Réflexions cinéludiques

The Hire

La série The Hire, produite et distribuée par BMW Films, est composée de huit courts métrages d’action d’environ dix minutes et a été diffusée sur Internet en 2001 et 2002 (deux saisons). Ces films publicitaires avaient pour fonction de vanter les caractéristiques de performance de différents modèles de voitures du constructeur BMW. Ils ont été réalisés par des cinéastes reconnus mondialement comme Ang Lee, Wong Kar-Wai, Alejandro Gonzalez Iñárritu, Tony Scott, John Woo et Guy Ritchie. Les histoires varient d’un film à l’autre, mais il y a quelques éléments constants : le personnage « The Driver » (Le Conducteur), interprété par l’acteur hollywoodien Clive Owen, est engagé par différents personnages pour transporter des personnes ou objets importants dans des voitures de la marque BMW.

Étant un cinéphile et diplômé en études cinématographiques, j’ai visionné par plaisir les deux saisons de The Hire il y a longtemps. J’ai été heureux de revoir le premier épisode dans le cadre du cours et je suis par la suite allé relire certaines informations sur Wikipédia. J’ai alors appris qu’un nouveau court métrage est paru en 2016. Cette information a piqué ma curiosité et j’ai visionné le film en question.

The Escape

En 2016, la série The Hire a fait un retour. Toujours produit par BMW Films, le court métrage The Escape a été réalisé par le cinéaste de science-fiction Neill Blomkamp (District 9, Elysium, Chappie). Encore une fois, Clive Owen reprend son rôle et il est entouré des acteurs hollywoodiens Jon Bernthal, Dakota Fanning et Vera Farmiga. Le récit contient des éléments de science-fiction, mais reste tout de même centré sur l’action. Le FBI entre dans les bureaux de la compagnie Molecular Genetics après avoir découvert qu’elle conduit des expériences illégales sur le clonage humain, mais est devancé par une compagnie de sécurité privée. Holt (Jon Bernthal) est à la tête du groupe de mercenaires qui s’empare du spécimen appelé Lily (Dakota Fanning) pour le livrer à un client anonyme. Le Conducteur est engagé pour transporter la jeune fille en dehors du laboratoire et fuir le FBI à bord d’une voiture de la compagnie BMW.

[Attention! À partir d’ici, ce texte contient des éléments divulgâcheurs sur The Escape!]

Storytelling et codes du cinéma

Le film publicitaire d’une durée de treize minutes contient plusieurs codes du cinéma, et ce, dès la scène d’ouverture. Un générique de début est alors utilisé afin de présenter les principaux artisans. On ne tente pas de cacher qu’il s’agit d’une publicité. En effet, le film s’intitule : BMW FILMS : THE ESCAPE. Comme c’est souvent le cas, on profite du générique pour introduire le récit. Des voix off de lecteurs de nouvelles sont alors utilisées pour mettre en contexte le spectateur. Ce dernier apprend qu’il y a une controverse entourant la génétique moléculaire et le clonage humain illégal. Parallèlement au générique et aux voix off, des images de ce qui se passe à l’extérieur et dans le laboratoire sont présentées grâce à un montage rapide. Ainsi, en moins de trente secondes, la base de l’histoire est clairement exposée et le film peut commencer. C’est particulièrement efficace de procéder comme cela au sein d’un court métrage. À peine plus tard, le protagoniste est introduit et l’enjeu est clair : respecter l’engagement avec les mercenaires ou sauver la jeune fille. Il opte pour la deuxième option et la quête devient classique : il doit sauver Lily des mains de l’antagoniste Holt. Le reste du film est par la suite une course-poursuite avec un enchaînement rapide de plans et de cascades. Au milieu de tout cela, Le Conducteur fait une allusion à la série pour étendre l’univers narratif du film : « I might be a little rusty right now, but I’ve been doing this for a long time. » Finalement, dans la tradition cinématographique, un long générique de fin présente les nombreux artisans du film.

Non-dit

Au sein du cours, il a également été question du non-dit. Lors de l’écriture, une partie du message est explicite. Il s’agit des mots qui sont écrits. Une autre partie importante est implicite. C’est le non-dit et c’est le travail du lecteur de le comprendre. Ce concept a été exemplifié à l’aide de deux publicités : Relais olympique RONA et Tourisme Québec – Un voyage jamais vu. Nous avons vu que le message passe par le ton, les valeurs véhiculées et la qualité de l’image et du son.

Une grande partie du message publicitaire de The Escape passe par le non-dit. Le but du film est de présenter et faire la promotion de la voiture BMW 5 Series (G30). Elle est introduite dès le début du récit et étant de couleur grise parmi les véhicules militaires noirs de type Humvee, elle ressort rapidement du lot. Par la suite, les caractéristiques de la voiture ne sont jamais énumérées oralement ou à l’écrit comme dans une publicité télévisée. Aucun personnage n’en parle non plus. Cela briserait le quatrième mur. Ainsi, elles sont présentées de manière plus subtile lors des séquences d’action où la voiture est en mesure de rivaliser avec des engins militaires comme les Humvees et même, un hélicoptère. Les caractéristiques sont montrées comme suit :

- Vitesse : La voiture est en mesure de rouler plus vite que ceux de la police, du FBI et des mercenaires et peut ainsi les semer.

- Accélération : Lorsque le véhicule s’échappe du laboratoire, ses capacités d’accélération sont exposées et accentuées par le son.

- Agilité : La voiture zigzague entre les voitures et change rapidement de direction, contrairement aux Humvees qui sont plus difficiles à manœuvrer. Elle réussit également un 180 degrés, c’est-à-dire qu’en reculant, elle peut faire un demi-tour et avancer.

- Freinage : Lorsqu’un camion renversé bloque la route, Le Conducteur est en mesure de rapidement freiner pour éviter une collision. Le protagoniste réussit aussi à prendre l’arme de Holt en stoppant la voiture de manière abrupte.

- Puissance : Cette caractéristique est présentée lors d’un effet spectaculaire à la fin de la poursuite. Le véhicule est attaché à un hélicoptère et réussit à le tirer pour qu’il s’écrase.

- Endurance et résistance : La voiture est la cible de plusieurs tirs et continue à rouler. Aussi, à la fin du film, Le Conducteur repart avec le même véhicule qui est toujours en mesure de se déplacer. La jeune fille, le héros et sa voiture ont survécu.

(Les droits sur les images utilisées appartiennent à BMW Films.)

Le rendement final était plus près de la bande dessinée que du cinéma, mais à la toute fin du cours, j’ai proposé aux curieux voulant peaufiner leurs cultures en cinéma de regarder le court métrage français La Jetée (1962) de Chris Marker. Il s’agit du photo-roman cinématographique le plus connu et enseigné. C’est un film de science-fiction hors norme et plus particulièrement de voyages dans le temps où l'on suit un protagoniste qui subit des expériences dans un Paris souterrain post-apocalyptique. Le cobaye est par la suite amené à voyager dans le passé et le futur. Ce film a inspiré un autre classique du genre : 12 Monkeys (1995) de Terry Gilliam avec Bruce Willis et Brad Pitt.

J’avais visionné La Jetée il y a plusieurs années dans un ou deux cours dans le cadre de mon baccalauréat en études cinématographiques à l’Université de Montréal. Je l’ai revu avant de le proposer à mes étudiants et il a bien vieilli et est encore d’actualité. Les photographies en noir et blanc et l’esthétique clair-obscur créent une ambiance mystérieuse. Le rythme entre les images est bien calibré et permet de bien saisir les émotions du protagoniste qui voyage dans le temps. Finalement, la conception sonore variée et composée de narration, de chant choral, de paroles en allemand et de bruits étranges enrichit grandement l'univers photographique du film.

Le lien que j’ai envoyé à mes étudiants pour regarder le film n’est malheureusement plus fonctionnel...

Au-delà du visuel époustouflant, de la conception sonore subtile et du bon dosage entre les différents éléments d’exploration, de fuite et de puzzle (on ne s’ennuie pas un instant), j’aimerais aborder le fait qu’hormis le titre du jeu qui est présenté au tout début de l’œuvre, jamais il n’y a d’information transmise au joueur via la parole ou l’écriture, toutes les deux absentes. Ainsi, il doit interpréter l’histoire et le fonctionnement du jeu seulement par la représentation visuelle qui lui est transmise. Au final, le joueur en apprend beaucoup sur l’univers de l’œuvre en observant les indices transmis par les créateurs, mais plusieurs questions demeurent tout de même sans réponse, et ce, même à la fin du périple avec un dénouement inattendu, absurde et ouvert à l’interprétation. Les concepteurs ne prennent pas le joueur par la main et ne le considèrent pas comme un idiot. Du remarquable game design.

1. Social Network (David Fincher, 2010) 

L’art de raconter une histoire somme toute « banale » de manière envoûtante.

2. Moneyball (Bennett Miller, 2011) 

Deux intérêts (baseball et cinéma) qui se rencontrent.

3. Mommy (Xavier Dolan, 2014)

Le meilleur Dolan et mon film québécois préféré de la décennie.

4. Moonrise Kingdom (Wes Anderson, 2012) 

Le style unique et attachant d’Anderson sans temps mort.  

5. Frances Ha (Noah Baumbach, 2013) 

Simple, mais tellement efficace.

6. Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010) 

Drôle et émouvant, mon film d’animation préféré de la décennie.

7. It Follows (David Robert Mitchell, 2015) 

Envoûtant et stylé, mon film d’horreur préféré de la décennie.  

8. Polisse (Maïwenn, 2011) : 

Film dont on parle peu aujourd’hui, mais qui était une si belle et touchante exploration du quotidien de la brigade de protection des mineurs.

9. Scott Pilgrim vs. the World (Edgar Wright, 2010) 

Enfin une œuvre interartiale incorporant si bien le jeu vidéo et la bande dessinée.  

10. Inception (Christopher Nolan, 2010) 

Blockbuster vraiment marquant pour l’étudiant de cégep que j’étais.

11. Mad Max : Fury Road (George Miller, 2015) 

Le film d’action le plus déjanté de la décennie.

12. Sicario (Denis Villeneuve, 2015) 

La direction photo la plus sous-estimée de Roger Deakins.

1. Marriage Story (Noah Baumbach) 

Juste à tout point de vue.

2. Une femme en guerre (Benedikt Erlingsson) 

Beau, engagé et feel good.

3. Toy Story 4 (Josh Cooley) 

Sceptique après l’excellent 3e volet, mais il faut faire confiance à Pixar.

4. Parasite (Bong Joon-ho) 

Un des scénarios les plus spectaculaires des dernières années avec ses multiples rebondissements et changements de ton.

5. Dogman (Matteo Garrone) 

Une fascinante exploration de la violence sous toutes ses formes.

6. Knives Out (Rian Johnson) 

Un thriller très classique, mais très maîtrisé.

7. Vivarium (Lorcan Finnegan) 

Une expérience dérangeante, déprimante et intelligente.

8. Grâce à Dieu (François Ozon) 

Une narration à la Ozon qui fonctionne bien.

9. Promare (Hiroyuki Imaishi) 

Du mecha complètement éclaté.

10. Avengers : Endgame (Anthony et Joe Russo) 

La fin d’une ère mieux réussie que Star Wars.

11. La femme de mon frère (Monia Chokri) 

Un talent prometteur qui épate.

Note : Les excellents Uncut Gems (frères Safdie), Kuessipan (Myriam Verreault) et Little Women (Greta Gerwig), tous les trois sortis en 2019, n’avaient pas été vus lorsque ce palmarès a été établi.

Peter Parker (Spider-Man brillamment interprété par Tom Holland) quitte New York et part en voyage scolaire en Europe avec enseignants, amis et collègues de classe. Les scénaristes Chris McKenna et Erik Sommers n’ont pas seulement concocté une très bonne intrigue de super-héros se déroulant sur le Vieux Continent, ils ont également écrit une histoire à la fois drôle et sympathique, avec de bons dialogues. En effet, il est plaisant de retrouver les personnages dans les différentes villes européennes entre les scènes d’action. À cet égard, une véritable chimie s’opère au sein du trio formé de Peter Parker, son meilleur ami Ned Leeds (Jacob Batalon) et son amoureuse MJ (Zendaya). Le protagoniste n’est donc pas obligé de revêtir son célèbre costume pour intéresser le spectateur, ce qui a pour effet de divertir le spectateur à plusieurs niveaux.

Tout d’abord, au niveau de l’animation et de l’aspect esthétique du film, c’est entièrement maîtrisé. Les mouvements de la caméra virtuelle sont dynamiques, les scènes d’action sont spectaculaires, les paysages sont splendides et les textures sont irréprochables. Aucun studio n’est en mesure de faire compétition à Pixar dans ce domaine. Ce n’est cependant pas cela qui surprend. En effet, il était prévisible que le standard esthétique mis en place par le studio américain dans chacun de ses films soit respecté. C’est plutôt le scénario qui surprend, car il est magnifiquement bien équilibré. Les scénaristes Stephany Folsom et Andrew Stanton ont pu prendre leur temps (ce 4e volet paraît 9 ans après le précédent) et ça paraît.

Les vieux personnages comme Woody, Buzz Lightyear ou encore, Jessie sont de retour, mais ce qui est intéressant (comme dans chacun des volets), c’est de découvrir les nouveaux jouets. La poupée Gabby Gabby est une vilaine à la fois méchante et attachante, les peluches Ducky et Bunny forment un duo comique hilarant et le cascadeur Duke Caboon est à la fois drôle et pitoyable. Surtout, l’ajout de Forky est intéressant. Il s’agit d’une cuillère-fourchette jetable transformée en jouet par la jeune Bonnie, car elle ne peut pas en apporter avec elle à la maternelle. Il deviendra son jouet préféré et ça démontre qu’un jouet peut provenir de l’imagination d’un enfant et être créé à partir de n’importe quoi.

Toy Story 4 marque également le retour d’un jouet présent dans le premier et le deuxième volet de la franchise, mais qui ne figurait pas dans le troisième opus (c’est expliqué) : Bo Peep, la compagne de Woody. Elle avait un rôle secondaire et effacé, loin d’avoir le charisme et le goût de l’aventure de son amoureux. Cette fois-ci, elle a évolué. Elle n’a plus de propriétaire, c’est-à-dire qu’elle n’appartient à aucun enfant, et elle est entreprenante, fait preuve de leadership et se mêle à l’action. Sa trajectoire scénaristique est donc beaucoup plus intéressante.

Finalement, si Toy Story 3 marquait la fin de l’ère Andy, le propriétaire des jouets, ce quatrième volet marque plutôt la fin de la quête de Woody, le plus fidèle des jouets. En effet, la franchise a démontré qu’il était attaché à ses propriétaires (Andy puis Bonnie) en retournant constamment vers eux et même, en convaincant les autres de faire de même. Cela dit, cette fois-ci, c’est différent. Il comprend qu’il n’est pas le jouet préféré de Bonnie et ainsi, que sa place est plutôt avec sa compagne Bo Peep. Cela donne lieu à d’émouvants au revoir entre Woody et les autres jouets. Un nouveau chapitre s’ouvre pour ce personnage.

Étant un grand admirateur de science-fiction, c’est l’aspect voyages dans le temps et plus particulièrement dans le passé qui m’a le plus intéressé. Bien sûr, on avait déjà vu cela dans des classiques comme Back to the Future (Robert Zemeckis, 1985), Terminator (James Cameron, 1984), 12 Monkeys (Terry Gilliam, 1995) ou encore, Looper (Rian Johnson, 2012).

Dans Avengers : Endgame, Scott Lang/Ant-Man réussit à sortir du monde quantique dans lequel il était prisonnier depuis la fin du film Ant-Man and the Wasp (Peyton Reed, 2018). Il suggère alors aux membres des Avengers restants la possibilité de voyager dans le temps pour récupérer les Pierres d’Infinité et ainsi annuler les actions du méchant Thanos. Tony Stark/Iron Man crée alors une machine leur permettant de faire cela.

Jusqu’ici, rien n’est original, les voyages dans le temps ont été explorés de multiples façons au cinéma. D’ailleurs, il y a plusieurs clins d’œil qui sont faits au classique Back to the Future. Cela dit, ce qui est particulièrement original, c’est la possibilité d’aller changer le cours de l’histoire de certains films de la saga. Je crois que ça n’a jamais été fait, du moins pas à cette échelle.

C’est ainsi que les super-héros se séparent et se dirigent vers le New York de 2012 (Avengers) et les planètes Asgard de 2013 (Thor : The Dark World), Morag de 2014 (Guardians of Galaxy) et Vormir de 2014 (en référence à Avengers : Infinity Wars, 2018). Ainsi, le film ne clôt pas uniquement une série de 22 films, il revisite également leurs univers et personnages (plusieurs étant décédés), ce qui crée de la nostalgie chez le spectateur. De plus, l’enrobage d’humour rend le tout véritablement efficace.

Bien sûr, il y a quelques incohérences, mais il ne faut pas bouder notre plaisir non plus…

The Rider de Chloé Zhao va encore plus loin dans ce concept. La cinéaste a rencontré l’étoile montante du rodéo Brady Jandreau dans le but de faire un film. Or, celui-ci s’est gravement blessé à la tête en pratiquant son sport entre temps. L’œuvre commence donc avec le personnage principal, nommé Brady Blackburn dans le film, qui enlève les pansements autour de sa tête. L’histoire porte ainsi sur ce jeune homme qui hésite entre redevenir l’athlète qu’il était ou encore, abandonner ses rêves pour ne pas nuire à sa santé. L’œuvre, bien que « fictive », est directement connectée à la réalité de l’acteur. De plus, sa famille et ses amis jouent leurs propres rôles, ce qui amène un aspect touchant au film. Sa jeune sœur autiste et son ami Lane Scott, devenu paralysé suite à un grave accident de rodéo semblable au sien, apportent une touche réaliste, mais aussi bouleversante rarement égalée.

Ces acteurs non-professionnels qui jouent leurs propres rôles dans Skate Kitchen et The Rider apportent un réalisme très intéressant à la fiction. Cependant, l’effet aurait pu être complètement raté s’ils avaient été mal dirigés, ce qui n’est pas du tout le cas. Il faut donc féliciter les deux réalisatrices pour leurs excellentes qualités de direction d’acteurs.

Les quatre courts métrages portant sur les aventures du chien Gromit et de son maître Wallace sont tous excellents (ils ont d’ailleurs tous été nominés pour l’Oscar du meilleur court métrage d’animation) et ce qui était particulièrement intéressant, c’était de constater l’évolution de l’animation et du savoir faire technique entre le premier et le dernier volet. Vingt ans se sont écoulés et on comprend l’ampleur du chemin parcouru par le studio Aardman : des balbutiements jusqu’aux longs métrages acclamés.  

Je constate surtout que le rythme a énormément changé.  En effet, dans le premier volet (A Grand Day Out), la cadence est lente, trop lente.  Plusieurs segments sont inutiles et le montage est trop lent.  Dans le quatrième court métrage (A Matter of Loaf and Death), le rythme est cette fois-ci trop rapide, trop d’actions se déroulent en même temps, ce qui fait en sorte que l’on décroche un peu.  Au final, les deux courts métrages les mieux rythmés sont le deuxième (The Wrong Trousers) et le troisième (A Close Shave) avec de l’action soutenue au sein d’une cadence suffisante et d’un montage efficace.  Ce n’est pas un hasard si ce sont ces deux films qui ont été oscarisés.

Cette année, le Festival Les Percéides a décidé d’introduire ce nouveau volet scolaire en développant un atelier de création de film pour des jeunes de 7 à 11 ans intitulé « Place au cinéma jeunesse à Percé! ». En tant que responsable, j’ai mis sur pied, assuré la logistique et supervisé cette formation donnée par le cinéaste québécois Jonathan Tremblay le 26 août dernier.

L'atelier a été un véritable succès et je suis très fier de vous présenter le film qui a été créé par neuf jeunes Gaspésiens talentueux.

Toutes mes félicitations aux jeunes participants et participantes! Au plaisir de se reprendre l’année prochaine!

Merci au cinéaste Jonathan Tremblay pour cette belle expérience!

Pour rendre la typologie que j’ai créée plus compréhensible, j’exemplifie chaque type de point de vue. J’analyse ainsi entre autres les franchises Metal Gear Solid, Resident Evil, Uncharted ou encore, Super Mario (voir l’image ci-dessus). Il s’agit donc d’une belle occasion de (re)parcourir ces œuvres au sein d’une réflexion théorique.

Je n’en dis pas plus, allez maintenant lire le fruit de plus de deux ans de recherche!

Bonne lecture et n'hésitez pas à me faire parvenir vos commentaires!

Beaucoup de films d’horreur nous montrent trop de choses.  J’aime souvent les 30 premières minutes des œuvres, car une certaine forme de mystère plane. Ensuite, on finit toujours par nous montrer le monstre, le fantôme ou encore, le tueur et à ce moment, je ne compte plus le nombre de fois où j’ai été déçu par ces apparitions.  

Selon moi, l’efficacité d’un film d’épouvante se trouve justement dans sa manière de conserver le mystère le plus longtemps possible.  Plusieurs ne seront pas d’accord avec moi, mais The Blair Witch Project (Daniel Myrick et Eduardo Sánchez, 1999) réussissait bien ce pari.  Qu’arrivait-il aux trois jeunes étudiants perdus dans les bois?  Étaient-ils attaqués par une sorcière, une secte, un tueur en série? Les questionnements persistaient à l’arrivée du générique, mais au final, on s’en foutait bien puisque la perte en forêt était le véritable élément de terreur.

Cela dit, le risque quand on ne divulgue pas grand-chose, c’est de rester sur sa faim en tant que spectateur.  C’est ce que certains ont reproché à The Blair Witch Project et c’est surtout, selon moi, le problème avec It Comes at Night.  Trey Edward Shults a tellement voulu créer un film étrange et particulièrement mystérieux que j’ai trouvé la fin peu intéressante.  

La solution se trouve donc dans le dosage et la recherche d’un juste milieu : divulguer au compte-goutte tout en satisfaisant les attentes du spectateur.  Très lourde tâche pour les cinéastes d’horreur, j’en conviens…