Tactelgraphics

Tim Biskup es un artista en constante cambio, pero su obra siempre presenta su sello particular. En sus últimos trabajos reinterpreta a grandes artistas de las vanguardias del siglo XX como pueden se Jean Arp, Henri Matisse o Pablo Picasso a través de su peculiar forma de generar y producir imágenes nuevas.

¿Podrías explicarnos tu proceso creativo?

Me encanta experimentar, por lo que mi proceso está siempre cambiando. Tengo algunos materiales de base a los que sigo volviendo: grafito, vinilo, pintura acrílica, cinta adhesiva, papel y lienzo. Para las esculturas me gusta utilizar Casteline y arcillas industriales. Recientemente he estado concentrado en el dibujo con grafito. Durante varios años he estado usando el filo de los palillos de grafito grande para hacer dibujos abs- tractos en el papel. Es una técnica muy rápida y gestual. Debido a la velocidad de ese gesto, mis pensamientos apenas pueden mante- nerse al ritmo de las marcas que voy haciendo. El proceso termina por sentirse más como meditación o baile. Exige mucha atención y apertura. Esa inmediatez significa que puedo derramar mucho del ruido mental que llena mi mente cuando estoy haciendo obras más complejas. Los dibujos resultantes son muy personales, como una representación visual de mi identidad.

¿Cuál fue tu primer contacto con el arte?

La mayoría de lo que me ha inspirado en la vida no han sido cosas que puedan identificarse como arte. He visto un montón de dibujos animados, he ido a Disneyland, he hecho modelos de plástico de monstruos y hotrods (bólidos de carreras). Viví en Los Ángeles entre los vestigios de la era moderna de mediados de siglo: edificios modernos por todas partes, logos y señales que en aquel momento todavía estaban en uso. Estas imágenes han formado mi estética y continúan conmigo. La primera vez que recuerdo haber sido influenciado considerablemente por un artista específico fue en una visita al centro Georges Pompidou cuando era un adolescente. Giré una esquina y estaba cara a cara con un lienzo grande de Roberto Matta, sentí que estaba siendo absorbido por su mundo. Reconocí algo en su estética que me pareció la pieza que faltaba en mi comprensión del universo. Tus orígenes comienzan en el mundo de la ilustración, pero ahora estas introduciéndote en el mundo del arte contemporaneo,

¿es asi o estoy equivocado?

Yo nunca quise realmente ser ilustrador. Quería pintar como Matta y DuBuffet. Estudié Bellas Artes en la escuela (OTIS College, Los Angeles) pero yo no estaba interesado en el arte contemporáneo en aquél tiempo. Eran los años 80 y la pintura (especialmente el tipo de trabajo que quería hacer) estaba muerta!. Parecía que el minimalismo conceptual era lo que todo el mundo parece respetar y debido a esta creencia popular estuve constantemente desalentado por la mayoría de mis maestros. Dejé la escuela sin muchas esperanzas de exponer alguna vez en una galería. Empecé a hacer portadas y diseños de camise- tas para bandas, luego continué haciendo diseños para tablas de patín y luego seguí con la animación. Durante unos diez años traba- jé en ello constantemente. Era el tipo de entrenamiento que estaba buscando en la escuela de arte. Aprendí a hacer cosas bellas. He hecho la transición a la exposición en galerías organizando subastas de arte de estilo guerrillero en bares. Galeristas y coleccionistas vinie- ron a mis eventos y me ofrecieron exposiciones. Mi carrera siempre ha sido así. Voy haciendo lo que me parece que está bien y con el tiempo el trabajo llama la atención de las personas adecuadas. Con los años he aprendido a confiar más en mí y ha encontrar mi propia manera de hacer las cosas.

¿Cuáles son tus mayores inspiraciones? Tengo una idea muy diplomática de la inspiración así que es difícil apuntar a artistas específicos sin nombrar cientos de personas. Recientemente he estado buscando en un libro de cristal grabado que solo me da ganas de dibujar. Matta es todavía una gran influen- cia, Barry McGee, Jonathan Zawada, Kati Heck, Ryan Travis Christian, Allison Schulnik... Sólo unos pocos. Tu trabajo es cada vez más abs- tracto. Ha sido un proceso largo pero no puedo decir que haya sido difícil porque ha sido muy agradable. Me ha tomado mucho tiempo para dejar ir la necesidad de crear una imagen representativa cuan- do trabajo. Y sigo jugando con ese impulso todo el tiempo. Mientras estoy trabajando veo cosas en mi mente que parecen el camino lógi- co a seguir. Como cuando una forma abstracta comienza a parecer- se a algo. Mi impulso es convertirlo en esa cosa. A veces lo hago y a veces no. Últimamente me siento mucho más cómodo haciendo obra abstracta, y desafiando ese impulso es algo muy divertido para mí. Me encanta jugar a ese juego, es un diálogo interno muy perso- nal. ¿Trabajas con una galería de arte contemporáneo? ¿Has estado en España? Solía trabajar con Iguapop en Barcelona. Hice unas cuan- tas exposiciones allí y amo a la gente y la ciudad. Desde entonces sigo encontrándome con más españoles que se relacionan con mi trabajo y lo apoyan. Conocí a Fer Frances el año pasado y nos hicimos amigos, y recientemente me presentó a la Espai Tactel Galería. Estamos organizando una expo individual en la feria Arte Santander este mes de julio. También estoy planeando una muestra individual con ellos en su espacio en Valencia. ¿Compras arte? ¿Qué tipo de arte? Compro arte de vez en cuando, pero sobre todo hago intercambios con otros artistas. Es una de mis tradiciones favoritas de la escena del arte, artistas que negocian entre sí. Sobre todo, me gus- tan los cuadros. Todd James, Mark Ryden, Kaws, James Jean, Josh Jefferson, Amanda Visell, Friends With You, Eric White... Negociar es complicado, porque los artistas somos todos diferentes, pero creo que realmente nos ayuda a relacionarnos entre sí. Cuando no hay dinero involucrado es sólo el arte. Es refrescante. ¿Qué estás hacien- do o preparando ahora? Estoy trabajando en mas piezas para Arte Santander, dibujando mucho y trabajando en un libro con Todd Oldham y AMMO Books. Estoy preparando algunos proyectos de música y cine, pero aun están en desarrollo.

ESTAS DOCTRINAS ACABARON DILUYÉNDOSE, AUNQUE DEJARON UN POSO QUE A DÍA DE HOY ES OBSERVABLE EN SU FORMA DE COMPONER HISTORIAS. EN SUS VIDEOCREACIONES PODEMOS VER DESDE UN RENO DE ORO GALOPANDO A TRAVÉS DE UN VASTO TABLERO MIENTRAS UN OVNI GROTESCO SOBREVUELA LA ESCENA, A LOS COJINES DE UN SOFÁ MODERNISTA DANDO A LUZ UN BECERRO DE ORO. SU IMAGINACIÓN PARECE NO TENER LÍMITES NI COMPLEJOS, Y NO DUDA EN MEZCLAR CONCEPTOS Y OBJETOS COMO UNOS HUEVOS DE FABERGÉ REINTERPRETADOS, TODO TIPO DE CIBORGS Y EL LUJO DECADENTE: IMÁGENES SURREALISTAS A GOGÓ PARA UN MUNDO ARTIFICIAL COMPUESTO DEL DETRITUS DEL CAPITALISMO MÁS ABSURDO. IRONÍA POSAPOCALÍPTICA A LA PAR QUE ELITISTA Y BELLA. TODO ESTO Y MÁS SE ENCUENTRA EN LAS ENCRIPTADAS COMPOSICIONES Y DEMÁS CREACIONES DIGITALES DE JONATHAN MONAGHAN. PASEN Y VEAN...

Entrevista: Tactelgraphics 

Te consideras videoartista?

Soy un artista y hago lo que tiene sen- tido para mí. Trabajo cruzando técnicas: hago esculturas, grabados y videoinstalaciones, pero todo forma parte del mismo mundo. Las imágenes y los conceptos te dirigen a través de los diferentes mate- riales. Cada técnica es adecuada para interactuar con los temas y conceptos, que se tratan de una manera única.

¿Qué opinas del denominado movimiento post-Internet?

Hay una fluidez de los sig- nificados en mi trabajo, donde elementos dispares se fusionan en algo nuevo. Es un poco la forma en la que funciona la Red, en la que todo tipo de técnicas se transforman a través de la pantalla del orde- nador. Sin duda, me preocupan las cuestiones que la era digital moderna es capaz de abarcar y transformar. Creo que los artistas pueden ocuparse de esta cuestiones a través de todo tipo de enfo- ques, pero yo soy consciente del uso que hago de las herramientas digitales para ser crítico con los efectos que tienen sobre nuestro sentido de la realidad, nuestra identidad, nuestra historia. Más con- cretamente, estoy creando obras que parecen spots publicitarios: tienen la agudeza y la seducción de un anuncio de un coche, por ejemplo.

La exposición Escape Pod hacía referencia a la mitología tanto nórdica como griega. Sin embargo, tus vídeos tienen un claro contenido apocalíptico. ¿Cómo influye todo esto en la creación de tu obra audiovisual?

Yo veo la historia como un estadio no lineal. Me gusta estudiarla como la mitología, no como una serie de eventos indirectos sino como las mismas manifestaciones de la naturaleza humana en formas ligeramente diferentes. Utilizando criaturas míti- cas y de cuentos en mi obra estoy intentando explorar la raíz de la naturaleza humana en la era digital.

Los posibles hábitos de consu- mo quedan claramente reflejados en obras como Afrer Fabergé. La ironía es un ‘must’ en tus trabajos.

Utilizar un Starbucks o una tienda libre de impuestos en mi otro mundo imaginario aproxima mi traba- jo a la realidad. La discordancia humorística creada por el contraste entre estos elementos banales y las imágenes de poder o historia tiene como objetivo desencadenar la visión de quiénes somos y adónde vamos, o eso espero.

El mundo paralelo, no desvinculado de la iconografía más contemporánea, se ve reflejado en tu cuerpo de obra. ¿Qué pretendes con ello?

Me veo obligado a buscar en nues- tra cultura comercial y consumista de una manera diferente. A menu- do la gente se pregunta ‘por qué’ cuando observan mi trabajo: ¿por qué hay un hotel en este palacio barroco?, ¿por qué está bailando Iron Man? ‘Por qué’ es una buena pregunta para hacerse cuando navegamos por nuestra vida y nuestra cultura. Creo que no pregun- tamos lo suficiente y espero que mi trabajo pueda instigar estas pre- guntas.

Pese a la carencia de humanoides en tus piezas, el concep- to de hibridación parece siempre estar presente. ¿El mensaje encrip- tado tiene algo de adoración hacia el mundo de la ciencia-ficción?

Siempre he estado influenciado por la ciencia ficción y por cómo trata la tecnología, la alegoría y las advertencias sobre problemas concretos. Estoy haciendo algo similar, pero estos híbridos del pasa- do y del presente de nuestra cultura del consumo van más allá de la evasión y la fantasía asociada a veces a la ciencia ficción.

Supongo que conoces a la artista Patricia Piccinini y sus pequeños mutantes. ¿Sabes que inspiró la película Splice, con Adrien Brody y Sarah Polley? ¿Te gustaría que tu obra derivase en lo mismo?

Sí, sin duda. Hollywood es más que bienvenido para pagarme por una dirección de arte en cualquier momento.

Hablemos del parto del ciervo de oro del sofá, que me tiene totalmente hechizado. ¿Metáfora del consu- mo o mito revisitado?

La imaginería en mi obra es intencionadamen- te ambigua. No existe un significado específico, sino más bien un desfile de imágenes para contemplar. Me gusta enfrentar contrarios y lo inesperado. Nos obliga a pensar sobre las cosas de manera dife- rente.

No puedo evitar pensar en artistas como Matthew Barney cuando visualizo tus vídeos, salvando las distancias. Cremaster Cycle es una de las piezas, desde mi punto de vista, más importantes de principios de este siglo... ¿Tú que opinas?

He visto un montón de videoarte. Matthew Barney ha sido, en muchas formas, una gran influencia para mí. Creo que la sensación que tuve al estudiar esos trabajos fue que podría producir algo como eso, pero que podría hacerlo con mis propias habilidades. No tengo un estudio o un gran presupuesto, ni siquiera sabía cómo usar una cámara, pero pensé que podría hacerlo con los conocimientos de animación 3D que ya tenía.

¿Qué proyectos tienes entre manos en estos momentos? Estoy terminando una serie de grabados y esculturas, tituladas Gotham, con un giro hacia el lujo arquitectónico del Nueva York del siglo XIX, convertidos en viñetas orgánicas.

Principalmente en el proceso, la manera en la que desarrollo los proyectos. Todo se basa en el dibujo, la anotación, que se acaba construyendo en formato vídeo, escultura o fotografía. Es un cambio de for- mato y escala respecto a la arquitectura, pero mantiene muchas similitudes en la organización.

¿Qué opinas del hecho de que el premio Turner 2015, probablemente el más prestigioso galardón del mundo del arte en la actualidad, haya sido otorgado por primera vez a un equipo de arquitectos y no a artistas?

Todo lo que ayude a borrar las etiquetas y las barreras ayuda a avanzar para entender las cosas de un modo más limpio y abierto, y creo que eso se demues- tra con el premio Turner de este año.

¿Qué importa que venga de la mano de un equipo de arquitectos?

Lo importante es el resulta- do, su discurso, su obra como relación con una sociedad.

¿Consideras que cada vez más se difuminan los límites interdisciplina- res?

No creo que esto sea algo nuevo. Creo que es volver a épocas pasadas. Todo esto que ocurre es cíclico, aunque se llega desde lugares distintos. Se borran viejos límites pero se dibujan nuevos. Es evolución.

¿Percibes que tu trabajo tiene mayor reper- cusión especialmente en un país concreto?

En cada país tiene una lectura distinta. Es muy distinto, por ejemplo, cómo se entiende el espacio doméstico en Japón que en Chile, y eso repercute en el entendimiento de la obra. Ambos casos me interesan.

¿Dónde te has sentido más cómodo trabajando?

Quizás Japón, pero por el cuidado y profe- sionalidad con que trabajan los curadores y las instituciones.

¿Habitualmente participas en ferias a través de galerías? ¿Cuáles?

Sí. Este ultimo año hice Maco, en México; Arco y NADA, en Nueva York.

¿Hacia dónde se dirige tu proyecto vital? ¿Qué próxima resi- dencia o proyecto te tiene absorbido?

Ahora, trabajar entre dos continentes con dos mercados distintos. En este momento preparo toda la producción para el próximo año, con mi proyecto Las cosas. Vives entre Madrid y México.

¿Dónde te veremos próxi- mamente?

Estaré sin parar entre España y México. Comienzo con una individual en mi galería del DF, Arredondo/Arozarena, en febrero; luego tocará Arco, en abril estaré presentando mi trabajo en Max Estrella, y en mayo con Espai Tactel. Espero sobrevivir...

¿Podrías citarnos algunos de tus referentes tanto del mundo del diseño y la arquitectu- ra como del arte?

Siempre me han interesa- do sobre todo los viejos maestros, entre ellos Achille Castiglione, Carlo Mollino, Zurbarán, Frederic Church, Adolf Loos, Josef Albers, Antonio de Pereda o Juan de Arellano.

Durante la feria NADA tu galería de México consiguió que el Met de NY adquirie- se tu video Reconstrucciones pt2 y una de las fotos de la serie Reconstrucciones pt1. Debe de ser una sensación increíble que semejante institución te incluya en su colec- ción. ¿Me equivoco?

Ha sido una experiencia increíble, y sobre todo una suerte haber podido acceder a una gran colección, gra- cias también al riesgo y la confianza que jugó mi galería Arredondo/Arozarena, ya que decidieron jugárselo todo conmigo en la feria de NY y me ofrecieron llevar un proyec- to como único artista en la feria, con lo que pude mostrar Reconstrucciones con sufi- cientes piezas para poder explicarlo bien, algo no muy habitual, y a eso ayudó que Doug Eklund se interesara en él y decidiera adquirirlo para formar parte de la colección permanente del Metropolitan.

Sabemos que vas a estar este año en la feria ARCO con tu galería del DF, Arredondo/Arozarena; y en Casa Leibniz con tu galería española, Espai Tactel. Supongo que estarás satisfecho.

Estoy contento de poder estrenarme por fin en Arco y Leibniz simultáneamente y por primera vez con diferentes proyectos, hasta ahora inéditos en España. En Arco mostraré Reconstrucciones y en Casa Leibniz la insta- lación que mostré en la exposición en Tokyo, Wonder Site.

¿Dónde te ves dentro de diez años?

Es cierto que durante nuestro primer año como estudio hacíamos un poco de todo por pura necesidad. Teníamos que ganarnos la vida, así que decíamos que sí a cualquier proyecto que cayese en nuestras manos, ya fuese de diseño gráfico, diseño de producto, interiorismo, desarrollo web... Los proyectos de ilustración en aquel momento eran algo anecdótico y los considerábamos poco más de un hobby. Tuvimos la suerte de que uno de esos trabajos primerizos de ilustración que hicimos para Honda España, a través de la agencia Villarrosás, ganó numerosos premios en diversos festivales. De repente empezamos a recibir numerosos encargos de ilustración de agencias de publicidad de España e incluso extranjeras, así que tomamos la decisión de concentrarnos en aquello y convertirnos en ilustradores a tiempo completo. Otro proyecto que hicimos pocos meses después para Saatchi & Saatchi NY supuso nuestra apertura a Estados Unidos, que con los años se ha convertido en nuestro mercado principal.

¿Veis importante mantener ante todo un aire personal en vuestros trabajos o priorizáis el briefing?

Para nosotros es muy importante mantener la identidad, pero no debe ser algo forzado. Por eso es tan importante el proceso de búsqueda y selección de artistas o ilustradores por parte del cliente. Siempre intentamos llevar el briefing a nuestro terreno, y si vemos que no funciona, sugerimos que a lo mejor no somos los indicados para resolver ese encargo.

¿Qué caracteriza vuestras ilustraciones? Pensamos que la ironía es un constante en todas ellas...

Nos gusta decir que nuestro estilo es fresco y optimista, y en él siempre están presentes la fantasía y el humor. Habladnos un poco del proceso de trabajo. Lo que más caracteriza nuestro proceso es el hecho de ser dos hermanos que generan el trabajo de forma conjunta. Todas las decisiones creativas se toman entre los dos. En el caso de las ilustraciones, la parte más importante y la que nos lleva más tiempo es la realización del original a lápiz. Tenemos exactamente el mismo estilo de dibujo, así que la hoja de papel va pasando de uno a otro indistintamente hasta que decidimos que ya está terminada del todo. El resto del proceso es mucho más mecánico y entonces sí que lo dividimos [Juan se encarga del entintado y Alejandro del coloreado]. Nuestras ilustraciones no son vectoriales, nos gusta mantener el feeling del trazo hecho a mano, así que el archivo final siempre es un mapa de bits.

¿Disfrutáis los encargos comerciales? Podríais citarnos alguno de los más relevantes...

Con el tiempo hemos consolidado un estilo muy marcado, así que la mayoría de encargos comerciales que nos llegan vienen pidiendo eso. Pero cuando realmente se disfrutan los proyectos es cuando además de aportar tu estética puedes intervenir a nivel creativo . Recientemente hemos participado en un proyecto para Oreo en el que lo pasamos muy bien. Se trataba de una supercampaña gráfica en la que participaron ilustradores fantásticos como McBess, Andy Rementer, Alex Trochut... etc. El briefing era muy abierto, pues tan solo nos asignaban una palabra a partir de la cual debíamos dibujar un personaje con cabeza de Oreo. Esta libertad se agradece, pues notas que el cliente confía en tu creatividad y al final las cosas fluyen bien.

En cuanto a la proyección internacional, ¿qué importancia le dais?

Según nuestra opinión, si quieres vivir de la ilustración es casi obligado plantearse un mercado internacional. La globalización actual y los avances en las comunicaciones permiten hacerlo, y no aprovecharlo sería un error.

¿Cómo veis el panorama de la ilustración en España actualmente?

La verdad es que no nos atreveríamos a generalizar. En nuestro caso, nos sentimos más cómodos trabajando como ilustradores fuera de España, donde parece que se respeta y se valora más nuestra profesión. Por supuesto, siempre hay excepciones, y no hemos dejado de trabajar aquí, pero aquí seleccionamos más a los clientes.

¿Admiráis a alguien? ¿Quién os ha sorprendido recientemente?

No somos muy mitómanos, pero últimamente estamos enganchados al videoblog de Casey Neistat.

¿Cuál es vuestra relación con las redes sociales? ¿Es una herramienta que utilicéis a menudo?

Las usamos constantemente, tanto como observadores como publicando contenidos. Es algo esencial que no se puede dejar de lado si no quieres quedarte desconectado de una parte muy importante del mundo actual. Para los profesionales de la creatividad, es sin duda la forma más rápida y eficaz de estar en contacto con tus seguidores, clientes y colaboradores.