#loungepop

El fenomenal segundo día del Lollapalooza Argentina 2019 tuvo un cierre de lujo en manos de los Arctic Monkeys. Ante un público enardecido, los oriundos de Sheffield regresaron al país luego de cinco años, presentaron el innovador sonido de Tranquility Base Hotel & Casino y demostraron que se encuentran en el punto más elevado de una carrera construida sin temerle al qué dirán.

No fueron pocas las personas que se quedaron durante todo el show de Sam Smith bien pegadas y/o en las cercanías del Main Stage 1. El regreso de los Arctic Monkeys tras cinco años de ausencia en los escenarios había sido suficiente como para convertir a la jornada del 30 de marzo en la más poblada y eufórica de las tres que compusieron al Lollapalooza Argentina 2019. Luego de recibir algunas críticas iniciales en tono negativo por parte de un sector de la prensa especializada y de sus propios fanáticos, Alex Turner, Matt Helders, Jamie Cook y Nick O’Malley habían necesitado de un puñado de presentaciones en Europa y Estados Unidos para demostrarle a todos que estaban más que de vuelta y que su nuevo enfoque estético-sonoro les sentaba a la perfección.

El retorno de los británicos al gran escenario mundial no fue casual ni tuvo elementos azarosos: Tranquility Base Hotel & Casino no es en absoluto un “capricho” de su líder, sino más bien el paso definitivo hacia el olimpo sonoro por parte de una de las bandas más camaleónicas de la historia musical contemporánea. De un comienzo con ventas récord basado en la furia guitarrera del indie rock y la estructura del (post)punk, bien enraizado en el barro industrial de su ciudad natal –Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006) y Favourite Worst Nightmare (2007)– pasando por la expansión hacia lo más psicodélico, oscuro y pesado –Humbug (2009) con la producción de Josh Homme– y un momento con texturas entre vintage y pop –Suck It And See (2011) bajo la mirada más minimalista de James Ford–, todo terminaría derivando en el polémico AM (2013) un cambio de rumbo sutil y significativo que los terminaría por despegar de sus raíces terrenales para acercarlos a territorios espaciales inexplorados.

Si bien la psicodelia, el blues y el indie rock son el hilo conductor del disco que los trajo en 2014 a nuestro país para el Personal Fest, la introducción del soul, el R&B y el hip hop marcaron el hecho de que ya no había vuelta atrás. Mirar el pasado con nostalgia suele ser un ejercicio constante por parte de críticos, fanáticos y músicos, pero Alex Turner y compañía diseñaron una carrera en la que –poco a poco, sin seguir los lineamientos de la industria– construyeron sobre ese pasado y, al mismo tiempo, aprendieron como demolerlo por completo para nunca volver la vista atrás.

La llegada de un piano de cola a la vida de Turner fue el disparador para una creación que generaría revuelo desde su concepción: un retro-futurista hotel de lujo, con reminiscencias a la estética de Stanley Kubrick, situado en la cara oscura de la luna; plataforma libre para que los Arctic Monkeys se sumerjan en el universo clásico –bien sesentoso, influenciado fuertemente por David Bowie, Serge Gainsbourg, Nick Cave y Leonard Cohen– del lounge/space/ pop, el pop/rock psicodélico, el jazz, el funk, el soul y el rock progresivo. 

Ante una multitud, el minimalismo de su nueva puesta en escena se vio (lamentablemente) amplificado por fallas en la iluminación que impidieron visualizar durante casi todo el show la recepción del hotel y el gigantesco cartel luminoso con el nombre de la banda. Una masa impresionante cubrió más de la mitad del Hipódromo de San Isidro, estallando desde cada uno de sus rincones cuando sonó la secuencia de emergencia que antecede a su salida a escena: sin salirse de lo planificado hasta el momento, “Do I Wanna Know?” fue la canción elegida para romper el hielo, seguida por la locura –en versión lo-fi y con un freno exquisito a puro foxtrot de Matt Helders antes del cierre– de “Brianstorm”, como para dejar en claro que equipararlos en cuanto a sonido y presencia es una tarea cuasi imposible.

Sería redundante e innecesario (simplista) centrar el análisis en la intensidad de un público que es capaz de hacer pogo con una balada en cámara lenta, pero lo cierto es que el índice de calor y pasión –ahora liderado por una cruza entre millennials y centennials, hijos de dos momentos inversos de la banda– volvió a superar con creces al promedio que se puede ver a nivel mundial. El groove sensual, virtuoso y espacial de “Snap Out Of It”, canción que tranquilamente podría ser parte de su nuevo disco, contrastó con la pesadez industrial de la guitarrera “Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair”, quedando el predio sumido en un viaje esquizofrénico.

La voracidad y elegancia de un Alex Turner plantado como crooner a lo Frank Sinatra durante la secuencial y deliciosa “One Point Perspective” fue la materialización del descubrimiento de lo clásico por parte de las nuevas generaciones. No en vano, una (apenas) más cadenciosa versión de “I Bet You Look Good On The Dancefloor” confirmó todo lo dicho acerca del pasado y mostró que la voz cantante puede ponerse el traje del mejor Elvis Presley sin que le quede ni un centímetro grande.

El funk acelerado del bajo de Nick y el hard rock rabioso de la guitarra de Jamie se fusionaron durante el estribillo frenético de “Library Pictures”, avisando los Arctic Monkeys que ellos son los primeros de su especie en llegar a la luna. La oscura versión de “Knee Socks” sostuvo su esencia gospel, soul y R&B, para luego regresar de un tirón al clasicismo introspectivo de la mano de la melancólica “The Ultracheese”; “Teddy Picker” y “Dancing Shoes” generaron euforia, algo esperado para un breve retorno a ese momento en el que –luego del quiebre de inicios de siglo a manos de The Strokes– a pura rabia y locura se llevaron al mundo por delante

“Why'd You Only Call Me When You're High?” instaló una sensación de eternidad bailable y misteriosa, conectada directamente con el sentimentalismo radical de “Cornerstone” y “505”, dos bellísimas (y plagadas de arreglos y cambios de ritmo) baladas ancladas, respectivamente, en el jazz psicodélico y el rock clásico. Otra evidencia de que existen pocos compositores como Alex Turner en el mundo; ni hablar de la demostración de técnica y flexibilidad por parte de sus compañeros cuando ejecutaron la voraz y jazzera “The Jam Of Boston” –un verdadero viaje a la luna–, enlazando sin más con “Tranquility Base Hotel + Casino”, emblema de su actual faceta, coreada de principio a fin por todo el público y coronada con un cierre muy fino.

Saltando entre las fintas alternantes de O’Malley y los efectos disparados desde la pedalera de un Turner en modo desatado, la elegancia electrizante de “Crying Lightning”  y la oscuridad de esa tenebrosa gema post-punk llamada “Pretty Visitors” fueron un golpe directo al mentón. El agradecimiento en un divertido español del líder antecedió a una saludablemente extendida “Four Out Of Five” que cerró la primera parte de un setlist que dejó más que conformes a todos los exhaustos presentes.

Sin hacerse rogar mucho tiempo, los británicos volvieron al Main Stage 1, acompañados por un cubo giratorio por demás intrigante. El lounge pop de “Star Treatment” volvió a iniciar el conteo, con esa frase ya icónica (“I just wanted to be one of The Strokes, Now look at the mess you made me make”), una que lejos de expresar el peso que supuestamente sienten por ser el “sostén” del rock de guitarras más crudo –actualmente hay muchas bandas jóvenes que se ocupan de eso–, encierra una reflexión acerca de cómo las cosas inevitablemente cambian cuando se camina con firmeza hacia adelante.

El momentáneo adiós fue a puro salto con la potencia nuclear y sexual de “Arabella” y “R U Mine?”, redondeando un show magistral que estuvo dominado por los siempre notables riffs amplificados Jamie Cook, las fintas meteóricas de Nick O’Malley, el golpeo veloz, preciso, indescifrable e inigualable de Matt Helders y la voz cavernosa y punzante de un Alex Turner que no conoce de barreras a la hora de cambiar de piel. Pero por sobre todo, lo que se destacó fue el coraje (apoyado en un talento interminable) de los Arctic Monkeys para edificar una carrera a contracorriente, siempre pensando en hacerle un favor a la música antes que en temerle al siempre nocivo qué dirán.  

Por Rodrigo López Vázquez