Notes of No-Te note.com

Documentary about Fabrizio Ventura´s last concerts with the Symphony Orchestra Münster

Martin Rummel: “Mich motiviert das Glück, mit sehr guten Musikern spielen zu dürfen, und mich darauf zu freuen. Dafür lohnt es sich, jeden Tag zu üben, um das, was ich kann, beizubehalten. Man kann dieses Zusammenspiel dann sehr schätzen, weil eine Ausdrucksmöglichkeit entsteht. Dass das so bleibt, ist mein Ansporn, und deswegen übe ich selber auch immer noch Etüden.”

Martin Rummel: „I am motivated by the great luck I have to be playing with very good musicians, and to be looking forward to that. It is worth playing every day to keep up what I have learned. One is able to appreciate playing together, because it offers a way to express oneself. It is my goal for it to stay like that, and that’s why I still practise etudes myself.“

Martin Rummel: “Je suis motivé par la chance que j’ai de jouer avec de très bons musiciens, et de m’en réjouir. Ça vaut la peine de s’exercer chaque jour pour garder le niveau que j’ai. On peut apprécier le jeu ensemble, parce que ça crée une nouvelle possibilité d’expression. Je souhaite que ça reste ainsi – et c’est pour cette raison que je joue les études moi-même. »

Video: https://www.youtube.com/watch?v=Xc4Abe372hs

„Ich mag das physische Gefühl der Tonerzeugung des Cellos. Es braucht ein sehr ganzkörperliches Gefühl um einen guten Ton zu erzeugen. Es ist zum Beispiel wichtig, was man mit den Beinen macht – entgegen weitläufiger Meinung. Außerdem umarmen wir ja unser Instrument auch gewissermaßen. Es ist wichtig, dass der Ton sich in unserem Bewegungsradius befindet, nicht außerhalb. Von da aus tritt der Ton eine Reise an – ins Mikrofon oder ins Publikum. Regers Solosuiten springen einen nicht an, man muss sie sich erarbeiten und auch das Publikum sozusagen vereinnahmen. Sie sind aber nicht nur schön, sondern für unser Instrument auch wichtig, weil sie nach den Bach- Suiten eigentlich die ersten Solostücke für Cello sind.”

“I like the physical feeling of producing the sound of the cello. You need your whole body to make a good sound. For example: It is important what you do with your legs – against most people’s belief. Cellists also literally hug their instrument. It is thus important that the creation of the sound is within the radius of our movements. From there, the sound starts traveling – into the microphone or towards the audience. Reger’s Solo Suites don’t explain themselves straight away, they have to be conquered and only then have a chance to win over an audience. In my view, they are not only beautiful but also important pieces of music, because they are the first solo pieces for cello after the Bach Suites.”

Video:

https://www.youtube.com/watch?v=CLr_9OhsM-w

„Ich habe eine sehr spezielle Beziehung zu Popper. Ich habe mich zwei Jahre intensiv mit den Popper Etüden befasst und sie fast zwanzig Jahre unterrichtet. Irgendwann wollte ich wissen, wer der Mensch dahinter ist – und ich weiß jetzt: Er war Weltklasse, ein musikalisches Universalgenie. Er hat im besten Orchester seiner Zeit gespielt, dann Weltkarriere als Solist gemacht. Er war ein unglaublich geistreicher und charismatischer Mensch. Popper war von Brahms, Tschaikowsky, Wagner und vielen anderen geschätzt. Anschließend an diese Karriere hat er am Ende seines Lebens fast nur noch unterrichtet und ein Streichquartett gegründet, mit dem er durch die Welt tourte. Er hat wie kein anderer unser Instrument beeinflusst, und tut es bis heute.”

“I have a very special relationship with Popper. I have studied the Popper etudes intensively for two years, and have taught them for almost twenty. At some point I just wanted to know the human being behind the music – and now I do: he was just great, a musical genius. He played in the best orchestra of his time, then he had a world career as a soloist. He was an incredibly intelligent, witty and charismatic person. Popper was respected by Brahms, Tchaikovsky, Wagner and many other famous contemporaries. At the end of his career, he mostly taught and, together with Hubay, founded a string quartet that toured the world. He has influenced our instrument like nobody else, and does so until today.“

“J’ai une relation très spéciale avec Popper. J’ai étudié ses études de manière intensive pendant deux ans, et je les ai enseigné pendant presque vingt ans. Je voulais connaître l’homme derrière la musique – et maintenant je sais: il était superbe, un génie musical. Il jouait dans le meilleur orchestre de son temps, puis il a fait carrière en tant que soliste. Il était une personne incroyablement intelligente et charismatique. Brahms, Tchaikovsky, Wagner et beaucoup d’autres l’appréciaient. A la fin de sa carrière il enseignait presque exclusivement, et jouait dans un quatuor d’instruments à cordes, avec lequel il faisait des tournées autour du monde. Il a influencé notre instrument comme peu d’autres, et il le fait jusqu’aujourd’hui. »

VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=ljEvNs7Hi0w

„Eigentlich ist die 6. Suite für einen Fünfsaiter geschrieben – es ist also eine Transkription für das viersaitige Cello. Dadurch hat es eine andere musikalische Stärke. Das ist einerseits das Tolle am Stück, aber auch die Herausforderung. Der Überschwang muss trotz des Transkriptions-Charakters rüberkommen. Die sechste Suite hat emotionale Höhepunkte genauso wie ganz dunkle Momente – alles ist drin. Sie ist wahrlich ein Höhepunkt, auch kompositorisch. Es fühlt sich so an, als ob Bach noch einmal alle Grenzen durchbreche. Wenn man alle Suiten nacheinander gespielt hat, ist das Gefühl nach der sechsten ein ganz Besonderes: als stünde man auf dem Mount Everest und schaue herunter. Auch das Publikum ist meistens ganz still danach.” 

“The sixth suite was originally written for a cello with five strings – it is really a transcription if it is played on a four-stringed instrument. This creates a totally different energy, which gives the piece its beauty, but also makes it a true challenge. Its exuberance must always be conveyed. The sixth suite has both emotional climaxes and very dark moments – it encompasses everything. It is a true highlight – also in a compositional way. It feels as if Bach was really pushing the limits right at the end of the cycle. Having played all six suites in one evening, you feel something very special at the end of No. 6 – like standing on Mount Everest, looking down. The audience is also usually very quiet afterwards.”

« La 6e suite a été écrite pour un violoncelle avec 5 cordes – c’est donc une transcription pour le violoncelle à 4 cordes. Elle a une force musicale différente, qui la rend belle, mais aussi difficile à jouer. L’exubérance doit être sentie à travers cette transcription. La 6e suite des sommets émotionnels ainsi que des moments très sombres – il y a de tout. C’est vraiment un grand moment – aussi d’un point de vue de la composition. C’est comme si Bach avait voulu transgresser les frontières à la fin. Quand on joue les suites du début à la fin, on a un sentiment très spécial après la 6e : comme si on avait escaladé le sommet de Mount Everest et regardait en-dessous de soi. Le public est aussi généralement très calme à la fin.»

Video: https://www.youtube.com/watch?v=0iIAOqVL9e4

„Die Suiten haben eine Dur-Moll-Dur Struktur. Aber sogar innerhalb der zwei Gruppen könnten die Suiten unterschiedlicher nicht sein. Die 2. hat zum Beispiel einen Schubert- Moll-Charakter. Da wo die fünfte tragisch ist, zeigt die Zweite, dass Moll auch ‚normal’ sein kann. Deswegen kommt mir Schubert in den Sinn: bei ihm ist Moll normal und Dur tut weh. Die Nummer zwei ist nicht furchtbar traurig, aber dennoch stark.”

“The suites have a minor-major-minor structure. But even within those two groups they could not be more different from one another. The second has a Schubert-like minor key character. The fifth is tragic, but the second shows that minor can also be ‘normal’. That’s why it makes me think of Schubert: for him, minor keys are normal and major keys hurt deeply. Bach’s Suite No. 2 is not terribly sad, but still very strong.“

 „Bei der ersten Suite geht es mir darum zu zeigen, wie Bach das macht, wie das Stück als Ganzes funktioniert. Es ist ja der Beginn einer Reise, auf die Bach uns mitnimmt. Ich finde die Einzelelemente eigentlich fast unwichtig – es ist wie Lego. Der Charakter, der am Anfang aufgebaut wird, darf innerhalb von diesen anderthalb Minuten nicht verloren gehen. Deshalb spiele ich es so, dass man den ersten Satz versteht, wenn man hinten ankommt. Wenn man es so spielt, dass man unterwegs Blumen pflückt, dann hat man den ersten Satz verloren, und das darf meiner Ansicht nach nicht passieren.”

 “When I play the first suite, it is important for me to show how the piece works as a whole right from the opening of the Prelude. It is the beginning of a journey that Bach takes us on. I find the structures of the single phrases almost irrelevant – it is like Lego: the whole is a sum of its parts. The character that is created at the start must not be lost in these one and a half minutes. That’s why I play it so that you understand the opening when you arrive at the end of the movement. If you are picking flowers on the way, the very first impression vanishes, and I think that should not happen.“

 « Quand je joue la 1ère suite, je veux montrer comment la pièce entière fonctionne. C’est le début du voyage auquel Bach nous invite. Je pense que les éléments singuliers ne sont pas vraiment importants – c’est comme le Lego. Le caractère qui est construit au début ne peut pas se perdre pendant la minute et demi qui suit. C’est pour cette raison que je le joue ainsi, pour qu’on comprenne la première phrase quand on a fini.. Si on le joue trop lentement, on perd la première phrase – et à mon avis, il faut éviter cela. »

Born in 1974, cellist Martin Rummel is not only the last pupil of the legendary William Pleeth, but also with over 40 CD albums on labels such as Naxos and Capriccio one of the most distinguished cellists of his generation. As a soloist and chamber musician he regularly performs with orchestras and at festivals and venues throughout Europe, Asia, Oceania and the Americas. Between 2000 and 2014, Mr Rummel held teaching positions in Germany and New Zealand and is, effective January 2016, Head of School at the School of Music at the University of Auckland. Mr Rummel is the owner and mastermind of paladino media (with the labels Kairos, paladino music, Orlando Records and Austrian Gramophone). For both his instruments, he uses strings by Thomastik-Infeld, Vienna.

Latest CD release: Divertimenti for violin and cello by Andrea Zani (with Lena Neudauer, violin). Capriccio C5264.

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Es ist erstaunlich, dass für die außergewöhnlich reizvolle und farbenreiche Besetzung des Zurich Ensembles – Klarinette, Violine, Violoncello und Klavier – nur wenige originale Werke existieren, dafür aber umso relevantere, wie zum Beispiel das Quatuor pour la fin du temps von Oliver Messiaen. Auf ihrer ersten CD verblüfften die vier Musiker des Zurich Ensemble mit einer symphonisch wirkenden Interpretation von Rimsky-Korsakows berühmtem Orchesterwerk Scheherazade in einer brillanten Transkription aus der Feder Florian Noacks und Benjamin Engelis, dem Pianisten des Ensembles. Auf ihrer neuen CD stellen die Musiker nun mit Messiaens Quatuor das Paradestück für diese Besetzung in den Fokus.

„Bei den Aufnahmen wurde die Einheit unseres Quartetts so richtig spürbar“, erklärt die Cellistin Pi-Chin Chien. Der französische Komponist schrieb das 50-minütige Quartett 1940 in deutscher Kriegsgefangenschaft. Ein substanzielles Werk von großer Tiefe, wie es nur von einem gut eingespielten Ensemble gemeistert werden kann – ideal also für die vier Musiker des Zurich Ensembles, die sich gleichsam in homogener Einheit wie farbenreicher Individualität in diese grossartige Musik einzufühlen verstehen. Dazu die Geigerin Kamilla Schatz: „Obwohl in einer verzweifelten Situation entstanden, verstehen wir das Werk als erhebend und voller Hoffnung. Es führt schlußendlich ins Licht, in die Erlösung, in den Trost.“

Ergänzt wird das Quatuor pour la fin du temps durch ein weiteres originales Werk für diese Besetzung: Volker David Kirchners Exil, geschrieben 1984, das Bluesrhythmen ebenso aufnimmt wie Klezmerzitate. Denn hier geht es vor allem um Rückzug, um Fremd-sein im eigenen Land, und um die Diaspora. Existenzielles zieht sich wie ein roter Faden durch das ganze Programm. Ergänzend und als spezieller klanglicher Farbtupfer nahm das Quartett eine 2010 entstandene Vertonung von Schöpfungsmythen mit dem Titel Am Anfang...Drei Versuche, die Welt zu erfinden auf. Der Schweizer Komponist Fabian Müller schuf 2015 eine neue Version für die auf dieser Aufnahme zu hörende Schweizer Sopranistin Christiane Boesiger und das Zurich Ensemble. Obwohl neu erfunden, sind die vom bekannten Schweizer Schriftsteller Tim Krohn verfassten Schöpfungsmythen  angelehnt an die teilweise grotesk-humoristischen Erzählungen der Urvölker über die Entstehung der Welt und der Menschen. Trotz ihrer Kürze stellen die drei Sätze durch das Alternieren von rezitierten und gesungenen Passagen hohe Ansprüche insbesondere an den Gesang, aber auch an das Zusammenwirken mit dem Ensemble.

„Das Zusammenspiel in der Besetzung des Zurich Ensembles ist deswegen für uns Musiker so außergewöhnlich inspirierend, weil wir alle, trotz einer gemeinsamen Entwicklung, auch immer unsere individelle Phantasie und solistischen Qualitäten einbringen können“, sagt Klarinettist Fabio di Càsola, der das Quartett Messiaens bereits vor vielen Jahren einmal aufnahm - „damals war ich aber noch ein ganz anderer Musiker!“ Im ständigen Wechsel zwischen dem Spiel als Solist und Begleitung ist die klangliche Balance eine große Herausforderung, die das Zurich Ensemble hervorragend meistert. „Man muss sich auf die Klänge des anderen einlassen können, was uns immer besser gelingt, je mehr wir miteinander arbeiten, weil wir uns als Musiker vertrauen“, sagt Kamilla Schatz.

Auf ihrer neuen CD führen die Musiker des Zurich Ensemble ihre Zuhörer auf eine faszinierende musikalische Reise in die Tiefen der menschlichen Existenz.

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Original compositions for such an unusually intriguing and colorful instrumentation as that of the Zurich Ensemble – clarinet, violin, cello and piano – are surprisingly rare. Those that do exist are thus especially relevant. On their first CD, the four Swiss musicians of the Zurich Ensemble captivated their audience with an interpretation of Scheherazade that felt, thanks to the custom-tailored adaptation by Florian Noack and Benjamin Engelis, who is also the pianist of the Ensemble, sinfonic. With their new album, the Ensemble casts off the aspect of transcription and instead ventures unto the original repertoire with Olivier Messiaen’s Quatuor pour la fin du temps, which can well be characterized as the principal work four this instrumentation.

“During the recording sessions for this CD, the unity of our quartet became very apparent”, cellist Pi-Chin Chien explains. The French composer wrote the 50-minute quartet in 1940, when he was a prisoner of war to the German army. It is a substantial work of extraordinary depth, one that can be mastered only by a very well-atuned group of musicians – and is thus ideal for the Zurich Ensemble, which manages to travel into the depth and essence of a piece despite – or rather because of – their heterogeneity, combining unity with colorfully rich individuality. Kamilla Schatz, violin: “Even though the Quatour originated in a desperate situation, we understand this work as a redemptive one. In the end, it does lead out into the light, to salvation and consolation.”

On the CD, the Quatuor pour la fin du temps is accompanied by Volker David Kirchner’s Exil, which was written in 1984 and takes up Blues rhythms as well as Klezmer citations: the piece evolves around ideas of withdrawal, of feeling like a stranger in your own land, and the Diaspora. An existantialist theme is woven through the entire album: The quartet also recorded a musical rendering of Tim Krohn’s creation myths by Fabian Müller, which Müller wrote in 2010 and re-worked in 2015 for the Zurich Ensemble and soprano. Though they are newly invented, the creation myths – or Attempts at inventing the world – hark back to the grotesquely humoristic stories of aboriginal peoples about the genesis of our world and the human race. Despite their brevity, the three movements, thanks to the alternation of recited and sung passages, put high demands especially on the vocal part - performed by Swiss soprano singer Christiane Boesiger, who is also an ensemble member of the Graz Opera House – but also on the cooperation and synergy of the Ensemble.

”The productions with the Zurich Ensemble are so incredibly inspiring for us as musicians because each one of us can, notwithstanding our common development, realize his or her very own ambitions and concepts”, says clarinetist Fabio di Casola, who has recorded Messiaen’s quartet many years ago – “but I was a completely different musician back then!” In the constant shift between playing as a soloist and playing the accompaniment, the individuality of each instrument poses a big challenge. “You need to be able to rely on the sounds of everybody else, which goes more and more smoothly with each day of working together because we trust each other as musicians”, says Kamilla Schatz.