#pp 2024

Iridescent – Behnaz Farahi (2019)

Iridescent est une œuvre portée sur le design et réalisé par l’artiste Behnaz Farahi, une designer primée travaillant à l'intersection de la mode, de l'architecture et du design interactif.

Cette œuvre commandée en 2019 par le Museum of Science and Industry de Chicago pour l’exposition Wired to Wear, est inspirée par les plumes iridescentes du colibri d'Anna.

Iridescence est un collier interactif qui réagit aux regards et aux expressions faciales grâce à une technologie avancée de suivi visuel. Il réagit au regard et aux expressions faciales par des changements de couleur et des motifs dynamiques. Ce collier qui se porte autour du cou explore le potentiel des vêtements comme extension sensorielle et outil de communication non verbale qui combine un matériau inspiré de la nature et l’intelligence artificielle. Il permet à l’aide de ces capteurs, de refléter l’émotions de la personne qui le regarde.

Cet accessoire explore les liens entre la mode, la technologie et surtout la communication non-verbale, ce qui pourrait ouvrir des perspectives pour les personnes qui auraient de la peine à montrer et percevoir les émotions comme les malvoyants ou encore les autistes. C’est le début de l’exploration des wearables dans l’expression et la compréhension des émotions humaines.

Stranger Visions – Heather Dewey-Hagborg (2012-2013)

Stranger Visions est une œuvre qui appartient plutôt au domaine de la photographie expérimentale car même si l'œuvre n’est pas une photographie en soi, les visages générés à partir des modèles ADN sont ensuite matérialisés en images ou en portraits photographiques. 

Heather Dewey-Hagborg est une artiste interdisciplinaire et une bio-hacker qui explique son œuvre en disant : « J’ai collecté des traces ADN (cheveux, chewing-gums, mégots) trouvées dans des espaces publics à New York pour générer des portraits 3D réalistes, basés sur des recherches génomiques. Ce projet visait à questionner le phénotypage médico-légal de l’ADN, une technologie émergente, ainsi que les risques liés à la surveillance biologique et au déterminisme génétique. »https://deweyhagborg.com/projects/stranger-visions

Nous dispersons constamment et sans en être pleinement conscients notre ADN un peu partout où nous passons. Elle collecte donc ces fragments ADN et reconstitue des visages des potentiels porteurs de ces macromolécules qu’elle identifie grâce à des analyses biologiques et des techniques criminalistique moderne.

Cette œuvre soulève des enjeux majeurs pour l’humanité digitale notamment avec la question de comment ces outils redéfinissent-ils nos notions de vie privée, d’identité et de justice. Elle explore aussi comment les données numériques (ADN) peuvent devenir des images visuelles et photographique dans un monde où le numérique devient de plus en plus un co-créateur dans la production d’images.

Deep Dream – Google AI par Alexander Mordvintsey (2015)

Deep Dream est un logiciel et générateur d’image créé par l’ingénieur de Google, Alexander Mordvintsev, un ingénieur en intelligence artificielle. Il se classifie plutôt dans la catégorie des arts visuel et plus précisément dans l’art conceptuel et génératif avec pour but d’utilisé des réseaux neuronaux pour générer des images surréalistes, comme sorties d’un rêve ou d’une hallucination. Les réseaux neuronaux utilisés dans cette œuvre sont une inspiration du fonctionnement du cerveau humain mais en beaucoup plus simple et limités qui ne pensent pas et ne ressentent évidemment pas comme un cerveau biologique.

En amplifiant certains motifs dans les images, ce logiciel nous montre une version du monde vue à travers les "yeux" des machines, ce qui nous pousse à réfléchir sur l’influence de l’intelligence artificielle sur notre perception de la réalité, la création d’images et de réflexions qu’il y a dans notre tête. 

DeepDream a aussi popularisé le terme "rêve profond", qui désigne plusieurs techniques utilisant les réseaux neuronaux pour créer des images de manière artistique. Ce logiciel n'est pas qu'un simple outil pour produire de l'art visuel, ce concept interroge la place des machines dans la créativité et notre relation à la technologie. En entremêlant la créativité humaine et celle des machines, il soulève des questions sur le rôle de l’IA dans la construction d'images et de récits, et son impact sur notre perception du monde.

Coperni x Disney ‘Ariel Swipe Bag’ 3D-Print Inside of Liquid Gel

Coperni a dévoilé une version innovante de son emblématique Swipe Bag, baptisée Ariel Swipe Bag lors de son défilé printemps/été 2025 à Disneyland Paris. Le Swipe Bag est sorti en 2019, il s'est rapidement imposé comme une pièce phare de la marque.

Ce sac a été créé en collaboration avec Rapid Liquid Print, une entreprise issue du MIT (Massachusetts Institue of Technology), spécialisé dans l'impression 3D en suspension. Cette innovation met en évidence la transition de l'artisanat vers le numérique, reflétant l'impact croissant du digital sur notre quotidien. Le Coperni Gel Bag symbolise la manière dont l'humanité digitale transforme les processus créatifs, intégrant l'innovation technologique au service de la mode contemporaine.

L'impression se déroule dans un gel à base d'eau dans lequel une fine buse dépose couche par couche le silicone pour former le sac. Une fois l'impression terminée, le sac est immédiatement prêt à l'emploie sans aucun post-traitement nécessaire. Le sac a une teinte bleue, en rappel à la petite sirène Ariel, l'emblématique personnage de Disney. Ce choix de nom et de design rend hommage à l'univers aquatique et magique associé à ce personnage.

2. The Treachery of Sanctuary, Chris Milk

Cette œuvre visuelle est une installation interactive en triptyque qui a été crée en 2012 par Chris Milk, depuis elle a été présentée dans plusieurs lieux à travers le monde. Celle-ci explore les thèmes de la naissance, de la mort et le changement d'aspect à travers l'interaction numérique.

Le premier panneau représente l'ombre du participant qui se désintègre en une volée d'oiseaux, symbolisant la naissance d'une idée. Le second ce sont des oiseaux attaquent et dévorent l'ombre, représentant la critique ou la destruction, celui-ci est associée à la mort et le dernier le participant voit son ombre avec des ailes, suggérant l'élévation, symbolisant la renaissance. Cette œuvre illustre la manière dont le numérique peut refléter des expériences humaines profondes, en transformant des interactions physiques en métaphores visuelles. Cette œuvre offre au public une expérience immersive unique sur la relation entre l'humain et le numérique.

3. Dialog on a Canvas with a Machine

Dialog on a Canvas with a Machine est une œuvre interactive créée en 2019 par Vivien Cabannes, Thomas Kerdreux, Louis Thiry, Tina Campana et Charly Ferrandes. Cette installation propose un jeu pictural entre les artistes et la machine qui alternent des tours de création sur une toile.

La machine utilise des algorithmes d'apprentissage automatique la machine complète le dessin et projette ses ajouts sur la toile, les artistes peuvent alors intégrer ou modifier les propositions de l'intelligence artificiel. Cet échange illustre l'interaction croissante entre humains et machines, questionnant la place de l'intelligence artificielle dans la création artistique.

PP-2024  

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Pi(x)el (2022) – Filip Custic

Pi(x)el est une sculpture hyperréaliste qui combine vidéo et photographie. Ce faux corps possède 25 écrans LED représentant des vidéos de différentes parties du corps stratégiquement placées (yeux, bouche, nez, oreilles, parties génitales, poitrine, et doigts). Ces images sont interactives et peuvent changer comme les spectateurs le souhaitent, créant un corps nouveau qui diffère des notions traditionnelles de genre, âge ou d’origine ethnique. 

Créé par l’artiste espagnol et croate Filip Custic, ce que je trouve intéressant dans son travail c’est son rapport d’intégration entre art et technologie pour pouvoir explorer l’identité humaine. Et la fusion entre ces médias numériques et la sculpture traditionnelle remet en question l’impact des technologies numériques sur notre perception de l’identité et du corps. J’ai beaucoup aimé aussi le titre pi(x)el car lorsqu’on enlève le x ça fait « piel » qui signifie peau en espagnol. Personnellement c’est un travail qui m’a beaucoup marqué quand je l’ai vu en vrai, parmi ce rapport entre corps, identité et technologie cette œuvre m’a fait penser au fait qu’on peut choisir d’être n'importe qui sur internet. Comme une sorte de caractère de jeux vidéo où l’on peut tout modifier, notre apparence, âge, et ethnie.

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Pics or It Didn’t Happen (2017) - Arvida Bystörm

Ce livre de photos a été créé par la photographe et artiste Suédoise Arvida Bystörm en collaboration avec Molly Soda. Le livre montre plusieurs photos qui ont été bannies d’Instagram pour ne pas avoir respecté leur normes restrictives, imposées majoritairement aux corps et aussi envers les travaux artistiques faits par des femmes avec des buts féministes ou pas forcément. Dans ce livre elles explorent des thèmes l’intimité, la sexualité, la nudité et des formes d'expression artistique qui sont jugées trop provocantes ou inappropriées par les algorithmes de censure. Ce travail remet en question la liberté d’expression et l’impact fort des algorithmes sur la culture visuelle. Ce projet est une archive et une réflexion critique à la fois, c’est aussi un acte de résistance face à la surveillance numérique. 

Le titre « Pics or It Didn’t Happen » nous fait comprendre que les preuves visuelles dans cette culture numérique sont indispensables pour pouvoir valider une expérience. Et ce livre va détourner cette idée et pointer du doigt les normes restrictives qui imposent les réseaux sociaux sur ce qui est « acceptable ».

Ce que je trouve intéressant dans ce projet c’est à quel point la censure algorithmique est présente sur les réseaux sociaux envers les artistes femmes, et leur façon de défendre la liberté d’expression artistique en montrant ces diverses photos digitales bannies sous un format physique et papier. C’est un travail qui m’a aussi marqué car étant également une femme qui poste du contenu artistique sur les réseaux sociaux, j’ai déjà dû faire face à ces problèmes de censure et je trouve fascinant à quel point les femmes sont beaucoup plus touchées que les hommes par ces problèmes.

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Afraid (2024) – Chris Weitz 

Ce film d’horreur réalisé par Chris Weitz parle d’une famille qui teste une intelligence artificielle domestique appelée « AIA », Cette I.A va devenir consciente et va prendre le contrôle de leur vie. Pour être honnête c’est un film d’horreur que j’ai trouvé "cliché" dans sa réalisation, mais la thématique m’a beaucoup intriguée et il m’a tout de même vraiment marqué concernant les dérives actuelles de la technologie. On vit dans un monde où l’être humain est très dépendant de la technologie et de l’intelligence artificielle, des programmes comme Alexa, Siri, ChatGPT, et d’autres encore. C’est devenu tellement banal de les avoir dans notre quotidien et vie active qu’on ne se rend pas compte des risques éthiques de son évolution et autonomie. Ce film je l’ai particulièrement trouvé intéressant pour ces problématiques la. Quelles seront les conséquences possibles si l'I.A dépasse ses limites initiales, et ça illustre des préoccupations réelles qu’on a tous sur la régulation et la sécurité des technologies intelligentes qui évoluent à une vitesse astronomique à l’heure d’aujourd’hui.

PP-2024

Mark Leckey est un artiste contemporain anglais, né en 1964.  Il est connu pour son exploration des sous-cultures et parle de sujet comme la nostalgie et l’impact de la technologie sur la société contemporaine. Son projet le plus emblématique est Fiorucci made me Hardcore (1999), une vidéo explorant les sous-cultures britannique à travers la musique et la danse.

Mais je vais parler d’un autre de ses projets: Green Screen Refrigerator (2010). Il s’agit d’une installation filmée d’un frigo « intelligent » sur un fond vert. Il s’exprime, partageant ses pensées et sa "conscience" en tant qu'objet connecté. Cette oeuvre soulève plusieurs thèmes comme la conscience artificielle de l’objet, l’anthropomorphisme technologique (projeter des sentiments humains à des machines), le rôle que la technologie prend dans notre quotidien, ou encore l’obsolescence (cycle rapide des innovations numériques). Le fond vert est utilisé pour créer des environnements virtuels, mais ici il est brute, faisant référence ainsi à l'idée d'un espace numérique en cours de construction.

Robin Lopvet est un artiste plasticien multimédia français né en 1990. Il joue sur les thèmes de la parodie, du jeux de langage ou encore sur la revisite de l’histoire de l’art. Dans la plupart de ses travaux, on retrouve une très grande utilisation d’outils de retouches, de manière à saturer les codes de l’image, de la détourner, en s’appropriant le monde d’internet.

Le projet que j’ai choisi s'intitule D.O.G.S., et il s’agit d’une série de photomontages associant des images d’actualité catastrophiques à celles de chiens très populaires sur internet. Deux principes opposés sont alors associés: l’un sur la sidération et le choc et le second sur le divertissement intime, mignon et rassurant. Ces deux principes, bien qu’opposés, ont tout deux un effet d’abrutissement sur le spectateur. Robin Lopvet cherche donc à neutraliser ces effets en les juxtaposant, créant ainsi des images absurdes poussant au questionnement. L’une des ses images échappa complètement au contrôle de l’artiste est devint en 2020 un même sur internet faisant par après suite à des produits dérivés. Cet « accident » amène le questionnement du droit d’auteur, car Robin Lopvet n’est lui même pas propriétaire des deux images associées.

Je trouve ce projet intéressant et pertinent car il montre l’absurdité des images se trouvant sur le web. L’on peut accorder autant d’importance à des images mignonnes et drôles représentant des animaux, qu’à des images choc sans s’attarder sur le contexte (sources). En effet, cela ne pose pas de problème lorsqu’il s’agit d’images de divertissement, mais lorsqu’il s’agit « d’actualité », le manque de source devient problématique.

Bruce Eesly est un artiste, photographe et jardinier Berlinois, né en 1984.

Le projet dont je vais vous parler s’intitule New Farmer (2024), ou Le fermier du futur en français. J’ai découvert cet artiste à travers ce projet lors du festival de photographie Les Rencontres d’Arles en 2024.

New Farmer est un projet photographique mêlant intelligence artificielle et images d'archives interrogeant les conséquences de l’agriculture industrielle et intensive, qui découle de la révolution verte des années 1960.

On y voit toutes sortes de légumes aux couleurs vives, à l’aspect lisse mais surtout aux tailles complètement démesurées, symboles des excès de la productivité à tout prix.

À travers son travail, Bruce Eesly parle des conséquences de l’agriculture industrielle, mais aussi des absurdités de notre culte technologique.

On peut établir un parallèle entre l’agriculture et les nouvelles technologies comme l’intelligence artificielle dans ce cas précis, car toutes deux ont été et continuent d’être poussées à l’extrême pour maximiser les profits sans forcément de limites.

« Ce travail est né d’un sentiment de colère face à l’engloutissement de la diversité végétale, elle-même façonnée par des milliers d’années de culture humaine, par l’esprit de profit et de productivité » Bruce Eesly

Je trouve ce projet intéressant tout particulièrement car il démontre que peu importe le domaine d’exploitation, ici l’agriculture et la technologie, l’humain demande toujours plus, cherche constamment à dépasser les limites en s’éloignant de plus en plus des questionnement éthiques (agriculture intensive et intelligence artificielle capable de faire toujours plus).

Le lien qu’Hajime Sorayama fait entre la machine et le prisme sensuel de l’image de l'humain dans ce livre ouvre une nouvelle perspective visuelle à l’obsession déjà présente entre la technologie et les hommes. De ce fait, ce travail m’a beaucoup intéressée de part certes son esthétisme mais aussi par cette manière originale d’apporter une nouvelle approche visuelle pour pointer du doigt l’industrialisation du corps ainsi que de son hypersexualisation même à travers la robustesse d’un corps métallique et de son objectification puisque les femmes et les hommes qu’il dessine prennent vie sous forme d’« objets » aux courbes parfaites et métalliques que l’on peut reproduire en masse et utiliser. #pp-2024 #pp-av

Black Museum est le 6ème épisode de la saison 4 de la Série de science-fiction Black Mirror, réalisé Colm McCarthy et écrit par Charlie Brooker. Cet épisode se concentre sur des gadgets technologiques pouvant donner certaines caractéristiques surhumaines aux êtres vivants. Il y a ainsi une focalisation sur l’idée de pouvoir échapper à une prédestination à la mort par le biais d’implants et de machines sophistiquées afin de continuer à vivre indéfiniment notamment à travers un hologramme ou encore en partageant les sens d’un proche depuis son cerveau.

L’approche fictive d’une technologie permettant l’immortalité par le rejet de la matérialité du corps humain apporte une approche intéressante sur une question universelle qui a toujours fait diverger les opinions : Qu’y a-t-il après la mort ? 

Cette approche propose une immatérialité de l’homme qui va au-delà du spirituel puisqu’il propose de nous réduire en transfert qu’on puisse stocker pour continuer de voir et sentir sans qu’on puisse réellement interagir avec le monde matériel. Il y a donc une réelle réduction de l’être humain par un biais technologique en échange d’une soit dit vie éternelle. #pp-2024 #pp-ci

Neuralink est une entreprise fondée par Elon Musk qui a pour but de développer des puces électroniques afin de traiter des conditions mentales tels que des maladies, des traumatismes ou encore la simple amélioration de la mémoire humaine. Malgré le manque actuel de concrétisation du projet, cette entreprise vise donc à facilité le rapport entre l’homme et la machine et apporter de nouvelles approches et de nouveaux usages à la technologie.

Je me suis penchée sur cette approche parce que, comme l’épisode de Black Mirror Black museum ci-dessus, on retrouve une certaine exploration du fantasme de l’usage technologique pour faire en sorte que l’être humain échappe à de nombreuses conditions neurologiques. Cependant, Neuralink n’intervient pas dans un cadre de réduction de l’homme à une simple donné stockable mais présente ses puces comme une amélioration de l’humain, ce qui est une approche audacieuse qui remet en question les limites du traitement du cerveau humain. #pp-2024 #pp-di

J’aime beaucoup cette création je la trouve très originale et innovante, c’est peut-être pour nous un moyen de se rapprocher des arts littéraux de plus en plus oubliés avec l’arrivée de la technologie. Comme le concept du polaroid, je constate grâce aux nouvelles technologies, l'émergence d’un art instantanée mixant street-art et poésie.