Dios, patria y familia

Mala Strana Praga.

Construida durante el siglo XVIII, la Iglesia de San Nicolás muestra lo bien que manejaban el estilo barroco bohemio. También cómo cambiaron la idea del movimiento cóncavo-convexo que retomaron de Borromini. Christoph y Kilian Ignaz Dientzenhofer hicieron casi todo el diseño. Es como un curso avanzado sobre cómo usar las formas de un edificio para que parezca que está a punto de caerse, pero sin que dé miedo y que siempre esté en movimiento.

Lo importante de San Nicolás es cómo se juntan sus formas. En lugar de usar los planos normales, los Dientzenhofer usaron círculos y techos curvos que parecen estar empujándose unos a otros. Esto crea ese famoso efecto de pared ondulada. No parece que la estructura tenga bordes duros, sino como una tela que se estira. Pasar a la cúpula está muy bien hecho. Mide 20 metros de ancho y 70 metros de alto (hasta la linterna). La cúpula de San Nicolás se ve igual de importante que la torre del campanario. Juntas, crean una línea vertical que se ve desde toda Praga. Por dentro, los frescos de Johann Lukas Kracker hacen que no sepas dónde termina la iglesia real y dónde empieza la pintura. Las enormes columnas de mármol falso hacen que todo parezca aún más grande, para que la gente se sienta impresionada por lo enorme que es.

En resumen, San Nicolás de Malá Strana es lo mejor de la arquitectura que parece un escenario de teatro. Es un edificio donde la forma en que está hecho se usa para crear una imagen impresionante. Hace que la piedra parezca que fluye. Es clave para entender cómo el estilo barroco hizo que la forma de construir se convirtiera en una forma de mostrar emociones y movimiento.

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II

La Frauenkirche en Dresde, planeada por George Bähr entre 1726 y 1743, es lo mejor de la arquitectura de iglesias luteranas y fue algo nunca antes visto en la ingeniería de esa época. A diferencia de las iglesias católicas grandes, su forma es más como un círculo, hecha para que la misa y la música se junten en el centro, dejando atrás la forma larga y con niveles del barroco de antes. Lo más genial es su Campana de Piedra, una cúpula que se sostiene sola, hecha con 12,000 toneladas de piedra arenisca, apoyada en ocho pilares internos que son muy delgados.

Bähr lo logró gracias a la forma curva hacia adentro de la cúpula. A diferencia de San Pablo o San Pedro, esta no usa madera o hierro, sino solo piedra sólida. Para aguantar el peso de los lados, el arquitecto hizo paredes muy gruesas alrededor y una curva especial que lleva el peso hacia abajo, a los cimientos. Después de que fuera destruida en la Segunda Guerra Mundial y luego reconstruida como era antes, la Frauenkirche es ahora un ejemplo de cómo restaurar algo de forma científica. Usaron las piedras originales mezcladas con la nueva estructura, usando fotos y programas de computadora para que todo quedara exactamente como Bähr lo había planeado.

HISTORIA DE LAARQUITECTURA II.

La Asamkirche de Múnich, obra cumbre de los hermanos Egid Quirin y Cosmas Damian Asam, representa la apoteosis del Barroco tardío bávaro bajo el concepto de Gesamtkunstwerk o "obra de arte total". Diseñada originalmente como una capilla privada, la estructura desafía las limitaciones de un solar extremadamente estrecho (apenas 8 metros de ancho), utilizando la compresión espacial para intensificar la experiencia mística. Su arquitectura se organiza en una progresión vertical de tres niveles simbólicos: el inferior, sombrío y terrenal; el intermedio, destinado a la aristocracia en tonos claros; y el superior, una explosión de luz cenital que ilumina los frescos del techo.

Técnicamente, los Asam emplearon el "Theatrum Sacrum" para disolver los límites físicos del edificio. Mediante el uso magistral del estuco, la pintura ilusionista y fuentes de luz ocultas, las cornisas parecen romperse y la estructura se funde con la ornamentación, eliminando cualquier distinción entre soporte y decorado. La fachada, integrada en la traza urbana, utiliza una base de roca natural que simboliza lo telúrico, evolucionando hacia órdenes clásicos que se retuercen en el interior. En definitiva, la Asamkirche no es solo un edificio, sino un dispositivo escenográfico diseñado para manipular la percepción del fiel, convirtiendo un espacio mínimo en una atmósfera de escala infinita y drama teológico.

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II.

Después del Gran Incendio de Londres en 1666, reconstruir la Catedral de San Pablo fue un gran logro en la arquitectura europea. Sir Christopher Wren estuvo a cargo, y decidió cambiar el estilo gótico inglés común por un estilo clásico basado en figuras y cálculos. Wren, que primero estudió ciencias antes de ser arquitecto, vio este proyecto no solo como algo bonito, sino como un problema de cómo usar los materiales.

Lo más importante del edificio es su sistema de tres cúpulas. Esta idea fue genial para solucionar el problema de hacer que el interior y el exterior del edificio se vieran bien juntos. Wren se dio cuenta de que una cúpula redonda perfecta para el interior no se vería desde la calle porque las paredes eran muy altas. Así que creó un sistema con capas: una cúpula interior de piedra con un agujero en el techo, un cono de ladrillo en el medio que soporta la linterna de 850 toneladas, y una cúpula exterior de madera cubierta de plomo.

La catedral llama la atención por sus muros altos a los lados. Estos muros esconden los arbotantes que ayudan a sostener los techos abovedados. Esto hace que por fuera parezca un palacio romano con columnas corintias, sin que se vean los soportes góticos que la hacen mantenerse en pie. Esta forma de construir muestra el cambio hacia un estilo barroco más simple, donde lo importante es que se vea bien, con líneas rectas y todo simétrico, en lugar de mostrar cómo está hecha.

Por dentro, la catedral tiene forma de cruz, pero el centro es más grande y la cúpula se apoya en ocho arcos fuertes. Esto crea un espacio central enorme, algo nunca visto en Inglaterra. Al final, San Pablo es un ejemplo de arquitectura lógica. En lugar de usar muchos adornos como en el barroco de otros lugares, se basa en las proporciones perfectas y en una buena construcción para verse grandiosa. Así, se convirtió en el modelo a seguir del clasicismo inglés.

Matthäus Daniel Pöppelmann no hizo un palacio común para Augusto el Fuerte; más bien, pensó en un teatro al aire libre. Lo que vemos hoy, como un grupo de lugares y pasillos, surgió para algo muy puntual: ser el lugar de fiestas, torneos y desfiles de la realeza. En cuanto a la construcción, es como un juego de hueco lleno. Lo principal no son las paredes, sino el enorme espacio central que los edificios rodean. Lo importante del Zwinger es cómo entra por los ojos. En lugar de bloques pesados, Pöppelmann usó pasillos bajos que juntan lugares llamativos, como el de la Campana o el de la Rampa. Esto hace que la vista vaya de arriba abajo, con esculturas de Permoser que parecen moverse entre las piedras. La Kronentor (la Puerta de la Corona) es el mejor ejemplo: no es solo una entrada, es una preciosidad que muestra esa idea barroca de fijarse en el más mínimo detalle y en que todo sea igual. Aquí, la construcción se une con el paisaje. Las fuentes, las escaleras y los balcones altos te dan ganas de mirar hacia abajo y a los lados, cambiando la idea de que un edificio es solo para estar dentro. El Zwinger es, básicamente, pura arquitectura de fiesta: un sitio donde la piedra parece ligera y donde todo se hizo para sorprender y mostrar el poder a través de lo bonito.

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HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II.

Entrar al Santuario de los Catorce Santos es comprender que, en el siglo XVIII, la arquitectura dejó de ser estática para volverse pura dinámica. Balthasar Neumann no diseñó una iglesia convencional; creó un mecanismo preciso donde la ingeniería alemana se mezcla con fantasía rococó. Por fuera, la fachada de arenisca dorada transmite la solidez de una basílica tradicional, pero el interior desafía la línea recta. Al cruzar el umbral, la pesadez desaparece. Neumann reemplazó la rigidez de la planta de cruz latina por un sistema de elipses entrelazadas que hacen que los muros parezcan moverse. Es un espacio que jamás se queda quieto: las columnas y los arcos fluyen entre sí, iluminados por una luz blanca que inunda cada rincón a través de enormes ventanales. El golpe maestro es la ubicación del Altar de la Gracia. En lugar de estar al fondo, siéntese justo en el centro de la nave como una isla escultórica. Esto rompe la jerarquía típica y obliga al visitante a rodearlo, convirtiendo el acto de caminar en una experiencia inmersiva. Entre los frescos que parecen abrirse al cielo y los estucos que trepan por las paredes, la estructura se vuelve casi etérea. En Vierzehnheiligen, la arquitectura no solo define el espacio, también lo hace bailar.

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II

Informe.

la película Farinelli II Castrati se trata de dos hermanos que se dedicaron casi toda su vida a la música, Farinelli como cantante de las operas que su hermano Ricardo componía eran la sensación del arte teatral de su tiempo, vemos como la película se desarrolla en un entorno clásico, donde aparecieron varios escenarios y teatros renacentistas muy marcados, aquí vemos aun mucha influencia clásica griega y romana, y mas aun en el entorno de la película, con teatros de techos cerrados, que parece responder muy bien a la acústica y a ser un claro punto de encuentro para la recreación. mas que nada note en los escenarios de la película todo muy renacentista, pero con unos inicios hacia el barroco, no del todo pero si presente.

Entrando en materia con las reflexiones de la película, creo que mas que moralejas podemos quedarnos con la historia para fines educativos, ya que es interesante conocer los métodos que existían en el siglo XVI para mantener en los cantantes de opera esa voz angelical y casi imposible de alcanzar, considerando lo perverso que fueron estas practicas para los que la vivieron, y que debían enfrentarse día a día a la tortura de la mutilación para llegara ser cantantes exitosos algún día, creo que debemos saber y conocer este tipo de historias y así apreciar como también el arte de la música ha evolucionado con el tiempo y saber como fueron sus inicios en el teatro y la opera.

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II

Colegas y enemigos.

Borromini.

Un hombre que se creía incomprendido, tal vez un asocial extremo pero altamente talentoso, un alma melancólica que expresaba sus emociones con las estructuras que diseñaba. Un matemático nato, que entendía muy bien la geometría, sumamente sencillo, que expresaba su rechazo hacia la ostentosidad al tener una vida más austera y sencilla, sabía hacer maravillas de la Arquitectura, resolver problemas técnicos y moldear espacios que evocan respirar.

Tenía un estilo único para su tiempo, donde las cúpulas barrocas con sus famosas formas definidas no lo convencían del todo, construyó iglesias con cúpulas totalmente diferentes, con formas elípticas hermosas que inspiraban un cielo extenso en los techos de los templos, paredes curvas que parecían imitar la respiración, tal vez expresando su constante estado de ansiedad y melancolía a través de estas formas, sus fachadas parecían invitarte con un abrazo al interior y una vez dentro sentías la paz de la sencillez en sus obras.

Bernini.

El maravilloso Bernini, excéntrico y exuberante, elegante y altamente culto, un maestro del arte y la expresión en su maximo esplendor, tenia un carisma elevado, de fácil habla y altamente social, venía de familia su talento para la escultura y saber cómo adornar los espacios. todo lo que construyo parecía ser un escenario para sus propias obras, era el todo con demasiado, de una forma tan clara sin dejar mucho a la interpretación del visitante, ya que el arte estaba presente y muy claro desde que entrabes a alguna de sus edificaciones. Inteligente, simpático y chevere por decirlo de alguna forma, tenía esta personalidad de amigo de todos y esa delicadeza para las cosas hermosas y finas, en fin, extrovertido en su máxima expresión.

Borromini y Bernini siempre rivales, siempre colegas.

Su rivalidad se debe en mi opinión personal, al ser polos totalmente opuestos compartiendo la misma vida, la misma profesión en el mismo lugar y al mismo tiempo. son tan talentosos pero tan distintos que es imposible compararlos siquiera, entre ellos existió siempre esta brecha, ya que a las personas les gusta más el carisma y los excesos que lo único y sencillo, de allí nace este Versus que a veces nos hace pensar que existe uno mejor que el otro, pero pienso que es imposible de deducir eso. Es cómo evaluar a un pez por su capacidad de volar, cada uno tenía su propia manera de ver la vida y de vivir la arquitectura, pero sobre todo, su manera de HACER arquitectura. en San pedro vemos Como juntaron a la luna y al sol en una misma obra, y los resultados fueron totalmente hermosos, la rivalidad no puede nacer cuando no se es compatible, sus únicos pecados fueron tener el mismo trabajo y en el mismo tiempo, pero cada uno es una huella significativa para la arquitectura.

Asi que en este debate de saber que team ser, los escojo a ambos y, no puedo apoyar más a uno que otro, los dos me encantan, y admiro Cómo lograban ser capaces de hacer cosas tan hermosas y matemáticamente funcionales. Aunque si hablamos de gustos, me gusta mucho el estilo de borromini, porque me parece que se atrevió a ser diferente, y a defender eso a pesar de todo.

" La rivalidad nace de la comparación, asi que no debemos compararnos nunca, siempre seamos únicos y detergentes"

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II

COEVALUACIÓN.

Fachada este del Museo Louvre

La presentación de la Fachada este de Louvre por parte de mis compañeros Adrian Aranguren, Alejandra Garcia y Dana Castillo estuvo muy interesante y completa, a pesar de verla de manera online siento que supieron tener dominio de sus discursos y explicar de forma clara sus ideas, es una diapositiva llamativa y elegante, tal vez algunas cosas se vieron repetitivas, pero al cada uno explicar su punto quedaron claros, quizás hubieron algunos percances en el manejo del tiempo, o en la tonalidad de la voz que a veces era muy baja, pero en términos generales me gusto mucho, y creo que hicieron muy buen trabajo.

CARACTERÍSTICAS DE LA FACHADA ESTE DE LOUVRE

Esta edificación tiene un trasfondo histórico muy interesante, ya que primero fue una fortaleza medieval militar en la París del siglo XVI y posteriormente convertido en palacio real del renacimiento francés, fue sometida a muchas mejoras y modificaciones al pasar de los siglos, siendo arquitectos como Claude Perrault quienes trabajaron también en ella, hasta pasar a ser en la actualidad uno de los Museos mas visitados y famosos del mundo, un dato bastante interesante es saber que este Museo alberga obras de arte valiosas como La Gioconda de Leonardo Da Vinci.

El museo tiene muchos espacios hermosos, pero la fachada es su elemento más llamativo y representativo, al tener un claro estilo clásico francés, está constituida por una horizontalidad que abarca mucho espacio y que de alguna manera se impone en el ambiente, está constituido por 28 columnas corintias apareados con una simetría muy bien trabajada, esta fachada clásica evoca autoridad y es un símbolo que representa el Estado y no lo individual, cuenta con un Frontón que tiene claras influencias griegas y romanas.

Se puede apreciar un estilo barroco muy estilizado, no es demasiado ostentoso pero tampoco es demasiado clásico y sencillo, creo que se ve un claro ejemplo de una edificación barroca sumamente elegante, que inspira esa sensación de grandeza sin necesidad de hacer el espacio agotador y pesado con mucha ornamentación, vale la pena mencionar que donde más se puede apreciar este estilo es en el interior del Museo, ya que la fachada es más clasicista.

AUTOEVALUACIÓN

Esta actividad fue bastante educativa, nos permite absorber mucha información de manera muy dinámica, lo que aligera el peso de tener que aprender por aprender, siendo un gusto descubrir estas edificaciones que fueron claves en la historia porque nos muestra cómo la arquitectura es más que una profesión, es la manera en la que nos hace sentir cada espacio, y el hecho de que existan personas tan talentosas que hayan diseñado tantas cosas grandiosas hace que el ser humano pueda alcanzar un mayor de nivel de sensaciones al estar en un lugar que fue pensado y diseñado para que fuera así.

Con la actividad podemos mejorar en nuestra oratoria, y también afrontar miedos escénicos que podamos tener ;v, en general me gusto mucho, espero seguir teniendo estas experiencias de aprendizaje a lo largo de la carrera.

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II

RECOPILACION DE PALABRAS DE LAS ULTIMAS DOS CLASES DE HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II

Austeridad.

se refiere a la cualidad de vivir de manera sencilla y sobria, sin lujos ni excesos.

Implica moderación y disciplina en el uso de recursos y en el estilo de vida.

En un contexto más espiritual, la austeridad implica la mortificación de los sentidos y pasiones, renunciando a los placeres materiales en busca de la purificación y lo trascendente.

Ejemplos de ello son monjes que llevan una vida de austeridad extrema, renunciando a bienes materiales y viviendo con sobriedad.

Currigueresco.

El término churrigueresco se refiere a un estilo artístico que surgió en España a principios del siglo XVIII, influenciado por el barroco y promovido por figuras como Churriguera y Ribera.

Este estilo se caracteriza por su ornamentación exuberante y detalles elaborados.

En un sentido más amplio, se utiliza para describir algo recargado o rococó, que resulta complicado y sobrecargado en su presentación.

Rococó.

El rococó es un estilo decorativo que surgió en el siglo XVIII como una evolución del barroco.

Se caracteriza por su excesiva ornamentación, con detalles elaborados y colores suaves.

Originado en Francia, se destaca por su elegancia y refinamiento, influenciado por la naturaleza y la fantasía.

Este estilo se extendió por toda Europa, especialmente en Alemania, Austria e Italia, dejando una huella de sofisticación y belleza en la historia del arte y la decoración.

Cartuja.

La palabra cartuja se refiere principalmente a un convento donde viven los cartujos, una orden religiosa conocida por su vida de silencio y oración.

Estos monasterios son espacios de recogimiento y espiritualidad, donde los monjes se dedican a la meditación y el trabajo manual.

La cartuja es un símbolo de la búsqueda de la tranquilidad y la conexión con lo divino, alejándose del bullicio del mundo exterior.

Columna Salomónica.

La columna salomónica es un elemento arquitectónico caracterizado por su fuste contorneado en espiral, que evoca un estilo dinámico y ornamental.

Este tipo de columna se asocia frecuentemente con el barroco, aportando un sentido de movimiento y elegancia a las estructuras.

Su diseño distintivo no solo cumple una función estructural, sino que también añade un valor estético significativo a los edificios en los que se incorpora.

Paraboloide.

El término paraboloide se refiere a una superficie curva que puede presentar secciones parabólicas en cualquier punto.

En geometría, se clasifica en diferentes tipos, como el paraboloide de revolución, que se forma al girar una parábola alrededor de su eje, y el paraboloide elíptico, que es convexa por un lado y abierta por el otro.

También existe el paraboloide hiperbólico, que se extiende indefinidamente y presenta secciones de parábolas o hipérbolas.

Paraboloide hiperbolico.

Antecámara.

La palabra antecámara se refiere a un espacio que actúa como un preludio a las áreas principales de una casa.

Este término describe una pieza que se encuentra antes de las habitaciones más importantes, sirviendo como un área de transición.

Además, también puede entenderse como una antesala o un lugar de recibimiento, donde las personas pueden esperar antes de ingresar a un espacio más privado o significativo.

Tabernaculo.

El tabernáculo es un término con diversas acepciones.

En la antigüedad, era una tienda donde se colocaba el arca del Testamento entre los hebreos, según la  Biblia.

También se refiere al santuario portátil construido por los israelitas en el desierto bajo las instrucciones de Moisés.

En el cristianismo, es el lugar donde se guarda el sagrario con las hostias consagradas.

Además, puede ser una tienda o refugio utilizado por los antiguos hebreos durante su peregrinaje en el desierto.

En un contexto más amplio, puede ser una estructura religiosa que alberga un altar o lugar de culto, como una capilla dentro de una iglesia.

Catenaria.

En geometría, describe la curva que adopta una cuerda colgada entre dos puntos fijos, mostrando cómo la gravedad influye en su forma.

Parapetos.

El término parapeto se refiere a una estructura que cumple funciones de protección y seguridad.

En su primera acepción, designa una barandilla o antepecho, como el que se encuentra en puentes o escaleras, que evita caídas.

En un contexto más militar, se utiliza para describir un terraplén que sirve como resguardo contra ataques enemigos, proporcionando una defensa eficaz en situaciones de combate.

Misticismo.

El misticismo es un estado espiritual en el que la persona busca conectar profundamente con lo divino o lo espiritual a través de la meditación, la oración o la reflexión.

No se limita a una religión específica y se centra en la búsqueda interna más que en rituales externos.

En teología, el misticismo describe una unión inefable entre el alma y Dios, caracterizada por un amor que trasciende el lenguaje humano y puede llevar a éxtasis y revelaciones.

También se refiere a la posibilidad de comunicarse directamente con Dios a través de la visión intuitiva o el éxtasis, disolviendo las barreras entre lo humano y lo divino.

Pietismo.

El pietismo es un movimiento cristiano surgido en el siglo XVII en Alemania, que destaca por su enfoque en la devoción personal y la vivencia interna de la fe, por encima de la ortodoxia doctrinal y la liturgia formal.

Su objetivo era revitalizar la iglesia luterana, promoviendo una religiosidad más íntima y personal, basada en la piedad, el estudio de la Biblia y una vida cristiana práctica.

Jesuitas.

El término jesuita se refiere a un religioso que forma parte de la Compañía de Jesús, una orden católica fundada en el siglo XVI por San Ignacio de Loyola.

Los jesuitas son conocidos por su compromiso con la educación, la misión y la promoción de la justicia social.

A lo largo de la historia, han desempeñado un papel importante en la evangelización y en el desarrollo de instituciones educativas en diversas partes del mundo.

Husitas.

El término husita se refiere a aquellos que adoptan las enseñanzas y errores de Juan de Hus, un reformador religioso del siglo XV.

Este movimiento surgió en Bohemia y se caracterizó por su crítica a la corrupción de la Iglesia y su defensa de la comunión en ambos tipos, es decir, pan y vino.

Los husitas jugaron un papel crucial en la historia de la reforma religiosa, sentando las bases para futuros cambios en la cristiandad.

Armazon.

El término armazón se refiere a una estructura o armadura que sirve de soporte para montar o sostener un objeto.

Puede encontrarse en diversos contextos, como en la construcción de muebles o en la fabricación de maquinaria.

Además, en un sentido más biológico, el término también alude al esqueleto, que proporciona la forma y el soporte necesario para los organismos.

Así, el concepto de armazón abarca tanto lo físico como lo estructural.

Pulpito.

púlpito se refiere, en primer lugar, a una tribuna elevada que se encuentra en las iglesias, desde donde el predicador se dirige a los fieles durante los servicios religiosos.

Este espacio no solo es un elemento arquitectónico, sino que también simboliza la actividad del predicador, quien comparte mensajes y enseñanzas con la congregación.

Así, el púlpito se convierte en un punto central de comunicación espiritual.

Escayola.

La escayola es un material ampliamente utilizado en la construcción y la decoración.

Se refiere al yeso calcinado, que se obtiene al calentar el yeso natural, lo que le permite adquirir propiedades especiales para moldearse y endurecerse al contacto con el agua.

Además, la escayola se emplea como estuco, un revestimiento decorativo que se aplica en paredes y techos, brindando un acabado estético y funcional.

Pictorico.

Pictórico se refiere a todo lo que está relacionado con la pintura.

Puede describir elementos como ornamentos pictóricos o paisajes que son adecuados para ser representados en este arte.

También abarca movimientos como el realismo pictórico, que busca plasmar la realidad de manera objetiva, y géneros como el retrato pictórico, donde se captura la apariencia visual de un sujeto.

Además, implica el uso de un soporte pictórico, que es la superficie donde

Multiplicidad.

Multiplicidad hace referencia a la existencia de diferentes elementos o aspectos dentro de un conjunto.

Se refiere a la variedad de opciones, alternativas o características que pueden encontrarse en un determinado contexto.

Orangerie.

Una orangerie (palabra original francesa, que significa 'naranjal' y a veces es traducida como 'invernadero') es una edificación cerrada dotada con grandes ventanales y un sistema de calefacción en la que se abrigan, durante la temporada mala, los cítricos plantados en bandejas o macetas, así como otras plantas para protegerlas de las heladas. En Italia, país en el que apareció la moda en los jardines renacentistas de las villas de recreo, se fueron acristalando —a medida que la tecnología de la fabricación del vidrio permitió fabricar grandes superficies de cristal transparente— las arcadas bajo las cuales se plantaban los cítricos que estaban protegidos del frío del invierno. Curiosamente se les llama limonaia.

El término «orangerie» significaba también anteriormente en Francia las plantaciones de naranjas, que ahora se llaman «orangeraies».

Estereotomía.

La estereotomía es un término que se refiere al arte de cortar y dar forma a los materiales utilizados en la construcción y en diversas artes.

Este proceso implica una cuidadosa manipulación de los elementos para lograr estructuras estéticamente agradables y funcionales.

La estereotomía combina habilidades técnicas y creativas, permitiendo transformar bloques de piedra, madera u otros materiales en obras que reflejan tanto la ingeniería como el diseño.

Memento Mori.

Memento mori es una frase latina que significa "recuerda que morirás". Se usa para evocar el recuerdo de la mortalidad del ser humano y su fugacidad.

Grand Tour.

El Grand Tour fue una costumbre extendida entre el siglo XVII y comienzos del siglo XIX que consistía en un viaje a través de Europa, con Italia como destino clave, emprendido por jóvenes europeos de clase alta de suficientes medios y rango (típicamente acompañados por un tutor o un miembro de la familia), cuando habían alcanzado la mayoría de edad (alrededor de 21 años).

Absolutismo.

El absolutismo es un sistema de gobierno en el cual el poder político se concentra en manos de un monarca absoluto, es decir, un gobernante que tiene un poder ilimitado y no está sujeto a ninguna restricción o control por parte de otros poderes, como el parlamento o la justicia.

En el absolutismo, el monarca tiene autoridad absoluta sobre todos los aspectos de la vida política, económica y social de su reino.

Para concluir este glosario quiero expresar mi experiencia con esta actividad que es relativamente nueva para mi.

Me parece que esta dinámica es un acierto total porque nos ayuda a ampliar nuestro lenguaje técnico, y porque de alguna forma nos enseña como todo un mundo se relaciona a través de las palabras que conocemos y desconocemos, y aprender de esta forma nuevos términos y conceptos nos envuelve en un crecimiento personal y académico increible.

Historia de la Arquitectura II

Informe

Agonía y Éxtasis es una Película que muestra la carrera de Miguel Ángel como Escultor y Pintor, en ella logramos apreciar el lado mas humano del Artista y como fue su manera de concebir la vida, a Dios y al hombre. A través de su Arte nos mostro lo que el mismo llamo un Don que se le otorgó al nacer plasmado en obras de mármol y en frescos en capillas, tanto que en el largometraje vemos palabras que describen a un Miguel Ángel que no le corre Sangre por las venas, si no Pintura, que no necesita de emociones fuertes como el amor y el descanso para seguir activo, si no trabajo en donde ocupar sus manos, ya que se les consideraba instrumentos de Dios en la Tierra.

Es importante mencionar el Manierismo dentro de este informe, ya que fue este mismo movimiento el que nos permitió moldear las ideas a través de la belleza de la Arquitectura, la pintura y las esculturas, mostrando a Artistas de aquel siglo concibiendo la belleza humana como creación perfecta de Dios y la relación de Dios con el mundo de una manera mas pragmática y cercana.

Logramos apreciar grandes nombres como el de Bramante, Arquitecto y Pintor Renacentista, fiel y cercano al Papado, un hombre que represento a través de sus obras aquel renacimiento tardío, contemporáneo a Miguel Ángel, incluso se puede decir que fueron colegas de Profesión si Miguel Ángel se hubiera dedicado estrictamente a la Arquitectura. También, vemos a Rafaello Sanzio, un joven Arquitecto y Pintor proveniente de Urbino, quien deseaba participar de la creación del fresco en la Capilla Sixtina, el Hombre también contemporáneo a Miguel y a Bramante, quien aprendiendo de la técnica y estilo de Miguel Ángel pinto la gran Escuela de Atenas

Apreciamos en el Largometraje, que el Arte no es un momento o movimiento aislado en el paso del hombre, vemos como el Papa necesito a través de las obras humanas exaltar la Gloria de Dios incluso en medio de conflictos Bélicos o económicos, tal vez como ideas equivocadas, de soberbia o vanagloria, pero sin discutir en un solo fin, de que el Arte puede ser el medio de Expresión mas fuerte y natural del ser humano, y la inspiración como principal fuente de alimentación de un Artista. Vemos a un Miguel Ángel que se rehúsa a realizar un trabajo sin sentido, mediocre y vacío y rebelarse incluso a su Mecenas para revolucionar con su creatividad algo que merezca prevalecer en la posteridad, apreciamos como es capaz de incluso borrar y tirar el comienzo de su obra por haberse dado cuenta de estar haciendo algo sin inspiración, agrio y común, y comenzar a crear realmente una obra maestra de los frescos, una pintura que habla acerca de como concibió la idea del hombre a través de los ojos de Dios pintado en un simple techo, volviéndolo así en la Capilla Sixtina.

Mi conclusión personal, es la gran lección que me deja esta parte de la vida de Miguel Ángel, se le fue impuesto un reto que era un tanto diferente a su oficio de Escultor, y a pesar de que estaba indispuesto en un principio a hacerlo, su propia disciplina y amor al arte hicieron de la Pintura su Profesión. Así que, no debemos temer a los retos que la vida nos presente, porque tal vez esa debilidad que afrontamos en el presente, sea nuestra fortaleza en el futuro, y con ella lograr hacer cosas que prevalezcan en la posteridad.

Historia de la Arquitectura II

Le solicite a la IA Gemini que me ayudara a crear el diseño de una villa Biaxial con una fachada que incluyera metopas y triglifos, que siguiera algunas similitudes a las Villas Pallladianas.

Me propuso esta fachada que es algo bastante Clasicista con Columnas de orden Jónico que sostienen un Frontón haciendo una especie de Atrio en la entrada de la Villa, incluyendo unas escaleras que dan cierta jerarquía a el intentar ingresar.

Luego le solicite algunos planos y vistas de la fachada y de la Villa en General, pero aun así insistí en algo un poco mas elaborado.

Así que me presento esta vista de lo que solicite como una villa parecida a las que construía Palladio con un patio central y una entrada simple que tuviera las metopas y triglifos en las fachadas.

y finalmente me ayudo a producir dos planos sencillos de Planta Techo de la Villa, los cuales se ven bastante bien y técnicos.

Todo fue producido con la Inteligencia Artificial de Google Gemini AI, siguiendo mis instrucciones.

Historia de la Arquitectura II

🌹 El Muchacho de Urbino que Pintó la Eternidad

Nació Rafael, el predestinado, en la pequeña ciudad de Urbino, una fortaleza de piedra y viento donde la melancolía se mezclaba con el olor a pigmentos frescos. No hubo presagios de lluvia de mariposas amarillas, pero sí la certeza temprana y terrible de la belleza. Su padre, Giovanni Santi, era pintor y poeta, y fue él quien puso el primer pincel, suave como una pluma de ángel, en la mano de su hijo.

Pero la vida, que es siempre una trampa, le robó primero a su madre y luego al viejo Santi, dejándolo huérfano antes de que la barba le asomara. Tenía once años, la edad en que los muchachos deberían estar jugando a los barcos de papel, y él ya cargaba el peso de la gracia, una responsabilidad demasiado grande para sus hombros de niño.

Partió de Urbino como quien escapa de un hechizo. En Perugia, bajo la tutela de Perugino, el arte le reveló sus secretos. No solo aprendió la técnica, sino también la mansedumbre de la línea y la dulzura de los rostros. Dicen que Rafael no pintaba mujeres, sino la nostalgia de la madre perfecta que la vida le había negado. Por eso sus Vírgenes, todas ellas, tienen esa mirada tierna y evasiva que promete un consuelo que nunca llega.

Luego vino Florencia. Y allí, Rafael se encontró, de golpe, con las dos fuerzas tectónicas de su época: Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Leonardo, con su eterna sonrisa enigmática y sus inventos que olían a azufre y futuro. Miguel Ángel, con el mármol atrapado en su rabia y su soledad. Rafael, en contraste, no era un hombre de tormentas, sino de gracia. Tenía ese don terrible de la simpatía, ese carisma que hacía que los poderosos lo amaran y que la belleza se le rindiera sin lucha.

Su gran milagro sucedió en Roma. El Papa Julio II lo llamó, y allí, en los palacios del Vaticano, le dio rienda suelta a su talento. En las Estancias, Rafael no pintó muros, sino la memoria de un tiempo donde la filosofía y la fe caminaban de la mano. Él puso a Platón y a Aristóteles junto a los teólogos, creando la Escuela de Atenas, que no es un fresco, sino un sueño colectivo que cobró vida gracias al color.

Rafael no envejeció. Su vida fue un suspiro deslumbrante, breve y sin arrugas, como un buen cuento. Murió el Viernes Santo, justo el día de su cumpleaños, a los treinta y siete años, dejando tras de sí un rastro de amantes, encargos sin terminar y la sensación de que se había llevado consigo el secreto de la armonía.

Fue enterrado en el Panteón, en la cúpula que había restaurado, bajo una losa que dice: Aquí yace Rafael, por el cual, mientras vivió, la Naturaleza temió ser vencida, y al morir él, temió morir. Una frase que, como sus Vírgenes, es pura magia melancólica. Murió joven, sí, pero pintó de tal manera que, cada vez que miramos sus lienzos, sentimos que la vida, por un instante, es eternamente hermosa.

Le solicite a la IA la biografía de Rafaello Sanzio narrada por Gabriel García Márquez.

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Historia de la Arquitectura II

El Teatro Olímpico situado en la ciudad de Vicenza, es un monumento de incalculable valor: es reconocido como el teatro cubierto en el mundo, por antonomasia, en todas las acepciones posibles, al tratarse del teatro cubierto permanente más antiguo que ha llegado hasta nuestros días. Su construcción representa el esfuerzo del Renacimiento por recuperar la grandeur de los antiguos teatros romanos. El diseño y ejecución El Origen: creaciones de Palladio y Scamozzi, concepción del fin del siglo XVI, ya que la construcción fue llevada a cabo por Vincenzo Scamozzi, quien terminó el proyecto tras la muerte de Palladio. Concepto Clásico: en tanto responde a los modelos de los espacios escénicos de la Antigüedad: la cávea semicircular y una fachada arquitectónica de grandiosidad. La Innovación Definitiva El que lo hace famoso y único es su escenario fijo: Perspectiva inalterable: Scamozzi, además, llevó más allá lo que Vicente resaltó al idear la serie de escenografías de madera que representaban las calles de una ciudad antigua, con una perspectiva forzada de un efecto incomparable: por el propósito del viejo efecto una finta -falsa- perspectiva para dar una idea de la lejanía en el horizonte. Algidez: tal decoración no es temporaria, sino que está fija permanentemente a la escenografía. El Teatro Olímpico no es un edificio; es una obra de arte escénica. Cuenta con una experiencia única: una sibilina oportunidad de adentrarse y ver cómo imaginaba y celebraba el Renacimiento el drama clásico.

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O Villa Rotonda.

La Casa Capra (más conocida por el nombre de Villa Rotonda) está emplazada en las cercanías de Vicenza y es probablemente la casa de campo más famosa en el mundo. El Genio y la Idea ¿Quién realizó la villa? Andrea Palladio, el arquitecto estrella del Alto Renacimiento (siglo XVI), conocido por ser obsesivamente simétrico y clásico. ¿Para quién? Para el clérigo Paolo Almerico, que deseaba una villa para retirarse y meditar, ¡y no para cultivar! Lo que la hace Única La Villa Rotonda no es una casa de grandes cultivos, es un templo adaptado para vivir. Su diseño es radicalmente nuevo: Simetría Perfecta: Es cuadrada y sus cuatro fachadas son idénticas, en las que mires, se parece a la entrada principal. Los Cuatro Pórticos: En cada uno de los cuatro lados tiene un pórtico clásico (como el de un templo griego), columnas jónicas y escalinatas. Esto la integra perfectamente con el paisaje. La Cúpula Central: Justo en el centro del cuadrado hay una sala circular cubierta por una cúpula (la "Rotonda"). Es el corazón del diseño y es de ahí de donde proviene su otro nombre. Palladio buscaba la armonía absoluta en la que la matemática y la proporción clásica.

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