Les Temps du luxe

Rien ne prédestinait Julie Decubber à devenir créatrice de bijoux et d’objets contemporains. Elle est, depuis peu, installée à Pantin avec ses trouvailles et outils dans un atelier baigné de lumière après plusieurs voyages et un an et demi à créer dans une yourte près de Nantes. Rencontre avec une créatrice bien alignée dans son activité, dont les bijoux ont la force de l’évidence et une présence singulière : celles de pièces uniques fabriquées à la main, souvent à partir de matériaux naturels trouvés-là et témoins de morceaux de vie.

« Plusieurs années ont été nécessaires pour mettre au point un système d’assemblage flexible et fabriquer des bijoux en céramique » 

Formation itinérante 

« On ne fait pas un voyage, c‘est le voyage qui vous fait, » disait Nicolas Bouvier. Et c’est grâce au voyage que Julie Decubber a appris et aimé fabriquer des bijoux. Après des études de communication et un premier séjour d’un an en Amérique du sud « pour voir du pays », elle découvre l’univers de la fabrication traditionnelle de bijoux et restera deux mois dans un village amazonien de l’Equateur. Le bijou est déjà cet ancrage local et culturel, ce support de paroles et de liens. Elle a une « révélation » sur les matières naturelles, qu’elle aime, cherche, ramasse et trie, comme ces turquoises trouvées au Pérou puis emprisonnées dans d’anciennes fioles de médecine homéopathique assemblées en un sautoir. Certains bijoux, comme ce sautoir, dont elle finit d’ailleurs par ne plus pouvoir se détacher, trop lié à un moment de sa vie ou témoin d’une étape d’un parcours, d’un voyage singulier. Car ses bijoux parlent. Et aimantent les souvenirs.

  Elle se forme ensuite au travail du métal et de l’argent (soudure, emboutissage, gravure) au sein d’un atelier d’hommes dans la région de Tiznit au Maroc. Quelques mois avant de partir, elle est tombée par hasard sur le travail de Gilles Jonemann, créateur de bijoux contemporains nommé maître d’art en 2004. « A travers l’écran, son travail m’a ébloui, » se souvient-elle. Après une première visite de son atelier, ils entretiennent le fil d’une conversation au gré des destinations que Julie choisit selon les savoir-faire qu’elle souhaite approcher. De retour à Bruxelles après un second long voyage en Amérique du Sud pour « faire différents stages en Argentine et revoir le village amazonien et les personnes qui m’avaient transmis le goût des bijoux », elle reçoit un coup de fil: Gilles Jonemann lui propose de devenir son élève pendant trois ans à raison d’une semaine par mois. « Le but était de développer les moyens d’expression à ma disposition. Il m’a surtout appris que c’est la technique qui répond à la création, jamais l’inverse. »

 Travail sur le dur et la céramique 

Chez Gilles Jonemann, elle apprend et cultive son attrait pour les matériaux déjà-là : rebuts divers, objets, verre et surtout céramique, cette matière dure et inaltérable qui donne aux bijoux une présence à perpétuité. Plus qu’une simple parure esthétique, le bijou devient témoignage. C’est là qu’elle expérimente ses premiers bijoux fabriqués à partir d’assiettes « de collection, parlantes ou simplement chinées, ces objets utilitaires ayant une part culturelle très forte. » 

Elle crée aussi, à partir de porte-couteaux en céramique des années 50’ découpés et montés sur chaîne argent, un épais collier en forme de poisson enfantin et drolatique, tandis qu’une « fraise » mêle de manière inattendue la céramique au tissage, métissant les savoirs-faire en donnant des airs massaï à ce col de tissu très porté par les classes fortunées aux XVIème et XVIIème siècle. 

  « Travailler à partir d’objets existants, c’est prendre le pari d’une transformation radicale. Grâce au savoir-faire, l’objet va passer d’usuel à digne d’intérêt ou exceptionnel. Cette métamorphose fascinante permet de décaler le regard sur le quotidien et de revaloriser un objet devenu banal. » Travailler avec ce qui est-là est aussi une manière de témoigner souci et bienveillance aux éléments naturels, sans recourir à l’utilisation de matériaux forcément précieux trop souvent responsables de catastrophes humaines, sociales et environnementales.

 Souvenirs à sublimer 

Son atelier a des airs de chez soi où mille choses ont pris place. Sous un apparent désordre, tout est méticuleusement rangé, comme ces quelques morceaux de bois ramassés au gré de promenades et triés par intensité chromatique. « Je crée souvent en classant et rangeant une accumulation d’objets trouvés. » Parmi les trésors en devenir, morceaux de coraux et pyrite sont en attente à côté de la machine diamantée à l’esthétique brute – celle qui permet de travailler les matières dures. « Le bijou est avant tout un moyen d’expression, un véhicule de sens portatif à faire voyager avec soi. Le bijou contemporain permet de s’affranchir des règles joaillières classiques, d’abroger la recherche d’une esthétique précieuse pour lui préférer une esthétique sans codes, en prise directe avec le sens que l’on souhaite donner. »

Cet intérêt pour les bijoux bavards, réminiscences de souvenirs, miroirs de rencontres, elle le décline parfois pour des créations à mi-chemin entre le bijou et l’objet. En témoigne ses petites suspensions précieuses contenant chacune « une chose ramassée ou cueillie lors d’une promenade. Ce sont comme des souvenirs glorifiés, des moments suspendus capturés. » Des “bijoux-écosystèmes” aussi, qui retracent le lien de l’artisan avec un lieu, une culture et un moment unique. 

Mais Julie sait aussi regarder vers l’avenir : elle vient d’être sélectionnée parmi une quarantaine de bijoutiers contemporains internationaux pour l’exposition « Loot : Mad about jewelry » au Mad Museum de New-York en mars prochain, et prépare en ce moment la Biennale Emergences à Pantin, du 13 au 16 octobre.

 http://www.juliedecubber.com/

https://www.facebook.com/bijouxcontemporains.juliedecubber/

 http://www.pole-metiers-art.fr/183-exposants.html

 Retrouvez les pièces de Julie lors de prochains évènements parisiens, sur rendez-vous à son atelier, sur son site internet (avec bientôt une boutique en ligne), et aussi à Bruxelles (Galeries Sabine Herman et « HD ») ou au Japon (chez « Bazar et Garde manger »)

Photos : Maud Bernos

Pénétrer dans l’univers de Sencha & Bourbon c’est entrer dans des camaïeus de couleurs, de cultures du monde et d’envies collaboratives. Incarnée par Paola, avec force, maturité et engagement, cette marque de foulards et autres textiles teintés naturellement, sédimente aussi en elle une éthique qui prends soin de l’Homme. « J’ai fait mes premières teintures quand j’étais étudiante à la Chambre syndicale. Un soir, j’ai essayé toutes les épices, les thés et les cafés de ma cuisine en les mélangeant à de l’eau bouillante salée. Le lendemain, j’ai été surprise de voir les tissus avec des couleurs différentes, souvent inattendues. » De cette première expérience naîtra quelques années plus tard Sencha & Bourbon, une marque née à San Francisco aujourd’hui installée à Paris.

« Personnaliser chaque foulard est un rempart à la sur-consommation »

Couleurs voyageuses, teinture inexacte

La subtilité des couleurs naturelles Sencha & Bourbon vibre et les dégradés tendres et feutrés en sont la marque de fabrique, des multiples chairs au vert d’eau. Pour faire naître ces couleurs moelleuses, presque intérieures, Paola utilise le café, le curcuma « dont la couleur varie d’une heure l’autre du jaune moutarde au jaune poussin », les graines de roucou pour obtenir « un orange tellement vif que personne ne devinerait qu’il s’agit d’une teinture végétale » ou le matcha japonais pour les verts d’eau, céladon. « Chaque ingrédient a une provenance spécifique choisie par le hasard d’un voyage, d’une rencontre, le souvenir de quelqu’un de cher ou un envoi amical : l’indigo vient de Russie parce qu’il me rappelle quelqu’un de très cher, c’est une amie qui me ramène du Bénin des fleurs d’hibiscus, ou ma mère qui dernièrement m’a envoyé du roucou depuis la Guadeloupe. »

Les paramètres de la teinture sont élémentaires : de l’eau entre 80 et 88 degrés saturée en sel pour que le pigment entre au fin fond de la fibre et reste après rinçage. Pour l’effet de dégradé, rien n’est calculé ni maîtrisé et c’est ce qui en fait la magie. « D’abord je plonge le tissu dans l’eau sans teinture pour en ouvrir les fibres, et au fur et à mesure j’ajoute la teinture, sans voir où j’en suis car tout cela est instinctif. » C’est cette incertitude qui exacerbe le désir de fabrication de Paola. Ces pigments naturels, elle les invite à s’exprimer sur des tissus les plus respectueux de l’environnement possible. « J’utilise une soie sauvage coquille d’œuf travaillée par un groupe de femmes en réinsertion à Istanbul, une viscose de bambou française, un cachemire portugais. Pour tous, je préfère développer une relation de confiance au producteur plutôt que me fier à un label qui n’est jamais parfait de A à Z. »

Attention et attachement

Chaque foulard Sencha & Bourbon est personnalisé avec les initiales ou le prénom de celui à qui il est destiné. «J’ai mis un an à comprendre pourquoi je tenais tellement à cette personnalisation ; car le foulard devient « mon » foulard, celui auquel je vais m’attacher jusqu’à devenir une extension de la peau. En fait cet attachement est un rempart à la sur-consommation », pointe Paola. Engagement personnel, Paola aimerait prochainement aller à la rencontre des producteurs de matières premières et des savoirs traditionnels qui utilisent les propriétés médicinales de certaines plantes pour que le choix des couleurs se fasse aussi selon des critères de bien-être.

A découvrir aussi à la Manufacture onirique, les sacs et la papeterie en cuir recyclé Sencha & Bourbon !

Sencha & Bourbon, La Manufacture Onirique: 4, rue Gérando 75009 Paris

https://fr-fr.facebook.com/SenchaBourbon/

Photos : Sencha & Bourbon

Texte : Tiphaine Illouz

Son atelier a des allures de laboratoire où l’agitation est remplacée par le calme des ébullitions intérieures. Celles de Morgane Fauvel qui a fondé il y a un an Fauvel, une marque de chaussures entièrement fabriquées ici par ses mains soigneuses après un parcours à l’Atelier Chardon Savart et un stage dans l’usine de Robert Clergerie à Romans-sur-Ysère. Au centre de l’atelier, une grande table rectangulaire où des tiges (parties supérieures des chaussures) s’impatientent, frôlant quelques modèles finis, notamment les derbys en cuir végétal dont les motifs à impression laser ont été crées avec l’illustratrice Noémi Schipfer. « J’ai toujours aimé les chaussures même si j’ai commencé par étudier la mode. J’aime le fait que ce sont des objets qui existent sans l’accompagnement du corps. »

« Tout fabriquer ici m’assure la possibilité de mener des recherches sur la forme, et une totale liberté de fabrication »

Fabrication : de cuir et de détails

Derbys ou sandales pour l’été, Morgane part souvent d’une forme de chaussure simple, presque classique, qu’elle épure– elle travaille sur des bottines en ce moment-, et y adjoints des détails de pliage ou la recherche d’impressions pour assurer à ses souliers une présence résolument contemporaine. « J’ai dernièrement travaillé sur des chaussures d’un seul tenant, des derbys, qui se fabriquent grâce à une seule pièce de cuir.» 

Morgane a choisi comme matériau unique de ses chaussures le cuir de veau résistant et sobre – y compris pour les doublures - afin que les pliages qui en dévoilent l’envers soient parfaits. Les éléments de la semelle (talon et semelle intérieure et extérieure), eux, sont en cuir de vachette pour assurer un maximum de résistance. Seulement trois machines à taille humaine assistent Morgane dans quelques étapes de la fabrication : une pareuse pour plier le cuir et le désépaissir (opération dite de refente), une machine à coudre le cuir, et une pour le polir. 

Pour se fournir en matières premières comme le cuir, elle a choisi des établissements pour l’essentiel situés en France, notament la tannerie Degerman en Alsace, Masure en Belgique ou Dupuis pour le cuir orange à Romans sur Ysère. Pour assurer plus de souplesse et de facilité dans la mise en forme manuelle, elle choisit des cuirs végétaux (traités sans chrome), plus souples, ou les moins traités possible. 

Et la feuille de cuir forme chaussure

Lieu de fabrication, c'est à l'atelier que Morgane fait naître chaque modèle (en tout plus d’une vingtaine) en le travaillant d’abord à plat avant de le monter en volume. « L’étape de patronage et de recherche est celle que je préfère. Je travaille d’abord avec des patrons en papier, puis je réalise un premier prototype en croûte de cuir sans semelle que j’essaie avant de faire quelques ajustements. Je ne passe ni par le dessin, ni par des fiches techniques, car je suis seule à dessiner et à fabriquer mes chaussures ». 

Dans une boîte en carton perchée dans les hauteurs de l’atelier, Morgane entasse quelques modèles de recherche qui n’ont pas encore vu le jour, notamment des bottines qu’elle doit bientôt reprendre, même si elle souhaite de plus en plus s’orienter vers des modèles de chaussures unisexes.

Le montage à la main: quelques étapes de fabrication

La feuille de cuir, qui constituera la tige de la chaussure (c’est-à-dire toute la partie extérieure, celle qui recouvre le pied) va être pliée, refendue pour que l’assemblage des cuirs soit parfait, et parcourue de coutures machine. Morgane ajoute ensuite trois points de couture manuels pour renforcer la résistance du soulier grâce à un fil de lin frotté contre un cube de cire. 

Ensuite ont lieu les étapes de mise en forme du cuir, où le cuir est imprégné d’eau chaude et clouté le long de la forme, de séchage (d’une nuit minimum), et de ponçage. Puis, vient l’étape de couture de la semelle avec la tige – le montage blake- que Morgane Fauvel réalise dans un autre atelier parisien possesseur de la machine. Enfin, reste à coller la semelle, et à poser la “première de propreté”, la fine semelle en contact direct avec le pied.

Pour le confort

Chaque couture est tapotée par Morgane au marteau arrondi pour éviter un frottement désagréable et améliorer le confort de la chaussure. « Le confort d’une chaussure se joue à plusieurs étapes: la souplesse du cuir choisi, l’endroit où placer les coutures, et le respect de quelques règles dans le patronage. »

Morgane Fauvel

http://atelierfauvel.com

Photos : Morgane Fauvel

Texte : Tiphaine Illouz

Biochimiste de formation, elle a fondé l’épidermologie en 1980, discipline fondée sur la connaissance en profondeur de l’épiderme. À travers sa fameuse « consultation », elle écoute les confidences de chaque peau pour leur assurer santé et éclat. Construction d’une philosophie de beauté en 4 actes. « Posséder la sérénité, c’est posséder la beauté »

« J’ai eu un chemin très long. Pendant des années, j’ai tiré des ficelles. Au bout de beaucoup, il n’y avait rien, alors je passais à une autre. Bien plus tard, j’ai réalisé qu’elles avaient tricoté un maillage dont la synthèse m’a permis de créer l’épidermologie » Peau du visage « Quelle est la partie de la peau qui souffre le plus ? ». C’est l’une des questions que s’amuse à poser Joëlle Ciocco à ses patients. La réponse ? le visage. « C’est à la fois la partie la plus active, et aussi la plus malmenée de tout le corps : exposée au chaud et froid, à la pollution, aux mains, aux portables, aux cheveux, aux cosmétiques. Et c’est aussi la partie la plus innervée puisqu’elle concentre 4 sens : la vue, l’odorat, l’ouïe, et le goût. » Vers l’Epidermologie – le déclic Quand elle finit ses études de chimie, la cosmétique se résume à 3 menus objectifs : respect d’un cahier des charges, non-toxicité, et reproduction d’un produit à grande échelle. « Un produit cosmétique, c’était uniquement du rêve, on ne recherchait pas son efficacité », résume Joëlle Ciocco. Elle fait alors la connaissance d’un dermatologue qui lui soumet une question, simple en apparence : « Si un produit appliqué à la surface de la peau n’a pas d’efficacité, alors comment considérez-vous l’allergie ? ». Or l’incompatibilité allergique souligne bien une réceptivité de l’épiderme au cosmétique, donc une action possible de celui-ci. L’ultime ficelle est là : prodiguer des soins adaptés, donc efficaces, nécessite une connaissance profonde de chaque peau pour en cerner la logique, et pouvoir la soutenir dans son processus de régénération, d’oxygénation, et d’auto-régulation. Ta peau tu connaîtras, ou l’éducation cutanée - philosophie de beauté « Sans un bel écosystème cutané, un anti-âge ne sert à rien, car la peau ne sera pas réceptive. » Avant tout le monde, et par l’observation, Joëlle Ciocco met à jour la formidable biodiversité cutanée - ou écosystème - de la peau. « La peau possède des défenses immunitaires naturelles (agents hydratants, vitamines, filtres protecteurs, et même antibiotiques). Chaque peau est unique et possède sa propre identité, c’est-à-dire son propre écosystème, fruit d'une histoire, de données génétiques, et d'un environnement de vie. » L’épiderme a une mémoire, et son équilibre naturel peut être altéré par la santé physique et psychique, des expositions solaires prolongées, des allergies, ou l’application de produits cosmétiques non-adaptés. « Pour avoir une peau en pleine santé, chaque femme doit utiliser le bon produit, de la bonne manière, et à la bonne fréquence. Or pour savoir ce qui est « bon », un décryptage préalable de son écosystème cutané est nécessaire.» Il faut 10 jours à la peau pour restaurer son écosystème (pendant lesquels des boutons peuvent apparaître), et 28 jours pour une « résilience » complète. Avec une attention particulière aux ennemis bien connus de la peau, dans l’ordre: le soleil, le tabac et l’alcool. « Finalement, l’éducation cutanée se résume à nettoyer méticuleusement la peau, la nourrir de manière juste, lui laisser le temps, et la soutenir quand elle en a besoin. Ensuite seulement, on peut la renforcer et la booster avec des actifs anti-âge.»

Il est philosophe par études, et urbaniste par affinités. Créateur du Mama Shelter, ré-activateur des Docks en Seine, il aime la nuit, mais cultive aussi l’introspection, et milite pour des projets au long cours. Rencontre avec Cyril Aouizerate au MOB, le restaurant de burgers végétaliens qu’il a crée, juché sur la Seine, côté Docks.

« J’invite toute personne à travailler plus silencieusement sur des choses réelles »

Homme des villes à l’âme contemplative

« Mes enfants ne savent pas expliquer ce que je fais », s’amuse Cyril Aouizerate. C’est que l’homme résiste, avec panache, à l’épreuve de la case. De ses projets, il dit qu’ils concrétisent une réflexion, un état du monde. Après le Mama Shelter, hôtel urbain et restaurant (à Paris, Marseille, Istanbul, Lyon et Bordeaux), et la création du MOB à New-York et Paris, il planche désormais sur un hôtel en forme de monastère laïque. Les chambres (autour de 50 €/nuit), seront d’un confort essentiel, presque monacal, avec restaurant végétalien et excellent matelas. « Autour de l’hôtel, un cloître invitera les résidents à déambuler en dehors de l’agitation de la ville, tout en étant immergé dans un urbain extrêmement fort. Biensûr, il n’y aura pas de télévision dans les chambres. » Cet hôtel introspectif, qui verra le jour à New-York et Paris, instaure une double nécessité ; celle de s’extraire du monde, pour mieux le penser, en même temps celle d’être dans le monde réel, bouillonnant et urbain. Alchimie explosive et productive entre solitude active et vibrations énergétiques.

S’extraire du monde pour penser…

Avant tout, Cyril croit aux vertus du travail solitaire, distingue le « faire » et l’« être », et croit aux forces motrices d’un projet réunissant dans son creuset plusieurs individualités. « Depuis la fin de la guerre, il est très difficile de citer un personnage qui a marqué son temps. Or Gandhi, avec trois proches, a libéré un pays sans téléphone, et sans réseau social. Je veux rappeler qu’il n’y a rien de plus puissant que deux ou trois personnes proches qui s’unissent pour faire un projet. Cette force créative est infiniment plus forte que 3 millions de like ou d’amis sur facebook. C’est là qu’il faut mettre toute son énergie, non dans l’existence virtuelle. » Chaque nouveau projet démarre d’une réflexion approfondie, et d’un temps non compressible de recherche pour en épuiser tous les aspects, condition de son appropriation. C’est de ce terreau qu’une conviction, émerge, parfois accompagnée d'un puissant changement personnel.

« Le véganisme était très loin de ma culture d’origine, et j’ai été carnivore pendant longtemps. Avant de créer MOB, j’ai travaillé sur le sujet de la viande de manière factuelle, philosophique, et historique. Il s’agissait de comprendre pourquoi l’Homme croit qu’il doit manger de la viande. En réalité, la consommation de viande tire son origine d’une dimension sacrificielle, non d’une nécessité. Et une humanité qui décide de ne plus se nourrir d’êtres vivants, c’est un saut qualitatif qui pose la question de nos droits et de notre responsabilité : quel est notre droit légitime à tuer des animaux ? Il est aussi intéressant de constater qu’une mauvaise nourriture pour le corps, l’est aussi pour la planète. Ne pas me nourrir d’êtres vivants me procure une joie absolue, alors pourquoi ne pas être heureux quand on peut le faire par des choses assez simples ?»

…au cœur du merveilleux chaos urbain

Toulouse

De son enfance passée dans le quartier du Mirail à Toulouse, « ce qu’on appelle aujourd’hui une cité, mais à une époque où il y avait de la joie de vivre », il garde le souvenir d’un bonheur mâtiné de mélancolie. « J’ai eu une enfance superbe, très simple, et pleine d’amour. Mes parents s’adoraient, je me sentais aimé. Ça peut paraître rien, mais c’est beaucoup au début d’une vie. Une certaine sonorité mélancolique a aussi baigné mes jeunes années, entre le départ d’Algérie, et la musique arabe et judéo-andalouse. Mais, j’ai compris que ce n’était pas un handicap. Accepter d’être humain, c’est d’abord accepter sa sensibilité ».

New-York

La seconde ville, profondément inscrite en lui, est américaine. À 17 ans, un voyage organisé le propulse, avec un ami, au cœur de New-York, version « underground ». Logés à Brooklyn, chez une famille juive orthodoxe, ils en épousent le rythme frénétique, fuguent tous les soirs pour ne rentrer qu’à l’aube. « On a débarqué à New-York comme des dingues. J’ai découvert la culture américaine, la littérature beatnik (Kerouac, Allen Ginsberg,Charles Murdoch), et la littérature afro-américaine, notamment avec Pimp, de Slim Iceberg. En 1987, New-York bouillonne et n’est pas très sécurisée : le tag s’installe, et le hip-hop est à l’apogée de ses fondateurs. On assiste même à un concert de Notorious Big dans une cave. Ces deux mois auraient suffi à ma vie ».

Monde réel, monde spirituel

Déjà étudiant en philosophie, il décide de continuer, et consacrera son doctorat à la notion d’idôlatrie. Il arrive à Paris en 1995, y débute une courte carrière d’enseignant à la Sorbonne. « Je n’étais pas très heureux au sens propre, je n’étais pas fait pour enseigner. Mes étudiants, pour la grande majorité, étaient là parce qu’ils n’avaient pas pu aller ailleurs. Ce désintérêt total m’irritait, ayant moi-même une fascination pour cette lecture de la vie. ». C’est à une conférence de philosophie qu’il croise Alain Taravella, à la tête du groupe Altarea-Cogedim. Les deux hommes sympathisent ; Alain Taravella aime sa manière de voir le monde, et lui confie des dossiers pour les penser différemment (notamment Bercy Village). Leur collaboration durera jusqu’en 2001, puis Cyril crée Urbantech, une structure pour développer des projets urbains complexes.

 S’il refuse toute forme d’idolâtrie et de rituels, il est favorable à l’idée de « marché spirituel » . « Je croise des méthodes ancestrales, extrêmement fortes, notamment la méditation tibétaine, que j’essaie de vivre avec ma propre identité. J’ai un attachement spirituel très fort pour la capacité qu’a le bouddhisme tibétain à se détacher, à lâcher-prise, à faire preuve de compassion, et à ressentir la joie. Mais je suis trop dans l’abstraction, dans la conviction qu’il faut un saut qualitatif dans l’absence de vision, et dans le travail solitaire, pour m’enfermer dans des rituels définis ».

« Exister, c’est exercer son métier d’homme : prendre le temps d’être actif face au monde, et se poser des questions pour avancer. Chaque homme a ce travail à accomplir. » Être intranquille face au monde, ne jamais figer les choses pour leur préférer le mouvement de la vie, faite d’une fabuleuse impermanence, où l’action se nourrit de réflexion, la contemplation d’agitation, la joie de peines, la ville de vie… Réjouissons-nous !

Principes à emporter :

Ne pas avoir peur, et savoir prendre des risques. « À plusieurs moments de ma vie, le personnage du Christ m'a beaucoup aidé, et m’a permis de surmonter ma peur, de ne pas me mettre la pression bêtement. Au pire des cas, il y a toujours des gens proches pour vous offrir un lit, et à manger»

Processus de projet = recherches ouvertes sur tous les aspects d’un sujet + culture d’une conviction + exemplarité/appliquer à soi-même  + se battre pour

Ne pas oublier que rien n’est plus puissant que deux ou trois personnes qui décident de s’allier et de faire un projet. 

Vivre et s’extraire : « dans les moments où je le décide, je ne réponds pas au téléphone. Je refuse de confondre le fait de faire des choses, et de se poser pour penser.» Ou l'art de « s’arracher à l’urgent pour prendre une bouffée d’important » (Christophe André, Les Etats d’âme).

Apprendre à lâcher-prise : « accepter les situations de la vie, c’est devenir plus fort. L’agressivité, la haine, la bêtise ou la méchanceté sont orphelines dès lors que tu affiches un visage souriant » 

Découvrir ce que chaque homme porte en lui, et ce qu’il peut en faire, prend du temps

Quelques lectures recommandées par Cyril Aouizerate :

Le livre de l’intranquillité, Fernando Pessoa. « On peut créer une religion à partir de ce livre fascinant.» 

Pimp, les mémoires d’un proxénète, Iceberg Slim

Les philosophes  Yeshayahou Leibowitz, Maïmonide, Levinas et Spinoza

La philosophie marxiste, et notamment Toni Négri et Karl Marx 

Cyril Aouizerate/ Urbantech

http://www.cyrilaouizerate.com/

Photographe : Maud Bernos

http://www.maudbernos.com/

Charlotte Rivière a crée la marque Charlotte Sometime en 2008. Pour fêter ses 5 ans, elle nous ouvre son univers de création : où la maille révèle des traversées islandaises, la musique est inspiration quotidienne, et le Made in France d’une évidente proximité. 

"J’aime les choses qui se font avec du temps" 

Racines.

« J’ai grandi à Denée, un village très proche de la nature à côté d’Angers. Juste derrière chez moi, il y a une forêt et une rivière où pousse ma fleur préférée, la fritillaria meleagris.» Parfois appelée tulipe sauvage, cette plante herbacée protégée donne une fleur unique aux larges clochettes mouchetées de blanc, entre rose violacée et pourpre lumineux. Elle porte en germe l’univers de Charlotte : couleurs en clair-obscur, et proximité intime avec la nature brumeuse de la Vallée de la Loire. « Je suis fascinée par les animaux de la nuit, les marais, le ciel étoilé, la brume sur l’eau, la danse des chauves-souris à la tombée de la nuit. Toutes mes collections sont liées à ça.» 

Coeur.

Après une prépa art, et une école de mode pendant deux ans, elle a une « révélation » lors d’un stage de 4 mois chez la créatrice Mélodie Wolf, spécialiste en maille. « Je m’en souviens comme si c’était hier. Elle a ouvert un colis avec un Teddy en maille et un motif jacquard dans le dos. C’était magique d’avoir dessiné son propre motif, et de le retrouver sur un vêtement. » Une grand-mère couturière lui a appris le crochet, puis elle s’initie au tricot à l’école, et grâce aux livres. « La maille nécessite une étape de création supplémentaire, le choix du point, ce qui donne tout la liberté. Car d’un fil, je peux choisir un point jersey, mousse, jacquard, torsade etc.» Pour certaines pièces en tricot, c’est Charlotte, elle-même, qui réalise prototypes et production.

Sources.

Chaque saison, la nature vivante se mêle au dessin, le deug en sciences de la vie et de la terre, au crayon. Dessinés par Charlotte, les tee-shirts aux têtes d’animaux (ours, chouette, guépard, zèbre…) incarnent un bestiaire vital. « Ma seconde grand-mère était peintre, et je dessine depuis toute petite. Avant d’arriver au dessin définitif, je fais beaucoup de recherches. Mais le premier dessin est très souvent le bon.»

Pour créer ses collections, Charlotte part souvent d’un thème, d’un tissu, ou d’une envie de voyage. « La collection de l’hiver 2013, Artic, s’inspire directement d’un roadtrip en Islande. Chaque nom de pièce se rapporte à un lieu. C’est un pays d’une beauté à couper le souffle, qui m’a inspiré des couleurs, des matières.» 

Pull Svartifoss - Paysage Jolulsarlon, Islande

La collection de l’été 2012 était née d’une parole de chanson des Raveonettes, « I want a slice of LA sun ». « L’album entier m’avait énormément inspiré. Je m’imaginais au volant d’une voiture décapotable aux Etats-Unis, sous la chaleur, et sans personne à droite, ni à gauche.» Et pour Charlotte, la musique est essentielle. « Je travaille toujours dans une ambiance musicale que je choisis. En période de création, j’ai 3 à 5 cd qui passent en boucle. Le reste du temps, j’écoute des nouveaux groupes, je m’informe longuement, et sors énormément dans les salles de concerts.» Son terreau musical d’origine, rock – de Bauhaus à The Kills en passant par The Smiths – est devenu plus éclectique, prenant des tonalités pop, folk, et électro, avec Youth Lagoon, Mount Kimbie, et Nisennenmondai. En Islande, Olafur Arnalds et Sigur Ross étaient ses compagnons de route, porteurs du génie du lieu. « Face aux paysages d’Islande, leur musique tombait sous le sens. Elle retranscrivait le temps distendu, et la sensation d’être tout petit face à la nature et au silence.»

Pull Askja - Paysage Gullfoss, Islande

Terrain.

« La mode est dans un rythme trop rapide. Je rêverais de faire une seule grosse collection d’hiver. Le reste du temps, vivre, voyager, et s’inspirer.» Juste temporalité pour des justes productions avides de détails, et de courtes distances. « Toutes mes pièces sont faites en France, sauf la maille tricotée en Roumanie. Je refuse d’arriver à une surproduction puis à une surconsommation qui n’aurait plus aucun sens.» Son vestiaire personnel est mince, composé de pièces affectives choisies avec minutie. « J’ai la même veste Vanessa Bruno depuis 4 ans, quelques vêtements de mes collections, et d’amies créatrices : Eple & Melk, Suzie Winkle. Tous sont faits à partir de matières de qualité, dans lesquels je suis à l’aise ». Depuis 2008, elle travaille avec les mêmes fabricants. «Ce sont des partenaires, et non des fournisseurs. Sans eux, la marque n’existerait pas.». Ou quand la mode, nourrie d’une certaine vision du monde, s’enracine simultanément dans des proches paysages. 

 Charlotte Sometime

http://www.charlottesometime.com/

Photographes :

Portrait de Charlotte Rivière : Maud Bernos http://www.maudbernos.com/

Collection Artic, Charlotte Sometime, hiver 2013 : Gregoire Voevodsky (pull Svartifoss et pull Askja)

Paysages de Denée, d'Islande, dessin et maille : Charlotte Rivière

Son atelier provisoire de poteries et céramiques artisanales est ouvert depuis septembre 2012. Il offre une vitrine minimale et poétique, des formes fragiles et des couleurs douces. Elle nous éclaire sur son quotidien de céramiste, fait de surprises et de dialogue avec la matière. 

« L’art de la céramique, c’est l’art d’apprendre à respecter le temps. Ne pas savoir le prendre, ou vouloir le contourner, et vos pièces seront ratées »

Ce jour-là, elle coule les dernières suspensions lumineuses en porcelaine Chari-Vari, dessinées par Margaux Keller, designer. « À partir de ses dessins, j’ai fait fabriquer 2 moules à Limoges. Chaque suspension est ensuite passée dans l’atelier pour les étapes de production : coulage, modelage, finitions et cuissons. Je ne me rendais pas compte de l’aventure ; cela fait un an que je produis ces pièces ». C’est pour honorer cette commande qu’Olivia a acheté un four, et s’est installée ici, dans le local d’une amie céramiste et bricoleuse. Jusque-là, la poterie, qu’elle pratique depuis 8 ans, était un hobby. En parallèle de cette commande, elle décide de produire et de vendre ses créations céramiques. 

Avant la céramique, sa pratique créative l’emmenait plutôt du côté de la peinture et du dessin, là où la liberté est seule maîtresse. Après des études aux Beaux-Arts de Nice où elle se spécialise en peinture et couleurs, et une fac d’arts plastiques à Aix-en-Provence, Olivia arrive à Paris en 2000. Elle commence tout de suite à travailler pour le cinéma, en tant que peintre en décor. Puis, elle devient restauratrice dans les Monuments historiques, formée directement par un restaurateur. « Je partais restaurer des fresques dans des églises, au fin fond de la Corrèze, ou de la Creuse. On travaillait en plein hiver, au milieu des courants d’air, et j’étais toujours en vadrouille sur les chantiers. Le travail était super, mais avec des enfants, je n’en pouvais plus de tout le temps bouger ». Et la création lui manque. La céramique est un entre-deux intéressant : « La création n’est pas aussi libre, car la matière décide un peu, mais je m’exprime dans les couleurs, et j’arrive à trouver des formes intéressantes ». Pour la première fois de sa vie, elle fait des choses utiles, essentiellement des contenants: bols, saladier, pots, photophores, assiettes, petites coupelles d’art floral d’inspiration japonaise… Ses matières premières sont la porcelaine, la porcelaine brute, et la faïence, qu’elle tourne, moule ou imprime (les assiettes, par exemple, sont imprimées, c’est-à-dire que la plaque de terre est formée sur une assiette existante). La faïence est une terre cuite à 980 degrés, donc plus fragile que la porcelaine. La porcelaine, cuite à 1250 degrés, est plus résistante, et vitrifie.

« Je travaille plus la porcelaine que la faïence, car il y un côté aléatoire, et c’est une matière à mémoire de forme». Terriblement humain et poétique, ce matériau conserve la mémoire des chocs emmagasinés. « Si je cogne un bol en porcelaine au moment de le sortir du tour, et que je lisse le bol, le coup reviendra quand même à la cuisson ». Grande matière, petit créateur; si le créateur apprivoise, la matière échappe. « C’est aussi ma manière de travailler. Je laisse libre cours à la matière, puis j’accentue son penchant. Je n’ai pas envie de sortir des pièces parfaites. Mon mode d’expression passe par l’imperfection. L’accident donne une part de magie où l’esthétique s’installe». Elle aime employerla porcelaine brute, une porcelaine moins épurée, grainée, avec des petits défauts, et ponce très rarement ses pièces ; une petite éponge humide suffit à les lisser.

« Quand je fais une pièce, je ne sais pas ce que ça va donner. C’est ce qui m’excite beaucoup dans la céramique, j’ai toujours hâte d’ouvrir mon four ! ». Loin d’être une science exacte, chaque cuisson recèle son lot de surprises : une forme initiale qui réapparaît, ou les effets aléatoires de l’email, cette matière que l’on applique après une première cuisson. « L’émail travaille comme il veut, et prend une couleur différente selon le degré de cuisson. Un rouge sera noir ou blanc s’il n’est pas cuit à la bonne température ». Là où beaucoup de céramistes tiennent des cahiers avec des températures précises, et les photos ou échantillons des rendus correspondants, Olivia préfère le hasard, et la magie des humeurs de la matière. 

Pour créer une petite série de bols moulés en faïence rose teintée dans la masse, et émail ivoire satin, le temps se décompose ainsi : « Le modelage des pièces, au tour, prend environ 20 minutes. Puis, je les laisse sécher pendant 1 journée. Le lendemain, une quinzaine de minutes sont nécessaires pour faire des petites finitions. Première cuisson. Il faut ensuite relaver les pièces, parfois les poncer, avant d’appliquer l’émail, et effectuer la seconde cuisson. Entre la naissance de la série, et la série finie, c’est une semaine qui s’est écoulée » 

Olivia a choisi d’apprendre en empruntant le chemin de l’expérience. « Il faut faire ses classes, être humble. La céramique sait très bien vous rappeler que vous êtes jeune dans le métier. Quand on brûle les étapes, on risque de perdre ses pièces. J’ai déjà jeté des fours entiers, avec des pièces totalement ratées, fondues… ». Pour définir son style, elle parle de formes rondes, simples, avec quelque chose de naïf. Seul angle droit, sa signature, « le O d’Olivia, dans un carré. Je signe avant la première cuisson, quand la terre est encore molle, mais parfois j’oublie ». Elle crée toujours en musique, beaucoup de « folk dépressive », et a effectué plusieurs voyages imaginaires au Japon ; la veille, une japonaise entrée dans l’atelier, a nommé l’une de ses mini-séries de bols (en porcelaine et email bronze) « petites pierres que l’on tient dans la main ». Elle a pensé toute la nuit à la beauté, et à la justesse de cette expression. Dans son prochain atelier de céramique, elle dispensera aussi des cours, où l’on apprendra sans doute que pour créer, il faut savoir se départir de ce que l’on a appris.

Olivia Marie

Poteries et céramiques artisanales

14, rue Ternaux

75011 Paris

http://www.oliviamarie.fr/olivia_marie/_accueil.html

Photographe (2 portraits) : Maud Bernos, http://www.maudbernos.com/

Crédits photographiques céramiques : Olivia Marie

Créatrice de la marque Stella Pardo, Cynthia Guerrero est la plus parisienne des péruviennes. Tout près de la Place de la Madeleine, où elle a son showroom, elle nous raconte les racines de sa marque autour du Pérou, de la maille faite main, et d’une généalogie de femmes.

« Un pull nécessite entre 2 et 3 jours de travail »

Enfant, elle accompagnait sa mère dans les ateliers de production de textile au Pérou, « ma mère y avait 7 ateliers, et elle m’emmenait toujours avec elle. C’est comme le Sentier, mais en beaucoup plus grand. J’étais fascinée, c’était mon Disneyland à moi ». Son attirance pour le textile est née, et son envie de travailler dedans aussi. Cynthia a 10 ans quand elle arrive en France. Première génération d’immigrés oblige, elle apprend le français, et intègre le discours familial de réussite. « J’ai grandi avec l’idée que pour s’intégrer, il fallait faire des études. J’ai appris le français, fait une prépa HEC, puis une école de commerce. Il fallait donner l’exemple ». Elle travaille pendant 4 ans au service médias d’un grand groupe de luxe français pour « faire ses preuves ». Parcours exemplaire, qui permet à Cynthia d’être libre, et de renouer avec sa fascination de petite fille pour le textile.

À l’été 2009, elle réfléchit à un projet pour relier ses deux pays de coeur, le Pérou et la France. « J’avais envie de mettre en valeur le superbe artisanat péruvien, et de montrer que le Pérou ne se résumait pas au Machu Picchu, à la salsa, et au ceviche ». À ce moment-là, le cachemire perd de sa superbe, alors que le douillet baby alpaga est encore très peu connu en France. Passionnée de mode, elle crée Stella Pardo, une marque fondée sur la maille artisanale et les belles matières quasi exclusivement péruviennes : Alpaga et Baby Alpaga pour l’hiver ; coton Pima mercerisé pour les tricots d’été. Ou le mariage d’un savoir-faire ancestral et de l’élégance parisienne. Elle signe sa première collection de 15 pièces en janvier 2009, et gagne, dans la foulée, le Concours International des Jeunes Créateurs du Who’s Next. 

Mais comment créer des vêtements sans être styliste ? « Le modélisme s’apprend, c’est de la technique. Le stylisme, c’est quelque chose que tu as en toi, un peu comme les cuisiniers. Les chefs ont un goût, ils savent qu’en associant safran et cumin, le plat sera bon. J’ai un rapport particulier avec la maille. Je vois les couleurs, les différents fils, les mélanges de textures, et j’arrive à imaginer ce que l’habit va rendre, ça vient comme ça. ». Pour se faire comprendre, elle dessine, et surtout, ajoute une description très précise pour chaque modèle développé.« La plus grosse qualité d’une personne, c’est de connaître ses défauts. Je connais mon handicap, du coup je me démène pour faire comprendre mon idée, encore plus que n’importe quel styliste ». Le résultat est là : parfois, un seul prototype suffit, et dans tous les cas, jamais plus de trois essais sont nécessaires pour le réussir. Pour le point du châle Malena, elle a emmené une tricoteuse au parc pour observer la fleur dont elle voulait s’inspirer.« Quand je les vois tricoter un échantillon tout en me regardant, et qu’au bout de quelques minutes, c’est exactement ce que j’avais demandé, c’est comme un tour de magie ». 

Châle Malena

Pour la fabrication, ce sont cinquante mères tricoteuses qui travaillent aujourd’hui pour Stella Pardo. Quelques tricoteurs, aussi, qui utilisent des « machines manuelles ». Recrutées pour leur dextérité et leur rapidité d’exécution, elles excellent dans l’art de créer des points de tricot. « Au Pérou, tout le monde tricote. Le plus souvent, Ce sont des mères célibataires qui travaillent chez elles, et vivent dans des conditions difficiles. Elles n’ont, pour la plupart, aucune pension alimentaire, et c’est quelque chose qui me touche beaucoup. J’ai moi-même été élevée seule par ma mère, avec ma tante et ma grand-mère. Je suis très admirative du courage de ces femmes ».

Stella Pardo, c’est aussi la rencontre de deux constellations de femmes ; les mères tricoteuses, mais aussi les trois femmes les plus proches de Cynthia : sa mère et sa tante, qui travaillent aujourd’hui avec elle, et sa grand-mère. Le nom de la marque est un hommage à cette dernière, celle qui a appris à tricoter à tous ces petits-enfants, et qui lui donnera sa maison pour ouvrir son atelier. « Elle s’appelle Laura Stella, et son deuxième nom de famille était Pardo. C’est aussi le nom de famille de son cousin préféré, avec qui elle a fait les 400 coups. Elle venait d’une famille très noble au Pérou, et elle était horrifiée par tout cet argent à côté de gens qui n’avaient rien. Avec son cousin, elle volait des couvertures et de la nourriture à son père pour leur distribuer. Elle nous a appris ces valeurs-là, en nous disant « il faut penser aux autres ! » » 

Ses sources de création sont multiples, mais les souvenirs d’enfance y ont une place privilégiée. Une forme de gaie nostalgie où le passé, loin de rendre triste, donnerait, au contraire, de la joie. « Souvent, ce sont des vieilles photos de famille qui me donnent le thème des collections. Ou un souvenir précis. Par exemple, le maïs que faisait sécher ma grand-mère dans sa maison de campagne où je passais toutes mes vacances. Le maïs, au Pérou, est magnifique, plein de couleurs ; il y a du jaune, du marron et du pourpre. Cette photo, gravée dans ma tête, a fait naître la collection Maïs ».

Collection Maïs

Son amour de la maille, elle le doit aussi à son amour du vintage, des gros gilets, et des « vieilles choses » qu’elle adore chiner, partout.« J’adore les vieilles montres. Celle que je porte, je l’ai achetée à un moment particulier, quand j’étais au Pérou, dans l’équivalent d’un marché vintage. Elle s’est arrêtée depuis deux ans, mais je ne l’ai jamais réparée. Elle n’a pas besoin de marcher, elle est juste jolie, et ne me met aucune pression ». À travers Stella Pardo, Cynthia propose une certaine philosophie du temps, entre le temps long du fait-main, et les instantanés de mémoire d’une petite fille restée péruvienne de cœur. 

 Stella Pardo

http://con4150.wix.com/stellapardo

Photographe: Maud Bernos, http://www.maudbernos.com/

Pour les produits, crédits photographiques : Cynthia Guerrero

Avant d’avoir « la tête dans les olives », Cédric Casanova a été acrobate, puis fil-de-fériste. Il revient sur son parcours à la Ménagerie du Jardin des plantes, où il allait enfant, car sa fascination pour les animaux constitue l’autre fil rouge de sa vie.

"J'observe une huile sur plusieurs années"

Cédric a 6 ans quand une certaine Madeleine Baudbovi, retraitée et voisine, lui confie un rossignol dans une cage, « elle me voyait dingue avec les oiseaux ; chez moi, on n’a jamais eu d’animaux, car c’était contraire à la liberté. Mes parents m’ont élevé contre l’idée de possession, chaque chose devait être à sa place ». Le rossignol s’envolera, par inadvertance. C’est auprès d’elle, dans son appartement du XIV ème arrondissement, avec serre, pythons, et oiseaux, qu’elle lui raconte des histoires : « un jour, elle avait reçu une boîte par la poste avec une tarentule à l’intérieur. Elle m’emmenait aussi au Jardin Albert Kahn pour pêcher le triton, et la salamandre. C’était la découverte de la nature comme dans Tintin ». Surtout, il revoit sa fierté quand des oiseaux mangent dans sa main ouverte. C’est le même geste de confiance que fera Anita, mère de Marco « l’alter ego », quand elle lui confiera ses précieux bidons d’huile, les plaçant avec précautions à l’arrière de sa voiture. Car « l’huile est un produit intimiste, pas une simple histoire de goût, mais un geste ». Premier jalon d’une histoire d’huile qui l’amène vers la singularité et le caractère. Longtemps, il se destine à l’éthologie, lit avec passion « Voyage chez les babouins » de Shirley Strum, et les ouvrages de Konrad Lorenz, le fondateur de l’éthologie, « sans avoir les clés pour comprendre ». Il a déjà passé quelques nuits, plus jeune, dans le Jardin des plantes, escaladant le mur d’enceinte côté rue Danton pour se retrouver, en galante compagnie, dans les Serres tropicales, ou au milieu des pensionnaires de la Ménagerie.

À 18 ans, son père, champion de plongeon en Tunisie, le prépare pour obtenir une belle note en natation au baccalauréat. « À l’entraînement, je sentais tout le corps ». Peu à peu le goût du sport s’inscrit. Il développe une fascination pour le mouvement, le saut, et fait jongler un temps acrobaties et sociologie, premier cursus obligatoire avant d’entamer éthologie. Il réalise que c’est une voie difficile, sans beaucoup de travail à la clé, « c’était dépressif ». Il choisira le cirque, car il s’y sent vivre. Il apprend l’acrobatie à l’école du cirque, un « langage de base », mais alors qu’il est en tournée en Turquie, il se fracasse le crâne. Il passe alors de l’acrobatie au fil souple, débute dans un petit cirque de Berck-Plage, puis ce seront le Cirque d’hiver, et le Cirque du soleil. Quinze ans d’une vie de troupe, et naissance des amitiés résistantes : Ernesto, avec qui il forme un duo de fil, lui enseigne « le rythme du langage chorégraphique, et le placement des accents », et Boul, qu’il est sûr de retrouver bientôt autour d’un projet mêlant spectacle et bons produits.

Quand sa sœur lui annonce qu’elle attend un heureux événement, il quitte la Sicile pour Paris, et l’huile d’olive, « qui a toujours été là », ressurgit. C’était en 2004. « J’ai ramené 20 bidons d’huile d’olive représentant 100 litres. Je les ai vendus en 4 jours, et j’ai validé l’idée d’un commerce ». Puisque qu’« il y a autant d’huiles que d’oliveraies », il choisit de donner un visage à chacune, illustrant ainsi leurs différences laissées à l’appréciation de chacun. « Il fallait sortir du meilleur, ou du moins bon. C’est la notion de plaisir subjectif et individuel qui compte avant tout ». Sa boutique, « la tête dans les olives », signe la naissance d’une nouvelle cartographie de l’huile, intime et fine, où chacune est incarnée par le visage de son producteur, et son histoire singulière. « L’appellation AOC regroupe trop de spécificités sous une même appellation ». Toutes ces huiles uniques forment aussi une collectivité, chère à Cédric Casanova, « le plus beau de l’histoire, c’est de travailler avec les autres, je n’ai acheté aucune parcelle ». Un collectif qui ne gomme pas l’individu, et dont le socle est affectif, car chaque huile est reliée à un champ familial pétris de « valeurs qui remontent à loin. L’olivier millénaire de Nunzio, c’est son arc de triomphe à lui ». L’idée d’une approche monovariétale de l’huile d’olive est une « information pour communiquer sur une réalité, une forme d’authenticité ».

Son amour de l’éthologie lui a donné le goût de l’observation ; pour comprendre le comportement de l’huile, et sa fabrication, il en observe les arômes sur 3 ans, et part en immersion au Moulin, en 2005, pour comprendre l’attente des producteurs, et voir le moulinier au travail. À la Ménagerie, il est aussi le premier à repérer les singes nouveaux-nés, ou à localiser un perroquet dans sa cage. Et c’est encore une histoire d’œil qu’il a partagée avec un perroquet: « j’ai une histoire d’amour avec un gris-du-gabon. Il m’a retourné la tête. On veut mettre des mots, mais je ne sais pas ce qu’il s’est passé. Il s’appelait Démosthène. Quand je l’ai vu la première fois, j’ai foncé sur lui, et il m’a mordu quand je lui ai donné mon doigt. Je lui ai dit « non ! », et il a dû se passer un truc d’œil, car à partir de là, dès que j’arrivais, il devenait dingue. Il faisait des trous dans mes pulls pour m’empêcher de partir, me massait le cuir chevelu, me nettoyait les dents ». Reste, qu’un jour, « si j’ai la chance d’approcher un animal de près, je deviendrais fou, je pourrais tout quitter ». Persuadé que « seul le cœur pense », il confie être en pleine période de « chassés-croisés », le hasard mêlant ses goûts constitutifs: sport, animaux, et huile d’olive. Où comment le terreau affectif a parfois le don de la synthèse, à défaut de celui de perdre. 

La tête dans les olives

2, rue Sainte-Marthe

75010 Paris

www.latetedanslesolives.com

Photographe : Maud Bernos, http://www.maudbernos.com/

Rencontre avec Thomas Lehoux, "Barista" et co-fondateur du café Ten Belles à Paris. 

« Le café repose sur la gestion du temps »

Il y fait chaud, surtout sur la mezzanine, et l’atmosphère est anglo-saxone ; « C’est d’abord l’ambiance qui m’a attiré dans le café ». C’est à Sidney qu’il goûte son premier vrai café, et décide, alors étudiant en licence d’histoire, de devenir Barista, le « sommelier du café ». « Mon père faisait du fromage de chèvre à l’ancienne en Anjou, le milieu agricole et le terroir me parlaient, et j’adorais l’échange que provoque un bon café ». Le Barista goûte, sélectionne les cafés, et choisit la méthode d’extraction optimale, celle qui en soulignera le mieux la richesse aromatique. « Le Barista gère en permanence trois paramètres : finesse de la mouture (lors du broyage des grains de café), quantité de moutures, et temps d’extraction ». « Métier d’autodidacte » avant tout fait de rencontres, Thomas est à l’origine des Frog Fight, compétitions amicales entre Barista. Il se fournit auprès de producteurs de grands crus de café, regroupés dans la Specialty coffee. « Un café grand cru est récolté à la main, issu de terroirs spécifiques, avec des rendements moindres et une qualité aromatique exceptionnelle». Ces cafés représentent 1% des cafés mondiaux, et sont achetés directement auprès d'un importateur, sans passer par une bourse mondiale (par exemple, la bourse de New-York pour l'Arabica; celle de Londres pour le Robusta). Cependant la garantie Specialty Coffe ne suffit pas à assurer toute la qualité du café, notamment sa bonne torréfaction, et son extraction dans les règles de l’art.

« Le Barista sort un produit en 6 minutes, alors que des gens l’ont travaillé pendant 6 à 8 mois en amont (cueillette, tri, dépulpage, et séchage), mais ces dernières minutes sont décisives ». Choisir la méthode d’extraction et extraire le café, en aval, est le cœur de métier de Barista. « On goûte toujours en filtre pour choisir la méthode qui optimisera le mieux les arômes du café ». Les deux méthodes d'extraction principales sont le filtre, et l'espresso. Les infusions de café ou cafés filtre, reposent sur une extraction lente et mettent en valeur les spécificités d’un terroir. « Une infusion, c’est toujours une même région, un même terroir, ou un même producteur ». Parfois, il s’agit d’une seule variété de caféier, d’autres fois d’un assemblage de plusieurs variétés, notamment en Ethiopie. Ce café, servi en mug, permet d’apprécier l’évolution des arômes dans le temps. À l’inverse, un espresso naît d’un processus rapide et « presque violent » de pression. « On tend à réduire la gamme aromatique dans une toute petite tasse, c’est un cocktail ». Dans 90% des cas, les espresso sont des assemblages de plusieurs plantations, élaborés entre le torréfacteur, et les envies et goûts du Barista.

Trois instruments utilisés par les "Barista" pour faire les infusions de cafés; de gauche à droite: la cafetière à piston, ou "French Press", l'aéropresse, "entre l'infusion et l'extraction", et le Chemex.

Le pays producteur (Ethiopie, Mexique, Brésil, Burundi) prend en charge toutes les étapes de récolte, tri, dépulpage et séchage du café (de 6 à 8 mois), et livre les grains de café « verts », non encore torréfiés. La torréfaction, ou cuisson du café, est la première étape effectuée dans les pays consommateurs de café. C’est une étape cruciale, effectuée par un torréfacteur, avant l'intervention du Barista. « On peut avoir un beau produit en amont, et être un bon Barista ensuite, on peut tout rater à ce moment-là ». Le risque est double : trop légère, la torréfaction ne développera pas tous les arômes des grains ; trop brûlée, ce qui se passe le plus souvent, elle conduit à des cafés amers, développant des « arômes de pain grillé, caoutchouc, et cendres ». Une bonne torréfaction est « claire », et fait ressortir des arômes acidulés et fuités. Pour l’heure, Thomas a choisi de faire torréfier son café en Angleterre. C’est après cette étape que les grains de café, torréfiés, réintègrent le Ten Belles. À l’été, Thomas investira un nouveau lieu pour torréfier sur place, et vendre du café, en grains, aux particuliers.

La gestion du temps et des stocks fait partie intégrante du métier de Barista. Un café se doit d’être fraîchement torréfié. « La courbe aromatique des grains torréfiés monte, puis redescend au bout de 15 à 20 jours ». La fraîcheur de mouture est également primordiale. « La mouture se fait instantanément, à la commande de chaque café. Au bout de 3 minutes, il n’y a plus d’arômes ».

Triste nécessité quand les cafés sont trop torréfiés et amers, le sucre n’est pas du tout nécessaire quand vous dégustez un bon café, bien au contraire. Au Ten Belles, « Sugar makes babies cry », paraît-il.

Ten Belles

10, rue de la Grange-aux-Belles

75010 Paris

http://www.tenbelles.com/

Photographe : Maud Bernos, http://www.maudbernos.com/

Texte : Tiphaine Illouz

Rencontre avec Déborah Neuberg, Fondatrice de la marque De Bonne Facture, marque de savoir-faire pour Hommes.

« De Bonne Facture repose sur un temps démultiplié »

  Elle a l’élégance discrète, et des mots désormais précis pour raconter le projet De Bonne Facture, la marque qu’elle a créée il y a deux ans, autour d’une haute qualité de fabrication. Fondés sur une mise en valeur des savoir-faire, les vêtements, à peine nés, sont déjà chargés d’histoires qu’elle a choisi de nous raconter tout près de son bureau, au café Scherkhan (Paris Xème).

3 avril, 11h.

Quand est né De Bonne Facture ?

L’idée est née en 2011. Tout juste rentrée de Chine, j’ai pris 6 mois pour réfléchir à ce que je voulais faire. J’ai eu pas mal d’idées différentes, puis j’ai compris que le plus important était que le projet résonne avec moi-même, et les choses auxquelles je croyais. Parmi elles, l’envie d’aller rencontrer des ateliers familiaux, traditionnels, qui ont un savoir-faire très précis, très spécialisé. Ma première idée était d’aller voir ce qu’ils faisaient, et de sélectionner des choses chez eux. Je leur disais juste « j’aimerais bien venir vous voir. Je prends un train dans 2 jours », et je n’avais rien à leur montrer. J’ai commencé comme ça, à voyager dans des ateliers en France…

Où par exemple ?

Mon premier voyage était à Quimper, chez Fileuse d’Arvor, un atelier familial qui existe depuis 1927. Ils avaient repris un modèle de marinière des archives de la Marine Nationale, appelée la marinière Midship, en hommage à l’officier Midship qui la portait. J’ai trouvé ça super, cette première rencontre faisait sens. J’en ai ensuite rencontré d’autres, et j’ai aussi commencé à travailler avec l’atelier Tricot Diogène, spécialiste des cravates tricotées depuis 1905 avec une histoire de famille sur 4 générations, et l’atelier Chaintron, spécialisé en maroquinerie, chez qui j’ai sélectionné une ceinture. À chaque fois, je demandais: quel est votre savoir-faire ? qu’est-ce qui est emblématique de votre atelier ? L’idée première était de puiser dans leurs archives, et de sélectionner des choses qui parlent à un client contemporain à la recherche d’un produit avec une histoire. J’ai fait des premières petites ventes avec trois choses : la marinière Midship, la cravate tricotée en 3 couleurs, et la ceinture. C’est comme ça que ça a commencé. Puis, en rencontrant d’autres ateliers spécialisés, j’ai compris que pour habiller quelqu’un, il fallait non seulement fédérer des ateliers, mais aussi amener une direction artistique cohérente.

Quel est le concept de la marque ?

Créer un vestiaire masculin qui repose sur des classiques revisités, et un système de collaboration avec des ateliers sélectionnés selon plusieurs critères. Des ateliers familiaux, avec un haut niveau de qualité, un savoir-faire spécifique et une certaine forme d’ancienneté. Si ces ateliers existent depuis moins de 40 ans, il faut une histoire forte, et une transmission des savoir-faire. La transmission crée une âme, une culture de la fabrication, et ça incarne les choses. Le fait que la même chemise soit fabriquée par tel atelier ou tel autre, incarne différemment. Sans avoir l’œil de l’initié, tu ne t’en rends pas compte, mais lorsque tu le sais, tout à coup, le vêtement ou l’objet est investi d’un sens, et c’est touchant. (Ndlr. Référence au projet de Pascal Gautrand, « When in Rome, do as Romans do », qui présente la fabrication de 30 chemises confectionnées par 30 artisans chemisiers romains d’après un modèle standard de chemise Zara. Chacune se distingue de la suivante, se faisant le reflet du savoir-faire singulier de l’atelier qui l’a produite).

Qu’est-ce qui te touche particulièrement dans l’idée de transmission ?

Il y a un rapport au temps particulier. J’aurais pu sélectionner des ateliers et leur envoyer mes dessins. Au contraire, j’ai fait un peu à l’envers, et ça s’est construit différemment. Je suis partie du terrain, j’ai été les rencontrer en m’intéressant profondément à la technique, ce qui a crée une inspiration, une culture globale, un terreau. Et puis, dans toutes nos possessions, certaines ont un sens particulier parce qu’elles nous ont été transmises.

Tu as établi le principe du double étiquetage pour rendre visible le principe de collaboration avec des ateliers. La marque « De Bonne Facture », ainsi que le « Fabriqué par », suivi du nom de l’atelier. Quelles sont les réactions des ateliers ?

Ils sont hyper contents, même si leur priorité est plutôt d’avoir des fabrications. Pour Tricots Diogène, ça a eu un vrai sens. Ils étaient très fiers et émus de revoir ce nom sur les cravates, d’autant que c’était une marque de fabricants, et que c’était « Tricots Dio ». Revoir le nom entier de la famille originelle qui fait toute la fabrication a été émouvant, notamment pour l’épouse de Luc, qui est  la quatrième génération. Elle me raconte toujours que son grand-père l’avait amenée dans son couffin à l’usine pour la présenter aux ouvriers et ouvrières. Son histoire se confond avec l’histoire de cet atelier.

De Bonne Facture a nécessité du temps…

Oui. J’ai d’abord défini une sélection, puis, j’ai dessiné des choses. Par exemple, à partir du pull marin, j’ai fait un travail de coupe, de sélection de matière et de détails. J’ai choisi la pure laine vierge de marin, une laine vierge mérinos avec un maillage très serré, utilisée par les marins pour aller en mer en étant protégés du froid et des intempéries. J’ai aussi retravaillé des détails en remplaçant les boutons en plastique par des boutons en corne pressée trouvés dans un vieux stock d’un fabricant lyonnais, et ajouté une poche. La première édition De Bonne Facture, c’était un peu les bases du vestiaire. Je préfère ce terme à celui de collection, car il y a l’idée d’un vestiaire comme une bibliothèque. Pour la prochaine collection, nous allons nous concentrer sur des détails, des matières. 

Quelle est ta vision des détails ?

Elle est très liée à la fabrication, et au respect de ses spécificités ; par exemple, le nombre de points par centimètres pour une chemise, le fait que telle maille ressemble à une côte 2/2, sans en être vraiment une, pour telle et telle raison. Les détails te font rentrer dans la matière et dans la technique. Il ne s’agit pas de détails plaqués, qui sautent aux yeux, mais au contraire, de détails qui font partie du vêtement, et viennent depuis l’intérieur pour donner une épaisseur.

Il s’agit presque d’une philosophie, d’une manière d’appréhender l’Homme ?

Je pense que c’est l’authenticité. Même si le mot est super galvaudé, il y a une réalité. Une approche authentique, c’est une approche plus en profondeur, plus intérieure, plus proche du produit, de sa fabrication et de sa facture. Au tout départ, mon envie de chercher ces ateliers, c’était aussi par réaction à des offres qui sont détournées et te détournent du produit, des offres où le produit devient accessoire.

Il s’agit aussi d’une certaine approche de l’achat. Tu penses que la consommation peut avoir du sens ?

Oui, je crois au fait d’amener un sens, et une histoire à un vêtement pour l’incarner, et le rendre vivant. Les gens qui ont fabriqué un vêtement l’humanise en quelque sorte. Cette réalité crée un attachement, un rapport différent au vêtement, ou à un meuble, ou à n’importe quoi d’autre. Tu vois le vêtement différemment, tu le vis différemment, et tu le portes différemment. Dans le système de la mode, une nouvelle collection efface la collection précédente, et il n’y a pas cet ancrage. Ça crée des choses surinvesties à un moment, puis elles deviennent ternes, et meurent, et tu as juste envie de les jeter. De Bonne Facture, c’est garder ses vêtements plus longtemps, mais aussi avoir envie de les garder indéfiniment dans une armoire, car ils ont été fabriqués avec soin par un atelier particulier.

Peux-tu nous parler d'un objet vivant à tes yeux, qui a une histoire ? 

(Ndlr. Déborah nous parle du foulard qu’elle porte sur les photos)

C'est une histoire assez rigolote. Sur le chemin de l'atelier Hervier Productions, à Chatillon sur Indre, nous avons croisé un panneau sur la route indiquant "Ferme laine mohair". On était déjà très en retard, mais ce panneau m'a intriguée, et on a déboulé chez la fermière qui élève des chèvres mohair et fait partie d'une coopérative. Elle avait une petite boutique en plein milieu de la campagne, dans sa ferme, avec des écharpes de toutes les couleurs et des vêtements qu'elle tricotait ou tissait elle-même, grâce à un métier à tisser traditionnel. Du coup on a foncé à l'atelier, et on y est retournés après. Je lui ai posé plein de questions sur son savoir-faire, et je suis repartie avec cette écharpe orange ! La ferme s'appelle la Ferme des Hauts Bourdiers, et est à Nouans les Fontaines.

Pourquoi De Bonne Facture ?

Cette expression signifie un produit fait selon un certain savoir-faire. Le nom est venu quand j’ai commencé à rencontrer les ateliers. Un jour, j’expliquais à une amie, journaliste et écrivain, que l’idée n’était pas de créer une marque comme les autres, mais vraiment d’apporter des produits qui soient de bonne facture. Et elle m’a dit « mais pourquoi tu ne l’appelles pas comme ça » ?. Certains m’ont dit c’est trop long, pas facilement traduisible. Mais l’idée d’avoir un nom qui ait un sens, qui veuille dire quelque chose et qualifie les vêtements me plaisait. Et finalement, en anglais, je dis « Facture is like Factory » (le faire, la fabrication), et les anglo-saxons comprennent très bien.

Quelles sont tes sources d'inspiration ?

Un mélange de choses très contemporaines : ce qu'il se passe en ce moment dans tous les domaines (art, blogs, style, graphisme...), et l'univers des messieurs d'un certain âge qu'on peut croiser dans la rue, de tous milieux d'ailleurs. Je trouve qu’il y a quelque chose de spécial dans leur attention à leurs vêtements. D'ailleurs j’adorais la rubrique "Old men's style" que le Sartorialist avait au tout début de son blog, en 2006. J’ai la chance d’être entourée de deux personnes extraordinaires parmi mes proches qui ont respectivement 65 et 93 ans. On finit toujours devant leurs armoires, ou leurs malles, à la campagne, à discuter de leurs pièces : costumes sur mesure faits à Budapest pendant la guerre froide avec des laines anglaises, cravates tricotées Hermès, chemises Brooks Brothers, ceintures et pardessus conservées de leur service miliaire; et tant d'autres belles choses....

Comment s’organise ton temps en tant que fondatrice et directrice artistique de De Bonne Facture ?

J’essaie de plus en plus d’avoir du temps pour moi, pour avoir un semblant de vie personnelle. Mais, dans un projet comme celui-ci, tu es tout entier confondu avec ton projet, tu y penses tout le temps ! Au moment de définir le concept, je me posais tout le temps des questions, j’étais tout le temps à réfléchir à des trucs, à mâturer. Il n’y a pas vraiment d’horaires, je n’ai pas de limite à mon temps de travail. J’ai même peur de partir en vacances, j’ai pas envie. J’ai accepté de bientôt partir 10 jours, mais je pète un câble à cette idée ! (rires) ça te coupe, ça t’éloigne, j’ai pas envie d’être coupée, je vais bosser quand même, j’ai envie de travailler.

Ton moment favori dans la journée pour créer ? 

Pas un moment en particulier, mais il faut que je sois seule. En général, c’est le soir que je commence à me sentir bien pour travailler. Dans la journée, c'est assez pénible.

De qui es-tu entourée ?

Charlotte Cochet-Terrasson de l’agence RO.S.A, pour ce qui touche à la communication visuelle. Anaïd de Dieuleveult photographie les produits, et les ateliers. Alice de Montalivet s’occupe du blog, des Carnets De Bonne Facture, des portraits de savoir-faire, avec une plume et un ton particulier. Et je m’occupe de tout ce qui touche à la direction artistique des produits et des ventes. Elles ont tout de suite compris la singularité du projet. On partage une même vision, et c’est grâce à nos interactions que c’est aussi clair et cohérent aujourd’hui.

C'est pour atteindre cette cohérence et cette clarté, qu'il a fallu du temps…

Tu peux aussi ne pas prendre le temps, et te lancer très vite en ayant une idée vague, ça fait très start-up. J’ai été assez perturbée par ça, dans le milieu des start-up parisiennes, car les temporalités du Web étaient très représentées. Mais, je me suis rendue compte que passer deux ans à définir un projet, c’était pas grave. Au contraire, même, il fallait prendre le temps de l’ancrer, de l’identifier, de le singulariser, car tout ce temps crée quelque chose, donne une valeur et une identité. Monter un projet de marque c’est long, et on m’a justement dit « prends ton temps », car si tu arrives sur le marché de la mode avec un truc bancal, on ne te le pardonnera pas, et là, tu auras perdu ton temps

Quelle relation entretient De Bonne Facture avec le temps ?

De Bonne facture repose sur un temps démultiplié. Ça repose sur toute l’ancienneté des fabricants, toute leur histoire. C’est une nouvelle marque, un nouveau projet, mais riche, et qui s’ancre dans des racines qui vont puiser assez en arrière. C’est dans son temps, mais pas simplement dans l’aujourd’hui, et dans l’éphémère, il y a tout ce passé qui est incorporé dans les valeurs de la marque. La création le projette aussi dans l’avenir.

La première édition De Bonne Facture est 100% Made in France. Crois-tu en un retour du Made in France ?

Je ne suis pas bloquée sur le Made in France. Mon projet, c’est de mettre en œuvre des savoir-faire. L’idée initiale était de créer un vestiaire complet, et de trouver un atelier avec un savoir-faire précis, pour chaque élément du vestiaire. Cette idée m’enthousiasmait beaucoup ! Mais aller chercher des savoir-faire ailleurs n’est pas du tout incompatible. Le projet De Bonne facture est dans une logique de « Made By », fabriqué par. Il s’agit de remettre le focus sur l’atelier, avec sa patte, son histoire, son savoir faire transmis de génération en génération. Le Made By est plus évocateur et pertinent que le « Made in » d’un pays, et  c’est une réalité qui a un sens. Le Made in France recouvre tellement de réalités différentes. Et puis, surtout, De Bonne Facture est une marque qui s’adresse à tout le monde, sans aucune frontière.

Quel est ton livre de chevet en ce moment ?

La biographie de Jean Genet par Edmund White.

As-tu une montre ?

Oui, une Casio que mon petit frère m’a offerte, il y a 4 ans. Elle avance de trois minutes, car je suis souvent en retard. On les avait quand on était petits, aujourd’hui tout le monde les porte.

De Bonne Facture: http://debonnefacture.fr/ (et sur Facebook et Twitter)

Photographe: Maud Bernos, http://maudbernos.com/ (pour les 2 portraits de Déborah)

Anaïd de Dieuleveult pour les photographies des produits et ateliers. 

Entretien: Tiphaine Illouz

Portrait d'un Maître artisan-fromager-affineur, Paris XVIIème 

" Il faut être patient "

Philippe Alléosse, c’est un parcours hors-normes. Fine bouche des fromages de père en fils, et reconnu «Maître artisan–fromager–affineur», il est installé depuis 1984, rue Poncelet, dans le XVIIème arrondissement de Paris. Rencontre avec un homme très attachant fait de passion, de patience, et de convictions.

Privilège. Il nous reçoit dans ses caves d’affinage exceptionnelles de la rue Clairaut, en plein Paris ; à ses côtés Olivier, son beau-frère, affineur comme lui, et Rachel, son épouse et "bras droit". C’est ici qu’il laisse grandir ses fromages, les transformant parfois en oubliés volontaires, pour les aider à exprimer l’intégralité de leur caractère dans un taux d’hygrométrie et une température parfaitement choisis et contrôlés. « Un affineur doit être capable de toucher le fromage, de voir comment il réagit ». Un toucher franc, avec la pulpe des doigts, pour mesurer si le temps a suffisamment fait son ouvrage. « Pour être affineur, il faut de la patience. C’est l’affineur, seul, qui décide du moment idéal pour sortir le fromage. On ne peut pas aller à l’extrême, mais on me laisse le champ libre ; je peux ne pas tenir compte d’une DLC (Ndlr : date limite de consommation) et préférer une DLUO (Ndlr : date limite d’utilisation optimale) ». Pour devenir cet artisan du temps, Philippe a passé 7 ans dans les caves, pour tester l’évolution de chaque fromage, en tout plus de 200.

Alléosse, c’est avant tout une histoire de famille. Ses parents tiennent, pendant plusieurs années, une petite fromagerie entre Gare du Nord et Gare de l’Est. Il nous dépeint, comme il sait si bien le faire, un autre temps, un autre quartier : « les bouquinistes dans les arrières-cours, horrible à voir, la prostitution, les règlements de compte ». Ses parents envisagent de déménager, et choisissent la Rue Poncelet ; « elle faisait partie des 3 meilleures adresses de commerce à Paris. La rue Poncelet était noire de monde, populaire, remplie de commerces alimentaires, avec des charrettes plein la rue. Je me souviens des pognes des paysans, et des personnages dignes de « Le bon, la bête et le truand", c’était un village ».

Avant de les rejoindre, Philippe s’engage dans la Marine pendant cinq ans. Il sillonnera les mers: Kenya, île Maurice, Réunion, mais aussi Djibouti, le Pakistan et le Yémen. Au début des années 80, il se retrouve même aux prémisses de la guerre Iran-Irak « avec les porte-avions américains inimaginables, le bateau en tremblait ». Ce goût du voyage, il le nourrit depuis qu’il est gamin: « mes parents adoraient les voyages. On a fait le tour de l’Europe en caravane, c’étaient les grands moments, ça » La nostalgie affleure sous la persévérance et le courage. L’amour de la mer, aussi, celle qui l’a vu grandir, en face de l’île de Groix, là où il a appris la pêche avec « les vieux de la vieille ». « Mes attaches sont là-bas ; Paris c’est bien, mais ça ne suffit pas ». De ces années, Philippe nous dit : « quand on est entre hommes, à 100 bonhommes sur un navire, il faut faire sa place, ça n’est pas permis à tout le monde, ça forge le caractère ». Il démissionnera, mais avec la promesse de devenir, un jour, patron.

Quand il rejoint l’histoire familiale en 1984, rue Poncelet, il part avec son père pour un tour de France des meilleurs producteurs de fromages, « c’est là que j’ai pris conscience de l’importance de l’affinage », ce chaînon manquant entre le producteur « dont le métier n’est pas d’affiner, car son objectif est de vendre le plus vite », et le consommateur. L’affinage est un métier d’équipe, car sans bons producteurs, point de bons fromages, même affinés. 

Chez Alléosse, on a non seulement à cœur de conserver le savoir-faire traditionnel de l’affineur, mais aussi de protéger tout l’amont du métier. Il réalise aussi que tous les fromagers travaillent à partir de sel fin ; lui travaillera à partir de gros sel de mer. Première évidence qui fera dissidence dans le milieu des crémiers-fromagers. « Tout le monde faisait la même chose ; dès le début, rue Poncelet, nous avons effectué les lavages au sel de Guérande ». Ces cristaux de sel, on les retrouve notamment dans le merveilleux Comté affiné durant 30 mois. Au départ, c’est l’arrière-boutique qui se transforme en laboratoire: « On a fait beaucoup d’expériences, on achetait, et mon père, un peu inquiet, me disait « va pas falloir tout jeter, sinon… » j’ai aussi repris des cours de physique, me suis replongé dans les histoires de Ph ». Richesse du métier, il y a toujours des marges de liberté, selon la saison par exemple, laissées à la libre appréciation des mains, et de la tête de l’affineur.

En 1987 a lieu le premier salon gastronomique de la Porte de Champerret. « Mon père était un provocateur, la tête dure comme du granit, on s’est dit :  on va faire une expo qui va déranger tout le monde ». À l’époque, tous les crémiers-fromagers présentent leurs fromages sur une carte de France, en les plaçant selon les régions. « Nous, on a fait des bouchées ; on était les premiers à proposer ça, les crémiers sont venus, et quasi tous les traiteurs et restaurants gastronomiques nous ont passé commande » Seconde dissidence. Résultat ? Un carnet de commandes plein, et des clients prestigieux (parmi eux, Bill Clinton et François Mitterrand). « Mon père était euphorique », et l’arrière-boutique des débuts déborde. « Il nous fallait une cave proche de Paris pour être rapide, avec une surface importante » En septembre 1987, les travaux de la cave sont terminés. En réalité, ce sont 4 caves, chacune correspondant à un type de fromage : les pâtes dures ou pressées (Comté, emmental, beaufort), les croûtes fleuries (Brie, Saint-Marcellin), les croûtes lavées grâce à des bains (Curé nantais, Epoisses, Maroilles), et la cave à chèvres.

Les années 90 sont celles des voyages; Philippe et sa femme partent en Allemagne, au Japon, et installent des caves au Canada et aux Etats-Unis. New-York… Philippe nous parle, des étoiles dans les yeux, de sa collaboration avec l’un des plus grands chefs américains, propriétaire d’un restaurant gastronomique en bordure de Central Park et de l’"Artisanal Cheese Center". Clap de fin : il se retrouve à la une du New York Times « juste au-dessous de Bush ».

Il y a beaucoup d’histoires à conter chez Alléosse; par exemple, l’histoire du fromage de l’Abbaye de Cîteaux, un fromage à croûte lavée proche du reblochon, mais au fruité rare, produit par les Moines. « En guise de cadeau de Noël, nous leur avons envoyé leur fromage avec un affinage plus long qu’habituellement (Nldr. d’ordinaire, les Moines l’affinent entre 15 jours et 1 mois). Ils n’avaient jamais vu leur fromage comme ça ! ». C’est le début d’une histoire commune, puisque Frère Jean-Claude décide de confier chaque mois, et directement à Philippe, une centaine de kilos du précieux fromage. Au plus près des producteurs, donc.  

L’affinage est aussi affaire de rencontres, et de secrets bien gardés, dont il devient dépositaire. « J’ai goûté pendant longtemps le reblochon d’un Monsieur hors catégorie, qui avait toujours la médaille d’or, et dont je n’arrivais pas à percer le mystère ». Après de gros problèmes familiaux, l’Homme lui confie son secret qui réside dans un lavage unique. Depuis, le reblochon Alléosse a reçu le Prix d’excellence. Le camembert, au lait cru bien entendu, et le Saint-Félicien recèlent une crème incomparable. « J’ai rencontré des gens qui apportent énormément de choses, le nec plus ultra, des gens qui recherchent la meilleure viande, le meilleur chocolat ; des gens qui veulent apprendre, en goûtant le meilleur ». Il nous raconte aussi la venue d’un éminent chirurgien étranger : « Il m’avait appelé, c’était un petit homme de 82 ans, amoureux du fromage. Il est venu dans les caves avec sa garde rapprochée. En partant, il m’a dit « maintenant, je peux mourir ».

Enfin, Philippe rend hommage à son père, Roger Alléosse : « c’était une fine bouche, il nous emmenait découvrir le dernier restaurant. C’était aussi un personnage qui aimait les rencontres. Il avait toujours en tête l’étranger qui vient en France, et qui découvrait, pour la première fois, le pain, les vins et le fromage. Il fallait l’épater ! ». Mais ça n’a pas été simple de trouver sa place, « je m’en suis pris plein la figure, on me disait « laisse parler ton père ».

De son enfance passée en Bretagne, il nous a raconté son goût pour la nature et les bons produits fermiers « toute ma famille travaillait dans l’élevage, les cochons, les poulets, les poissons. On a été mêlés à tout. Je me souviens de la Fête du cochon. On conviait tout le village, ça durait toute la journée, on faisait du boudin, du saucisson, et puis, ensuite, il y avait un Fest-noz festif ». Ce goût, c’est lui qui le transmet aujourd’hui à ses clients en les informant sur le rythme des saisons, les lieux, et les producteurs. Celui qui sait apprivoiser le temps comme personne, redonne au passage tout son sens à un cercle vertueux entre producteurs de qualité, et consommateurs avertis.

ALLEOSSE

13, rue Poncelet

75017 Paris

www.fromage-alleosse.com

Photographe: Maud Bernos, http://maudbernos.com/

Texte: Tiphaine Illouz

A l’origine, une phrase de Christian Blanckaert :

(in Luxe Trotter, Editions Le Cherche Midi, Paris, 2012)

"Le luxe sera celui de la lenteur, du travail à la main, du sur-mesure. Car dans un monde qui ira encore plus vite, l'exceptionnel sera le temps. Les jolies choses prennent du temps et elles conservent ainsi toujours une part de mystère (...). L'avenir appartient selon moi à ceux qui apporteront de l'humanité dans ce qu'ils font"

Les temps évoqués dans ce blog seront multiples:

Le temps de la fabrication, reflet d’un savoir-faire ancestral, et de l’entière attention d’artisans passionnés.

Le temps symbolique, celui qui est emprisonné dans le bel objet, touchant le cœur de l’amateur. Comme s’il pouvait, à son contact, gagner un supplément d’âme et de temps. Comme un gage de lenteur, une promesse de langueur, d’intense concentration, d’entière disponibilité.

Enfin c’est d’un temps humain et vivant dont il sera question, à l’opposé d’un temps forcément productif, donner à voir les vertus du temps long, et l’émotion qu’il fait naître.

Ces trois temps réunis esquissent une certaine idée du luxe. Un luxe cultivé, lent, qualitatif, symbolique et humain. Car où résident la beauté et le sens d’un objet si ce n’est dans l’échappée au temps présent qu’il propose, et dans le travail tout en finesse qu’il a nécessité ? Dans sa capacité à nous placer, « nous futurs cadavres » (Albert Cohen), hors du temps ?

Le Temps passe, les beaux objets demeurent.

Faire émerger l’avant, le rendre visible, lui donner une valeur.

Cultiver le temps, et le rendre cultivé : portraits d’artisans grand format, partage de lectures, mais aussi entretiens avec des créateurs, penseurs, philosophes etc. sur leurs rapports au temps.

Les domaines : art de vivre, mode, beauté, gastronomie, vin, bien-être, bijouterie, horlogerie…

Il est une évidence ; le beau travail nécessite du temps.

Et le temps n’est pas cher, mais coûteux.

Ce blog pour redonner au Temps, grand absent, une certaine présence.

"À mesure que le temps passe

Je mesure le temps qui passe

Et tandis que l'eau s'étend

Jusqu'à l'autre bout de l'étang

Je regarde l'aube claire

S'allonger sur 1es conifères

À l'aulne à l'orée du jour

Le soleil sera de retour

En dépit des années noires

Des années folles

Des heures de gloire

À la lisière du torrent

J'irai m'asseoir sur un banc

On ira faire un tour de barque

On ira déjeuner au parc

On s'embrassera dans le cou

Il y aura tout autour de nous 

Les cerfs-volants »

Les Cerfs-volants, Benjamin Biolay