La Caja Rota

En un ejercicio catártico, el director Everardo González retrata en un documental a víctimas y victimarios de la violencia en México. Madres, hermanos e hijos de desaparecidos, sicarios, policías y militares narran su dolor, vergüenza e ilusiones bajo el anonimato de una máscara de tela comprimida color nude, que recuerda a la que usan personas con quemaduras.

El eje primordial del largometraje son sus crudos testimonios, los victimarios te hablan de poder, dinero y una ilusión de estatus y pertenencia, “no conocía nada más, era bueno matando”. Las víctimas hablan de desilusiones, persistencia y la búsqueda permanente de consuelo: “me aterra saber que llegué tarde a salvar a mis seres queridos que murieron pensando que estaban solos”. Algunos hablan de perdón, otros de venganza. 

Sin emitir juicios morales, La libertad del diablo nos guía a una especie de círculo dantesco en el que vagan todos aquellos perdidos en una violencia sistemática que los planta a todos en un mismo nivel, la violencia es la única que empareja las clases sociales. En México nadie se salva de ella; se vive de ella, se trabaja de ella. Y como cualquier trabajo puede llegar a ser muy lucrativo: “de 50 mil a 60 mil pesos por persona” o en contraste no valer nada “200 pesos, eso costaba una vida”, narran los protagonistas. 

La libertad del diablo es ganadora de múltiples premios: en el Festival de Cine de Morelia, Festival de Cine de Guadalajara; y de tres galardones Fénix: como mejor documental iberoamericano, música original y fotografía. 

Acude a ver la película con una mente muy abierta y relajada pues puede abrirte un panorama en el que no se resiste mantener por mucho tiempo la mirada ya que puede resultar tedioso los close up larguísimos de sus protagonistas entre testimonio y testimonio. Y no porque no se entienda la intención del director de afrontar la realidad sino que se carga con la impotencia de que nada se puede hacer para cambiarla. 

La máscara da la libertad de que sus protagonistas hablen del diablo, pero también puede arrebatarles su último atisbo de dignidad. No es spoiler decir que en la escena final uno de sus personajes se quita la máscara y enfrenta con todo su ser al espectador, ese momento salva el documental para que este no quede solo como una recolección de testimonios de dolor y violencia sin consecuencias. Hay redención.  

Por Luisa García

Olvidable es el calificativo adecuado para este drama de Woody Allen. Son los años cincuenta y en el parque de diversiones de Coney Island malvive una desdichada familia: la frustrada actriz Ginny (Kate Winslet), quien trabaja como mesera en una marisquería; Richie (Jack Gore), su hijo cinéfilo y pirómano; Humpty (Jim Belushi), su esposo exalcohólico, quien -opera el carrusel y tras el rechazo de Ginny por compartir una afición- prefiere concentrar su atención en el regreso de su hija Carolina (Juno Temple), la cual tras cinco años de ausencia vuelve al único lugar seguro para resguardarse de su pareja, un gánster italiano. 

A esta mezcolanza hay que añadirle el amorío que Ginny sostiene con el salvavidas y aspirante a dramaturgo Mike (Justin Timberlake), narrador de esta tragedia. 

Los diálogos y la dirección de cámara dan una sensación teatral, que va bien con la farsa que sienten los personajes es su vida. Allen forja el destino de sus personajes por sus obsesiones, éstas los condenan a representar una y otra vez el mismo drama, lo que ellos consideran es su tragedia y su culpa a expiar. 

Pero al final no acabas de conectar con los personajes. Las intervenciones de Mike al romper la cuarta pared se sienten superficiales y sin gracia; y el vicio de incendiar lo que se encuentre a su paso del hijo de Ginny se siente un guiño pretencioso. Podemos exceptuar la tensa interacción entre Carolina y Ginny al ir descubriendo que comparten un interés amoroso. 

Por su parte, la fotografía es maravillosa aunque es mérito de Vitorrio Storato (Apocalypse Now y El conformista), quien al usar tonos que recuerdan al atardecer o grises que se llevan toda felicidad logra resaltar y enfatizar la gama de emociones de Ginny al estar con otros. No por nada a este personaje le repiten constantemente que es temperamental, el juego de luces nos los reitera. 

La historia no termina de cuajar como en el caso de el Blue Jasmine de Allen, ni con la puntual actuación de Winslet. El filme parece más una cuota de su director por sacar una producción cada cierto tiempo, un pretexto para darle un protagónico a una mujer talentosa y una excusa para justificar su máxima cuando se trata de sentimientos y pasión (de la cual no hay porqué responsabilizarte): “el corazón quiere lo que quiere”.

Por Luisa García

Por demasiado tiempo el hombre murciélago se excusó en el trabajar mejor solo; en Lego Batman, la película tenemos un héroe en la cumbre de su gloria y que ha vivido sus más épicas y bizarras historias, desde aquellos bailes a go go en la serie de los sesenta hasta el ermitaño Bruce que vimos en la última entrega de Christopher Nolan, pero que ha postergado enfrentar su miedo más arraigado: volver a formar parte de una familia.

Al justiciero millonario le achacan ser un niño caprichoso sin límites que juega a las atrapadas con los malos, con la intromisión de los planes de otros en su vida esto puede cambiar: un Joker despechado que juntará a los más grandes villanos para que el murciélago lo reconozca como su rival principal, un Alfred que no está dispuesto a solaparle más sus excesos, el cariño que pide un huérfano que adoptó sin darse cuenta y una nueva comisionada que sólo está dispuesta a trabajar con él en equipo.

Con montones de easter eggs y referencias a lo mejor y peor de los más de 75 años de trayectoria de Batman, Phil Lord y Christopher Miller (Lluvia de hamburguesas, 2009) se arriesgan en este spin-off de La gran aventura Lego (2014) a obtener un resultado igual de fresco pero no de disruptivo. Y no, los riffs fúricos y las rimas misantrópicas del caballero de la noche no se comparan con el multinominado soundtrack de su predecesora (“Everything is awesome”).

Visualmente se disfruta de la simulación de partículas de polvo flotando entre las escenas, lo que da más profundidad y movimiento a la animación, que por más que deseemos no es realmente stop motion. Sería una labor titánica, pues cada efecto es creado ad hoc al mundo Lego.

Hay un doblaje bien planteado para Latinoamérica, destaca la participación de José Antonio Macías, la voz latina del Guasón en The Dark Knight. Mientras que inglés podremos gozar de Michael Cera como Robin, Will Arnet como Batman y Zach Galiafanakis como Joker.

Algunos podrán desdeñar la adaptación fílmica de un juguete y calificarla de un comercial de 100 minutos, sin embargo Phil Lord y Christopher Miller, esta vez bajo la dirección de Chris McKay (Robot Chicken), construyen pieza por pieza relatos sin cabos sueltos y se autocritican desde los primeros créditos por los recursos clichés que usan.

Sólo los más empedernidos podrán quejarse de un par de inconsistencias o de referencias no canónicas en Lego Batman, pero no podrán negar que hacía tiempo que no veían tanta buen desarrollo de la acción en una película de superhéroes (cof cof Batman vs Superman) y con una chispa humorística que ya hubieran querido Suicide Squad o Capitán América: Civil War.

Por: Luisa García

Publicado originalmente en Time Out México.

Entrevista con el director Celso García

Celso García es conocido por su cortometraje La Leche y el Agua, proyectado en cuarenta y seis festivales de cine y con veintiséis premios internacionales, entre ellos, el Mayahuel del Festival Internacional de Cine de Guadalajara y el Premio a Mejor Cortometraje del Festival de Cine de Huelva.

La delgada línea amarilla es su primer largometraje, en el cual trabaja desde hace 8 años, la idea le surgió mientras viajaba a San Luis Potosí, vio a unos trabajadores pintando las líneas de la carretera y supo que quería “contar una historia honesta y sencilla”, más que enfocarse en “una realización que fuera complicada en técnica.”

La cinta cuenta con productores como Guillermo del Toro y tuvo su estreno mundial en marzo del 2015 durante el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, de ahí no paró y se ha exhibido en España, Italia, Australia, San Diego, India, entre otros… por fin ha llegado a cines en México.

¿Qué detuvo por tanto tiempo el estreno comercial de La delgada línea amarilla?

Fueron decisiones en conjunto con la casa productora. Creímos que el mes de julio era una mejor época para taquilla, en la que tendría mayor resonancia en los medios y no nos equivocamos...

El filme cuenta con 14 nominaciones al Ariel ¿cuál fue tu primer pensamiento al saberlo?

Fue una gran alegría. No nos lo esperábamos. Estábamos Damián y yo en un festival de cine en Panamá, al saberlo brindamos por el trabajo y esfuerzo de todos aquellos que pusieron su corazón en hacer esto realidad, el ser reconocidos.

¿Cómo sentiste la recepción del público en los diversos festivales de cine en que se presentaron?

¡38 festivales hasta la fecha! ¡y 21 premios!  No podría estar más satisfecho.

Consideraba que era una historia muy mexicana y temía que no conectara con el público extranjero. Ahora veo que La delgada línea amarilla es una historia universal, que habla sobre la hermandad, amistad y cómo los humanos entretejemos historias con la gente más cercana a nosotros, creo que eso hizo que esta historia trascendiera y conectara con todo tipo de público.

¿Imaginaste en un principio a Damián o a Joaquín Cosío interpretando a los personajes de tu película?

A mi como guionista me sirve mucho tener en mente actores, ¡y sí siempre pensé en ellos!

Tracé los perfiles de los personajes con ellos en mente. Y una vez que tuve el guion listo se los mandé. Tuve suerte de que nuestras agendas se sincronizaran y que coincidiéramos en las siete semanas que duró el rodaje.

¿Es cierto que hubo cierta improvisación por parte de los actores?

Más que improvisación, es darles libertad. Tienes a estos grandes monstruos de la actuación y tienes que aprovechar su experiencia. No tuvieron que seguir los diálogos al pie de la letra, agregaron lo que consideraron oportuno, todo aquello que pudieran aportar al guion.

Es curioso como en La delgada línea amarilla la presencia de las mujeres parece lejana, como en un sueño... o en un paraíso al que llegan los protagonistas, por ejemplo cuando se refugian en la Hacienda La Chingada…

Sin buscarlo La delgada línea amarilla terminó siendo una historia muy masculina... no machista. Creo que muestra el otro lado de la masculinidad, no al típico macho mexicano sino a hombres que tratan de retomar el camino. En el caso de la Hacienda, las mujeres estuvieron ahí para darles confort, consuelo y regocijo. Son figuras maternas que los protegieron de la tormenta.

Siguiendo la idea de trazar tu camino ¿cuál es la siguiente línea a pintar en tu carrera?

Estoy preparando mi segundo largometraje, se llama Velvet (Terciopelo). Está inspirado en Juliana Pastrana, mejor conocida como la mujer mono o más fea del mundo. Ella era de Sinaloa y vivió en 1834 rodeada por verdaderos monstruos. Estoy dándole tratamiento al guion, el rodaje será más complejo porque será en inglés, filmaré una parte en México y otra en Estados Unidos. Aún no encuentro a quién interpretará al personaje, en estos momentos estoy enfocado en reconstruir su vida y cómo se sentía. Espero encontrar actriz muy pronto, será un reto muy grande como director.

La Fábrica de Arte y Oficios (Faro) Aragón abre sus puertas en el antiguo cine Corregidora que tras ser abandonado por más de 20 años se transforma en un recinto especializado en la cultura audiovisual.

Con la visión más actualizada y moderna de toda la red de faros (Oriente, Tláhuac, Milpa Alta e Indios Verdes), Faro Aragón Cine Corregidora se vuelve el más glamuroso de ellos. El Faro está equipado con montacargas, sala de cine para 156 personas, salón de edición, producción y post producción con equipo de cómputo especializado y cámaras de video, y un adaptable escenario de usos múltiples para cine, teatro, música y danza con capacidad para más de 600 personas.

Faro Aragón Cine Corregidora es memoria de sus muros y de su barrio, algunos vecinos de la colonia rememoran su infancia al ingresar, a los años en que se pagaba un peso para disfrutar de las aventuras del Santo o se aprovechaban los cupones dentro de productos de limpieza para ver los estrenos.

En este faro se busca que los asistentes aprecien el séptimo arte, aunque también que éste converja con otras disciplinas afines como la fotografía, sonido, maquillaje, vestuario, estudios del cuerpo, escritura, actuación e inclusive desarrollo de videojuegos y videoblogs.

Recién empezaron a impartir talleres y actividades muestra: cinedebates con la presencia del director, proyecciones al aire libre, apreciación musical, clases de guitarra, stopmotion para principiantes, entre otros.

En cada nuevo proyecto, Damián Alcázar deja a un lado todos los anteriores premios que lo consagran como un experimentado actor. “Cada actuación es un desafío”, responde sobre su representación en La delgada línea amarilla, ópera prima del jalisciense Celso García.

En esta ocasión Damián interpreta a Toño, un hombre trabajador que durante 11 años fue velador en un deshuesadero, hasta que es reemplazado por un perro. Después de encontrarse con un viejo compañero de trabajo su vida da otro giro, ahora debe liderar a cuatro hombres y pintar junto con ellos la línea que divide los carriles de una carretera de más de 200km.

¿Qué es lo que te enamoró del guión de La delgada línea amarilla? Me parecía importante hacer este trabajo. Es una película que habla de los trabajadores sin posibilidades… si a un hombre de 48 años se le dificulta encontrar un trabajo digno, ahora imagina a uno de 70 como Toño. Es un tema necesario de abordar. Celso García dijo que ustedes tuvieron la libertad de adaptar los diálogos del guión, ¿qué le aportaste a Toño? El guión de Celso es un muy buen texto; los contenidos eran muy atinados, todo estaba ahí. Las cosas que aporté surgen de la observación, de entender al personaje. Toño es un hombre solitario, pobre, endurecido y que no ha disfrutado de una vida digna. Es un perdedor acostumbrado a vivir en la reciedumbre y necesita un cambio.

¿Qué experiencia o enseñanza obtuviste al trabajar con un director que realizaba su primer largometraje? Siempre aprendes en todos los proyectos. Celso tiene mucha frescura y sensibilidad, las dificultades que vivió durante el rodaje eran dignas de verse y respaldar. Cualquier buen proyecto te sigue enseñando cosas y tu trayectoria al final no importa, la dejas a un lado, porque esto tienes que vivirlo como algo nuevo.

De acuerdo con una carta publicada por el director de la CIDH, James Cavallaro las arcas de la comisión están vacías y no se cuenta con la expectativa de recibir fondos, para poder renovar el contrato del personal.

Debido a esto se decidió suspender la realización de las visitas previstas para este año, así como de los Períodos de Sesiones 159 y 160, programados originalmente para julio y octubre por lo que quedarán en estado de indefensión miles de víctimas de violaciones a los derechos humanos.

¿Qué es la CIDH y cómo llegó a esta situación?

La CIDH es un órgano principal y autónomo de la Organización de los Estados Americanos (OEA), encargado de la promoción y protección de los derechos humanos en el continente.

La comisión actualmente sufre de una gran discrepancia en los casos que la OEA le asigna y los recursos financieros que se le otorgan: menos de cinco milésimas de dólar ($0.005) por habitante de los países miembros.

Es decir este año la OEA le designó un presupuesto de 5 millones de dólares a comparación de los aproximadamente 82 millones de dólares que México le asigna a la Comisión Nacional de Derechos Humanos de México. Además de que esta instancia cuenta con 1000 funcionarios, y si la CIDH no renueva los contratos de 30 personas sólo se quedará con el 4.8% de trabajadores que tiene su contraparte mexicana.

Por lo que la CIDH hace un llamado a los países miembros de la Organización de Estados Americanos (OEA), los países observadores y otros posibles donantes a realizar aportes financieros urgentes y de libre disposición para evitar el retraso procesal del derecho de acceso a la justicia en los estados que atiende, todo esto antes del 15 de junio.

Hasta ahora la CIDH se había sostenido de las principales donaciones voluntarios han provenido todos estos años de Estados Unidos, Canadá, Dinamarca, España, Finlandia, Francia, Noruega, Reino Unido, Holanda, Suecia, Suiza y la Unión Europea.

Y de acuerdo con su presidente cuando este año fueron ...

“a golpear puertas a Europa en busca de asistencia financiera, nos encontramos con una respuesta diferente. Europa está recibiendo una gran cantidad de refugiados y eso ha generado una reorientación de sus prioridades en asistencia internacional.

Pero eso no es todo. Lo cierto es que no pudimos responderles cuando nos preguntaron por qué los países americanos no se hacen cargo de su propio sistema de derechos humanos. No pudimos responderles porque nos da vergüenza decir la verdad: América Latina y el Caribe no se han hecho cargo de su propio sistema de derechos humanos.”

El patio de mi casa, documental del mexicano Carlos Hagerman (Vuelve a la vida, 2010), es la construcción de un retrato del legado de los propios padres del cineasta: Oscar y Doris, quienes se han dedicado a impulsar proyectos educativos en comunidades indígenas y rurales de México.

Con una mirada tierna el director nos adentra en los proyectos y sueños de sus padres, así como de las personas que los heredarán, ya que aunque la pasión y el compromiso social de la pareja es muy grande, ha llegado el momento de pasar la estafeta. Oscar es arquitecto y desarrolla proyectos rurales en los que se procura que el paisaje no sea corrompido por el edificio, mientras que Doris es psicóloga y arquitecta de “situaciones en la que la gente pueda aprender”, es decir educadora.

El hijo de ambos, Carlos, es en cierta forma también arquitecto pues construye el documental en modo in fraganti, los protagonistas charlan entre sí mientras desempeñan algunas de sus actividades diarias, como dar un paseo. Carlos también incluye fragmentos de videos grabados por los abuelos del documentalista, por lo que la película brinda la sensación de ser un invitado de honor a un hogar para compartir algunos de los momentos más felices de los Hagerman y sus amigos.

El patio de mi casa es una historia de amor a la pareja, a la familia y al otro, del legado de las enseñanzas de nuestros padres. Es un relato de esperanza que nos recuerda la importancia de establecer compromisos con el desarrollo de nuestra comunidad y entorno.

La cinta fue presentada en el marco del festival internacional de arquitectura y ciudad Mextrópoli y en la gira Ambulante 2015.

Un enorme esqueleto mecánico de pulpo reposa en el Museo Tamayo. Los visitantes creen que es una simple escultura; sin embargo, éste aguarda para ser activado. Con la coordinación de ochenta participantes, entre ellos coreógrafos, bailarines y aficionados al baile, la estructura imitará los movimientos motrices del octópodo así como su sistema de pensamiento basado en el tacto. Para lograr dicha dinámica los integrantes de este proyecto estudiaron la forma en que los pulpos piensan, sienten y perciben para tomar temporalmente el estado del animal. Una tarea para nada sencilla al saber que durante el ejercicio de la actividad no puede mediar palabra entre ellos.

El autor del proyecto es el argentino Eduardo Navarro cuya obra se caracteriza por manejarla como estudios de caso, es decir el artista se sumerge en una investigación y análisis empírico de lo que provoca su interés y acude con los más diversos especialistas para identificar la experiencia sensible del organismo, la forma de su pensamiento y todas aquellas expresiones ajenas a la percepción humana; y así convierte su obra en aquello que investiga y posibilita nuevos entendimientos de lo ya conocido.

El término voyerista es usado normalmente con una connotación de perversión sexual, sin embargo, en la muestra pictórica de Santiago Carbonell éste viene a la mente por el mero placer de mirar la belleza y técnica de su obra. Mientras recorres la exposición sentirás que en cualquier momento el personaje de la pintura puede mirarte, si es que no lo hace ya. Por lo que la sensación voyerista no sólo viene de asomarnos a ese reflejo íntimo de las imágenes que cautivan, sino de la impresión del público de ser percibido por la pintura.

Santiago Carbonell comenzó a pintar a los seis años. Es un viajero nato, en su juventud vivió en España, Estados Unidos e Italia, además de Ecuador su país. Lleva 30 años en México, específicamente en Querétaro y la mayor parte de su obra la hizo aquí. Carbonell ha experimentado con distintas técnicas; primero basadas en el informalismo o expresionismo de la España de los setenta y actualmente más en el realismo y fotorealismo.

“Un artista realista no debe evolucionar, no sé si involuciono o no, pero sí he dado saltos, para mí la técnica es un trabajo de taller: descubrir secretos guardados o recrearlos” explica Carbonell, quien recrea vicios y virtudes de distintas técnicas de escuelas realistas para lograr una puesta en escena a través de su pintura. Se permite ciertas licencias poéticas en las que mezcla elementos cotidianos, espirituales, religiosos y populares. El artista califica las 28 obras que integran la exposición como un popurrí o tutifruti de lo que ha sido su vida.

Las pinturas exhibidas en Espejos de la realidad son crónicas que rompen fronteras, Carbonell narra aquello que vio en sus viajes a medio oriente, anécdotas de sicarios, movimientos sociales como el 15M o el de los 43 estudiantes de Ayotzinapa. También verás un volcán femenino emblemático de la Ciudad de México o escenas de lo que te gustaría ver a través de la cerradura en un cuarto de hotel.

“Me gusta pintar la belleza, es más difícil por la forma de la línea, se transforma como una partícula cuántica: cuando te acercas cambia”, comenta Carbonell respecto a la estética de sus obras, las cuales ya sean de influencia clásica o fotorrealista te dejan enganchado, pues delatan la enorme pasión por el arte y la técnica de su autor.  

No sólo es un recorrido por los 15 años de trayectoria del artista coahuilense Mario García Torres, también es uno por el que deberás desplazarte a distintos puntos de la ciudad. Caminar juntos es un proyecto de acción integrado, a lo largo de más de 1800 hectáreas, con obras que reflexionan sobre el lugar que ocupa el arte: ¿está en los museos o galerías? O ¿es un diálogo entre potenciales receptores que asocia cosas y conecta experiencias?, estas preguntas se plantean implícitamente en la muestra. García Torres, uno de los artistas latinoamericanos con mayor presencia internacional, traza “correspondencias entre los contextos vividos con otros contextos posibles y por crear.”

La ruta del trayecto fue delimitada al superponer el mapa del Museo de Arte Sacramento (MAS), en Coahuila, sobre el de la Ciudad de México. Las esquinas de este perímetro definieron los puntos de la exposición: el Museo Tamayo, el Hotel Montecarlo y alrededores, el Museo de Geología de la UNAM y el Teatro el Granero, entre otros.

La obra de Mario García se caracteriza por la manera en que se acerca al arte. Con una mirada que revisa los acontecimientos a punto de perecer en el tiempo, el artista investiga rumores o incidentes en la historia del arte, cine o respecto a otros artistas y transforma esas narraciones en video, pintura, fotografía, escultura, performance o lo que él llama trabajos de estudio, aquellos que surgen durante el proceso en el cual investiga o reconsidera su trabajo.

Caminar juntos se percibe como una exposición muy íntima. En el Museo Tamayo, el público podrá ver las notas personales del artista, como la serie Promesas, correspondencia en la cual Mario escribió sus metas a muy largo y corto plazo. También están las cartas que escribía al artista italiano Alighiero Boetti mientras buscaba el One Hotel en Afganistán. Esto resultó en el producto audiovisual ¿Alguna vez has visto la nieve caer? que fue exhibido en Madrid, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

García Torres ha expuesto su obra en las bienales de Venecia, Sao Paulo, Mercosur y Berlín, en la Trienal de Yokohama y en documenta 13, una de las muestras de arte contemporáneo más importantes del mundo. En México fue curador del Museo de Arte Carrillo Gil.

Es la víspera de Navidad en un barrio bajo de Los Ángeles y Sin-Dee Rella (Kitana Kiki Rodriguez), una prostituta negra y transgénero, se entera que Chester, su novio y proxeneta, la estuvo engañando con una “perra blanca” de quien sólo se sabe que su nombre empieza con D.

El drama provocado por el comentario inoportuno de su mejor amiga, Alexandra (Mya Taylor), no para hasta que Sin-Dee encuentre a su rival de amores. De esta manera, las amigas recorren los suburbios en busca de información sobre la susodicha, y en el trayecto conocemos a muchos personajes lejanos al canon hollywoondense; entre ellos a Razmik (Karren Karagulian), un taxista armenio que es cliente frecuente de Sin-Dee y Alexandra.

Aunque la trama se desarrolla en Navidad, bien podria ser cualquier día de verano, esta sensación es provocada por un ambiente con luces cálidas de atardecer y escasa decoración navideña. Son los diálogos los que nos refieren a este día festivo. “Navidad es para los estadounidenses, para nosotros (migrantes) es día de trabajar”, sentencia una frase de la película y los sitios en que se desenvuelve Tangerine lo confirman: restaurantes de comida rápida, autolavados, transporte público, prostíbulos y bares.

En esta odisea californiana, filmada con tres iPhones 5s, abunda una fotografía con tomas cerradas, a la que se suman ligeros ángulos en contrapicada y una mezcla de sonido estimulante y oportuna, y en conjunto logran que quedemos anonadados ante el desenfreno de esta comedia dramática ganadora del premio de la audiencia, del Gotham Independent Film Awards, y de mejor actriz de soporte, en los Spirit Awards.

Tangerine es implacable, no hay suficiente tiempo para detenerse a reflexionar, el espectáculo es continuo y aunque una de las protagonistas tenga apodo de princesa de cuento de hadas, en este drama la zapatilla se pierde debido a una batalla colosal entre chicas. Hay que tomar por los cuernos (o en este caso los pelos) al destino que te ponen enfrente, sobreponerse a las circunstancias adversas y el ambiente de desolación urbano. Sin-Dee Rella y Alexandra nos demuestran que la magia no está en los recursos accesorios, como las zapatillas de cristal o los mega presupuestos de filmación, sino en las personas con quien se comparten los altibajos de este drama llamado vida.

Por: Luisa García

Llevar arte a las calles, a través de murales a la vista de todos, es el regalo que trae a la Ciudad de México la tercera edición del Festival Internacional de Arte Urbano Constructo. Del 17 al 26 de marzo 18 artistas intervendrán con sus diseños las paredes de edificios en las calles de Revolución, Insurgentes, Jalisco o la México-Tacuba.

“No se trata sólo de recuperar espacios públicos sino de apropiarse de ellos, no queremos que se pinten murales por simple estética, sino que estos lleven un mensaje positivo y de reflexión”, aclara el curador del festival, Edgar Hernández. A cada participante se le pidió una breve semblanza del tema que su grafiti abordará, con el propósito de que el discurso ahí establecido logré un mayor diálogo con el público y la pieza artística.

El principal obstáculo con el que se encontraron los organizadores de Constructo fue la negativa de los dueños de los edificios a donar los espacios al arte urbano, pues aquello les genera a algunos perdidas económicas al no poder rentar los muros para propaganda o publicidad. “La propuesta fue que dejaran los murales un año, ya quedará en ellos, los conservarán el tiempo que quieran conservarlos.”

Artistas provenientes de Chile, Argentina, Brasil, Perú, Canadá y España colaborarán este año en la elaboración de 21 murales, distribuidos en tres rutas: la primera en Parque Cañitas-Faro Popotla con diseños de Rodrigo Branco y Jorge Torres; mientras que Parque Lira, Revolución 154 y Jalisco 188 y 258 pintarán Acamonchi, Hidroc, ROVOE, Vero Rivera, Sofía Castellanos, Rafael Hayashi, Janín Ruz, Telleache, Arre VRS, Mocre y Tysa. La ruta la completan los dibujos de Bosotelli y Sierrah en la fachada de un edificio de 20 metros en Insurgentes 6 y el mural de UnoNueve en Uruapan 7.

Con intervenciones al entorno público de la Roma y Condesa algunos preguntan “cuando saldremos de las colonias nice”, por cuestiones logísticas no hemos podido salir a otras zonas además de la Doctores. Constructo es un gran esfuerzo colectivo por parte del equipo y voluntarios “queremos que próximas ediciones sean en las calles de Coyoacán o Iztapalapa” dice Isaac Ríos, director creativo de Arca México, la galería que organiza el festival.

A través de redes sociales y en conjunto con distintos medios de comunicación el festival repartirá 350 pulseras de acceso para inauguración de su exposición de pintura el 26 de marzo en el Museo del Tequila y el Mezcal (MUTEM) y posteriormente la fiesta en la terraza del mismo para celebrar el cierre de esta edición. Otra de las actividades será el 20 de Marzo en Parque Lira con dinámicas deportivas en patinetas, regalos de los patrocinadores e invitados especiales como Ciler, Poni y Taquitojocoque.

La más reciente atracción de Six Flags México

Cyborg será el principal estratega a guiarte ante el embate del mal por parte de Lex Luthor y Joker hacia la ciudad del Hombre de Acero, cuya paz es consumida por los secuaces y la tecnología de estos villanos. Flash, Linterna Verde, la Mujer Maravilla y Supergirl fueron capturados y tú, ciudadano común, deberás moverte a través de todos estos peligros, con el apoyo de Superman y Batman, para colaborar y restablecer el orden.

Battle for Metrópolis es un dark ride (juego de interiores) que conjunta varios sistemas y brinda al usuario una experiencia interactiva 4D. Con proyectores 3D de alta definición, animatrónicos de algunos personajes, carritos en movimiento con pistolas láser y un score por usuario al final del recorrido. La atracción dura alrededor de cinco minutos y logró  el premio a la Mejor Atracción de Gran Escala en un Parque de Diversiones, en la IAAPA Attractions Expo 2015 con sus paralelos en Six Flags Over Texas y Six Flags St. Louis.

El set es realmente increíble, una recreación del palacio de la Liga de la justicia, las pantallas de su interior se llenan con la irreverencia de Joker y la ambición de Lex Luthor, quienes te explican por qué tomaron la ciudad y te persuaden a no hacerte el héroe. Lo cual hace amena la espera de alrededor de treinta minutos; esto una vez dentro del edificio.

Dentro del recorrido estarás en una Metrópolis vandalizada donde se leen grafitis como: Superman wears tights! (¡Superman usa medias¡) o dentro de una secuencia 3D  en la cual no necesitas estar en una roller coaster para dar un giro de trescientos sesenta grados, es una experiencia de caída libre dentro de tu vehículo móvil .  

A pesar del amplio despliegue tecnológico del juego, la interacción del mismo por medio de las pistolas de rayos láser es limitada, una vez dentro del carrito para 6 personas se te designa un color. Tu única misión es apuntarle a ciertos objetivos como barriles o robots, mientras que los superhéroes se encargan de la verdadera amenaza, por lo que tu papel de asistencia se ve reducido y más aún cuando tu láser no funciona, como me sucedió a mí y aparte los efectos especiales constaban sólo de humo y nada de llamas como se supone sucede en las Battle for Metropolis de Estados Unidos.

Si eres un amante de los comics, es imperdible la nueva atracción de Six Flags, el interior del set es toda una arquitectura urbana post-apocalíptica que te traslada al mundo de estos superhéroes. Además, presenciar el nivel de realismo en los animatrónicos de Joker y Cyborg hace que cualquiera se emocione, aunque si esperas un juego lleno de adrenalina Justice League: Battle for Metropolis no es el ideal. Eso no evita que los niños ansiosos se vuelven a formar mientras que los adultos que los acompañan en la fila se cuestionan: ¿Quién es Cyborg?