Planet digest

Article paru sur: http://querelles.ca/2016/07/18/30759/

C’est au détour d’un regard que j’ai découvert le travail de Claude Chaussard : dans une Foire Papier bondée et survoltée, mon oeil fût happé par un « trou blanc ». La blancheur, le dépouillement et la justesse du tracé de ses Nus furent mes portes d’entrée dans son univers artistique. Quelques semaines plus tard, j’étais invitée à découvrir l’intimité de son atelier dans le grand complexe d’artistes du Canal Lachine. Dissimulée au fond d’un dédale de couloirs, c’est dans le fumoir de cette ancienne manufacture de matelas que l’artiste, Français d’origine et Montréalais d’adoption, a aménagé cette petite caverne d’Ali Baba, alternative à son grand atelier de Paris.

Il m’avait prévenu : « Il faut venir tôt pour voir la lumière qui est extraordinaire ! »

Aujourd’hui, manque de chance, il pleut. Mais malgré la couche nuageuse, je peux très bien imaginer la clarté filtrer à cette heure matinale à travers les vieilles fenêtres à battants. Cette lumière, justement, s’avère être un élément essentiel dans le travail de cet artiste qui a fait sa thèse sur Soulages. Changeante, non maitrisable, éphémère parfois… elle est à l’image de ses œuvres. Elle est aussi dotée d’un puissant pouvoir de transformation : tout objet qui y est exposé risque altération. La transformation des matériaux, c’est justement le fil conducteur du travail de Claude Chaussard.

C’est par hasard que l’artiste commence à s’intéresser au phénomène d’altération:

lors de la réalisation de ses Macules d’architecture (peinture sur verre) durant ses études d’architecture, il s’aperçoit en retournant le support que son œuvre, blanche à l’origine, est devenue verte. Au contact de ce verre extra blanc – qui s’avèrera d’une extrême rareté ! – la peinture s’est métamorphosée. Dès lors, découvrir de nouveaux modes de transfiguration des matériaux sera le leitmotiv de ce jeune artiste… Ou comment retrouver cette instant de grâce où la matière est créée pour disparaitre, apparaitre, ou se modifier dans le temps. Chose que j’ignorais, ses Nus, eux aussi, subissent depuis leur « naissance » une transformation immuable : réalisés à la pointe d’argent, leurs traits sont ineffaçables et bruniront au fil des années. De même, ses Lettres des anges conçues à partir d’huile dépigmentée jauniront dans le temps et à l’ombre… pour reblanchir à la lumière.

Essais, erreurs, choix et préparation méticuleuse des matériaux des supports font de Claude Chaussard un homme de science autant que d’art.

Un savant jeu entre haute technicité et perte de contrôle fera émerger de nouveaux éléments. Pourtant, l’artiste ne se qualifie pas tant de « chercheur » : « Je ne cherche pas. Je trouve. » Mais pour trouver et s’abandonner, encore faut-il maitriser ses gestes et ses outils ! Ainsi, confectionne-t-il lui-même les pointes d’agent qui serviront à dessiner ses Nus, à partir d’une mine d’argent pur montée sur un critérium (en soit, déjà un objet d’art !). C’est aussi lui qui fabrique son parchemin, contrôlant alors son degré de rugosité et sa capacité à plus ou moins retenir les particules d’argent, ainsi que son huile « dépigmentée » en retirant les pigments de couleur de sa peinture. Côté technique, il répètera par exemple pendant une dizaine de minutes chaque trait de crayon au préalable sur un papier standard avant de figer ses Nus pour l’éternité.

Tout cela peut paraître bien sérieux de technicité et de précision sur le papier…

pourtant, il est un élément essentiel que je n’ai pas encore évoqué et qui se retrouve au cœur de son art : le jeu ! « La vie, c’est fait pour s’amuser avant tout ! » me lance-t-il au détour d’une conversation. Claude Chaussard est un homme malicieux qui se plait à raconter les anecdotes de ses différents projets, depuis la surprise de réaliser en plein chantier que son Arche de feu est positionnée juste sur l’itinéraire des convois exceptionnels français, qui finiront par intégrer l’oeuvre à leur trajet, la frôlant désormais de quelques centimètres à chaque passage… jusqu’à cette folle expérimentation avec du mercure (Le silence transparent), qu’il juge « tout de même un petit peu dangereuse » le jour où il s’aperçoit que les vapeurs ont attaqué sa gourmette en or logée dans sa poche de pantalon. Claude Chaussard joue avec les matériaux, mais aussi avec le temps et sa propre technicité : « Je navigue à vue. » dit-il en parlant de ses Lettres des anges. « Ce qu’est un an après que la couleur se révèle et que je peux vérifier si cela me convient. » Alchimiste espiègle, un peu savant fou, l’émerveillement de Claude à chaque nouvelle découverte est communicatif, comme ce jour où il remarquera l’apparition de poils (!) à l’application de peinture sur du papier non-tissé utilisé en muséographie… ou alors lorsqu’il réalisera que le seul moyen de verser son mercure est goutte à goutte avec une seringue afin d’éviter qu’il ne s’éparpille en billes. Définitivement orienté sur le plaisir d’expérimenter et de créer, il collabore aussi avec d’autres disciplines artistiques, comme dans Le Colofon (livre tiré à 27 exemplaires mêlant art et écriture), ou dans ses Traits de crais, où il s’amuse à faire claquer sur une toile des cordes imprégnées de pigment au son de rythmes contemporains.

Comme le dit si bien son confrère Maurice Benhamou, l’art de Claude Chaussard est un « art intime, retenu à l’extrême, ouvert sur l’invisible », où « le médium décide de l’itinéraire ». Art multiple, art surprise et art évolutif, porté par une recherche artistique de fond, une curiosité avide, et un enthousiasme flagrant, il est pour moi un art aussi philosophique : celui de connaître le juste moment de l’abandon, cette bascule qui fait naitre le Beau et l’Éternel.

Site Internet Artiste de la Galerie Correia art contemporain Renseignements : Jean-Michel Correia – 819 571 3368 – [email protected] Photos : Sonia Reboul

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Une harpe, un compositeur électroacoustique et 10 danseurs : c’est le point de départ de Paradoxe Mélodie, créé par Danièle Desnoyers de la compagnie Le Carré des Lombes, et présenté par Danse Danse au théâtre Maisonneuve.

Ce spectacle est le fruit d’une recherche collaborative entre les danseurs et la chorégraphe, autour de la modernisation et du détournement de cet instrument traditionnel qu’est la harpe. De ce travail, ont émergé des thématiques que je perçois comme étant étroitement reliées aux rapports humains modernes : relations amoureuses, amicales, comportements de meutes, histoires passionnelles, toxiques, voire destructrices… Au premier abord, le ballet se revendique comme une performance expérimentale et novatrice sur le plan musical. Je m’attendais donc à y découvrir un dialogue inattendu entre musique électronique et sons de harpe. Mais il en est tout autre puisque cette dernière se retrouve simplement branchée sur des amplificateurs : détournée en pseudo guitare électrique, elle offre des riffs sans grande surprise.

La scénographie, quant à elle, est particulièrement réussie, mais malheureusement peu adaptée à un théâtre de cette envergure. Même en passant du balcon à la corbeille, j’ai éprouvé de la difficulté à percevoir certains mouvements à cause des contrastes lumineux trop marqués. Un petit théâtre plus intimiste aurait été largement plus approprié.

La chorégraphie est plaisante, avec son extrême fluidité, son excellente occupation de l’espace, et ses pas de deux déclinés en parallèle. Pourtant, le tout ne respire pas l’unité : le style personnel de chaque danseur se fait ressentir, tout particulièrement lorsqu’ils dansent à l’unisson. Cette absence d’homogénéité n’est pourtant pas suffisamment marquée pour être perçue comme une volonté chorégraphique, et induit au final une sensation d’approximation.

Certains passages sortent du lot, notamment le duo entre cette femme effacée, et sa compagne au grain de folie, proche de la perversion narcissique : on y retrouve une touche d’humour et une bonne dynamique, qui mettent en valeur les talents théâtraux des deux danseuses. Pour autant, ce n’est qu’à la 50e minute que je commence véritablement à vibrer, lorsque la musique se fait plus rythmique, et que les corps las des danseurs s’animent au rythme de leurs pulsations cardiaques. Mais là encore, l’interprétation est visuellement inégale, et le tout s’achève de manière abrupte, me laissant cruellement sur ma faim.

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Dans le cadre de sa série Les Récitals, l’OSM accueille ce samedi un trio placé sous le signe du romantisme : pour la première fois sont réunis Anne-Sophie Mutter, l’une des violonistes les plus renommées de notre temps, récipiendaire de quatre Grammy, Yefim Bronfman, pianiste russo-israélien virtuose, et Lynn Harrell, violoncelliste américain ayant collaboré avec les plus grands chefs d’orchestre européens.

Le concert débute avec le trio de Beethoven n*7 en si bémol majeur. Si tôt les musiciens arrivés sur scènes, les premières notes du piano se font entendre, attaquant de front le brouhaha du parterre à peine installé. Le fameux silence suspendu qui précède généralement les débuts de concerts est absent, et la transition est abrupte. Les deux premiers mouvements sont difficiles : ils me rappellent beaucoup ces partitions aux airs répétitifs que j’ai jouées et rejouées des années durant sur mon piano, en guise d’entrainement plutôt que par gout. Je ne cerne aucune nuance. Je l’avoue, Beethoven n’est pas mon compositeur favori, et cela se confirme durant ces vingt premières minutes. Puis, au troisième mouvement, il se passe quelque chose. La musique respire, les musiciens communiquent beaucoup plus entre eux, et la finesse fait son apparition. Très vite, mon attention se laisse embarquer, bercer et secouer par cet air entêtant qui revient, cette fois-ci avec délicatesse et inspiration. L’allegro moderato final est tout en énergie et brille par la virtuosité des trois interprètes. Qualifiée d’« héroïque », cette œuvre mérite bien son nom puisqu’elle se révèle être étonnement romantique et expressive par rapport au répertoire habituel de Beethoven. Mais le spectacle est aussi visuel : placée à l’arrière de la scène, je peux admirer non seulement les mouvements de doigts de Bronfman, mais aussi le dos de Mutter, vêtue d’un simple bustier dévoilant des muscles dorsaux aussi expressifs que les cordes de son violon.

En guise de deuxième partie, vient le trio en la mineur de Tchaikovsky Op. 50. Composé en 1881, il est un hommage à son très proche ami Nikolai Richter, célèbre pianiste russe virtuose, décédé depuis peu. Habituée à ses œuvres de ballets, je découvre une nouvelle facette de Tchaikovsky. Le morceau tourne autour d’un thème positif, presque solaire, aux influences russes, repris allègrement par un instrument, puis par un autre. Je suis propulsée à Moscou, peut-être à cause des origines du pianiste… Si le piano domine dans l’ouverture du premier mouvement, l’équilibre se rétablit ensuite pour offrir une conversation au lyrisme déroutant entre les trois instruments. Salut à la vélocité de Richter, la partition est extrêmement difficile et exigeante techniquement. Mutter, Bronfman et Harrell la maitrisent extraordinairement, et parviennent à sublimer le morceau en introduisant une complicité évidente. Le final est magistral, avec ses accents tristes et romantiques. Le même thème revient inlassablement, comme un dernier cri destiné à la personne chère qui n’est plus, et que Tchaikovsky refuserait de laisser partir. L’œuvre s’achève sur une alternance de deux notes lourdes jouées en decrescendo par le piano seul. Je vois Richter marchant au loin dans le brouillard, et j’entends le son de ses pas lents, étouffé par la neige, puis doucement absorbé par le silence et le terrible froid de l’hiver russe.

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Forte du succès de sa première nuit orientale, le MBAM renouvelle l’expérience ce mercredi avec une nouvelle soirée où les visiteurs pourront plonger dans les mystères du courant orientaliste.

Faisant écho à l’imposant et rutilant escalier principal, une immense toile de Benjamin-Contant (Intérieur de harem au Maroc) nous accueille et pose l’ambiance : il s’agira ce soir de lumière et d’ombre, de magnificence et de fantasmes, de femmes et de chaleur. Le prolongement des lignes de fuite sur les murs du bâtiment nous entraine doucement à poursuivre l’exposition.

La première salle, dans son ambiance feutrée, chaude et tamisée, commence par nous faire apprécier l’habileté technique du maitre de l’orientalisme : par un jeu maitrisé d’ombres et de lumières, ses portraits prennent vie (Portrait d’André) et semblent suivre du regard notre progression à travers la pénombre jusqu’à la seconde salle. Dans cette dernière, la force des modèles orientaux masculins s’impose : la Tête de Maure, portrait d’un caïd marocain, renferme en un seul visage cette opposition entre lumière solaire, et noirceur des actes. Spectaculaire.

La troisième salle nous donne à prendre du recul : on y découvre deux environnements contradictoires, l’un public, violent et masculin, fait de dominations et de guerre de clans, et l’autre caché, féminin, doux et intime. De la toile Le soir sur les terrasses se dégage une plénitude et une sérénité rares : il donne à pénétrer dans l’univers des ces femmes orientales, et nous invite à poursuivre sur le thème final de l’exposition.

La dernière salle nous plonge encore plus profondément dans cet espace féminin si bien gardé : elle révèle les fantasmes les plus profonds et s’attaque à la dimension érotique de ce mouvement artistique. Une citation de Benjamin-Constant résonne comme un choc : chargée de misogynie, elle interroge sur le statut de ces femmes-objets.

L’éblouissement tombe, le mirage s’évapore. La parole est maintenant aux femmes. L’artiste contemporaine Lalla Essaydi reprend les codes de l’orientalisme en les détournant pour stimuler l’esprit critique du spectateur et l’extirper de son état de passivité et de contemplation purement esthétique. L’odalisque allongée nous regarde désormais droit dans les yeux, et sa peau est couverte d’écriture : elle a quelque chose à dire. Majida Khattari s’attaque même à une version moderne des Chérifas : la femme nue soumise aux désirs de l’homme, dans l’attente, et à sa disposition, se transforme en personnage dominant, à la sexualité affirmée, nous jaugeant par son regard.

Le commentaire de cette jeune fille, face à la toile originelle, « I can relate to this » (« je peux m’identifier à ça »), me rappelle que deux siècles plus tard, ces problématiques restent actuelles, en occident comme en orient, et que la beauté de l’art est justement de pouvoir nous extraire de ces chimères.

A video posted by Sonia Reboul (@suepek) on Mar 27, 2015 at 4:55pm PDT

Jeudi soir la SAT diffusait Entre Ciel et Terre quand le hip-hop devient art d’Eric Ellena, dans le cadre du FIFA (Festival International du Film d’Art, se déroulant du 19 au 29 mars).

Ce documentaire nous fait partir à la découverte du hip hop, cette danse mal connue, née dans la rue, et souvent sujette à des apriori du fait de son développement en totale contradiction avec les styles classiques de danse.

La danse est une de mes formes d’art préférées, peut-être parce que je l’ai pratiquée, mais surtout parce qu’elle relève ce défi difficile de pouvoir conjuguer à la fois rigueur et performance sportive d’un côté, et lâcher-prise et expressivité de l’autre. Les types de danse auxquelles je suis le plus sensible sont les plus athlétiques : c’est dans le mouvement, et le dynamisme des corps que je retrouve les émotions les plus fortes. Le hip-hop possède justement cette force. Il est né d’une volonté de repousser les limites physiques à l’extrême : les b-boys disent souvent avoir commencé à breaker pour impressionner la foule et attirer les regards. Pendant longtemps définit comme une sorte de gymnastique, relevant plus de l’exploit sportif qu’artistique avec ses battles et championnats, le hip-hop a été boudé par les théâtres et la critique.

Eric Ellena nous montre cependant que la discipline a beaucoup évolué : de nouveaux chorégraphes issus du milieu hip-hop, comme Mourad Merzouki et Anthony Egéa, osent expérimenter et mélanger les genres. Ils apportent à cette danse de rue l’exigence académique, ainsi qu’un réel travail sur l’expression, pour nous proposer des créations complètement inédites. Le résultat est là : une danse technique, plus précise, à la fois forte, musclée, solide et sensible, qui peut enfin se montrer sur les planches et s’affirmer comme discipline artistique à part entière.

Également enrichie des possibilités de mise en scène offertes par les théâtres, l’exploration de ces b-boys-chorégraphes-chercheurs fait naitre un toute nouveau type de danse. Aujourd’hui, le hip-hop au sens large (qui regroupe de multiples courants aussi variés les uns que les autres : smurf, krump, popping, locking…) investit les sphères de la danse traditionnelle pour redonner une nouvelle énergie à la danse contemporaine, au point d’être maintenant enseigné dans les conservatoires.

Au-delà d’une nouvelle forme d’expression artistique, la danse hip-hop est aussi un fabuleux métissage des genres, des cultures et des classes. Pour la première fois, on voit sur scène des danseurs autodidactes formés dans la rue, ayant intégré la rigueur académique sur le tard. Anthony Egéa le dit lui même : « À l’époque, moi c’était le foot. Je savais pas ce que c’était la danse. » Fortes de leurs origines mixtes et populaires, ces nouvelles chorégraphies piochent naturellement dans des sources d’inspirations diverses : la musique électronique (comme dans le fabuleux Bliss de A. Egea), l’Afrique (dans Agwa de M. Merzouki, ou Rage de A. Egea), les arts martiaux (Boxe boxe de M. Merzouki)… Par voie de conséquence, le public se mixe aussi, et attire d’autres spectateurs, plus jeunes, moins habitués des théâtres.

L’artiste montréalaise Dominique T. Skoltz nous plonge en eaux troubles avec y20, une série de courtes vidéos filmées sous l’eau, où évoluent un homme et une femme (l’animatrice et comédienne Vanessa Pilon et le compositeur et danseur Jacques Poulin-Denis), dans une sorte de danse éthérée, le tout dans une ambiance sonore feutrée.

Cette œuvre, visuellement captivante, fait très justement référence à cette zone grise dans laquelle évolue toute relation amoureuse : ce lieu de rencontre entre deux eaux fait d’attirance et de répulsion, de franchise et de pudeur, d’enchevêtrement et de solitude, mais aussi d’ennui et de passion…

Sous la surface, gestes et mots sont suspendus: un mouvement en appelle un autre, et le tout forme une sorte de mouvance perpétuelle que rien ne peut interrompre. On plonge dans le grand bain (et dans la liaison), et on est engagé de tout son être, dès le premier geste. Parfois, le rythme se casse, comme un disque rayé, suggérant l’hésitation de l’un ou de l’autre... mais cette vacillation disparait instantanément, pour se soumettre à la puissance du courant général.

À d’autres moments, le corps s’accroche plus longtemps, les pieds emmêlés dans une étagère. En manque d’air, balloté par le courant, il finira lui aussi par céder au balancement des fluides. Pour la scène finale, c’est l’eau qui s’écoule, révélant progressivement les deux êtres, dans toute leur disgrâce et leur pesanteur.

La thématique de la spiritualité m’a toujours intriguée. Elevée par des parents opposés à toute forme de religion, je me suis toujours interrogée sur ce qu’était la foi, sans arriver à comprendre s’il s’agissait d’un élément culturel, résultat d’une transmission familiale, d’un sentiment proche de l’élan amoureux, ou d’une simple réponse (voir d’une peur) aux questions existentielles non résolues. Je me définis cependant comme agnostique car je trouve une forme de spiritualité positive dans les arts, dans la contemplation de la nature, dans les rapports humains ou même dans l’ascèse.

C’est donc tout naturellement que j’ai été attirée par Words with gods, une série de court-métrages sur le thème de la foi moderne et de ses influences culturelles, présentés au Centre Phi, et réalisés par 9 réalisateurs de 9 pays différentes. La spiritualité aborigène, l’umbanda, l’hindouisme, le bouddhisme shinto, le judaïsme, le catholicisme et même l’athéisme y sont abordés. Dans un contexte de remise en question fondamentale des religions et de conflits spirituels sur le plan international, je m’attendais à y trouver des réponses et une ouverture sur de nouvelles formes de spiritualités, différentes de celles proposées par nos religions millénaires.

Hors, Words with gods donne une vision très noire: les thèmes de la culpabilité, de la rédemption, et de la douleur sont omniprésents, que ce soit dans le récit de l’ascension pénible d’un moine orthodoxe chargé de pierres sous le soleil brûlant (Emir Kusturica), dans le destin tragique de ce Japonais perdant sa famille dans un tsunami (Sufferings de Hideo Nakata), ou dans l’histoire de ce Brésilien ne se pardonnant pas d’avoir laissé mourir son enfant (The Man Who Stole a Duck de Hector Babenco). On peut se demander si cette noirceur vient du fait que les réalisateurs, eux-mêmes n’ont jamais expérimenté la foi, attaquant le sujet sous l’angle de la controverse et de la critique acerbe des religions, plutôt que de l’expérience intime et personnelle. La qualité des court-métrages est dans l’ensemble assez inégale, autant visuellement que sur la profondeur de la réflexion. 

J’entre dans la Cinquième Salle de la Place des Arts. L’atmosphère est enfumée. Au milieu de l’arène, se trouve un ring de box et, dans ses angles, deux boxeurs/danseurs assis se jaugeant avec assurance, clope au bec, le regard droit, traversant en diagonale ce qui s’apprête à être leur terrain d’affrontement pour 70 minutes. Ce soir, je vais voir Rocco, d’Emio Greco et de Pieter C. Scholten, interprété par l’ICKamsterdam, un ballet inspiré de la boxe et du film de Visconti, Rocco et ses frères. Encore incertaine de ce que je m’apprête à découvrir, je m’assois au premier rang, à une mètre des cordes du ring.

La cloche retentit, les adversaires se relèvent. Commence alors un pas de deux tout en force et en hésitation. Sous la faible lumière centrale, les deux corps se répondent en miroir, muscles bandés mais aussi fébriles, comme pour suggérer ce mélange de sur-confiance et de doute qui précède l’affrontement, tel le trac avant l’entrée en scène du danseur.

La lumière baisse, et le duo change: le vrai duel peut commencer. La confrontation devient brutale, énergique, sportive. Tout y est: la sueur, le souffle court, le bruit des mains qui claquent sur la peau et des frottements de pied sur le sol, mais aussi le kitch, le spandex, le strass et les paillettes, mêlant danse et boxe sur le rythme des souffles et des tintements de cloche qui marquent les rounds.

À bout de quelques minutes, l’énergie devient presque sexuelle. Les deux adversaires se transforment en un couple engagé dans une parade de séduction où s’affrontent désir et maitrise de soi-même et de l’autre: un long corps à corps au cours duquel leur désir d’affrontement cède ponctuellement, laissant les deux danseurs suspendus dans le temps et dans l’espace, dans les bras l’un de l’autre, pour un court instant.

Soudain, c’est l’entracte. Changement d’ambiance: un boxeur/ouvreuse, dans toute sa féminité, balance à la volée bonbons et chocolats sur Paroles et Paroles, dédaignant les avances de son ex-adversaire. Bizarrement, la chanson m’évoque un spectacle de danse de mon adolescence, et je ne peux m’empêcher de faire le lien avec cette tranche de vie, finalement assez similaire par les questionnements qu’elle engendre sur la confrontation à l’autre et sur son acceptation personnelle. Finalement c’est le désir qui gagne: le couple finit par s’embrasser passionnément, déclenchant la réaction immédiate et sonore du public.

La proximité entre danseurs et spectateurs est ténue, comme nous le rappelle le dernier acte. Pour la finale, les quatre combattants célèbrent leur victoire personnelle. Fiers, forts, ils ont vaincu leur peur de l’autre, mais aussi d’eux-mêmes: aucun n’est terrassé. La dernière danse nous est comme destinée: les danseurs nous regardent droit dans les yeux, sortent même du ring pour engager un lien direct avec le spectateur. Triomphants comme des coqs, ils semblent faire l’éloge de la franchise, suggérant que sur le ring, il n’y a pas de place pour le mensonge ou la tricherie… comme en danse finalement, mais aussi comme dans toute relation humaine.