Take Away Arch.

+ Obra: “Città Minime”

+ Fotógrafo: Matteo Mezzadri + Material: ladrillos

+ Descripción: Como resultado de la superposición minuciosa, casi obsesiva de ladrillos, el fotógrafo italiano Matteo Mezzadri construye una ciudad ficticia imposible dentro de su estudio fotográfico.

"Città Minime" explora el espacio en el que vive la mayoría de la gente, un espacio urbano reconocible en sus estructuras esenciales: los edificios, las carreteras, los árboles, aunque esta vez es visto desde un punto de vista diferente que distorsiona y las recrea. El uso de Photoshop se reduce al mínimo, mientras que el ambiente se recrea con un uso inteligente de los dispositivos técnicos.

+Info: web del fotógrafo, artículo Città Minime

+ Obra: City y Habitat

+ Artista: Katarzyna Józefowicz

+ Material: cartón, papel

+ Descripción: los materiales con los que esta escultora polaca materializa sus primeras obras reconocidas son el papel y el cartón, tanto por su relativa delicadeza y no-durabilidad. Ella los utiliza para crear construcciones sutiles con miles de elementos. Sus creaciones son muy laboriosas y requieren de varios años de trabajo monótono, el cual se lleva a cabo por la propia artista de manera íntegra. Las esculturas se dividen en dos series desarrolladas en la década de 1990: City (1990-1991) y Habitat (1993-1996). City es una recreación de la complicada estructura de una metrópoli, una estructura construida de forma vertical en lugar de horizontal. Habitat trae a la mente enormes casas de muñecas, construcciones de muebles de cartón de diferentes tamaños. En una escala micro, ambas obras representan la estructura molecular del hábitat humano. Sin embargo, se encuentran deshabitadas, lo que les hace parecer más como un organismo creciente y vivo, cuya expansión no puede ser ceñida a unas normas exactas.

+ Obra: RauchHouse

+ Arquitecto: Roger Boltshauser

+ Material: arcilla, yeso, tapia

+ Descripción:

Boltshauser desarrolla sus trabajos de arquitectura con la ayuda de maquetas volumétricas. Éstas suelen estar realizadas en un material con cierto grado de abstracción al que se le aplica una textura.

Entiende el espacio como algo dependiente de la materia que le da forma, por ello trabaja la ornamentación y la textura siempre con sentido para lograr un deterimnado efecto espacial, ayudándose de maquetas de textura y concepto.

Para Boltshauser existe una clara diferencia entre arquitectura y escultura. La escultura es el objeto físico y la arquitectura es el vacío. Para poder trabajar con el vacío, desarrolla maquetas en las que lo vacío se representa sólido, como si la arquitectura fuera un molde negativo de esa maqueta. Defiende que todas las representaciones en arquitectura deben mostrar el juego entre masa y espacio. Estas maquetas complementarias pueden afilar el pensamiento espacial.

+ Obra: House in a plum grove / Casa en un huerto de ciruelos

+ Arquitecta: Kazuyo Sejima

+Material: forex, metacrilato

+Descripción / Metodología: en la Casa en un Huerto de Ciruelos, obra clave en la trayectoria de la arquitecta japonesa, se puede observar a través de la proyección con maquetas, su forma de entender la arquitectura.

No trata de construir plantas horizontales con posibilidad de ser perforadas como se hacía en el Movimiento Moderno. No construye con planchas horizontales, construye con espacios que constituyen unidades autónomas: salón, biblioteca, habitación, etc. Estos fragmentos se ensamblan uno con otro, generando una complejidad espacial de gran intensidad en la división del prisma originario.

En el vídeo se reconstruye la casa mediante el ensamblaje de los volúmenes y espacios autónomos que constituyen la vivienda. Las piezas que sevan montando, siempre son incompletas, no acabadas, abiertas. Todas ellas se van introduciendo en un metacrilato trasparente, que se utiliza no sólo por necesidades de montaje y sujeción sino más allá: insistiendo en el "prisma puro" del que se ha partido y que, a su vez, está constituido por todos los espacios que este metacrilato, debido a su trasparencia, deja vistos.

+ Obra: Cutpaper maps

+ Artista: Stéphanie Beck + Material: Papel + Descripción: La artista Stephanie Beck vive y trabaja en Brooklyn, su trabajo incluye libros de arte, fotografías, mapas de papel cortado y construcciones de papel escultóricas.

Se basa en las ideas de fragilidad y fugacidad y cómo existen estos estados en los espacios públicos y privados en los que vivimos. Se inspira en las experiencias mentales y físicas que tenemos de los espacios y edificios cuando avanzamos a través de ellos, y cambian con el tiempo. De alguna manera, ve los edificios y estructuras como sustitutos de nosotros mismos y los utiliza para investigar e ilustrar las debilidades humanas.

A medida que sus construcciones son destruidas en los eventos, el trabajo restante se compone de las fotografías, videos y memoria del evento, haciendo hincapié además en la importancia y la validez de las experiencias efímeras.

En su colección de “Cut paper maps” explora los patrones y capas de carreteras, caminos, tuberías y líneas que crean nuestras ciudades y dan forma a nuestros movimientos.

+ Revista: amag!

+ Editores: Maushaus 

+ Dirección: Rakennetaan kaupunki! 

+ Material: archivos descargables en A4 para imprimir, cortar y juegar

+ Descripción: amag! es una revista digital de arquitectura para niñxs de entre 5 y 10 años que comenzó en 2012. A través de recopilaciones anuales, se publica mensualmente un artículo de investigación acompañado de material para poner la parte práctica. Además, se trata de un Open Educational Resource (OER) para los colegios de todo el mundo. Un proyecto de código abierto que sirve para que cualquier niñx pueda aprender arquitectura jugando con las páginas de la revista.

+ Obra: Biblioteca en Palafolls (Biblioteca Enric Miralles)

+ Arquitectos: EMBT

+ Material: varios (espuma, madera de balsa, madera maciza)

+ Metodología:

     I. Dibujo de un sueño, un embrión, una idea.

     II. El dibujo adquiere volumen y se adapta al paisaje.

     III. El paisaje responde y cambia, se produce un diálogo en los dos sentidos.

     IV. El trabajo final se convierte en una serie de erupciones que surgen del paisaje para delimitar espacios con su propia topografía.

Enric Miralles destaca en una aproximación al proyecto arquitectónico basada en su interés por el dibujo y la maqueta, que de hecho, adquieren importancia propia más allá de la construcción. Su preciosismo y meticulosidad, junto con su sensibilidad y hábil lectura de los contextos le convirtieron en uno de los arquitectos catalanes más influyentes del siglo XX.

+ Obra: Pabellón Dinamarca para la Expo de Shangai 2010

+ Arquitectos: BIG

+ Material: Varios. Destaca el uso de espumas

+ Metodología:

      I. Definición conceptual-formal de varias líneas de investigación A, B,

      II. Testeo de las diferentes ideas mediante maquetas de trabajo

      III. Desarrollo de la maqueta de proyecto

      IV. Trabajo de los detalles del proyecto mediante modelos físicos

Además de utilizar las maquetas para testear y definir las características de sus proyectos, la oficina de Bjarke Ingels utiliza las maquetas como medio de comunicación para explicar sus propuestas.

+ Nombre del taller: Taller de formación 4, Escuela de Arquitectura Universidad Católica, Santiago de Chile

+ Profesor responsable: Sebastián Irarrazaval + Descripción: Primer ejercicio del curso del TALLER DE FORMACIÓN 4 de la PUC de Arquitectura de Santiago de Chile. Se animaba a los alumnos a construir un pabellón de grandes luces y una torre utilizando “comida” como material. El objetivo de este ejercicio era contar con una idea fuerza o un ADN de proyecto. Dicho de otro modo, construir un “germen” de proyecto, resultado de una exploración estructural y material.

De esta manera, se "obligaba" a los alumnos a huir de estructuras conocidas o asimiladas (pilares, vigas, cerchas...) y encontrar nuevas lógicas estructurales a través del material. En los últimos ejercicios del curso, se ve una relación directa de estos primeros conceptos con el proyecto final.

Profesores del curso: Sebastián Irarrazabal, Sebastián Hernández, Alejandro Soffia, Guillermo Hevia, Paula Velasco / Ayudantes: Carla Aldunate, Andrés Lira

+ Nombre del taller: cursos preparatorios de Josef Albers y László Moholy-Nagy

+ Autores: Josef Albers y László Moholy-Nagy

+ Descripción: Albers dio un curso en el primer semestre a partir del otoño de 1923, mientras Moholy se encargaba del segundo semestre del curso preparatorio. Mientras el objetivo primordial de la clase de Albers era utilizar el material con creatividad y economía, las clases de ejercicios de Moholy-Nagy, se concentraban en la forma en el espacio. 

El pintor Hannes Beckmann describía su primer día de clase con Albers: «Recuerdo aún el primer día de clase como si lo estuviera viviendo: Josef Albers entró en el aula con un atillo de periódicos bajo el brazo, que luego repartió entre los estudiantes. Después se dirigió a nosotros y dijo, más o menos: «Damas y caballeros: nosotros somos pobres y no. No podemos permitirnos perder material ni tiempo. Tenemos que hacer de lo peor, lo mejor. Cada obra de arte tiene un material de partida muy concreto, y, por eso, lo primero que tenemos que hacer es investigar cómo se ha Iogrado este material. A este objeto vamos a experimentar antes de nada, sin necesidad de que produzcamos algo. [...] Recuerden que a menudo se consigue más con el menor esfuerzo. Este estudio deberá motivar a pensar constructivamente. ¿Me han comprendido? Quiero que ahora tomen los periódicos que han recibido, y que hagan de ellos más de lo que por el momento son. También quiero que respeten el material, que lo usen adecuadamente y sean conscientes de sus cualidades. Si pueden arreglárselas sin otros medios, cuchillos, tijeras o cola, tanto mejor ¡Que se diviertan! Pasadas unas horas regresó al aula y nos hizo extender los resultados de nuestros esfuerzos en el suelo. Había máscaras, barcas, castillos, aviones, animales y diversas figuritas ingeniosamente discurridas. El calificativo que nuestras creaciones merecieron fue «cosa de parvulitos». Albers opinaba que para esas composiciones había materiales más adecuados. Luego señaló una composición extremadamente simple; un joven arquitecto húngaro la había realizado. No había hecho otra cosa que doblar el periódico a lo largo de tal modo, que se sostenía de pie como un ala. Ahora nos explicaba Josef Albers qué bien había sido entendida la naturaleza del material y qué bien había sido utilizado y qué acorde era el proceso de doblar trabajando con papel, pues con este proceder se transformaba un material tan blando en rígido, tan rígido, que podía sostenerse sobre su parte más delgada - sobre el canto.  [...] El curso preparatorio era como una terapia de grupo. A través de la comparación de todas las soluciones halladas por los demás  estudiantes, aprendíamos con rapidez a encontrar la solución más deseable de una tarea. Y aprendíamos a criticarnos a nosotros mismos; eso era más importante que criticar a los demás.  [...] »

+ Nombre del taller: Laboratorio de tizas \ Klarion laborategia

+ Autor/es: Departamento de proyectos ETSAM - idea original Jorge Oteiza

+ Descripción: el "Laboratorio de tizas" de la ETSAM es un Proyecto de Innovación Educativa desarrollado en colaboración con la Fundación Museo Jorge Oteiza en el que toman el nombre que el escultor le dio a la experimentación espacial con pequeños prismas de yeso. Su uso constituye la tiza como una unidad susceptible de combinación espacial y se ve reflejado en su producción artística.

Su rechazo hacia la materia toma su punto álgido entre 1957 y 1974, cuando se decanta por la tiza y otros materiales como el papel, el aluminio o el cartón, ausentes de expresividad, textura o cromatismo para pensar sus obras. Desde entonces, la intensidad metodológica del laboratorio de tizas de Oteiza se ha convertido en referente de investigaciones por la base científica de su trabajo, riguroso, intenso y elemental.

Por lo que respecta a la aplicación dentro de la docencia de arquitectura, en el curso impartido por la ETSAM, se enseñan procedimientos parecidos a los de Jorge Oteiza en su laboratorio de tizas. Este laboratorio se entiende como un procedimiento abierto para la pedagogía de los fundamentos del proyecto de arquitectura y para el acercamiento a uno de sus centros fundamentales: el misterio del espacio.

Obra: Casal Balaguer | De la maqueta a la obra

Arquitectos: Flores & Prats

Material: varios

Descripción: dentro de Grafting Architecture, propuesta para la Bienal de Arquitectura de Venecia por parte de Cataluña, los arquitectos Eva Prats y Ricardo Flores proponen trasladar el armario de su estudio en Barcelona donde se encuentra todo el trabajo desarrollado en Casal Balaguer durante 18 años, a Venecia. En él podemos encontrar muchas maquetas de trabajo que han sido esenciales para entender la relación de la nueva arquitectura que actúa desde el interior del edificio, para que las nuevas intervenciones se incorporen, llegando a confundirse con la preexistencia. De esta manera, el material de trabajo adopta un carácter por sí mismo, independiente de cualquier uso posterior. "El armario es una buena metáfora del Casal Balaguer, un edificio que también es de una manera un contenedor de tiempo. Después de haber crecido a lo largo de los siglos, ha sido capaz de contener las vidas sucesivas e innumerables cambios en el tiempo, absorbiendo y observando a través de las huellas y cicatrices de diferentes acciones en él "

Info: álbumes de facebook, Metalocus 

+ Obra: LIMAC

+ Arquitectos: Productora

+ Material: corcho blanco

+ Descripción: El proyecto para el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, Perú, se basó en dos puntos de partida: el museo conservaría los ‘clásicos’ espacios ortogonales y, como edificio, debería desaparecer en el paisaje desértico de las afueras de Lima.

En las diversas maquetas de trabajo observamos la combinación de dos tipologías de museo diametralmente opuestas. La tipología del museo del siglo XIX, que consiste en una sucesión de espacios delimitados por cuatro muros (la clásica sala de exposición) y el espacio museográfico del siglo XX: el espacio blanco abierto de la galería o loft (la planta libre lograda a través de una retícula de columnas). En uno de sus lados el museo comienza con una retícula de columnas ubicadas en el espacio libre y hacia la otra esquina, se extiende en una agrupación de cuartos divididos por pasillos. Así se genera un espacio museográfico que establece relaciones ambiguas entre los espacios contenidos de exposición (las ‘salas’) y el habitáculo abierto que se despliega entre los volúmenes.

+ Info: Web Productora, Booklet del proyecto, Web del museo

+ Obra: “Houses of Cards”

+ Arquitecto: Yuri Avvakumov + Material: cartas y elementos auxiliares + Descripción: A mediados de 1980 el arquitecto Yuri Avvakumov realizó una serie de obras escultóricas que conmemoran el arte constructivista soviético y la arquitectura de la década de 1920. Las obras están formadas principalmente por estructuras delicadas de malla de alambre con plataformas, que rinden homenaje a artistas o arquitectos como El Lissitzky, Tatlin y Melnikov.

Otra serie de obras como “Dominos” y “Houses of Cards” hacen uso de la modularidad de objetos familiares para crear estructuras de composiciones combinatorias. "Crystal Tower" utiliza naipes translúcidos y combina una celosía tensegrítica rígida inferior con una estructura pesada superior.

No dejéis de entrar en los siguientes enlaces si queréis conocer un poco más de esta interesante obra.

+ Info: Yuri Avvakumov , Dataisnature

+ Artículo: “Strutture e Sequenze di Spazi”

+ Autor: Luigi Moretti + Material: Yeso + Descripción:

El arquitecto Luigi Moretti nació en Roma en el año 1907 y murió en la misma ciudad en el año 1973. Hijo del arquitecto Louis Rolland, aprendió el interés por la ciencia, las matemáticas y la arquitectura gracias a su padre. 

Vamos a hablar del último artículo que escribió para la revista “Spazio”, titulado “Strutture e Sequenze di Spazi” en el que, por primera vez en Italia, se dio una clara definición de las cualidades del espacio, analizando diversas obras de arquitectura.

Según Moretti: "Los espacios tienen cualidades inherentes, cuatro de los cuales se pueden definir: forma geométrica, simple o compleja; dimensión, entendida como la cantidad de volumen absoluto; densidad, depende de la cantidad y distribución de la luz que penetra; y la presión o carga energética. Esta última cualidad es comparable a la presión en un fluido en movimiento que varía dependiendo de los obstáculos, oposiciones y restricciones que encuentra.”

Es posible describir el espacio sólo por sus cualidades absolutas, ya que cada volumen interior participa en una concatenación espacial donde cada espacio muestra sus diferencias comparándose con otros espacios. Así el espacio no se concibe como un vacío, sino como un volumen completo de la materia.

Mirando el contexto cultural, su inspiración para considerar la parte espacial de la arquitectura vino de la tradición alemana y vienesa de "kunstwissenshaft". Todos estos teóricos habían desarrollado un metalenguaje gráfico, más útil para describir los espacios arquitectónicos que el lenguaje verbal y planes canónicos. La atención de Moretti se centra en la representación de volúmenes interiores a través de modelos de yeso, un medio de describir las secuencias espaciales, las articulaciones entre los espacios.

  +Info: artículo completo , Luigi Moretti

+ Exposición: “Ilustraciones”

+ Autor: Smiljan Radic + Alejandro Lüer + Material: varios (acrílico, cuero, vidrio…) + Descripción:

La muestra reúne 20 pinturas del arquitecto Smiljan Radic y 12 maquetas de sus proyectos realizadas por el arquitecto Alejandro Lüer.

Las maquetas fueron elaboradas principalmente en madera de cedro junto con otros materiales como acrílico, cuero y vidrio. Esto hace que cada maqueta adquiera una cualidad material que expone las características más fundamentales de las obras.

Esta exposición hace prescindir a cada maqueta de su escala y año. Solo una isométrica a un costado de la sala hace referencia a los títulos de los proyectos. Con ello cada maqueta se vuelve un objeto autónomo incluso a la misma obra que alude.

Intercaladas con estas maquetas se encuentran elaboraciones que no corresponden a obras sino efectivamente a “Ilustraciones” o maquetas-esculturas de inspiraciones provenientes de textos y dibujos

 +Info: imágenes de la exposición 

+ Obra: Ciudades de Papel

+ Autor: Katsumi Hayakawa

+ Material: papel + Descripción: las ciudades de papel son esculturas urbanas tridimensionales del artista japonés Katsumi Hayakawa hechas exclusivamente con papel y pegamento.  En su obra, la ciudad se lee como una serie de objetos extruidos a diferentes alturas, similares a las ciudades caóticas densas, como Tokio. 

A través de varios patrones, formas y volúmenes, emergen grandes piezas abstractas meticulosamente hechas a mano que consiguen trasladarnos al corazón de un barrio bullicioso sólo con mirarlas. De esta manera, el artista explora la idea de la densidad urbana y la recolección natural de la arquitectura.

La lectura inicial como un todo se vuelve palpitante por el conjunto de componentes individuales que forman la escultura. Hayakawa juega con la idea de composición de vacio vs sólido en la cuidada presentación de su obra.

+Info: web del artista,  imágenes Sock Studio y artículo DesignBoom

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