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"Desert Sessions Vols. 11 & 12", rock du désert

Notre chronique des nouveaux volumes des Desert Sessions, menés par Joshua Homme

C’est en 1997 qu’est né le premier volet des Desert Sessions, jams menés et enregistrés par Josh Homme au cœur du Joshua Tree, où il invite des musiciens de marque tels PJ Harvey ou Mark Lanegan. Après seize ans de silence, voici enfin un nouveau chapitre. Le casting est à la hauteur : Billy Gibbons (ZZ Top), Mike Kerr (Royal Blood), Stella Mozgawa (Warpaint), Libby Grace, Les Claypool (Primus), Jake Shears (Scissor Sisters), Carla Azar (Autolux, Jack White), Matt Sweeney (Chavez) et le fidèle David Catching, cofondateur du studio Rancho De La Luna où se déroulent les festivités.

Résultat : huit titres d’un rock chamanique, à haute température et d’une haute fidélité. Le trio d’entrée, « Move Together », « Noses in Roses, Forever » et « Far East for the Trees », tient une cadence électrisante franchement irrésistible, les ballades « If You Run » ou « Easier Said Than Done » tiennent aussi la route. Toujours bien entouré, Homme sait toujours bousculer rythmiques et guitares.

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Pour se procurer les Desert Sessions, Vol 11 & 12, c’est par ici. Retrouvez aussi toutes les informations via les réseaux sociaux.

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INTERVIEW - Theo Lawrence, Georgia on my mind

Le franco-canadien Theo Lawrence poursuit son fantasme américain avec un second album. Avec notamment aux manettes Mark Neill, producteur des Black Keys ; qu’il est allé trouver dans son Sud profond.

L’homme est penché sur le comptoir, concentré à avaler son petit-déjeuner. Mark Neill, le producteur de The Black Keys, cheveux gominés en arrière et sourcils froncés, semble avoir mis son plus long manteau pour soigner la première impression. L’année dernière, juste avant la sortie de son 1er album Homemade Lemonade, Theo Lawrence s’était rendu aux États-Unis vérifier que son americana tenait plus de l’inspiration que de l’imitation…  Entre deux séjours à New Orleans et Memphis, c’est à Nashville que l’artiste s’était cassé les dents. Après avoir trouvé le Easy Eye Sound Studio de Dan Auerbach, le guitariste et chanteur de The Black Keys, l’impétueux s’était fait recaler à l’entrée. Un album plus tard, la rencontre avec le producteur du groupe a donc tout de la douce revanche – typiquement amerloque. Theo esquisse un sourire : « Après avoir m’être passionné pendant des années pour les artistes, je m’intéresse de plus en plus à la façon dont sont fait les disques. RCA, Sun Records, Capitol… Naturellement, Mark Neill fait partie du haut de ma liste de souhaits pour ce second album. » En cause, une méthode particulière : « C’est un ancien opérateur radio. Il a enregistré pendant 10 ans sur une seule piste ! Il se base avant tout sur les musiciens et non sur la technologie… D’ailleurs, nous n’avons amené aucun instrument : nous n’allons utiliser que son matériel, réduit à son strict minimum. »

Les présentations ainsi faites, direction le Soil of the South Studio, dont jusque-là le producteur n’avait pas encore donné l’adresse. La première pièce est un mini-salon sombre, avec des magazines empilés sur la table basse. Ambiance salle d’attente à l’abandon. À moins que ce ne soit le purgatoire artistique ? Car c’est là que Théo passe son premier après-midi à jouer tous ses titres, avant que le taulier n’en choisisse les meilleurs morceaux… Hé oui. Mark Neill est un one-man business. Retiré des grandes villes et sans connexion Internet, le producteur il a supprimé toute aide intérieure et s’est coupé de toute influence extérieure. Pas de surprise, ici non plus : ce second album sera autant le sien que celui du groupe.

« Je voulais faire ce mélange typiquement louisianais et texan. Une sorte de synthèse passionnée, sans sonner sépia »

Dès le lendemain, la routine s’installe. Après le copieux petit dej, direction le studio ou ça enregistrera de 14 h à 20 heures 14 à 20h. Le producteur a délaissé son grand manteau pour son éternelle chemisette noire avec jean. Mais avant d’attaquer, 2h d’écoute de musique locale sont chaque fois imposées. L’heure de la digestion (gastrique et culturelle) est de mise. « Il souhaitait que nous comprenions la Géorgie, cet état du Sud notamment bordé par l’Alabama et le Tennessee. Qu’ici, nous n’étions pas à Nashville, mais isolés de la grosse industrie. », précise Theo. Une écoute quasi religieuse, sans autre indication que le nom des artistes joués. La troupe sent d’ailleurs que son rythme s’adapte progressivement au tempo du producteur. Même celui des morceaux ralentit et prend le temps de la respiration…

Sur 15 chansons enregistrées (à raison de 2-3 prises seulement chacune), 7 seront gardées. Toutes sont néanmoins passées au tamis du boss, « débroussaillant chaque composition pour que l’on voit le paysage ». L’idée n’est évidemment pas d’en « vider le contenu », mais bien d’aller à l’essentiel. Ce n’est pas la ville, ici… Une méthode souvent commune aux artistes plus âgés… ou, disons, plus en âge d’avoir à prouver. « Faire, plutôt que démontrer », aurait ainsi pu résumer l’hôte. Mais n’allez pas croire que jouer sur place implique nécessairement une réussite. Les difficultés et les doutes sont partout, où que tu sois : « En arrivant aux États-Unis, je ne connaissais pas encore bien mes nouveaux musiciens. Mais nous nous sommes surtout rendus compte, qu’à travailler aussi durement, nous en avions parfois oublié le lâcher-prise… », raconte Theo de retour à Paris. Direction donc le studio Delta, pas loin de Belleville, pour retravailler certaines compositions. Les deux sessions ainsi mélangées, ce chaud-froid salvateur apporte de la profondeur. Du relief.

Des contrastes, surtout, qui correspondent à l’idée initiale que se faisait l’artiste de cette nouvelle sortie : « L’inspiration m’est venu de la swamp pop [ou « rock du bayou »]. Bobby Charles, le chanteur Tommy McLain, Rod Bernard… Tous ces types enregistraient aussi bien du blues, de la country ou du cajun ; mélangeaient le style de la Nouvelle-Orléans avec le rythm and blues et la musique créole ! Idem avec Dough Sam, Sir Douglas Quintet… Je voulais faire ce mélange typiquement louisianais et texan. Une sorte de synthèse passionnée, sans sonner sépia. » Thibaut, nouveau guitariste convoqué et membre du groupe bordelais de blues The Possums, fut justement utile pour diversifier la palette.

« Les harmonies occupent d’ailleurs chez moi de plus en plus de place dans l’étape de création »

Mais cette bipolarité, on la retrouve aussi dans la structure même des morceaux, opposant thèmes solaires et paroles pourtant mélancoliques. Théo s’en explique : « Les paroles joyeuses sont toujours moins intéressantes… J’aime les musiques de sentiment ! » Ce qui n’empêche pas d’avoir un titre en français – son premier. L’envie de se mettre en danger ? « Je n’ai jamais souhaité chanter dans ma langue natale, donc il n’y avait pas de pression. Mais mes goûts ont changé… Merci la musique cajun ! »

Un disque où l’artiste s’harmonise d’ailleurs seul. Là aussi, un choix volontaire avant d’être une économie… « J’adore cette chanson de Skeeter Davis “I’ll Sing You a Song and Harmonize Too“. La chanteuse country avait été obligée d’assurer elle-même les chœurs parce que celle qui s’en chargeait (sa sœur) était décédée dans un accident de voiture… J’ai toujours adoré ça. Comme chez JJ Cale, Lennon, etc. Les harmonies occupent d’ailleurs chez moi de plus en plus de place dans l’étape de création… » Le name dropping se poursuivra hors interview, évoquant avec ferveur la country chatoyante de Marty Robbins, le songwriting de Willie Nelson ou la musique acadienne des Balfa Brothers qu’ils affectionnent tout particulièrement.

Autant de petits cailloux dans la forêt et d’ingrédients à cette Sauce piquante, qui tient lieu d’épitaphe à ce deuxième album. Et dont le titre lui-même est emprunté à un autre fantôme : celui d’une chanson de l’artiste cajun Jimmy Newman… L’occasion de reprendre date avec Theo Lawrence qui assure être déjà « en train d’écrire le 3e album » le temps, sans doute, de compléter une érudition déjà impressionnante.

Sauce piquante, le nouvel album de Theo Lawrence, disponible dès aujourd’hui dans les bacs. Le musicien est en tournée et sera en concert le 28 janvier à la Maroquinerie.

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The Kinks : Arthur et le nouveau monde

Après 25 ans d’absence discographique, il semblerait que les frères Davies planchent actuellement sur un nouvel album des Kinks. En attendant cet hypothétique retour, une copieuse réédition de leur Opéra-Rock Arthur enregistré en 1969 tombe à point nommé

Il est des ironies de l’histoire trop savoureuses pour ne pas les relever : alors que la Grande Bretagne patauge actuellement dans les marécages du Brexit, The Kinks célèbrent en grande pompe remastérisée le cinquantième anniversaire de leur 7e album studio, Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire), qui conte les désillusions d’une famille de la working class britannique perdue dans le maelstrom des années 1960. « C’est un album documentaire à propos d’une génération qui a gagné la deuxième guerre mais qui a en quelque sorte perdu la paix », confie aujourd’hui Ray Davies à Rolling Stone. C’est également une brillante chronique sociale et musicale qui confronte la fin de l’empire colonial et une certaine idée de l’Angleterre pas encore membre de l’Union Européenne (« Et si nous prenions le thé dans le jardin ? ») avec les aspirations d’une jeunesse qui a grandi en même temps que la pop music et qui rêve de nouveaux eldorados (« Et si nous partions en Australie ? »). Cinquante ans plus tard, alors que les musiciens britanniques s’inquiètent à juste titre de leur avenir post-Brexit (quid des tournées internationales, des formalités, des frais de douane ?), cette réédition tombe à pic pour rappeler les dangers de la tentation isolationniste insulaire.

« Nous étions à un tournant, l’énergie était différente »

Œuvre de commande, Arthur devait à l’origine être interprété en direct lors de la diffusion d’un opéra télévisé afin de célébrer l’arrivée des programmes en couleur sur la chaine ITV. Inspirée par le départ en Australie en 1964 de la sœur des frères Davies, Rose (« Rosie Won’t You Please Come Home » sur l’album Face to Face en 1966 lui était dédiée) et de son mari Arthur Anning, l’histoire met en scène Arthur Morgan, poseur de moquette, dont le frère a été tué durant la bataille de la Somme et dont le fils décide d’émigrer au pays des kangourous avec femme et enfants. Mais après une année d’écriture et d’enregistrement, le projet, reconverti au fil des mois en simple téléfilm, tombe à l’eau au dernier moment par manque de moyens financiers.

Restent ces 12 pépites destinées à remettre en selle le groupe après le cuisant échec commercial du précédent album, The Kinks are the Village Green Preservation Society, publié en 1968. Dans une ambiance fin de règne des sixties (les Beatles se séparent, le psychédélisme agonise, l’économie se porte mal…), la formation se trouve effectivement dans une situation délicate, qui n’a placé aucune chanson dans le Top US depuis trois ans. Par ailleurs, en plus des sempiternels conflits entre les frères Davies, le bassiste et membre fondateur, Peter Quaife, se fait la malle, remplacé par John Dalton. « Nous étions à un tournant, l’énergie était différente. Le format single commençait à m’ennuyer sérieusement. J’étais fatigué de sortir trois ou quatre 45 tours chaque année et que notre travail ne soit jugé qu’à travers ce prisme », se souvient Ray Davies, qui opta pour des formats de 4 à 7 minutes (alors que les titres du précédent album ne dépassaient pas 3 minutes), à la structure souvent complexe qui laissa libre cours au génie de son songwritting : « Victoria » et « Brainwashed » signent le retour de la guitare débridée de Dave Davies (« Victoria » a été superbement repris par The Fall en 1988), « Yes Sir no Sir » est ce qui ressemble le plus sur terre à la perfection mélodique incarnée, digne des mini-symphonies de Brian Wilson, « Some Mother’s Son » chavire le coeur et l’esprit sans effets superfétatoires … Et que dire de « Shangri-la », monument de cinq minutes partagé entre comptine folk et fulgurances rock, voire hard-rock, le tout sans se perdre en chemin, un « Bohemian Rapsody » avec 6 ans avance !

Contrepoint parfait de ce sublime kaléidoscope musical, le coffret, outre son lot de prises alternatives, de démos et de répétitions, propose enfin, après 50 ans d’attente et de rumeurs en tous genres, l’album solo resté inédit de Dave Davies composé en grande partie avec son frère et enregistré en même temps qu’Arthur. Le morceau « Creeping Jean » démontre s’il en était besoin que le versant Rock des Kinks était bien l’apanage du petit frère, trop souvent mésestimé.

Malgré une vaste campagne de promotion et des critiques dithyrambiques de part et d’autre de l’Atlantique, l’album fait un flop. Seule « Victoria » qui atteint timidement la 62e place du Billboard américain sauve l’honneur. Huit mois plus tard, « Lola », single trop facile (pour les Kinks s’entend, d’autres aurait bâti une carrière dessus), extrait du 8e album, atteindra la 9e place des charts US (2e position au Royaume-Uni !) et lancera la conquête de l’Ouest du groupe britannique, qui y perdra une partie de son âme durant les années 1970. À propos, Lola est un travesti, pas sûr qu’Arthur Morgan aurait approuvé. 

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Neil Young & Crazy Horse : "Colorado", long may you run

Neil Young & Crazy Horse sont de retour après sept ans d’absence et délivrent Colorado. Notre album du mois, évidemment 

Sept ans. Sept ans qu’ils ne s’étaient pas retrouvés ensemble dans un studio d’enregistrement. Pour des musiciens d’un âge aussi vénérable que Neil Young, Billy Talbot et Ralph Molina, c’est une simple parenthèse. Restait à savoir ce qu’il en sortirait… D’emblée, l’acoustique et countrysant « Think Me » suivi de l’épique « Showed Me Love » (13 minutes) enthousiasment par leur intensité, ce côté brut, instinctif, qui caractérise depuis toujours l’association entre Young et un Crazy Horse régénéré par le retour, après un long hiatus, de Neil Lofgren, engagé au pied levé pour une série de concerts au printemps dernier pour remplacer un Poncho Sampedro indisponible. La présence du guitariste du E Street Band a pour effet d’entraîner Colorado vers les rivages nostalgiques de After The Goldrush  – chef-d’oeuvre qui, pour la première fois, mit Lofgren sous les feux des projecteurs en 1970 – et les tourbillons de noirceur électrique de Tonight’s The Night (1973) enregistré dans le sillage de l’overdose mortelle du premier guitariste de Crazy Horse, Danny Whitten – dans « She Showed Me Love », Young exhume d’ailleurs furtivement le merveilleux riff de « When You Dance I Can Really Love ».

Mais ce qui stupéfie aussi dans ce disque, c’est la force des compositions de Young… auxquelles le Crazy Horse donne des ailes. Monolithique, lourd, parfait dans les morceaux rock (l’engagé « Shut It Down », « Help Me Lose My Mind », à la scansion martiale très Lou Reed), la section rythmique s’avère extraordinairement aérienne sur les plages calmes et solaires dans lesquelles Young se glisse derrière son piano (« Green Is Blue », qui évoque la période Harvest, « Eternity » et ses chapelets d’accords proches de « Cripple Creek Ferry »)… Ça joue « wild », sans fioriture, live – plusieurs morceaux, de fait, ont été rodés sur scène avant d’être enregistrés – et de tout cela résulte cette alchimie mystérieuse, inexplicable, qui distingue les grands disques de Neil Young des autres. Colorado en est incontestablement un.

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Coldplay dévoile deux nouveaux titres, "Orphans" et "Arabesque"

Après avoir confirmé la sortie d’un double album événement, Coldplay en délivre deux extraits, deux ambiances différentes

Quelques jours après avoir affiché dans le monde entier de mystérieux posters, puis après avoir annoncé une tracklist dans la colonne « Petites annonces » de certains journaux populaires, Coldplay lance officiellement les rouages de sa nouvelle époque. Le prochain album, intitulé Everyday Life, s’étendra en deux parties distinctes – Sunrise, puis Sunset – mais dévoilées en même temps, le 22 novembre prochain (via Atlantic Records). Le groupe vient de publier deux extraits, issus des deux différentes faces, hier soir chez Annie Mac, l’émission Hottest Record de la BBC Radio 1.

« Orphans » et « Arabesque », à l’écoute ci-dessous, sont radicalement différentes : la première est fédératrice, digne des plus grands hymnes de Coldplay (et qui aurait bien eu sa place sur le précédent disque, A Head Full of Dreams), la seconde est plus expérimentale, plus dense, piochant dans des sonorités jazzy. La chanson présente même un invité (très) surprise, Stromae, qui officie notamment à la production.

« Orphans » :

« Arabesque » :

En plus de la sortie sur les services de streaming, « Orphelins » et « Arabesque » sont également disponibles en vinyle noir standard (édition limitée) via Third Man Records de Jack White. Le double album Everyday Life est désormais disponible en pré-commande. Coldplay en a aussi profité pour étendre son merch et sortir de nouveaux produits.

Ci-dessous, découvrez la tracklist :

Sunrise

Sunrise

Church

Trouble In Town

BrokEn

Daddy

WOTW / POTP

Arabesque

When I Need A Friend

Sunset

Guns

Orphans

Èkó

Cry Cry Cry

Old Friends

بنی آدم

Champion Of The World

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Du Chili à Hong Kong, le Joker comme nouveau symbole de contestation

Depuis la sortie (et le succès) en salles du Joker de Todd Phillips, le personnage incarné par Joaquin Phoenix s’immisce dans les manifestations

Depuis plusieurs semaines maintenant, d’importantes manifestations font trembler les instances politiques du Chili, de Hong Kong et du Liban. Pour le premier, une hausse du prix du ticket de métro a fini par faire déborder le vase. Pour le second, où la crise se fait particulièrement violente, une loi d’extradition vers la Chine voisine suscite une crise qui dure depuis cinq mois maintenant. Enfin, pour le troisième, c’est une taxe sur la messagerie WhatsApp qui a fini par avoir raison de la patience du peuple. Trois crises sociales aux enjeux et aux intentions tout-à-fait variés, mais qui se retrouvent en de nombreux points. Parmi ceux-ci, un qui dénote tout particulièrement : le Joker.

Depuis le carton du dernier film de Todd Phillips, actuellement en salles, le personnage, célèbre nemesis de Batman, se voit conférer un étonnant rôle de porte-parole de la révolte populaire. S’il apparaît encore flou que le long-métrage tente d’assumer une quelconque dimension politique, sa lecture sociale a suffi pour que le maquillage arboré par Arthur Fleck devienne un nouveau symbole de la lutte contre le pouvoir.

Au Chili comme au Liban, la révolte prend les traits du Joker (photos AFP) pic.twitter.com/IAWDo1n0gf

— Guillaume Stoll (@GuillaumeStoll) October 21, 2019

Le reflet d’une époque

Comme le souligne CNews, qui se base sur le moteur de recherche de Libération, les manifestants grimés en clowns seraient encore peu nombreux dans les cortèges, bien loin du nombre affolant de masques de Guy Fawkes, autre figure popularisée par le film V pour Vendetta. La différence entre les deux ? L’Histoire, déjà. Car Guy Fawkes, lui, a réellement existé, et fut impliqué dans la Conspiration des poudres en 1605, qui prévoyait de faire sauter le bâtiment de la Chambre des lords de Westminster au Royaume-Uni. Le Joker, lui, est évidemment un personnage fictif. Et au-delà du succès retentissant du film lui étant consacré, lui-même reflet d’une époque politiquement et socialement troublée, quelle grille de lecture adopter lorsqu’une figure à l’hyperviolence avérée devient le symbole, aussi infime soit-il, d’une contestation ? Ces manifestants se sont-ils réellement retrouvés dans la perdition d’Arthur Fleck (incarné par un Joaquin Phoenix au sommet de son art), au point d’en oublier ses accès de colère, ses troubles psychiques, son instabilité et – par-dessus tout – ses actes entraînant la mort ? La force du masque, largement évoquée dans le film, l’emporte-t-elle sur la méfiance qu’un tel personnage est censé susciter ? Juan Branco a-t-il raison de fabriquer un tel pont de brindilles entre Joker et les gilets jaunes ?

The Joker, ôde aux luttes insurectionnelles et aux gilets jaunes en particulier, démarre en trombe au boxoffice américain. Symboliquement, c'est un énorme pas. Face à un ordre délirant et embrassant tous les excès, Hollywood choisit son camp avec courage, abattant Wayne & Batman.

— Juan Branco ✊️ (@anatolium) October 6, 2019

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Trent Reznor et Atticus Ross dévoilent le générique de la série "Watchmen"

À l’occasion du lancement de la série événement signée HBO, les deux membres de Nine Inch Nails partagent un avant-goût de l’ambiance musicale de Watchmen

Événement télévisuel de cet automne, la série Watchmen a tout du blockbuster alléchant : tiré de l’œuvre culte d’Alan Moore et Dave Gibbons (mais tout-à-fait indépendant du film de Zack Snyder sorti en 2009), le projet porté par le network américain HBO (Game of Thrones, Westworld, True Detective) est entre les mains de Damon Lindelof (Lost, The Leftovers). La série fait suite aux événements du roman graphique, 34 ans plus tard, tandis que certains symboles du passé tombent entre les mains d’antagonistes aux intentions pour le moins peu louables. Diffusée sur OCS en France, Watchmen est à ne pas manquer – et Rolling Stone vous en parle ici.

Une dream team qui ne pouvait être complète sans une bande originale à la hauteur – et quelle ne fut pas notre joie d’apprendre que Trent Reznor et Atticus Ross, éminents membres de Nine Inch Nails se collaient à la tâche. Une bande-son à la hauteur des ambitions de la série, et qui sera disponible dans son intégralité dès cet automne, avec trois volumes d’ores et déjà prévus en vinyles – le premier disponible le 4 novembre, le second le 25 et le troisième le 16 décembre (en précommande ici).

Et puisqu’ils pensent à leurs fans les moins sériphiles, Trent Reznor et Atticus Ross viennent de diffuser le morceau faisant office de générique de fin de chaque épisode. Et ça s’écoute par ici :

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Trent Reznor et Atticus Ross dévoilent le générique de la série "Watchmen"

À l’occasion du lancement de la série événement signée HBO, les deux membres de Nine Inch Nails partagent un avant-goût de l’ambiance musicale de Watchmen

Événement télévisuel de cet automne, la série Watchmen a tout du blockbuster alléchant : tiré de l’œuvre culte d’Alan Moore et Dave Gibbons (mais tout-à-fait indépendant du film de Zack Snyder sorti en 2009), le projet porté par le network américain HBO (Game of Thrones, Westworld, True Detective) est entre les mains de Damon Lindelof (Lost, The Leftovers). La série fait suite aux événements du roman graphique, 34 ans plus tard, tandis que certains symboles du passé tombent entre les mains d’antagonistes aux intentions pour le moins peu louables. Diffusée sur OCS en France, Watchmen est à ne pas manquer – et Rolling Stone vous en parle ici.

Une dream team qui ne pouvait être complète sans une bande originale à la hauteur – et quelle ne fut pas notre joie d’apprendre que Trent Reznor et Atticus Ross, éminents membres de Nine Inch Nails se collaient à la tâche. Une bande-son à la hauteur des ambitions de la série, et qui sera disponible dans son intégralité dès cet automne, avec trois volumes d’ores et déjà prévus en vinyles – le premier disponible le 4 novembre, le second le 25 et le troisième le 16 décembre (en précommande ici).

Et puisqu’ils pensent à leurs fans les moins sériphiles, Trent Reznor et Atticus Ross viennent de diffuser le morceau faisant office de générique de fin de chaque épisode. Et ça s’écoute par ici :

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Le site de streaming iranien Melovaz efface les femmes des pochettes d'albums

Tenez-vous bien, sur le site de streaming iranien Melovaz, les artistes féminines sont littéralement effacées de leurs pochettes d’albums

On ne s’y attendait pas, lorsqu’on est tombé sur cette pochette, qui nous disait vaguement quelque chose… Il ne devait pas y avoir Lady Gaga, ici ? Et là, Lana Del Rey ? Sur le site de streaming iranien Melovaz – équivalent de Spotify, sans l’aspect international – les artistes féminines sont tout simplement gommées de leurs propres pochettes d’albums. À la place, le site préfère les flouer, voire les remplacer par un magnifique fond blanc déprimant. Ça donne forcément envie d’écouter… Vous n’y croyez pas ? Nos confrères de Neonmag ont déjà préparé quelques petits montages, voici des exemples effarants :

Nous, on aime particulièrement notre recherche de la discographie de Lana Del Rey :

Capture d’écran

Si jamais vous doutiez encore, voici un aperçu des playlists « This Is… » qui proposent une large rétrospective de la discographie d’un artiste, que l’on peut aussi retrouver sur Spotify :

(Nota bene : on se demande pourquoi le rappeur Takeoff a été lui aussi totalement supprimé, on tient peut-être là un autre problème). 

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Metalhead Convention s'annonce pour octobre 2020

Metalhead Convention, le rendez-vous incontournable dédié à la culture Metal, est fixé les 24 et 25 octobre 2020 à la Grande Halle de la Villette ! Les infos : 

Oui, c’est dans un an, mais autant prévoir les choses (bien) en avance : Metalhead Convention a annoncé ses dates exceptionnelles pour 2020, qui se tiendra donc les 24 et 25 octobre, en plein cœur de la Grande Halle de la Villette, à Paris. Au programme : des concerts, des masterclasses, tables rondes et conférences valorisant les labels, les artistes et les artefacts de la culture Metal, sujet chéri de cet événement.

« Une occasion unique de se rencontrer, d’échanger et, pour les novices et curieux, découvrir cette culture sous toutes ses formes rassemblées dans un véritable « Temple » du Metal » peut-on lire dans le communiqué officiel.

« Metalhead Convention propose une expérience inédite pour les passionnés de Metal les plus aguerris, communément appelés “Metalheads” et permet aux futurs adeptes de découvrir tout l’univers d’un style musical qui rassemble et fidélise près de 9 millions d’inconditionnels en France. »

Le live aura fort heureusement une place d’honneur sous la charpente métallique de la Grande Halle de la Villette : les têtes d’affiches programmées en fin de journée seront précédées de groupes locaux & émergents, sélectionnés lors du Tremplin Metalhead. Le programme en détail sera annoncé prochainement.

Bien évidemment, entre deux sets, le public pourra se ravitailler en abondance en bières et autres produits issus des nombreux food trucks qui répondront présents.

Bref, que du bon et encore beaucoup à annoncer, donc pour ne rien manquer, suivez l’actualité de l’événement sur ses réseaux sociaux et en vous abonnant à la newletter. À bientôt ou au plus tard, à dans un an !

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"The Rolling Stones On Stage" : Mick, Keith et les autres

Avec cette saga live du « plus grand groupe de rock au monde », Bruno Juffin signe un hommage original aux Stones

C’est un « beau livre », comme on dit, gorgé de superbes photographies rares voire inédites, mais surtout, chose rare, magnifiquement écrit. Collaborateur des Inrockuptibles et auteur d’un ouvrage consacré au Velvet (Lou Reed et le Velvet Underground), Bruno Juffin a choisi de partager sa vieille fascination pour les Rolling Stones en racontant la saga ô combien épique du « greatest rock’n’roll band in the world » sur scène, à travers cinquante concerts allant de leurs débuts au Marquee Club de Londres (12 juillet 1962) au Stade Vélodrome de Marseille (26 juin 2018). Ultra documenté (set list, line up etc), The Rolling Stones On Stage relève de la prouesse journalistique, et même littéraire, dans ses descriptions : «… train fou sur la voie, Keith dans la loco… la guitare qui fait du gringue, le chanteur qui a du caoutchouc dans les guiboles et le Palais des Sports transporté sur les berges du Mississipi, là où les peaux sont plus brunes et les cambrures plus généreuses, « écrit Juffin à propos d’un concert parisien de 1970 entré dans la tumultueuse légende stonienne.

Préfacé par Michka Assayas et enrichi du DVD du fantastique Shine A Light de Martin Scorsese – excusez du peu – The Rolling Stones On Stage a tout du cadeau de Noel idéal pour les fans de Jagger et de son gang… du moins si l’on tient jusque- là. On se le procure par ici. Disponible à partir du 25 octobre 2019

Alain Gouvrion

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IDLES va sortir un album live enregistré au Bataclan

A Beautiful Thing : IDLES Live At Le Bataclan sortira le 6 décembre prochain. Premier extrait :

Plus d’un an après la sortie de leur second album Joy As An Act of Resistance. qui s’est suivi d’une tournée absolument triomphale, IDLES célèbre ce nouveau tournant de carrière avec la sortie d’un disque live, qui arrivera pile poil pour les fêtes de fin d’année. De quoi remuer dans son salon, même sous le sapin ! A Beautiful Thing : IDLES Live At Le Bataclan sortira dans les bacs le 6 décembre prochain (via Partisan / PIAS). Présents sur tous les festivals du monde cet été, le groupe est désormais reconnu comme un des meilleurs en live. IDLES a dépassé son statut de voix de l’Angleterre unie et ouverte pour incarner un renouveau dans cette musique rock engagée, directe et dévastatrice. La soirée du 3 décembre 2018, au Bataclan, a donc été choisie pour être immortalisée.

Comme Joe l’explique : « Notre concert au Bataclan se trouvait à la fin d’une très longue tournée à travers le monde. Dans ce voyage, nous avons beaucoup appris sur nous-même, nous et notre public avons grandi ces 10 dernières années. Ce concert ne fût rien de moins qu’une catharsis, et rien de plus que de l’amour. Nous aimons ce que nous faisons et les gens qui nous portent, comme ce soir de Décembre au Bataclan et nous sommes reconnaissants pour ce moment capté dans toute sa grâce, notre amour et notre fatigue. »

Un premier extrait est déjà disponible, il s’agit du titre « MOTHER » issu du premier album de la formation, Brutalism :

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"5 est le numéro parfait" : Camorra fine et forte

Adaptation d’une célèbre bande dessinée italienne, 5 est le numéro parfait se révèle tout aussi jouissif sur grand écran

“Je te tue et je me couche avec une aspirine…” C’est dire s’il est un peu revenu de tout, Peppino, et qu’il pensait bien avoir remisé une bonne fois pour toutes son arsenal de tueur à gages pour la mafia. Seulement voilà, le fiston s’est fait bêtement dessouder à peine entré dans la carrière. Bref, Peppino va reprendre du service et on va voir ce qu’on va voir. “Vous avez remué la merde et maintenant ça va chier !” Difficile de faire plus imagé… La mise en image, justement, n’hésite pas à jouer sur les gros plans et les split screens, les ombres ou les lignes de fuite (même si c’est celles du linge qui sèche aux fenêtres) comme autant de cases d’un comic. Logique puisque l’on tient ici l’adaptation par son auteur — qui passe derrière la caméra pour la première fois — d’une bande dessinée très célèbre en Italie. Igort tire ainsi un portrait loufoque et forcément graphique d’une Naples “triturée” du début des années 1970, des trahisons qui ne se règlent pas forcément devant un plat de pâtes. Il peut s’appuyer sur un trio pétaradant à plus d’un titre, à commencer par Toni Servillo succulent en Peppino. Difficile de ne pas sourire en entendant celui qui incarna Berlusconi dresser les louanges de ce numéro 5…

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GospelbeacH : flamme folk intacte sur "Let It Burn"

Inconnu chez nous, le groupe GospelbeacH vient de sortir un quatrième album remarquable de sobriété, nous ramenant à l’âge d’or du genre à la fin des années 60

Pour donner une idée plus concrète de quoi s’attendre avec Let It Burn, il convient de présenter ses références, affichées et assumées. En révisant ses classiques (Tom Petty, Buffalo Springfield), le groupe fait honneur à sa Californie natale en invoquant les heures les plus sereines de la musique folk, en se faisant l’écho d’une époque qui semble plus lointaine que jamais (et qui vient de fêter son demi-siècle – c’est dire), quand on contestait encore les conflits en musique plutôt que par publications Facebook interposées.

Une fois le décor planté, GospelbeacH (projet parallèle de Brent Rademaker, déjà à l’œuvre au sein de Beachwood Sparks) se permet des revirements bienvenus, une forme de (légère, restons sérieux) déglingue americana qui rappelle forcément Kurt Vile et The War On Drugs. Et elle est peut-être là, la vraie réussite de ce disque : dans ce maelstrom d’une surprenante cohérence, qui nous ramène volontiers cinquante ans en arrière tout en nous faisant croire que Bobby Gillepsie chanterait des faces B oubliées de Bob Dylan ou des Rolling Stones.

Car aussi difficile pour nous qu’il est de parler de Let It Burn sans évoquer cette tonne de références un peu écœurante, il semble tout aussi compliqué pour GospelbeacH de concevoir sa musique sans une certaine idée de l’Amérique, protégée par ces grandes figures tutélaires aussi essentielles qu’immuables (Bruce Springsteen et Neil Young en tête). Après tout, quand la recette est bonne, pourquoi en changer ?

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Rolling Stone vous offre "Hot Motion", le dernier album de Temples

Un des disques de la rentrée, Hot Motion de Temples est à ne surtout pas manquer. Gagnez votre exemplaire

« Élégant« , « audacieux » : Philippe Langlest ne manquait pas de superlatifs pour parler du dernier album de Temples, Hot Motion. Disque du mois d’octobre pour Rolling Stone, Hot Motion agglomère toutes les influences du désormais trio emmené par le lumineux James Bagshaw, pour un disque riche, au confluent de la musique psychédélique et de la pop de la British Invasion. Un album synthèse immanquable, porté par des titres forts comme « Hot Motion » ou « You Either On Something », au refrain salvateur.

Un disque qu’on ne finira plus de vous faire découvrir – la preuve en est, on vous l’offre ! Tentez de gagner un des cinq exemplaires CD de Hot Motion en jeu, en remplissant correctement le formulaire ci-dessous avant le 1er novembre 2019 à 12h :

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PJ Harvey reprend "Red Right Hand" de Nick Cave & The Bad Seeds

La chanteuse britannique PJ Harvey reprend le classique de Nick Cave dans une version hantée et lancinante, forcément superbe

La série Peaky Blinders (co-production entre Netflix et la BBC) est bourrée de qualités. Histoire, personnages, casting : difficile de passer outre la création de Steven Knight, qui suit les ascensions et descentes aux enfers successives de la famille Shelby, à la tête du gang des Peaky Blinders dans le Birmingham du début du XXème siècle. Rock jusque dans son ambiance, Peaky Blinders se paye également le luxe d’une bande-son raffinée et volontairement anachronique, avec comme point d’accroche son générique, le ténébreux « Red Right Hand » de Nick Cave & The Bad Seeds, qui connaît depuis le lancement de la série en 2013 un regain de popularité bienvenu – le morceau est un classique.

Alors que la saison 5 vient d’arriver à son terme, laissant les spectateurs désemparés, ses producteurs viennent d’annoncer la sortie de la bande originale de Peaky Blinders, disponible dès le 15 novembre prochain en CD (double) et vinyle (triple). Au programme, Nick Cave bien sûr, mais aussi The White Stripes, David Bowie, Arctic Monkeys, Radiohead ou encore les Queens of the Stone Age. Que du lourd en perspective – et de lourd il est question avec le premier extrait diffusé, une reprise hantée et lancinante du fameux « Red Right Hand » par l’immense PJ Harvey. Une magnifique version du plus célèbre morceau de Nick Cave, dont la riche histoire entretenue avec la chanteuse dans les années 90 lui confère une autre dimension au titre. Forcément superbe.

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"Warrior Women" : pré-réservez vos places pour la soirée avec l'équipe Rolling Stone !

Le documentaire exceptionnel Warrior Women sera projeté à l’Espace Saint-Michel, mardi 29 octobre prochain, en compagnie de notre rédacteur en chef Belkacem Bahlouli

Réalisé par Christina D. King et Elizabeth A. Castle, Warrior Women reprend l’histoire de la cause amérindienne au travers du portrait de Madonna Thunder Hawk (et de sa fille, Marcella), militante ayant notamment intégré le mouvement Red Power, au cœur d’actions fortes comme l’occupation d’Alcatraz et de Wounded Knee. Une vie de combat racontée dans « un documentaire remarquable d’archives » comme l’écrivait notre journaliste Sophie Rosemont, à découvrir en salles dès maintenant.

Présenté à l’Espace Saint-Michel à Paris, Warrior Women aura droit à une soirée exceptionnelle le mardi 29 octobre prochain à partir de 20h25, avec moult invités de marque. Venez rencontrer Belkacem Bahlouli, rédacteur en chef de Rolling Stone France, mais aussi Aurélie Journée-Duez et Sylvain Duez-Alesandrini du Comité de Soutien aux Indiens d’Amérique pour un débat autour de la répression des populations amérindiennes. Le tout suivi – bien entendu – d’une projection de Warrior Women.

Événement Facebook

Pour être sûr.e.s d’en être, n’hésitez pas à remplir le formulaire ci-dessous avant le lundi 28 octobre 2019 à 12h afin de pré-réserver vos places pour cette soirée unique (dans la limite des stocks disponibles) ! Attention : le cinéma de l’Espace Saint-Michel n’accepte pas les cartes de crédit, merci de prévoir du liquide pour le règlement de vos places.

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