SebGaillard Blog : Arts Visuels, Musique, Hobbies

Les films de Jean-Pierre Jeunet ont toujours été des univers visuels très travaillés. Le soin apporté à la direction artistique était même porté en duo avec Marc Caro sur ses premiers films. 

Après quasi 10 ans d’attente d’une nouvelle création de Jean-Pierre Jeunet, c’est donc avec Netflix que sortira son nouveau film BIGBUG demain 11 Février 2022.

Apparement on va retrouver sa pâte qui mêle subtilement l’organique au technologique dans les univers visuels qu’il crée pour ses films de SF.

Retour sur un univers visuel “organique et technologique” de Caro et Jeunet : La Cité des enfants perdus 

Un film fondateur de JP Jeunet avait déjà joué sur un environnement technologique assez présent, mais dans une déclinaison très originale évoquant l’univers d’un cabinet de curiosité.

Si vous ne le connaissez pas, je vous invite donc à découvrir La Cité des enfants perdus de 1993. Un temps où la création ne pouvait presque pas s’appuyer sur les effets visuels par ordinateur et où la pâte créative reposait beaucoup sur l’inventivité en plateau, les objets, leur association dans un décor, leur mise en scène et en lumière. 

26 ans plus tard ce film incarne toujours bien le processus créatif de JP Jeunet : une intégration de la DA dès le début de la création. Pour la Cité des enfants perdus c’était un travail avec le directeur artistique Marc Caro.

Il y a pour moi une formidable unité d’ensemble, une très belle pâte mariant “rétro” et “potentiel futuriste de la technologie”.

Il y a par exemple Irvin ce “personnage robot” dont le cerveau lui permet de vivre et d’interagir depuis un “meuble” tout droit sorti d’un cabinet de curiosité. Ici présenté sur une exposition.

Image issue de https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Cité_des_enfants_perdus

Son univers mêlé à la franchise Alien

Autre univers où la technologie et l’organique doivent être équilibrés dans un ensemble visuel de SF : Alien ! Jean-Pierre Jeunet fut sollicité pour déployer son interprétation visuelle d’Aliens 4 : Alien Resurrection.

L’organique est d’autant plus présent dans cette intrigue que le retour du personnage Ripley est lié à un clonage semé d’embuches, et que l’Alien est traité autour du thème de la filiation et de la maternité. 

Le film propose d’ailleurs une séquence visuellement très marquante sur le rapport de Ripley à ses clones monstrueux. La réussite du décor, des lumière et de la réalisation reposent une fois de plus sur un équilibre qui montre tout le talent de JP Jeunet dans ses choix artistiques. Cette idée visuelle est souvent maladroitement re-copiée comme récemment dans la Saison 2 de Titans pour le personnage issu du clonage de Superman et Lex Luthor : un moment visuel qui fait pâle figure face à l’original et qui est très très décevant à mes yeux.

Au milieu des années 90 (Alien 4 sort en 97) les univers visuels de la SF se créent encore beaucoup en plateau. Mais cet opus marque quand même les tous premiers plans d’Alien en images de synthèse, réalisés avec Pitof alors que les CGI étaient encore d’un coût stratosphérique.

Images de IMDB sur ce tournage : https://www.imdb.com/title/tt0118583/mediaindex?page=1&ref_=ttmi_mi_sm

Jean-Pierre Jeunet a témoigné combien les équipes des studios pour les effets spéciaux en plateau étaient très décevantes sur ce tournage car tous les spécialistes étaient mobilisés sur Avatar de James Cameron réalisé en même temps : sévère accident d’une actrice tirée sous l’eau par un câble par exemple...

Jean-Pierre Jeunet a toujours suivi de près les innovations techniques pour les exploiter dans ses créations. Malheureusement il a donc parfois manqué de chance sur ses projets ou s’est heurté à ce que la technologie ne soit pas encore assez mature pour aller au bout de sa vision. Il y a donc cette petite frustration de ne pouvoir avoir à l’écran tout ce qu’il avait totalement imaginé et prévu. Pour autant, créer est aussi affaire de concessions et d’adaptations et fait parti du processus...

Ce film reste malgré tout un univers visuel intéressant entre l’héritage de Giger et “la pâte” Jeunet. 

Quant aux plans de l’Alien nageant sous l’eau il furent très marquants dans l’univers de la franchise au moment de sa diffusion en 1997 !

La technique pour servir la création de JP Jeunet

Les innovations ou changements techniques ont toujours été abordées par Jean-Pierre Jeunet pour servir une narration, une création, un univers visuel. Il n’hésite pas à partager ses expériences et à les documenter.

Il a été dans les premiers à adopter de l’étalonnage numérique avec Amélie Poulain.

Il s’est essayé à la 3D stéréoscopique avec TS Spivet.

Alors quoi de neuf pour 2022 ?

Son film BIGBUG sur Netflix le 11 février

C’est donc par un film diffusé sur Netflix que revient Jean-Pierre Jeunet en 2022.

Avec quel univers visuel ? Pour servir quelle histoire ? Avec quelles techniques pour servir sa création ?

Ce sera donc une comédie de science-fiction. Semble-t-il une fable comme il en a le secret avec son scénariste historique.

Il s’agira en majorité d’un huit clos dans une maison de 2045 où l’iA, la domotique et les robots sont très présents dans la société pour tous les besoins, même les plus inavouables ! Les robots vont évidemment se soulever, ce qui semble déclencher le comique de situation qui promet d’être riche dans cet environnement technologique d’une maison.

Sur le fond ça semble donc une satire sociétale (grinçante ?) sur notre rapport à la technologie. 

Sur la forme j’ai hâte de voir dans quel univers visuel et avec quels choix de réalisation tout cela va prendre forme et la façon dont l’organique (de la maison et ses habitants) va se marier au technologique des robots et de l’iA.

C’est donc prometteur de voir Jean-Pierre Jeunet poser ce regard sur la technologie qu’il connait et maitrise très bien par ailleurs pour ses créations ! Vivement février...

Les infos BIGBUG de Netflix

Bigbug1 h 51 min | Films SF

En 2045, l'intelligence artificielle est partout. Mais quand les robots se soulèvent, Alice se retrouve enfermée chez elle… protégée par ses androïdes bien intentionnés. Avec :Elsa Zylberstein,Isabelle Nanty,Stéphane De Groodt

SPOILER ALERT : évoque les intrigues et traitements visuels des films Star Wars, les séries Mandalorian et Boba Fett.

Luc et Boba, même évolution par la direction artistique, mais qu’est-ce que ça nous dit des personnages dans leurs histoires respectives ?!

L’évolution de la tenue de Luc définie par G.Lucas sur la première trilogie est  donc étonnamment reprise dans la direction artistique du personnage Boba Fett dans les 3 premiers épisodes de la série qui lui est dédiée. 

Pour Boba le passage du blanc au noir se fera en seulement deux phases, là où il y a eu plus de subtilités pour Luc avec aussi tout un travail des bruns en intermédiaire avant le noir, ce qui n’est pas repris pour le chasseur de primes.

Le rôle et la nature des personnages de Luc et de Boba Fett sont plutôt différents. Il n’est pas question de la force pour Boba. Adopter un même choix d’évolution visuelle pour les deux personnages peut donc étonner.

Mais cela s’avère finalement assez logique si nous retournons le miroir pour s’amuser à regarder Luc finissant comme Boba ! Luc va progressivement d’un habit blanc vers une tenue noire (ce qu’il porte vers la fin du 3ème film), mais par dessus lequel il pourrait, comme Boba, aussi porter une armure du monde technique opposé au monde organique. N’est-ce pas une possibilité que se laissait l’intrigue des 3 films de la 1ère trilogie en symétrie avec son père Dark Vador, qui lui même a été ainsi mis en scène entre son évolution d’Anakin vers Dark Vador dans les Episodes 1 à 3 ?! 

Au fil des 3 films des Episodes IV à VI les vêtements de Luc Skywalker suivent l’évolution et les hésitations du personnage: blanc, quelques bruns organiques, puis la main noire, suivie de la tenue noire.

Cela aurait donc pu aussi aller jusqu’à l’armure, comme pour Dark Vador (ou dans une moindre mesure pour Boba Fett), si le personnage avait finalement choisi une bascule vers l’obscur. 

Luc aura semble-t-il gardé un temps le noir vu ce que nous dit le dernier épisode en date du Mandalorian (image ci-dessous), même si on sait qu’il retrouve aussi des couleurs organiques (mais aussi du noir) dans sa fin de vie traitée dans les 3 derniers films avec Riley.

Boba Fett : du blanc au noir, puis au noir + armure, en 3 épisodes

Dans les flash-back faisant remonter l’intrigue à la période du Retour du Jedi, Boba passe par ces étapes :

1. Le personnage doit enlever son armure fumante et se mettre à nu. Évidemment il repart de zéro alors que tout le monde le croit mort.

2. Au sein de la tribu des Tusken, Boba Fett est habillé tout de blanc. Logique dans le désert, et conforme à la ligne monochrome que la direction artistique de Star Wars a toujours décliné sur Tatooine pour mieux mettre en valeur les bruns “du monde organique” (G. Lucas) très exploité pour les Tusken et leurs animaux. Mais c’est surtout une approche visuelle qui fait repartir le personnage de zéro et le mêle dans les blancs en hautes lumière du sable de Tatooine. Il disparait donc dans le décor, avant de revenir plus tard avec une identité réaffirmée et rebâtie, et la tenue qui ira avec...

3. Son évolution relationnelle avec les Tusken le conduira à une forme d’intégration à la tribu, jusqu’à être « intronisé »: il est alors couvert de noir dans une cérémonie.

Boba Fett : de la tenue de tissu à l’armure

C’est dans la série The Mandalorian qu’il bouclera la boucle et retrouvera son armure dont les verts et bruns sont considérés par Georges Lucas comme ses deux couleurs pour « le monde organique » opposé au “monde technique”. 

Cette armure de verts et bruns sur fond noir, complique le personnage : à la fois axé sur les noirs associés aux personnages sombres versés sur la haine, et en même temps aux couleurs organiques associées à la vie qui est l’anti-thèse du “monde technique” de l’ex-empire.

La tenue complète de tissu noir + armure marque l'aboutissement du personnage à sa nouvelle identité et fonction, et à sa nouvelle complexité. Maintenant que l’empire a chuté, Boba Fett cherche sa place en voulait siéger sur une partie de Tatooine et pour cela tout reste à construire, comme il s’est construit au fil de ces étapes du blanc au noir puis au noir + armure.

Cela crée également une symbiose dans son duo formé avec Fennec et sa tenue noire.

Images de la série et des concept arts issues du site officiel starwars.com

Star Wars Origins : Boba le super soldat blanc

L’ironie c’est que le personnage à l’origine de Boba Fett était un super soldat en armure, cape et jet pack tous entièrement blancs. 

Faute de budget pour en produire la quantité suffisante et constituer ce groupe de “Super Soldats”, Georges Lucas a laissé carte blanche à l’équipe SFX pour que l’armure soit peinte afin d’en faire un unique personnage de chasseur de prime.

On sait le peu de plans qu’il occupe à l’écran dans la première trilogie, pour autant cette armure, ce casque avec visière en T, ont suffi à intriguer et en faire un personnage retenant l’attention, suscitant l’imaginaire...

La série The Book of Baba Fett reprend presque ce cheminement chromatique de l’évolution du Super Soldat tout blanc à Boba chasseur de prime en vert et bruns. 

Produite et créée par deux fans de l’univers de Georges Lucas, Dave Filoni et John Favreau, The Mandalorian et The Book of Boba Fett reposent sur les codes des films de western et de samouraïs à l’origine de la direction artistique du premier film Star Wars de 1977 (titré plus tard Episode IV Un nouvel Espoir).

Il y a beaucoup à dire sur l’univers visuel proposé dans The Book of Baba Fett, deuxième série en live action de l’univers Star Wars pour Disney+.

Après trois épisodes de The Book of Boba Fett voici déjà ce qui se dégage pour moi :

1. Une continuité de la direction artistique initiée par Doug Chiang, Dave Filoni et John Favreau sur The Mandalorian où des questions majeures d’axes artistiques se sont posées pour concevoir l’univers visuel de la série

2. Une continuité d’espace et de temps de Book of Boba Fett avec certains épisodes de The Mandalorian. C’est propice à la poursuite de la direction artistique de certains choix ou épisodes de The Mandalorian, mais aussi à une intéressante connexion visuelle entre les deux séries. Quant à la continuité narrative entre les deux séries elle avait déjà été établie au sein de The Mandalorian à l’épisode 8 de la saison 2, et par conséquent avec l’épisode 6 de la saison 1 (nouveau personnage Fennec Shand).

3. La reprise de la classique évolution chromatique de la tenue du personnage principal au fil du temps

4. Le retour du Palais de Jabba comme décor majeur

5. Tatooine décliné avec son désert sur la même temporalité que Le Retour du Jedi avec l’enjeu de la continuité visuelle avec le film

6. Tatooine avec sa ville-spacioport de Mos Eisley, qui avait déjà été réinterprétée dans Mandalorian Saison 1. L’action se déroulant 7 ans après Le retour du Jedi avait déjà amené à de nouveaux choix de représentation de la ville. On la retrouve ici sur la même période mais avec plus d’approfondissements et de temps de mise en scène, sont la fameuse Cantina.

7. Un développement important de la relation d’intégration du personnage principal Boba Fett à une tribu d’autochtones bien connue (les “Tusken”, ”hommes des sables”), comme le western nous l’a proposé entre certains personnages et des « indiens ». L’impact sur l’univers visuel est l’appropriation de la relation au bestiaire, aux codes vestimentaires, à l’habitat etc

8. Les masques très présents dans la représentations des personnages,

9. Une reinterpretation de l’attaque du train des westerns (avec des éléments visuels repris du film Star Wars Solo),

10. L’introduction de nouveaux véhicules, personnages et couleurs à l’épisode 3 qui pour moi manque le coche sur le respect d’un ancrage dans l’univers visuel Star Wars

Avant de rentrer dans le détails des ces thématiques dans des articles dédiés, restons sur les enjeux globaux des univers visuels de ces deux séries en prise de vue réelle The Mandalorian et The Book of Boba Feet.

Page du livre “Tout l’art de Stars Wars The Mandalorian” avec un travail artistique sur la représentation de Tatooine et le nouveau personnage de Fennec

Créer de nouveau, re-créer, créer le nouveau : l’art de l’équilibre

L’excellence de la mise en œuvre de cet univers visuel me semble très liée au sérieux des objectifs artistiques que se sont fixés les créateurs de The Mandalorian dès 2017. C’est décrit dans la préface de l’excellent livre The art of The Mandalorian. Doug Chiang, héritier de Ralph Mc Querrie, directeur artistique et talentueux auteur de concept art y dit:

en 2018, je suis mis au défi d'appliquer tout ce que j'ai appris pour concevoir les nouveaux mondes du Mandalorian de Jon Favreau. Situé sept ans après Le Retour du Jedi, The Mandalorian atteint le point idéal du design Star Wars. Jon Favreau et Dave Filoni s'appuient sur les personnages et les univers créés par George Lucas tout en en inventant de nouveaux, comme l'Enfant et le Mandalorien, ainsi qu'un groupe de marginaux et d'outsiders de la galaxie Star Wars. 

Quand je commence à travailler sur The Mandalorian en janvier 2018, Jon demande au département artistique de Lucasfilm de rester fidèle à l'esprit de 1977. George a toujours considéré Un nouvel espoir comme un film historique et non de science-fiction; plus un western qu'un film fantastique. Il le voulait ancré dans la réalité, comme s'il était filmé dans un endroit réel. Rien ne devait avoir l'air inventé - même s'il a fallu tout créer. 

De l'influence du bombardier de la Seconde Guerre mondiale pour le Razor Crest au droide assassin IG-11 évoquant IG-88 dans Le Retour du Jedi en passant par les blurrgs tirés des films des Ewoks, Jon insiste pour conserver le charme des dessins originaux qui nous ont inspirés enfants. Il nous encourage à ne pas redouter les créatures pareilles aux marionnettes en caoutchouc des années 1980, ni les vaisseaux semblables à des maquettes. 

Avec l'avènement du graphisme par ordinateur, on peut réaliser presque tout ce qu'on imagine, mais la clé d'un design Star Wars réussi est la retenue. Les mains de l'artiste doivent rester cachées. Nos créations doivent être le reflet des personnages de l'histoire et non la vitrine du directeur artistique. Les décors ne doivent pas sembler inventés, même si c'est le cas. Nos créations doivent s'effacer. La solution pour y parvenir, c'est la simplicité. 

Certains concepts peuvent paraître simples et évidents après coup, comme souvent les bonnes idées. Nous faisons notre possible pour éviter les créations confuses qui attireraient l'attention sans nécessité. Pour ce faire, il est essentiel de donner aux designs des fondations historiques. Après tout, Star Wars ne dessine pas l'avenir: il crée un passé d'«il y a bien longtemps, dans une galaxie lointaine, très lointaine...). 

Dès les premières semaines de développement, j'ai su qu'on réalisait quelque chose de spécial. The Mandalorian synthétise plus de quarante-trois ans de narration et de design Star Wars pour créer la nouveauté tout en honorant ce qui a précédé.

Pages du livre “Tout l’art de Stars Wars The Mandalorian” avec un travail artistique sur la représentation de Tatooine, le spatio-port de Mos Eisley mais aussi le désert avec les Tusken.

The Mandalorian et The Book of Bab Fett ont donc établi un socle visuel très cohérent dès le début de leur processus créatif. On est loin des aternoiements visuels et narratifs des trois derniers films Star Wars après le rachat de la franchise par Disney, pourtant avec une partie de la même équipe artistique. Comme quoi “la vision” globale compte et doit surtout est tenue par une “personne socle” comme pouvait l’être Lucas sur ses productions.

Certes pour Mandalorian et Boba Feet il y a l’appui sur “un retour aux sources”, mais faire simple et naturel avec tout ce qu’il y a à re-créer ou à créer de neuf est un défi où l’équilibre est sans cesse précaire. Le danger du faux pas ou du déséquilibre est permanent quand il faut créer des nouveautés tout en respectant un univers et même un héritage. A mes yeux c’est ce que cette équipe artistique a su faire.

J’apprécie beaucoup :

-La division en 3 zones en diagonale avec planète, espace, désert de Tatooine.

-La très bonne idée de rupture de contraste et sans couleur de la zone « l’espace », quasi centrale dans cette composition.

-Les mouvements (sable, R2, C-3PO, chasseurs TIE)

-la posture de Leïa dans un esprit des affiches des années 80, et avec le choix chromatique en trio blanc / jaune / tons chairs pour la princesse

-Les couleurs organiques de l’ensemble, qui pour Georges Lucas sont dédiées aux personnages incarnant « la force ». Une façon pour Alex Ross de rester dans cette idée sans habiller les personnages en marron pour autant.

J’en ai tiré la charte couleur et partagé sur Adobe Color si vous voulez.

L’arrivée du trackpad est une rupture forte dans la relation “homme-machine” de l’iPad. Ce trackpad apportera-t-il une plu-value pour la post-production mobile audio ou vidéo sur iPad ? Quels avantages et limites comparés à un ordinateur (comme un ultra-portable MacBook Air par exemple) ?

Concernant le nouveau Macbook Air, il faudra voir où s’arrêtera son potentiel combiné à un e-GPU...

https://youtu.be/09_QxCcBEyU

https://youtu.be/w0P0FQ770dE

https://www.mac4ever.com/actu/151802_ipad-pro-un-smart-keyboard-folio-avec-retroeclairage-et-trackpad-integre