temía que al ser trasladados a una novela se sintieran planos.

Bueno empecemos con esto. Hace unas semanas se estrenó “Velma” un spin off de la icónica detective de Misterio a la orden o mejor dicho Scooby Doo pero en un formato adulto y sin la aparición del conocido can que hizo legendaria la franquicia; dicha serie animada estuvo plagada de polémica no solo gracias a la ausencia de Scoob si no que cosas como el re diseño de algunos personajes o sus etnias fueron tachadas de inclusión forzada pero en esta reseña les diré porque cosas como el color de piel son irrelevantes pues esta serie es pesada de ver y no tiene nada que ver con la inclusión.

Argumento

Esta serie nos cuenta los inicios de Misterio a la orden (Mystery Incorporated en inglés) narrado desde el punto de vista del miembro más inteligente Velma Dinkley. La historia transcurre dentro del pueblo Cristal Cove (lugar visto por primera vez en Misterios S.A) en donde un asesino en serie a está cometiendo algunos feminicidios, es por ello que Velma decide volver a resolver misterios no solo para descubrir la identidad del asesino sino también para encontrar a su madre desaparecida.

Personajes

Aquí empezamos a cojear y de qué manera pues empezare diciendo que la protagonista es molesta a niveles que no había visto yo en mucho tiempo; pues es engreída, narcisista, egocéntrica que para colmo no tiene intenciones de cambiar, ella sabe qué es así y no le importa. En fin, no te pones de su lado en cualquier momento solo sientes ganas de que alguien le baje los sumos de un golpe en la cara.

Esto es algo que también sufren los otros personajes pues también son molesto de cierto modo pero a diferencia de Velma estos si tienen una evolución aunque sea menor la tienen y llegas a enfatizar más con ellos, pues Norville (Nombre real de Shaggy) es el eterno simp de Velma no correspondido (ship que igual se conservó de igual forma de Misterios S.A) pero a pesar de que es molesto en ciertas formas de hablar te llegas a sentir mal por el pues en un pan de Dios por lo que quieres que sea feliz.

Fred y Dafne los pongo juntos porque al igual que las numerosas adaptaciones estos empiezan siendo pareja pero aquí la diferencia radica en que Fred es un chico rico mimado que literal no puede comer sin ayuda, siendo el típico estereotipo de chico ricachón sin materia gris en la cabeza contrastando con el líder inteligente al igual que creativo que tanto amamos pero de igual forma te llegas a reír un poco con él ya sea porque dice algo jocoso o por pena ajena.

Por el caso de Dafne igual es el estereotipo de niña creída y popular pero se deja en claro que esta lo hace por encajar pues se sabe bonita pero no conoce otra forma de desenvolverse con chicas de su edad que no sea usando este atributo; sumado a esto tenemos la sub trama de ella buscando a su verdadera familia pues en esta adaptación es una chica asiática adoptada por una pareja lésbica.

Todo esto suma a este personaje quien es en mi opinión tuvo una muy buena evolución como personaje a lo largo de la emisión.

Opinión

Ok Velma no es una serie terrible como muchos la quieren hacer ver; pues es jocosa en ocasiones y de manera genuina te puede llegar a soltar una que otra risa; aunque también cabe decir que él humor se siente como sí un chavo ruco lo hubiera escrito creyendo que a las generaciones actuales les parece divertido ver a un personaje quejándose de todo y diciendo que todo lo hace bien; o cogiendo, besándose o viendo desnudos, para prueba de esto los primeros minutos de la serie, opacando los momentos medianamente graciosos que pueda llegar a tener esta serie.

Otra cosa es que se nota que intentan parecerse a series como Rick and Morty (en materia de humor) y lo logran pues sí recuerdas en especial a la serie antes nombrada, el tema es que lo hacen pensando que ese tipo de humor sigue siendo grande. Porque lo fue en su momento no lo niego pero a estas alturas se nota que lo hacen por seguir quemando algo que en su momento fue llamativo.

Hablando ahora del romance de las dos chicas del grupo debo admitir que al principio si se sentía metido a la fuerza e incluso deba algo de pena ajena (Todo por comentarios odiosos de Velma) pero aquí supieron manejar de buena manera este ship pues después de un rato llegas a enfatizar sobre todo con la pelirroja entiendo todo lo que siente por su amiga, lo cual hace sentir la relación con un desarrollo orgánico

Ya para terminar. Sin duda su punto fuerte es el misterio pues es una trama bien planteada e interesante; pero este queda completamente olvidado por las sub tramas de Velma y Dafne siendo hasta los últimos capítulos en donde se vuelve a tomar con todo el caso principal sumando de paso la resolución de la trama del Velma pues la de Dafne pasa sin pena ni gloria.

Como conclusión el problema de Velma está en su protagonista y en su manera de desarrollar a su trama, así como en su humor que intenta agradar a los “chavos”, pues en cuestión de personajes pese a ser obvias burlas a determinados segmentos de la sociedad siguen siendo medianamente decentes mostrando que si hubieran querido ponerle más ganas el resultado hubiera sido mucho mejor.

Cuando vi esta serie entre las próximas a estrenarse en el catálogo de Netflix lo que me motivo a darle una oportunidad encontrándome una romcom interesante pero tampoco algo por lo cual volvernos locos esperando una segunda temporada.

Argumento

Este anime es una adaptación del manga escrito e ilustrado por Wataru Momose el cual fue serializado en la Shonen Jump+ de 2019 a 2020. Esta serie de animación nos cuenta la vida de Anzu Hoshino una chica de preparatoria la cual vive feliz sin salir de casa y sin preocuparse con salir con alguien de manera romántica por lo que después de comprar un videojuego se topa con una criatura mágica a la cual conoceremos como Riri quien está determinado a lograr que esta chica encuentre al amor de su vida y para lograrlo no solo le conquista sus más grandes tesoros (el chocolate, los videojuegos y su gato) sino que también que también convierte su vida en un clásico juego Otome.

Animación

Esta serie corrió a cargo de Domerica studios una compañía que no es como que tenga gran cantidad de animes a su disposición por lo que este podría ser tal vez el proyecto más popular en el que han trabajado, también cabe destacar que debido al poco alcance de la obra original en América no he podido encontrar nada para hacer las comparaciones de ambos estilos (manga y anime) salvo por las portadas de los volúmenes. Pero debo admitir que aun si ese factor el anime cuenta con una muy buena animación en donde sale a relucir el apartado de personajes apegándose a la vez los estándares ya establecidos para  los estudios japoneses.

Personajes

Aquí es donde empezamos a cojear pues a pesar de que el apartado de actores de voz es muy bueno (Incluso la voz de Megumin se encarga de hacer de Anzu) los personajes se sienten como lo que son; típicos clichés de los juegos Otome de los cuales la protagonista debe uir/ser cortante para no enamorarse mientras que siente pena por ser arrastrados al juego de Riri quien solo funge como un pequeño gatillo para que la trama avance pues sin este personaje y su determinación para lograr su objetivo la trama se quedaría estancada con personajes genéricos.

Doblaje

En esta ocasión si voy a tocar el tema del doblaje pues toda la serie me la vi con doblaje al español y he de admitir que sus voces fueron muy buenas incluso me gustaron un poco más que las voces originales (con el debido respeto a las personas que hicieron su trabajo en Japón) de hecho este doblaje me parece un plus pues en ocasiones me fastidiaba; y miraba mi teléfono por lo que el doblaje me ayudo a no perder el hilo.

Opinión

La asesina del Romance es un anime entretenido que destaca por su animación colorida y algunas ocurrencias por parte de Riri pero sus personajes genéricos no ayudan a que esto saque todo su potencial pues solo sientes pena porque sean utilizados en todo este plan que se trae el supuesto antagonista pero no son chicos a los que se les del tiempo de enfatizar como es debido pese a que se abren con la protagonista, en mi opinión es una serie medio palomera que puedes ver un día que no tengas mucho que hacer pero no es algo con lo que te vayas a enganchar del todo pues en cierto momento te puedes llegar a aburrir

Sin duda esta adaptación tuvo un buen recibimiento en cuestión de visibilidad que es al final lo que las personas detrás de un manga buscan pero me parece que pudo hacerse un mejor contenido aun sin conocer la obra original la cual espero sea mejor en cuestión de historia.

Tarde pero termine viendo el Gato con botas: el último deseo y sin dudas valió la pena no por nada es una de las fuertes candidatas a llevarse el oscar a mejor película animada junto con Pinocho de Guillermo del toro y es por ello que hoy decidí traerles esta reseña.

Argumento

Gato sigue siendo el mismo personaje arrogante y temerario que vive al borde de la muerte pero todo tiene un límite pues a gato se le han acabado sus vidas por lo que después de caer en una crisis existencial decide embarcarse a una aventura para llegar al centro del bosque oscuro en donde yace una estrella capaz de concederle un deseo con el cual planea recuperar todas sus vidas.

Durante la travesía vuelve a estar acompañado por Kitty patitas suaves y se les suma Perrito, un chihuahua callejero; mientras que por el lado de los antagonistas tenemos a Jack Horner, Ricitos de oro junto a los 3 osos y al lobo quien es la muerte en persona, además del causante de que Gato tenga miedo por primera vez en su vida.

Animación

Hablando de lleno de la animación pues fue algo que causo debate por ser diferente a lo que se vio en el primer filme de este personaje, debo decir que me gusta manteniendo un gran dinamismo durante gran parte de la cinta en especial durante las batallas; además de dar un aire a lo que fue Into the spiderverse además cabe aclarar que este tipo de animación no es nueva para DreamWorks pues ya es algo con lo que vienen trabajando desde el estreno de Los tipos malos por lo que podemos esperar que ahora en adelante esto se vuelva un sello del estudio de animación.

Personajes

Aquí tenemos luces y sombras pues personajes como Perrito son el mero apoyo cómico estando solo para eso, para sacar unas cuantas risas pese a tener un pasado más duro del que pensé que le pondrían tomando en cuenta el público objetivo de la cinta. Otros personajes como Jack o Ricitos se quedan muy por opacados por Lobo de quien voy a hablar en un momento, ya que pese a tener cierto tiempo en pantalla para desarrollarse solo llegas a sentirte identificado por un momentos con Ricitos pues Jack Horner aunque es un buen villano, es detestable pero no deja de sentirse como  un personaje que es malo solo porque sí.

Kitty sigue siendo Kitty no tiene gran desarrollo en pantalla pues durante toda la aventura solo se la pasa diciendo que se siente sola y que no se puede fiar ni de Gato quien la dejo plantada en el altar, tanto es así que cuando final decide que confiara en el protagonista quedándose a su lado te termina dando igual pues no tuviste el tiempo de sentirte mal por ella algo que sin duda si se logra en la anterior película.

Ahora si hablemos de lo que verdaderamente se llevan las palmas en este filme: Gato y Lobo. Dos caras de la misma moneda, lobo no tiene gran tiempo en pantalla en comparación a los otros antagonistas ya nombrados pero no le hace falta pues con el poco en pantalla da una lección de manera discreta pero tajante: No puedes escapar de la muerte; no importa cuánto corras, no importa cuánto te escondas.

Lo mejor es que esa lección solo cobra sentido cuando nos damos cuenta de que es la muerte sin mascara pues toda la peli él nos engaña poniéndose la fachada de un caza recompensas intachable ¡Y aun así da miedo! Esa es la mejor parte, solo sabes que es un caza recompensas que busca a Gato pero en cuanto lo vez te das cuenta de que algo no va bien, solo le basta su silbido para mostrarte que todo ha terminado, él te está cansando…. Y te va a atrapar.

Por otro lado tenemos a Gato que pasa de ser un temerario forajido a un simple gato viejo asustado de perder lo único que tiene, su última vida. Ustedes saben que soy muy fan del concepto de “la caída del héroe” aquella idea en que el protagonista tiene que tocar fondo para volver a subir aprendiendo de nuevo.

Bueno pues esta DreamWorks logro plasmar esto de muy buena manera pues ahora Gato debe bajar un poco su ego para darse cuenta de que ha vivido confiado tanto de su «leyenda» que se le olvido que es mortal y que no puede estar solo toda su vida  ¿Lo ven? Pasamos de un héroe que cree indestructible, luego por un ser derrotado que lo ha perdido todo y por ultimo volvemos al héroe pero esta vez más sabio y discreto, esa es la magia que alcanza gato en esta secuela.

Conclusión

Esta sin duda es una secuela digna de su primera parte, bien se dice que las segundas partes no siempre son buenas pero en esta ocasión tenemos una segunda parte tan buena como la primera en donde si no fuera por los villanos y protagonistas secundarios hablando claro de la manera en que te tienes que encariñar (o odiar) con estos  sería un completo 10, ¿Puedo ver a este filme ganando el oscar? La verdad no pues la parte del deseo en esencia es lo mismo que vimos en la primera entrega (Gato y su grupo en busca de un objeto mágico), creo que hay mejores propuestas a un nivel Story Telling  pero no descarto una victoria de este filme quien si logra a hacerse con la prestigiosa estatuilla será por su implementación en animación más que otra cosa.

Hace unos meses vi la película “Pinocho” del director Guillermo del Toro y debo decir que me encanto siendo esta una clara candidata a llevarse el oscar en la categoría de película animada.

Argumento

Esta historia no es la típica que vimos el año  historia que vimos el año pasado adaptado a un live action ya que en esta ocasión se adaptó el material original es decir el libro por lo que hay que hacerse a la idea de que veremos una historia mucho más cruda que la que podemos ver en la película que hizo famosa Disney.

Para empezar este filme toma lugar durante la primera guerra mundial para ser exactos en los tiempos de la Italia fascista gobernada por el militar, político y dictador Benito Amilcare Andrea Mussolini, por lo que no te esperes un escenario bonito pues aquí van a regir la falta de moral por parte de muchos de los personajes así como el pensamiento trágico y militarista.  

Es en este contexto en el que el hada madrina trae a la vida a Pinocho quien fue fabricado en medio de una borrachera de Gepetto gracias a que este se encontraba despechado por la muerte de hijo Carlo producto de los numerosos y trágicos efectos colaterales que genero este conflicto bélico. De este punto en adelante Pinocho no tendrá como objetivo portarse bien para volverse un niño de verdad si no que buscara que Gepetto lo quiera a como de lugar.

Personajes y animación

Hablemos un poco de la animación así como del diseño de personajes para esta adaptación. Bueno primero decir que a pesar de que Memo del Toro ya ha trabajado en películas animadas como por ejemplo el Gato con Botas, esta es la primer cinta animada dirigida por el cineasta mexicano haciéndolo de manera magistral con un muy buen manejo de la técnica Stop motion de igual forma sus personajes lucen muy llamativos sacando a relucir la ya conocida creatividad de este director.

Sus escenarios no se quedan atrás pues a pesar de que su historia tiene un toque más serio en comparación a la adaptación más conocida su fotografía será en mayoría colorida durante algunas partes de la película dándonos de esta forma un contraste con funciona bastante bien.

En cuando a sus personajes podemos decir que tienen su tiempo justo en pantalla tanto los villanos así como los protagonistas aunque sin duda en ocasiones se siente que debería tener más participación Sebastián el grillo pues es este personaje quien hace de narrador de la historia, de hecho se siente como una clase de alivio cómico en ocasiones siendo una criatura mágica en el mundo de los muertos quien se encarga de educar a Pinocho aunque cuando el hada del bosque le encomendó esa a tarea a Sebastián,  aun así se siente muy equilibrado ya que todos tienen sus roles y en ese sentido ninguno sobresale más que el otro pues existe un equilibrio.

Algo que destaco es lo molesto que es este Pinocho pues se comparta como un niño malcriado de unos 8 a 10 años pero de manera muy exagerada lo cual te da ganas de querer matarlo durante determinados momentos durante el filme agradeciendo al final que el niño de madera sea reprendido aunque esto termina ocasionando un berrinche más grande por parte de esto, aunque pese a ser pesado no el espectador no lo toma de manera negativa y lo llega a odiar para siempre si no que da la imagen de lo que es, una mezcla entre un niño mal educado y un pequeño que apenas está descubriendo el mundo así como las personas que lo rodean.

Canciones

Si, esta cinta tiene canciones pero tranquilos que no está sobrecargada de ellas teniendo un total de 4 sí no me falla la memoria y todas con un buen contexto de fondo que te hace apreciar la fotografía, desesperarte o incluso reírte por lo que este elemento es llevado de una muy buena manera.

Conclusión

Pinocho es un gran filme que nos deja muchas lecciones a lo largo de su duración de las cuales destaco las siguientes:

La primera: La animación en definitiva no solo es para niños, es un formato más que sirve para contar infinidad de historias.

La segunda: No debes esforzarte por ser otra persona solo para que los demás te quieran ser tú mismo siempre será más importante que ser alguien que no eres solo por encajar o agradarle a alguien.

La tercera: No somos eternos, venimos al mundo con fecha de fabricación así como también se nos entregó una de caducidad, tarde o temprano nos llegara un momento de partir nos toca aceptar que esa realidad de la mejor manera posible.