Blog de Lou-Anne

Karel Martens est un graphiste et typographe néerlandais. Il travaille depuis 1961 en tant que graphiste indépendant. Il a réalisé des livres, des affiches, des timbres, cartes téléphoniques pour la poste néerlandaise et des façades typographiques pour des bâtiments. Depuis 1977 il enseigne le design graphique à l'école d'Arnhem (jusqu'à 1994) puis l'académie Jan van Eyck de Maastricht (jusqu'en 1999). Depuis 1997 il donne également des conférence à l'université de Yale. Il assiste aussi des étudiants en graphisme dans son atelier académique, le Werkplaats Typografie. Pour lui les obstacles dans la créations sont importants car ils offrent des solutions. Il renouvelle ses contraintes (budget serré, temps de séchage des encres etc..). Il repense à chaque fois la grille et le contenu de ses créations. Ses grilles sont souvent très colorés avec des formes de toutes sortes. Il joue sur les typographies en modifiant les formes des lettres.

Return of the Obra Dinn est un jeu vidéo crée par Lucas Pope paru en octobre 2018. Le joueur se trouve en 1807 dans la peau d'un expert en assurance en charge d'inspecter un navire, l'Obra Dinn, afin de comprendre les raisons de la disparitions de tout l'équipage en remontant dans le temps.

La grande particularité de ce jeu est ses graphismes. En effet les graphismes du jeu font références à de vieux ordinateurs monochromatiques datant des années 80. Le jeu est codé sur 1 bit donc il n’y a que deux possibilités de couleurs, ces 2 couleurs sont présentes en aplats ou pointillisme mais suffisent à donner l'ambiance très spécifique voulue par Lucas Pope. Ce graphisme permet de donner la sensation de voyage dans le temps et même si le style est très simple on a la sensation d'être en 1807.

Le jeu permet donc au joueur de choisir le style graphique qu'il préfère entre ces choix graphiques des différents ordinateurs:

- Macintosh

- IBM 5151

- Zenith ZVM 1240

- Commodore 1084

- IBM 8503

- LCD

Dans cet article je vais vous parler d’une de mes inspirations, Samuel Burgess Johnson. C’est un directeur artistique, un designer graphique, un photographe et évidemment un artiste.

Je l’ai découvert grâce à un de mes groupe préférés : The 1975. Il a réalisé pour eux des illustrations pour des pochettes albums ainsi qu’une typographie qui est actuellement réservée pour le groupe : la SüR typeface.

Typographie Typeface réalisée par Samuel Burgess Johnson

Illustration de l’album “ I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It “ de The 1975

Il a également réalisé une série de photos pour le groupe en mettant les titres des chansons en néon (du même album que l’illustration) dans des lieux qui représente la chanson ainsi qu’une campagne pour les concerts en Angleterre et aux Etats-Unis en prenant également un panneau néon “The 1975″ en photo sur un lieu proche de chaque salle de concert où ils se produisent.

Il n’a aucune connaissance en histoire du design ou de ce que les autres designers font. Il ne pense pas qu’il a un style particulier, il veut juste que ses œuvres soit esthétiquement plaisantes.

En dehors de son travail avec le groupe The 1975, il a également fait des réalisations pour Nike et Unilever.

Campagne pour Nike x Flextronics de Samuel Burgess Johnson

Malgré le fait qu’il ait beaucoup de domaines d’expression (peinture, photo, branding, design graphique...) il dit qu’il était obsédé pour le design graphique et il l’a vraiment exploré dans la fin de son adolescence.

Autres oeuvres :

The two pillars de Samuel Burgess Johnson (peinture)

Affiche avec les paroles de “Give yourself a try” de The 1975

Direction artistique pour la chanson “Get your Wish” de Porter Robinson

Photo intitulée “Renaissance” de Samuel Burgess Johnson

Vous retrouverez ici d’autre de ses oeuvres : http://www.samuelburgessjohnson.com/

L’épisode 1 d’Abstract : l’art du design nous présente la vie personnelle et le processus créatif de Christoph NIEMANN.

Il est originaire d’Allemagne, de Berlin plus précisément. Lorsqu’il va dans des musée il a la sensation que le monde peut être expliqué grâce la peinture à l’huile, c’est ce qui l’a motivé à aller en école d’art pour pouvoir créer cet effet. En 1977 il décide d’emménager à New-York. Il dit que 99% des personnes là-bas comprenaient son travail ce qui est étonnant pour lui car il vient d’un pays lointain avec une culture différente. Puis il retourne à Berlin où la phase de travail dans sa vie est la plus intense selon lui (il travail seul de 9h à 18h).

Son style: Actuellement pour lui il faut trouver le bon équilibre entre réalisme et abstraction. L’abstraction est le fait de se débarrasser de tout ce qui n’est pas essentiel et c’est pour lui le concept le plus important de l’art.

Son but:  Il veut créer des images qui font réagir ceux qui la voit, parler à travers les images, véhiculer des émotions et il essaie de se réinventer car le public et lui-même changent constamment.

Certaines de ses oeuvres :     - Il a réalisé 22 couvertures pour The New Yorker (un magazine américain publié 4 fois par an qui publie des reportages, des essais, de la critique, de la poésie, des bandes dessinées et des fictions). Tout le long de cet épisode on le voit réaliser une nouvelle couverture révolutionnaire pour The New Yorker : une couverture en réalité augmentée.

 Couverture faite par Christoph NIEMANN pour le magazine The New Yorker du 16 Novembre 2015                           

- Il nous parle également d’un livre qu’il a crée sur le fait de prendre le métro avec ses enfants

   Subway de Christoph NIEMANN, 2010                        

   - Il est à l’origine du Sunday Sketches sur Instagram : ce sont des petites compositions qu’il réalise qui mélangent dessins et objets réels.

Avis personnel : Christoph NIEMANN est une personne très intéressante qui a vécu beaucoup de chose dans sa vie et a une imagination formidable. J’adore le Sunday Sketches qui est une idée simple en soit mais très originale et qui a besoin d’une grande imagination pour transformer des objets de la vie quotidienne en œuvres d’art amusantes. Ses paroles mélangées avec des illustrations est parfait pour nous garder attentif tout au long de l’épisode. N’hésitez pas à aller voir l’épisode si ses réalisations vous intéressent et pour en découvrir plus sur son parcours, sa vie, ses méthodes de travail et le voir en plein processus créatif lors de la création d’une couverture en réalité augmentée pour The New Yorker !

Lien Netflix vers la série : https://www.netflix.com/fr/title/80057883

Lien vers son site : https://www.christophniemann.com/

Paula Scher est une graphiste et peintre américaine. Elle rejoins en 1991 Pentagram, un des studios de design les plus populaires actuellement, fondé en 1972 à Londres qui à collaboré avec de nombreuses marques comme 20th Century Fox, Mastercard ou encore Tiffany & Co.

Elle a étudiée à l’école Tyler School of Art pour obtenir un Bachelor of Fine Arts. Paula Scher débute sa carrière à Pentagram en tant que directrice artistique dans les années 70 et 80. Avant ça elle travailla dans une maison d’édition (Random House), dans des labels de disques (CBS Records et Atlantic Records) et co-fonde Koppel & Scher avec le designer Terry Koppel.

Ses identités visuelles pour les marques Citibank et Tiffany & Co. sont devenues des études de cas pour la régénération contemporaine des marques américaines.

Durant sa carrière elle a reçu des centaines de distinctions honorifiques et de prix.

Ses affiches sont en général constituées d’une typographie très grande, de couleurs vives et de visuels marquants. Elle s’inspire de différents mouvements artistiques tel que le Bauhaus, le Constructivisme et De Stijl mais les réinterprètes avec son style.

Maps de Paula Scher, 2011

The Brownstone de Paula Scher, 1973

L’antique Olive est une police d’écriture sans empattements crée par Roger Exocoffon (dessinateur de caractères) entre 1955 et 1971. Les premières  publications se feront en 1958 (Nord), en 1960 (italique) et 1961 (compact) , son but était d’imaginer la typographie de demain. Elle se décline en 9 variations (Light, Roman, Italic, Bold, Blakc, Bold condensed, Compact, Nord et Nord italic).

“Oublier tout ce qui a été fait et considérer ce que peut être pour nous l’alphabet en 1956. Je cherche en quelque sorte l’archétype, la représentation exacte de l’alphabet insconscient de chacun. Synthèse de tous les facteurs d’influences, [..], l’alphabet idéal.” Roger Exocoffon à propos de l’Antique Olive

Cette typographie allie un alphabet avec une esthétique fonctionnelle et non décorative ainsi qu’un confort pour la lecture.

Grapus est un groupe de graphistes qui eut une influence sur le graphisme en France et a l’international. Le groupe crée en 1970 comptait seulement 3 personnes au départ, Pierre Bernard, François Miehe et Gérard Paris-Clavel, puis en 1976, Alex Jordan et Jean-Paul Bachollet intègrent Grapus. En 1979 François Miehe quitte le groupe.

Les 3 fondateurs se sont rencontrés aux Arts-Déco en 1967. En 1968 le gouvernement décide de rassembler les membres enseignants du Bauhaus car il se rends compte que la France est passée à côté de ce mouvement. Les 3 se trouvent donc à l’Institut de l’Environnement, un lieu qui permet d’allier engagement politique et création artistique. Les opposants qualifient cet environnement de “Stalinien”,  le nom Grapus viendra donc de la contraction entre “Crapule Stalinienne” (Crap-Stal) et “graphiste”.

Ils décident de proposer des affiches dans des domaines avec peu de budget pour contrer “le doux poison de la publicité” et pour défendre les petits organismes.

Grapus a travaillé notamment pour l’arrêt de la guerre du Vietnam, pour l’identité visuelle de la CGT de Paris, a fait une campagne d’affichage pour le Parti communiste français et crée le logotype de la main ailée du secours populaire(1981).

Ils s’opposent au graphisme Suisse qui est minimaliste, respecte les règles et droit.

« En 1970, quand nous avons commencé à enseigner, nous voulions parler de tout, car nous étions portés par cette énergie de la connaissance des images, de la construction, de la déconstruction. Les Suisses ne parlent de rien. “ Pierre Bernard

En 1990 Grapus est retenu pour faire le logotype du Louvre à la suite de la réouverture de l’entrée du musée du Louvre. Cette commande signera la fin de Grapus car Gérard Paris-Clavel et Alex Jordan trouvaient que cette commande était contraire à leur engagement politique contrairement à Pierre Bernard et de Jean-Paul Bachollet.

Texte de présentation de Grapus lors d’une exposition à la Maison de la Culture à Grenoble, 1979

Affiche de l’exposition Musée de l’Affiche à Paris, 1982

Le coranto était le précurseur des journaux, il était remplit d'une compilation de publicités et comportait de l’information ainsi que des discussions philosophiques. Aux environs du début du 14e siècle c’était un système où les lettres de nouvelles et des discussions philosophiques étaient envoyées à un point central de collecte pour être regroupées et envoyées aux divers correspondants. La banque de Fugger avait un système organisé de collecte et d’acheminement des lettres, qui pouvaient souvent être vues par des étrangers. Ce système est resté jusqu'au 18e siècle. C'est au début des années 1600 que les corantos comportaient les première pubs grâce à l'imprimerie. Le terme "journal" est apparu en 1670.

Coranto datant du 2 Décembre 1620

Le coranto est apparu dans les Provinces-Unies au 17e siècle, en premier à Amsterdam qui était un lieu important d’échanges et où beaucoup de voyageurs se trouvaient, c’était donc un lieu stratégique pour des publications d’informations.

La chromolithographie est une technique d'impression lithographique inventé par Godefroy Engelmann en 1837.

Procédé : Le dessin est fait en miroir sur une pierre lithographique à l'aide d'un crayon gras. La pierre est ensuite humidifiée et l'imprimeur passe de l'encre grasse sur le dessin, l’eau repousse l’encre des parties sans dessin et l’encre grasse reste sur le dessin. On utilise autant de pierres que de couleurs nécessaires.

Pierre lithographique

Avant la chromolithographie, la colorisation se faisait à main nue comme par exemple avec les livres de médecine dans lesquels on retrouvait des représentations des corps schématiques mais très importantes pour la médecine, les couleurs étaient tenaces et vives.

Le jardin de la santé, 1497

La chromolithographie a développée les moyens de communications ainsi que leur aspect impactant. Au XIX ème siècle elle touche divers domaines, que ce soit le commerce (affiches,catalogues etc..),la religion, l'éducation (livres pour enfants illustrés, cartes géographiques etc...) ou autre.

Abstract : l’art du design, est une série américaine parue le 10 février 2017 sur la plateforme Netflix. Les documentaires sont réalisés par Scott DADICH.

La première saison comporte 8 épisodes et la deuxième saison sortie de 25 septembre 2019 en possède 6. Chaque épisode présente un designer et son domaine de création. Les domaines du design présentés sont très divers. Voici la liste de chaque épisode avec la personne présentée et quel est leur domaine de création :

Saison 1 :    Christoph Niemann : Illustration    Tinker Hatfield : Conception de chaussures    Es Delvin : Scénographie    Bjarke Ingels : Architecture    Ralph Gilles : Design automobile    Paula Scher : Graphisme    Platon : Photographie    Ilse Crawford : Architecture d'intérieur

Saison 2 :    Olafur Eliasson : Conception d'une œuvre    Neri Oxman : Architecture bioclimatique    Ruth Carter : Création de costumes    Cas Holman : Création de jouets    Ian Spalter : Design numérique    Jonathan Hoefler : Police typographique

Netflix nous présente cette série originale en 2 petites phrases : "Voyagez dans l'esprit des créateurs et designers les plus novateurs dans diverses disciplines et découvrez comment leur travail touche tous les aspects de notre vie."

Si cette série vous intéresse vous pouvez aller voir les bandes annonces des deux saisons ici :