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Ayer nos íbamos a dormir sabiendo que la historia de Vivian Girls se acaba. Siete años desde que comenzaron su andadura en Brooklyn allá por 2007, fue en 2008 cuando publicaron su disco de debut, un caramelo envenenado de poco más de 20 minutos que, con el paso del tiempo, podemos decir que fue definitorio de una época muy concreta de la música alternativa en Estados Unidos de la mano de otras luminarias como Jay Reatard o Thee Oh Sees. En el caso de Vivian Girls, el clash entre melodías de bubblegum pop y actitud 100% DIY y punk les posicionó como grandes favoritas de un gran sector del público. Si bien su segundo disco se quedó un poco en tierra de nadie, sí que es cierto que actuó como difícil álbum de transición hacia el que sería su tercer y último disco, esa infravalorada maravilla que es Share The Joy. Un disco en el que, de alguna manera, alcanzaron la plenitud como grupo con composiciones ambiciosas y de larga duración, mimando y puliendo al máximo sus capacidades y entregándonos el que, tristemente, será su último LP. Siempre es triste despedir a un grupo al que has adorado con pasión adolescente, pero es de justicia reconocer que Vivian Girls se van dejando un gran legado musical y que seguiremos escuchando todo su material con devoción. Y, por supuesto, también nos quedará la actividad de sus integrantes en solitario o en otros grupos como es el caso de The Babies o La Sera. Poco más que decir, les echaremos de menos. Aquí os dejamos con uno de sus grandes hits:

Pero, y aquí hago un statement harto personal, si por algo se ha caracterizado 2013 es por ser un año de discos extremos, de todos o nadas, de artistas reinventando su obra y lanzándose al vacía de cara a su propia reputación y a su público. El proyecto de electrónica vanguardista de Daniel Lopatin, Oneohtrix Point Never, ha lanzado el álbum más rotundo de su carrera. Si en Returnal encontrábamos esos sintetizadores nostálgicos y devastadores y Réplica era un ejercicio de estilo en el que el americano probaba que sería capaz de sacar música hasta de la piedras; es con R plus Sevencuando ha conseguido alcanzar el lugar que siempre le habría gustado ocupar: el del artista total, el del compositor posmoderno capaz de edificar sobre la nada un discurso complejo y avanzado, armonioso y desquiciado, bastante alienígena pero, sobre todo, humano. Una obra cuyas dimensiones solo el tiempo nos dejará ver, cuyas capas ya empiezan a solidificarse en el que espero esté destinado a convertirse en uno de los discos más relevantes de nuestra era. Y de la mano de un amigo y colaborador del propio Lopatin nos ha llegado este año Virgins, el nuevo disco de Tim Hecker que llega poco tiempo después de que Ravedeath, 1972 le sacase de los círculos más reservados de música vanguardista para situarlo más a mano de los melómanos en general.

oneohtrix point never - still life (betamale) 640x360 from Realm Realmz on Vimeo.

Siete años han tenido que pasar para que tengamos en nuestras manos Shaking The Habitual de The Knife. Siete años que les han situado como uno de los grandes grupos de culto de nuestra era y que han cimentado su reputación como creadores de un sonido único. Para alegría de muchos y desgracia de muchos otros, Shaking The Habitual es un disco absolutamente radical. Un “lo tomas o lo dejas” en toda regla que ha entusiasmado pero que también ha cabreado a muchos, difícil a veces discernir dónde acaba el arte y comienza la tomadura de pelo, también discernir si es más complicado escribir exasperantes interludios sonoros o hits del tamaño de ‘Full of Fire’, ‘Raging Lung’ o ‘Without You My Life Would Be Boring’.

Otros a los que hemos echado, mucho, de menos ha sido a Fuck Buttons. Tras el inmenso Tarot Sport de 2009 los de Bristol habían estado a sus cosas (fabuloso el disco de Blanck Mass) y, tras el subidón post-olímpico, han vuelto. Para sorpresa de todos, si precisamente este último evento podría haber inclinado la balanza hacia la épica off-limits de temas como ‘Olympians’ o ‘Bright Tomorrow’, lo cierto es que Slow Focus pone más énfasis en los espacios vacíos de su música y en los esqueletos rítmicos, volviendo a crear un sonido único que les vuelve a situar como francotiradores de la escena.

A otro al que siempre seguimos de cerca es a Dean Blunt (miembro de Hype Williams a.k.a. Dean Blunt & Inga Copeland). 2013 ha sido uno de sus años más prolíficos, con una cantidad de lanzamientos que cuesta contabilizar, sin embargo, ha sido The Redeemer con su recital de hip-hop abstracto y cinematográfico la obra que será capaz de cautivar a todos aquellos que aún no conozcan su música. Con un aura de locura outsider, Dean Blunt elabora a partir de retales de distinta procedencia un universo cohesivo y corrosivo, en el que absolutamente cualquier referencia es digna de hacer acto de presencia. En coordenadas genéricas emparentadas nos encontramos con la propuesta de Autre Ne Veut y su último álbum para Software (la discográfica de Daniel Lopatin). Si el año pasado el ejercicio de R&B moderno y chic de Frank Ocean calaba lo suficientemente hondo como para colmar las listas de medios especializados y a la vez hacerse un hueco en los premios de la MTV, Autre Ne Veut nos muestra la otra cara de la moneda en Anxiety, disco en el que consigue plasmar todas sus esperanzas y frustraciones sin coartada cínica o posmoderna, un álbum a corazón abierto que consigue brillar donde otros artistas del género no han conseguido poner la lupa adecuada.

La electrónica de baile ha vivido un año rotundísimo en el que ciertos autores que se podrían mover entre el editorial de Wire y los festivales europeos han conseguido apretar las teclas adecuadas para que sus discos resulten igual de apetecibles en disco como en formato live. Factory Floor llevan ya mucho tiempo rondándonos, pero por fin ha sido en 2013 cuando han sacado su primer LP. Y dudas disipadas, Factory Floor es uno de los discos de debut más potentes de la temporada. Con una aleación perfecta que consigue que los ritmos más sesudos tengan el mismo punch que el chunda-chunda más simpre, con una voz femenina robotizada y recortada que todo lo cubre y, ante todo, con enormes canciones à la LCD Soundsystem que consiguen que ocho minutos se pasen como dos. Una ráfaga de metralleta. Blondes también han vuelto con Swisher después de lanzar el año pasado su sensacional disco de debut. La electrónica planeadora de los ingleses es capaz de crear uno de esos trances de éxtasis en el que te puedes perder y quedarte para siempre. Quien continúa explorando ese sonido tan absolutamente único es Forest Swords, y es que esa mezcla de influencias orientales y electrónica etérea que practica el británico es lo suficientemente reconocible como para haberle granjeado una posición privilegiada dentro de la escena. Otro genio de la electrónica moderna, Nicolas Jaar, se ha enfrascado este año en el proyecto Darkside. El resultado ha sido un disco meditativo que a buen seguro veremos en breve en lo más alto de muchas listas.

Y para terminar algo radicalmente distinto, el proyecto puramente noise de Pharmakon para una de nuestras discográficas de referencia, Sacred Bones, la ha puesto en el mapa como un tiro. Y es que Abandon podría ser a la vez carta de presentación y testamento. Su potentísima visión la sitúa a la altura de visionarios como Swans en una grabación que por omisión de oxígeno asfixia y, a la vez, atrae. Ya lo veis, un gran año para artistas únicos.

La música más delicada y avant-garde ha tenido un año simplemente devastador. Las dos grandes causantes de esta afirmación son mano a mano Julia Holter y Julianna Barwick. A ellas les debemos dos inmensos álbumes como son Loud City Song y Nepenthe, ambas también afianzando su posición de artistas tremendamente dotadas con fuerte formación musical dispuestas a llevarnos a lugares a donde sus coetáneos no son capaces de llegar. Loud City Song nos llegó tan solo un año después de que Ekstasis la posicionase como una de las artistas fundamentales de su generación. Su último disco es más accesible y a la vez consigue un sonido lo suficientemente único como para que su carácter casi conceptual no pese ni lo convierta en un disco carente de ganchos. Es complicado pensar que una música de aspiración tan neoclásica pueda desembarcar en uno de los álbumes más modernos del año. Por otra parte, Julianna Barwick ya nos envió un serio aviso de lo excepcional de su música con el sensacional The Magic Place, pero ha sido con Nepenthe cuando ha firmado su primer álbum redondo, una obra ensoñadora y poética en el que nos traslada a los fríos paisajes islandeses. El espacio y la disposición de medios le han sentado de maravilla a Barwick, que ha conseguido una notable ampliación de su capacidad de emoción y la translación estilística del dormitorio al estudio de grabación utilizando sus nuevos medios de la manera más acertada. Y en relación a la música de Barwick no podemos dejar de hablar de Grouper, que si bien este año no ha sacado material estrictamente nuevo sí que nos ha premiado con material inédito grabado en su primera época. The Man Who Died in his Boat no es ni mucho menos una obra menor en su trayectoria ni actúa a modo de publicación de descartes. Yendo mucho más lejos que eso, este disco actúa como complemento perfecto al disco que puso a Liz Harris en el mapa y que, a su vez, supuso el relanzamiento de lo que en Gorilla vs. Bear bautizaron como “el mejor año para la música ensoñadora”, allá por 2008. Hay veces en que en un mundo en el que todos tenemos tan claras nuestras coordenadas es bueno dejarse llevar.

Si tuviésemos que hablar de nuevos planteamientos, el shock del año para muchos ha sido FKA Twigs de la escudería Young Turks. Y es que sí, corren buenos tiempos para el R&B mutante y su EP2 supone una (pequeña) obra de ingeniería, que renueva la mirada femenina en torno a temas capitales como el deseo o la obsesión y que sale airosa de un ejercicio de estilo que la ubica en terrenos cercanos a James Blake y, sí, a The XX. Pero, al margen de referentes, FKA Twigs ha elaborado un discurso lo suficientemente reconocible como para convertirse en breve en un referente ella misma.

Sin apartarnos de las voces femeninas, 2013 también ha sido el año para uno de los nuevos fichajes de 4AD que más fuzz ha creado, Daughter han conseguido con un disco sencillo, honesto y directo colarse entre las preferencias de gran parte del público alternativo del mismo modo en que ya lo hiciese varias temporadas atrás Bon Iver. A otra que teníamos ganas de ver por aquí era a Alela Diane, que con About Farewell reivindica su trono folk en su, sí, disco de madurez. El disco, como siempre, es una pequeña maravilla llena de esos momentos que nos recuerdan que, pese a que la explosión folk de los 2000 parezca ya sofocada, nos dejó artistas que vale la pena seguir de cerca.

Otro de esos lanzamientos que no ha salido de nuestro roster durante muchos meses ha sido el EP de Anika. La cantante ha lanzado este año el EP que la ha puesto en el punto de mira de los amantes del pop poliédrico y mutante. De la mano de Geoff Barrow (Portishead), Anika consigue una rara aleación en el que se mezcla cacharrerío analógico con su personalísima voz, una suerte de cantante femenina en la estela de (cojo aire) Trish Keenan de Broadcast y Nico.

Por mucho que le pese a los algo descabezados Pixies, el acontecimiento musical del año les pertenece por méritos propios a My Bloody Valentine, tras veintidós años sin publicar ningún material y tras varios años de amenazas, Kevin Shields lanzaba la bomba atómica colgando en su web su nuevo disco en streaming, así como por Youtube. El resultado es a todas luces uno de los mejores discos del año, también uno de los mejores que llevamos de siglo. Siendo en parte continuista, en parte contemplativo y en parte innovador dentro de su propio sonido, My Bloody Valentine se han coronado como máxima autoridad de una sensibilidad musical que ellos mismos fundaron. La bomba atómica emocional del año. El otro retorno que nos pilló a todos un poco a pié cambiado fue el de David Bowie con el fantástico The Next Day, no solo un disco que amplía la leyenda del británico sino que, complementado con el sublime rework de James Murphy sobre ‘Love Is Lost’ nos vuelve a traer a un músico cuya capacidad de llevar la vanguardia a las masas le ha convertido en la institución que es. Muchos babeamos ante la idea de una posible gira de presentación, aunque él ya dejó claro que de eso nada.

El tercer regreso sonado tras dieciséis años sin publicar un larga duración han sido Mazzy Star, con el mágico Seasons of your Day volvieron a encender la incandescente luz de la melancolía. Si bien su retorno adquiere un cariz más country, lo que queda claro es que la capacidad del dúo a la hora de crear inmensas melodías que se clavan en el alma se ha mantenido casi en formol durante todos estos años en los que ambos miembros han desarrollado sus carreras por otros derroteros. Desoladoramente hermoso, todos nos podemos considerar afortunados de que estén otra vez entre nosotros. Un caso más extraño es el del último disco de Wire, disco hecho de retazos de composiciones de principio de su carrera, emparentado sobre todo con su segundo y tercer disco. A estas alturas de la película esto puede parecer un mero movimiento revival pero en mi opinión plantean una pregunta mucho más interesante: ¿Cómo suena un disco compuesto a finales de los setenta grabado en nuestra era? ¿Cómo se deforman y repiensan las canciones tras más de treinta años guardadas en un cajón? El resultado es, sin necesidad de agarrarnos a la nostalgia, sublime. Uno de los mejores discos de su carrera y que no hace más que engrandecer aún más su figura como puente entre la urgencia punk y todos los movimientos de vanguardia de principios de los ochenta. Imprescindible. Los que nunca se han ido han sido Nick Cave & The Bad Seeds, poseedores de una discografía sólida como una roca, este año han vuelto con Push The Sky Away que sin lugar a dudas se situará como uno de los discos del año en todas las publicaciones de referencia alternativas. Por supuesto, por méritos propios, el australiano ya nos tiene acostumbrados a lo mejor pero pocos artistas se pueden permitir presumir de una carrera en que casi todos los discos son imprescindibles, uno más para la lista.

Hacía años que Yo La Tengo no publicaban un álbum de la solidez y coherencia de Fade, creo que para la mayoría de los hardcore fans de hecho ha supuesto el mejor disco desde la época I Can Hear The Heart Beating As One / And Then Nothing Turned Itself Inside-Out. Nada sobra en su nuevo disco y para los más jóvenes creo que ha sido una suerte poder decir que les hemos visto en directo presentando este disco, una auténtica maravilla de principio a fin, pura auto-reivindicación de un legado sin el cual el rock alternativo no habría tenido una senda a seguir. Hacía tiempo que nada editado por Pet Shop Boys tenía mi atención, realmente nunca me consideré fan de los ingleses ya que no me tocó vivir esa época tan (deliciosamente) hortera. Sin embargo, Electric no es solo uno de los mejores discos electrónicos del año, sino que finalmente les devuelve su lugar en la pista de baile a base de unos trallazos que ya quisiesen para sí los (¿ya relegados?) Justice. Un pepinazo considerable. Y lo mismo me pasaba con los Flaming Lips, llevaban ya una larga temporada siendo de lo más complacientes y ofreciendo una cantidad ingente de material en el que ninguna pieza completa tenía enjundia como para sostenerse como entidad propia. Con The Terror han dado un volantazo salvaje gracias al cual han entregado un auténtico OVNI dentro de su carrera, oscuro y repetitivo, quizá uno de sus LPs más extraños y, hay que decirlo, un disco que marcará época pese a que muchos aún no se hayan acercado a él.

Bastante más obscure y objeto de culto fueron durante los noventa el grupo americano Polvo, ahora reformados desde hace ya más de cinco años y sacando nuevo material; Siberia les devuelve en el mejor estado posible, en un disco compacto y que nada tiene que envidiar a clásicos de la talla de Today’s Active Lifestyles o Cor-Crane Secret. Todavía recuerdo el rebote que me pillé en 2005 cuando muchos medios especializados aupaban a M.I.A. por encima de mis, entonces idolatrados, Arcade Fire. Lo que yo no sabía entonces es que tanto la primera como los segundos acabarían siendo artistas de masas ocho años después. Sus carreras han ido por derroteros bien distintos, pero aquí les tenemos en pleno 2013 una vez más, con sus respectivos cuartos discos. Las buenas noticias es que, al menos para el que escribe, ambos vuelven a lanzar material de primera después de unos terceros discos que no me conquistaron (el de ella por su producción, los segundos por su duración y contenido reiterativo). Matangi de M.I.A. vuelve a enmarcarse en el exceso estético, en la locura post-todo y todo ello a la sombra del momento presente en el que todos estamos siendo observados, en todo momento. Trufadísimo de hits, M.I.A. vuelve a calibrar con acierto sus fuerzas, esas que la llevaron desde el culo del mundo a su cima, y yo lo celebro. Lo nuevo de Arcade Fire de la mano de James Murphy es uno de esos discos que cuanto más los escuchas más te gusta, con un buen número de hits potenciales y ampliando el espectro estilístico de los canadienses, esta unión estaba claro que sería un win-win. Está claro que a los que se obcequen con la idea de un segundo Funeral este disco no les terminará de convencer, para los que ya estábamos más cerca de la tirria que de la admiración, Reflektor es un buen recordatorio de por qué les juramos amor eterno en primer lugar.

Ya lo decíamos al principio y lo seguimos manteniendo. Colectivo Gurrumío comenzó su andadura en medio de un sembrao vital (post-universidad, post-adolescencia y post-vacas gordas) de mucho cuidado y con la única intención de dar palos de ciego hasta que ocurriese algo.

Al principio, nuestros artículos eran más heterogéneos, pero esto se debía básicamente a que ni tan siquiera nosotros sabíamos qué éramos como parte de la blogosfera. Pese a todo, hubo grandes aciertos desde el principio, el más claro probablemente fuera elegir Tumblr por encima de otras opciones como Wordpress, y es que seguimos priorizando el contenido sobre la forma, y también nos apasiona seguir haciendo nuevos amigos/fans/colegas a cada día que pasa, rascando persona a persona y a veces dando lugar a contenidos que interesan a colectivos muy reducidos.

De todas maneras, reconozcámoslo, lo nuestro es ir siempre a la nuestra. Y, también digámoslo, no nos podemos quejar de nada. Y es que empezamos algo de cero, sin conocer absolutamente a nadie y sin saber cómo se hacía nada y, sin embargo, a día de hoy podemos presumir de tantos pequeños logros que a veces no alcanza la memoria. Solo por citar algunos, nos encanta haber hablado de un artistazo como Santiago Latorre antes de que todas las revistas más puestas en el asunto se tirasen a por su disco como perros (conste que nos alegramos) y que él nos correspondiese traduciéndonos al inglés para su nota de prensa, que los de Elefant utilicen como material de prensa nuestro artículo sobre Kokoshca, la relación simbiótica establecida con el equipo de “El Piso”, estrenarnos haciendo crónicas con dos muy emocionales visiones (simbólicas) del concierto de Daniel Johnston en Valencia, haber hecho amiguitos de discográficas que nos encantan como Discos Humeantes, Sonido Muchacho, Foehn, Musagre o Terminal Picnic; y, en el caso de Mjout y un servidor, haber comenzado a colaborar activamente con la revista Koult! En fin, se nos han abierto muchísimas puertas no solo a nivel “profesional” (más cornás da el hambre es algo que vivimos a diario), sino que con Colectivo hemos descubierto mundos que nos eran ajenos y hemos comenzado a comprender cómo funciona todo lo que más nos gusta: discográficas, conciertos, festis…

Para mí, personalmente, ha supuesto una especie de resurrección musical después de tantos años. Y es que yo y mi hipsterismo llevamos juntos desde hace demasiado tiempo y siempre llega un punto en que sientes que estás caminando en círculos concéntricos. A Colectivo le tengo que agradecer que me haya devuelto las ganas de descubrir nuevos grupos y escenas, las ganas de escribir de manera constante e intentando mejorar cada día lo presente, las primeras entrevistas de mi vida… Y sí, también le tengo que agradecer haberme mantenido agarrado a algunos de los mejores amigos que he tenido jamás y que, aunque haya estado viviendo en Arizona o en un pueblo perdido de Francia (esto es verídico), siempre están ahí.

El tiempo dirá qué nuevas aventuras y derroteros viviremos gracias a Colectivo Gurrumío. Pero lo que está claro es que hace un año no nos podíamos ni imaginar lo que teníamos por delante.

En cariñoso plagio a algunas de las páginas que más nos fornican el cerebro habitualmente, en Colectivo Gurrumío hemos decidido hacer una recopilación sin fuste ninguno de los vídeos que más nos gustan ahora mismo. Esperamos que nuestros diez o doce fans nos perdonen este atentado terrorista contra la lógica.

Miss Mamarracha

44 segundos de gloria pura. Es difícil escoger un highlight pero CG se debe a sus fans y este vídeo no puede quedar sin comentarios. Lo primero que me fascina es el soponcio que lleva esta señora porque va hecha una mamarracha cuando el ojo humano no es capaz de ver a una distancia de 30 metros que no se ha pintado como un mapache, también me ha matado el “baile del zócalo” que se marca esta zamarra en el primer escalón con todo el putifinismo encima y, por último, el speech cual Simón Bolívar porque no le han dejado ponerse tan mamarracha ochentera como a ella le hubiese gustado. Esta hembra lo tiene.

Fatima Al Qadiri se mea en M.I.A.

Este vídeo resume todas mis aspiraciones en cuanto a hacer un videoclip. Tiene imagen chunga, asocia ideas que suenan perversas y tiene a mujeres bailando con burka sobre una música que es como si en la Central en el 93 vendiesen hongos. Además, en la parte central hay un momento que me parece un indisimulado homenaje a “Come To Daddy” de Aphex Twin. En resumen, lo más parecido a ser violado por los ojos.

Beyoncé troleando a una fan

2011, el año en que nos dimos cuenta de que Beyoncé es la puta ama. Y no solo porque todo se lo traiga al coño y pueda permitirse raptar a un bebé cuando TODO el puto planeta está mirando (la prensa rosa luciéndose una vez más), sino porque este momento de rajarse el culo de lo pardas que son sus propias fans es digno de elogiar en ese mundo tan de plastilina de colores que es el pop prefabricado. Y sí, también me declaro fan de la fan que va a estar aguantando coñas de sus amigos y allegados hasta el día de su muerte.

Cualquier cosa hecha jamás por Oneohtrix Point Never

Joder, este tío es como la unión entre los visuales más alucinantes que se hayan hecho jamás y la música que escucharía si me fuese a pasar la eternidad flotando en el espacio.  Todo, TODO lo que hace este hombre entra directamente en una especie de carpeta mental destinada a las cosas sagradas de la vida, en un universo paralelo en el cual todo se llama de otra manera y hay cosas de nuestro mundo que no existen, como la idiotez y la mediocridad. Dicen que casi nunca habla con nadie, es mejor que todos nosotros.

DÉMELOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO

Latinoamérica es guay en los mismos porcentajes que el resto de la población mundial. Esto es, en un 0,1%. En este vídeo, un grupo de chavales stoners recopilan todos los momentazos del culebrón mexicano “Rosa de Guadalupe” para hacer un alegato contra la estupidez de la sociedad como un millón de veces más efectivo que todas las manifestaciones de hippies en San Francisco. En CG no podemos dejar de vanagloriarnos con momentazos del calibre de la explicación genética al porqué de la niña fuma yerba o el hecho de que el doctor se encienda un porro en medio de su consulta para que la niña se tire poseída a por él al grito de: “DÉMELOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO”. AR-TE.