Musicologie

The legendary Peter Gabriel was in Montreal this afternoon to present an advance screening of New Blood Live in London and hold a press conference.

The concert film, which was shot last March during two concerts at London’s HMV Hammersmith Apollo during which the former Genesis frontman was accompanied by a 46 piece orchestra, will be shown again in select Cineplex theaters (including Montreal’s Cinéma Banque Scotia and Cinéma StarCité) on October 12 and 17, before being released on DVD and Blu-ray on October 25.

The New Blood CD will be released on October 11.

PETER GABRIEL ON…

3D as a gadget: “It’s just a gadget in the same way that your eyes are just gadgets. But they connect to the brain and they allow you to process images, and you have two of them. So I think it’s a device, it’s a tool [that] allows you into this world which I think is closer to real life.”

The challenges of making a 3D movie: “Blue Leach, who directed it [and] did a fantastic job I think, he had most of the problems. A thing we tried that I think I would have loved to have a little more time with, I put on a camera rig myself, just a few shots that we used from that… I think if I’d had my own monitor and just a little more time, I would have learned how to use it better. But I thought it was quite interesting, and the other thing I liked is when the camera’s able to move through the musicians, cause obviously you don’t get to do that when you’re sitting in the audience. And again, had we known how that was gonna work, I think we would have tried to engineer more of that.”

Making music with a full orchestra: “This grew out of the covers project which is called Scratch My Back. It was a song exchange: you do one of my songs, I do one of yours, that was the original idea. We’ve only got half the number of songs back again, but… Then it was a question of how to arrange the songs and I thought at first about all hand-made instruments, I wanted to do something that was different and fresh for me. And then actually, as I began thinking about that, I thought, ‘If I use traditional instruments, it’s gonna be, you know, more range of expression and great players to draw from.’ And I’d never really done an orchestral project… We always try to make some rules to help the process cause I think if you really wanna castrate an artist, tell them they can do anything they want; they haven’t got a clue what to do. If you tell them, ‘You can’t do this, you definitely can’t do that, and you absolutely must’nt do this,’ then they start thinking creatively. And so I try to do that to myself. In this case, we said, ‘no guitars, no drum kit’ – we use classical percussion – and we’ll try and make some things really, really empty, sparse, and other sections so very full. So, with that in mind, we sat down with John [Metcalfe], this amazing arranger I’ve been working with on this, and we talked about our influences, things that might have reference to this project, for instance Bernard Herrmann, who did all the wonderful Hitchcock work, with a track like Intruder [...] So we wanted to be bold. I specifically avoided some of the more popular songs, we went for things that would be an interesting journey from start to finish. I think that some of the classical projects can sound like rock-lite, and we were trying to avoid that.”

How he can navigate various genres of music while not losing his fans: “I think the best policy is to follow your passion – Joseph Campbell used to say, ‘Follow your bliss’ – and then you try and find find a way to sell it afterwards! Because I think that way, if things don’t work out, you still had a great time and an interesting journey, so that’s sort of been the way I approached things. And I know with this project, some people who like Sledgehammer and Solsbury Hill don’t like the orchestra; some do. But then I’ve also come across people who really disliked everything I’ve ever done, but they like this! So I think you have a chance, if you do something different, you lose some and if you’re lucky, you win some.”

What he likes best about the film: “I see plenty of myself so I prefer so I prefer to watch the others! The thing that I got most excited with was an idea to take the drums sections of Rhythm of the Heat and I thought, maybe what we could do is try and take the parts of drums and put them on orchestral instruments, and that’s what I asked John to do. I think that’s my favorite moment in this and in the concert.”

His relationship with Montreal: “Well, it’s always been very kind to me, Montreal, so I appreciate that. And it seems it is a home from home.”

How he sees himself: “I think, um… A man who went for an interesting life.”

His greatest achievement: “There’s this dream [I had] to make an organization of former statesmen and women which is called The Elders (theelders.org). Sir Richard Branson and I were determined to get Mandela to found that, and he was at first reluctant, but then agreed. The fact that that’s in existence is amazing to me, so I think that’s probably well up there.”

REVIEW

Up until now, save for 2008′s U2 3D and maybe a few others, 3D concert films have been reserved to teen idols à la Miley Cyrus, Jonas Brothers, Justin Bieber and the Glee cast. Enter Peter Gabriel, who couldn’t be farther removed from that, especially the way we find him here, singing in front of a 46 piece orchestra conducted by Ben Foster and focusing in great part on lesser-known art rock numbers such as Intruder (off 1980′s Melt), San Jacinto and The Rhythm of the Heat (off 1982′s Security), Blood of Eden (off 1992′s Us), as well as Darkness and Signal to Noise (off 2002′s underrated album Up ).

Also included are a few tracks from Gabriel’s 2010 covers album Scratch My Back (Regina Spektor’s Après moi, Lou Reed’s The Power of the Heart, The Magnetic Fields’ The Book of Love) and some favorites from his own repertoire like Biko, Digging in the Dirt, Mercy Street and Red Rain, culminating with the timeless Solsbury Hill and, during the encore, the very moving one-two punch of In Your Eyes and Don’t Give Up.

Un de mes chanteurs soul préférés, Lee Fields, est en concert ce lundi 4 juillet à 21h30 à la Place des Festivals.

Ce sera la 5e fois que je le verrai sur scène. J’en profite pour re-publier mon entrevue avec lui parue à la une de HOUR en 2011.

TENACIOUS LEE

Lee Fields takes us through a four-decade journey that has included fronting Kool & The Gang, struggling to step out of James Brown’s shadow and having Sharon Jones sing backup for him

(June 16, 2011)

Sitting at the top of my personal musical pantheon, or damn near it, are the great soul men of the 1960s and 1970s. Marvin Gaye. Otis Redding. Sam Cooke. Al Green. If you ask me, Lee Fields belongs in that rarefied company, even though he’s hardly as well known as the aforementioned R&B titans.

If you were at his 2009 Pop Montreal midnight show, in a Sala Rossa packed with people grooving to the sounds of the singer and his band, The Expressions, you know what I’m talking about. “Man, I tell you, I just be having so much fun,” Lee Fields says over the line when I tell him about that memorable concert. “Every night, walking on stage, it’s a privilege first of all, and to get the chance to do it over and over again? I’m like a kid in a candy shop!”

Born in Wilson, North Carolina, Fields started out singing in church, which was not that different than what he’s doing now, according to him. “See, gospel is about letting the spirit shine through. When I’m singing whatever music, I do the same thing,” he explains. “The only difference between gospel and R&B is that gospel is singing about the good news of our Lord and Saviour, and R&B is singing about all of the trials and tribulations that you have here on Earth.”

COULD HAVE BEEN

As a fan of artists such as Wilson Pickett, Tyrone Davis, Clarence Carter and O.V. Wright (“I could go on and on!”), Lee Fields began his career in the late 1960s as a singer with various bands, including Kool & The Gang before their breakthrough.

“Gene Redd, their manager at the time, saw me performing somewhere and he thought it would be a good idea to put me with them,” Fields remembers. “So I worked with them for maybe six months, we did shows at clubs and some theatres. It was a good combination, but the thing is, those guys would do a hard show and as soon as they’d get off the stage, still with sweat on them, they’d say, ‘Let’s go back to the dressing room and talk about how we can make the show better next time.’ I said, ‘Are you crazy? I thought that after you got off stage, you went out there and had yourself a good time for a minute!’ But they were so focused and I must say that, at the time, it was beyond what I had as far as self-discipline. Still, it was a great experience and I learned a lot from them.”

As a solo artist, Fields released a bunch of 7-inch singles throughout the 1970s, but he didn’t put out a full-length album until 1979′s classic Let’s Talk It Over. Why did it take so long? “I was really trying to find myself as an artist,” he says. “I kept being told I was like James Brown. Whatever I did, it seemed like I was labelled, ‘He’s a replica, he’s not an original.’ That’s what I was sensing and for that period, I was looking to find me, to find who I was as an artist. It’s hard when you resemble somebody so closely… I know the resemblance is uncanny because my own daughter, when she was a little girl, she’d see pictures of James Brown and say, ‘Daddy!’” he says laughing. “Finding myself took a long time, but trust me, man, it was well worth it. Because I know that when people see me now, they see Lee.”

Alas, almost as soon as Fields found himself, the musical landscape changed and he found that his sound wasn’t fashionable anymore. “It was rough in the 80s for me,” admits the singer. “A few shows here, a few shows there, and I had to get mainly involved with real estate. Which I’m glad I did, because it panned out really well for me. Didn’t get rich, but I live a pretty comfortable life, and I got the chance to raise my family. But the longing for music was always there.”

DAPTONE GOLD

It took until the 1990s before he could begin his comeback, first by investing in some recording equipment and cutting some songs at home, then by heavily touring through the southern United States. Fields also released a few albums on the Ace label and one on Avanti Records, slowly but surely building a new fan base.

And then began his formidable collaboration with Philip Lehman and Gabriel Roth (a.k.a. Bosco Mann), the founders of Desco Records and then, separately, the Soul Fire (now defunct) and Daptone labels, all of which Fields has worked with.

“I was the first artist to do a full-length album with them [Let’s Get a Groove On, 1999]. Matter of fact, Sharon Jones was singing backup for me then!” Fields enthuses. “The people there, at Desco at the time and at Daptone now, it’s one big family. I’m pulling for everybody; it really makes me happy to see everyone take another step up. Whatever I can do for Sharon, trust me, I’ll be there, and I feel like she’ll do the same for me. Same thing for everybody there – it’s a family, man.”

More recently, Fields was one of the first artists to record with another label, Truth & Soul, which was launched by Jeff Silverman and former Dap-King Leon Michels. The result was My World, the bloody brilliant LP Lee Fields and The Expressions have been touring with since 2009. “I have such pleasure performing this album when I go out on stage. Ladies, My World, Honey Dove… I enjoy singing those songs so much!”

Crédit photo : Toma Iczkovits 

 Mon entrevue avec domlebo publiée par Bang Bang il y a déjà 10 ans!

Pour la création de son deuxième album solo, Chercher noise, domlebo a eu l’idée originale de faire équipe avec pas moins de 37 artistes invités pour une série de sessions de quatre heures lors desquelles ils développeraient ses nouvelles chansons ensemble, pour ensuite les enregistrer live avec Dany Placard, directeur musical du projet. Tout ce processus a été filmé et en est résulté un film, réalisé par Daniel Robillard et Stéphan Doe (yellowtable).

domlebo a gentiment accepté de répondre à quelques questions à propos de son projet. Chercher noise, pour toi, c’est chercher le trouble ou chercher « le noise » comme Neil Young?

Chercher noise c’est exactement ça: les deux. De provoquer les rencontres, les face-à-face, les échanges et les batailles, que ce soit avec les invités ou les éléments ou déjà, dès le début du projet, entre Dany Placard (le directeur musical) et moi. C’est aussi de rechercher, essayer, découvrir et faire des choix sur comment la chanson sera livrée: son intention, son instrumentation, sa structure, etc.

J’ai toujours adoré cette expression où on a naturellement envie de prononcer «noise» à l’anglaise.

Ton projet comprend un disque accompagné d’un film – ou est-ce plutôt un film accompagné d’un disque? Le projet c’est vraiment le film et ce que le film raconte, c’est le projet. Le projet de monter 10 nouvelles chansons avec un paquet de monde dans 10 lieux différents, avec 4 heures devant nous à chaque fois et seulement 6 pistes pour les enregistrer. Que le tout soit documenté. Que ça devienne un film. Qu’il soit projeté, qu’il voyage librement, qu’on joue avec ensuite, qu’il ouvre des portes.

C’est évident qu’on souhaitait avoir une super bande originale (ou trame sonore) au final. Ça aurait pu être catastrophique (ça n’a pas toujours été facile soit dit en passant) et nous donner juste 5-6 bonnes tounes; nous n’aurions pas eu un disque très très fort. Ça faisait absolument partie des risques. On s’en est assez bien sorti. Dany a fait quelques miracles aussi.

Après l’aventure plus solo que solo de Grand naïf, où tu faisais tout, comment s’est déroulée pour toi cette aventure de collaboration épique avec deux cinéastes (Daniel Robillard et Stéphan Doe), un directeur musical (Dany Placard) et pas moins de 37 musiciens invités?

Je suis content que tu ramènes les gars de yellowtable (Daniel et Stéphan) dans le portrait: j’ai eu à chercher noise avec eux aussi pendant pas loin de 15 mois. Comment ça a été? Relativement bien. C’est-à-dire que je me suis donné en moyenne à 60 heures par semaine pendant je ne sais combien de temps… Des milliers de courriels et de téléphones, de la coordination et des p’tits bouts de papier qui se déplacent sur un tableau de liège, des rencontres, beaucoup de rencontres.

J’adore jouer avec les autres, organiser, partager et monter des affaires folles. En ce moment, nous montons un cabaret qui s’appelle «pour un printemps québécois» pour le 21 avril, la veille du 22 et de sa manifestation. Comme pour Chercher noise quand tu choisis les gens avec qui tu veux travailler, qu’ils sont fins, généreux, ouverts et qu’ils veulent aller dans le même sens, tu réalises des trucs fantastiques, vis des expériences humaines marquantes à jamais et les heures, les problèmes et les petites et grandes déceptions ne comptent plus.

Je ne me suis donc presque pas «pogné» avec Daniel et Stéphan. Nous voulions si fort fabriquer de quoi de beau, d’intéressant, d’unique, de quoi qui n’existe pas. Nous nous sommes bien mis au clair ce qu’on aimait et aimait pas, toujours parlé franchement et appuyé les uns les autres. Rendu au montage, ils ont fait à leur tête, c’est leur film et c’est pour ça que c’est bon et que c’est crédible: ce n’est pas moi le documentariste.

Est-ce que le fait que le film Chercher noise ait été sélectionné pour être présenté lors de la 30ème édition du Festival international du film sur l’art est en quelque sorte une validation de ta démarche artistique?

Je ne sais pas si ça vient valider ma démarche ou la qualité de mes chansons ou quoi que ce soit par rapport à moi. Je sais par contre que ça vient dire: “heille, votre film est bon les gars, et c’est un film d’art sur l’art.” Ça vient dire à tout le monde que ce n’est pas qu’un documentaire ou encore une suite de clips; c’est l’oeuvre et son «making-of» à la fois.

Après le film et le disque, j’imagine que la prochaine étape logique est le spectacle? Quelle forme pourrait prendre Chercher noise sur scène? Espères-tu réunir tous les musiciens avec qui tu as collaborés en spectacle au moins une fois?

Je te disais que j’aimais organiser des choses avec beaucoup trop de monde… J’ai reçu un beau coup de téléphone d’un certain festival montréalais de chansons francophones. On m’a dit: “domlebo, aimerais-tu ça présenter Chercher noise sur scène et inviter pas mal de monde?”

Moi, je suis parti en peur comme on dit et j’ai carrément invité les 37 artistes du film. Plus d’une vingtaine ont déjà super confirmé. Comme si ce n’était pas assez de les avoir sur scène pour la pièce à laquelle ils ont participé dans le film, j’ai le front de leur offrir de participer à une autre, de leur choix. Joyeux bordel! Placard sera assis avec sa grosse guitare Gretsh et aura carte blanche; il jouera où il veut, pourra se lever et partir, etc. Je vais TELLEMENT m’amuser.

En février 2009, j’étais nouvellement rédacteur en chef du Voir Mauricie et j’avais choisi de consacrer la une du journal à Coeur de pirate à l’occasion de son concert à la Maison de la culture de Trois-Rivières le soir de la Saint-Valentin. Je suis retombé là-dessus via mes “souvenirs Facebook” et j’ai trouvé ça cute, alors j’ai voulu republier l’article ici.

Coeur de pirate: Les chansons d’amour

Coeur de pirate, alias Béatrice Martin, nous visite dans le cadre des Nuits polaires, qui coïncident avec le week-end de la Saint-Valentin. À cette occasion, nous avons proposé à la jeune chanteuse et pianiste un quiz rose bonbon, inspiré de ceux qu’on trouve dans les magazines pour adolescentes.

Qu’est-ce qui fait le plus battre ton coeur de pirate?

Béatrice Martin: Les surprises. Je suis tellement fan de ce qui est spontané en amour…

Quelle est ta chanson d’amour favorite?

First Day of My Life, de Bright Eyes, même si ça peut s’appliquer à pas mal de trucs.

Faut-il être en amour pour écrire une chanson d’amour?

Non. Mais faut savoir bien imaginer.

Ou, mieux encore, en peine d’amour?

Ça, c’est le meilleur. Surtout dans mon cas.

Préfères-tu jouer seule ou en groupe?

Je crois que je suis capable de mieux parler aux gens et chanter ce que je ressens quand je suis seule.

Es-tu comme La Poune, tu aimes ton public et ton public t’aime?

(Rires) J’adore mon public, et j’espère que le public m’aime aussi… Sinon, ça ne doit pas être drôle quand il vient me voir en spectacle.

Passion éphémère ou "aime-moi moins mais aime-moi longtemps"?

Si je peux avoir les deux, je suis contente, mais je crois que la passion ne dure que très peu de temps, pour après laisser place à la relation d’adulte, tu sais, celle qui compte, là…

Quel est ton souvenir le plus "salement romantique"?

Malheureusement, pour respecter la définition de "salement romantique", je n’en ai pas. Mais je suis très kitsch dans ce que je trouve romantique… et jamais on n’a réussi à me surprendre de ce côté-là.

Fleurs, chocolat ou porto?

Quoi, les gens boivent vraiment du porto à la Saint-Valentin? Moi, je suis encore une enfant, donc du chocolat, svp.

C’est la Saint-Valentin et tu es en spectacle à Trois-Rivières. Regrettes-tu de ne pas être dans les bras de ton amoureux?

La page Bang Bang du Voir, consacrée à la scène locale, a été lancée il y a 10 ans, et j’y ai signé un premier article consacré à Will Driving West, qui s’apprêtait à lancer son premier album, The Breakout, le 10/10/10.

Flash-back!

ROAD TRIP MUSICAL

Le groupe folk Will Driving West nous invite à prendre la route avec The Breakout, son  premier album.

Un film de Gus Van Sant. Un plan d’une voiture en route vers la Californie. Une chanson d’Elliott Smith sur la trame sonore. Et soudain, David Ratté a trouvé le nom qu’il donnera à son nouveau projet musical. «Dans Good Will Hunting, à la fin, il s’en va rejoindre sa blonde dans l’Ouest. C’est ça, Will Driving West. Par après, je lui ai donné d’autres significations, mais au début, c’était supposé être des chansons qui s’écoutent bien en road trip», résume celui que les mélomanes à l’affût connaissent déjà en tant que leader du groupe post-rock Man an Ocean.

Les neuf chansons qu’on retrouve sur The Breakout, le premier album autoproduit de Will Driving West qui sera lancé de façon numérique le 10 octobre, ont été composées dans un bref laps de temps. «On dirait que ça s’était accumulé tout le temps que je n’en avais pas fait. Une fois que j’ai ouvert la porte, l’inspiration était là puis c’est tout sorti en trois mois. Je pense que c’était un besoin sans que je le sache», confie le jeune homme originaire de Baie-des-Sables.

D’abord un projet solo, Will Driving West a pris une autre tournure avec l’arrivée de la chanteuse Andréa Bélanger. «Un jour, se rappelle-t-elle, David m’a demandé de faire des voix sur quelques chansons, puis finalement, j’ai pris un peu plus de place que prévu!» David poursuit: «Je trouvais que nos voix s’harmonisaient tellement bien ensemble qu’Andréa est devenue membre à part entière de Will Driving West. Avec Camille [Paquette-Roy], ça a été la même chose: je lui ai demandé de venir faire une ou deux tracks de violoncelle, puis on a tellement aimé ça qu’on s’est dit qu’il fallait aller plus loin avec ça.»

1 - Sigrid - Sucker Punch

Mon plus gros coup de coeur de l’année, 12 chansons pop parfaites, qui illuminent l’humeur chaque fois qu’on les écoute. J’ai par ailleurs eu la chance de voir la jeune auteure-compositrice-interprète norvégienne sur scène à la fois à Osheaga et par après dans l’intimité du Théâtre Corona, ce qui m’a fait aimer encore plus sa musique.

Écoutez : Don’t Feel Like Crying

2 - Patrick Watson - Wave

Mon plus gros mood de l’année - une vague d’émotions.

Écoutez : Here Comes the River

3 - Tool - Fear Inoculum

Un autre gros mood, plus métal/prog ici. 

Écoutez : Pneuma

4 - Joël Martel - Le château de soucisses

Peu d’artistes me font autant rire, mais Joël Martel peut aussi être extrêmement touchant.

Écoutez : La chienne

5 - Operators - Radiant Dawn

Des hymnes électro-rock remplis d'urgence, trame sonore de la dystopie qu'on vit.

Écoutez : Faithless

6 - Barrdo - L'éternel retour

Quelque 70 minutes de rock de tous genres, de la pop des années 1960 à l’indie des années 2000, en passant par le prog des années 1970.

Écoutez : Tôt ou tard

7 - Leif Vollebekk - New Ways

J’ai tellement écouté ça, j’adore la chaleur du son, l’atmosphère, la vibe. Puis c’est juste des vraiment bonne tounes, en plus.

Écoutez : Hot Tears

8 - Jean Leloup - L’étrange pays

Un album intimiste, inspiré, irrésistible d’une légende vivante.

Écoutez : Les goélands

9 - Lee Fields & The Expressions - It Rains Love

Un autre grand album de soul de la part d’une de mes idoles.

Écoutez : Love Is the Answer

10 - Ingrid St-Pierre - Petite plage

Mettre des émotions en mots et en musique avec tant de délicatesse et de dextérité, c’est si beau.

Écoutez : L’enneigée

BONUS - Milk & Bone - DIVE

C’est un EP de seulement quatre chansons, mais ça demeure un des albums qui a le plus marqué mon année. De la synth-pop qui me transporte à coup sûr.

"I'm playing more of a pure-type thing, exactly what I feel at the particular time. Whatever it turns out to be, I don't know." That's Jimi Hendrix talking to KMPX-FM in 1968, but it might as well be Jean Leloup, sitting on the terrasse of a Mile End café a couple of weeks ago and telling me about his latest endeavour, The Last Assassins. Throughout my interview with the local music scene veteran and his new partners in crime, Hendrix's name keeps coming up. "Jimi Hendrix didn't play music so that people would say he was extraordinary, he did it because he needed to," says Leloup. "The reason I make music is because I need to share with people something else than shitty conversations about relationships and midlife crises..." For Leloup, The Last Assassins -- a project which has him taking off his singer hat to focus almost entirely on his guitar playing -- is an opportunity to finally let his inner Hendrix loose. "There are lots of guitar riffs from that whole Hendrix school, I've written a lot of riffs like that and have never been able to add lyrics to them." Then came the making of Karaoké Dream, his experimental film that screened at Fantasia this summer, and the realisation that all those riffs would make an ideal soundtrack for it, though he still figured it'd be good to have some lyrics to go along with his music. Enter Virginia Tangvald and Mathieu Leclerc. Leloup met the former in a bar, found her accent sexy and asked her to sing backing vocals on his 2009 album Mille excuses Milady. The latter he met some ten years ago, on a street corner, and after finding out that he wrote, Leloup collaborated with him during the creation of 2003's La Vallée des réputations. The three of them ended up getting together at Pierre-Carl Daoust's Studio Orange to record songs for Karaoké Dream, with lyrics written and sung by Tangvald and Leclerc, and a whole lotta raw, gritty, almost arrogant riffs played with gusto by Leloup. "We began to jam," remembers the guitar slinger, "and we never stopped." The result is an album, simply titled The Last Assassins, ostensibly the soundtrack to Karaoké Dream. "But the record and the film each have their own life," Tangvald points out. "They both live independently."

JOHN THE WOLF

Even though he's been an iconic figure of our franco music scene for more than two decades, going back to early hits like Alger, Printemps-été, L'amour est sans pitié, Cookie, Isabelle and the generation-defining 1990, Jean Leloup, who was born in Quebec but who grew up in Togo and Algeria, has never been against doing songs in English. Prior to the nearly 100 percent anglo The Last Assassins LP, he recorded half a dozen of them (Think About You, Blue Eyes Sky, Horrible Fool, etc.), not to mention such bilingual classics as Johnny Go, I Lost My Baby or Je joue de la guitare, with its "Fuck the system, do it, do it, do it..." hook. "You do it the way it comes out," says Leloup. "Like I did this song Think About You in English probably because, at the time, I'd been speaking in English a lot. That's often what happens, like when you spend three months travelling, you talk in English all the time, then when you sit down to write a song, it comes out in English." "We did write some songs in French, but in the end we had too much material and we decided to keep those for Jean's next album," mentions Tangvald, who was born in Puerto Rico from European parents, then grew up in Toronto. "Nothing was really thought-out, it was all done on the spot," adds Leclerc, who's of Acadian descent. "Ultimately, playing guitar is the trippiest thing for me, and that's universal," says Leloup. Who knew all it took was six strings to end the linguistic divide?

ELECTRIC VOODOO NIGHT

Il y a de nombreuses auteures-compositrices-interprètes talentueuses au Québec, mais aucune ne me touche autant qu’Ingrid St-Pierre. Depuis maintenant une décennie (en 2009, j’allais la voir jouer du piano et chanter au Café Morgane du boulevard des Forges à Trois-Rivières), elle parvient à trouver les mots justes pour parfaitement dépeindre un état d’âme, une situation, un sentiment. C’est parfois drôle ou mignon, parfois sombre ou mélancolique, mais d’une façon ou d’une autre, c’est toujours finement observé et décrit. 

Petite plage aborde autant la dépression (À la mer) que la vieillesse (Les joailliers) et ces thèmes fertiles que son l’amour et le couple (Les amoureux scaphandres, La vie devant, Les épousailles), immanquablement avec sincérité, esprit et poésie. Un des nombreux moments forts : La lumineuse (lettre à mon fils), une missive qui déborde d’espoir. Réalisé par Philippe Brault tout comme le précédent (Tokyo), le disque n’est jamais monotone, modulant des sonorités variées autour du piano et de la voix de St-Pierre. Entre autres, on peut entendre Camille Paquette Roy au violoncelle, Liu-Kong Ha aux percussions, et Brault lui-même aux effets sonores, à la programmation et à divers instruments. Il y a même le duo électro-R&B Heartstreets qui fait une étonnante apparition sur Sac banane! 

1 - Will Driving West - Silence

Neuf chansons qui cristallisent le son distinctif de Will Driving West, un enivrant mélange de folk, de rock et de pop, où la mélancolie valse avec l’espoir. Ironiquement, Silence est un album à écouter très fort, le cœur gros et le poing levé. Ça ne sonne pas comme du Arcade Fire, mais ça donne cette même impression que tout est possible, que la musique nous sauvera.  

2 - Alexandra Stréliski - Inscape

Un album parfait pour l'automne, me suis-je d’abord dit, mais il convient finalement à toutes les saisons littérales et figurées. Ses émouvantes compositions instrumentales au piano sont comme des musiques de films imaginaires. On y ressent le vécu de la musicienne, mais chaque auditeur peut également y verser le sien.

3 - Hubert Lenoir - Darlène

Un mélange de rock foncièrement rétro avec une bonne dose de pop androgyne, à grands coups de guitare, de piano/synthés, de percussions et oui, de saxophone. Une œuvre ample et dense, un album en bonne et due forme, qu’on a envie de déclarer classique instantané.

4 - Shad - A Short Story About A War

Le flow de Shad est à la fois fluide et aiguisé, et ses textes sont merveilleusement engagés, militants, imagés, percutants. Shad jette un regard lucide sur un monde en guerre contre lui-même, contre une grande partie de sa propre population. Mais le tout est ponctué de notes d’espoir, de joie, d’humour… 

5 - The Lemon Twigs - Go to School

Un épique album concept qui mérite d'être mentionné dans la même phrase que Tommy de The Who. Chaque chanson est à la fois complexe et limpide, réservant maintes surprises et trouvailles mélodiques, comme un mariage harmonieux entre la pop et le progressif.

6 - Dumas - Nos idéaux

Il y a quelque chose d’éternellement jeune chez Dumas, même si son premier album date quand même d'il y a 17 ans et qu'il en a fait paraître six autres depuis. Aucun signe d'essoufflement ou de relâchement chez l’auteur-compositeur-interprète de Victoriaville, qui livre ici une de ses meilleures collections de chansons en carrière.

7 -  Milk and Bone - Deception Bay  

14 nouvelles chansons électro-pop minimalistes aux sublimes harmonies vocales. Tour à tour sensuelles et mélancoliques, les compositions du duo montréalais créent des atmosphères envoûtantes, ponctuées de mélodies irrepréssibles.

8 - Moonface - This One's for the Dancer & This One's for the Dancer's Bouquet

Un double LP où une pièce sur deux fait partie d'un album concept étonnamment émouvant sur le pardon du point de vue du Minotaure, prisonnier d'un labyrinthe, via des pistes vocales trafiquées et des marimbas déchaînés. Les autres chansons, hors concept, sont plus terre à terre thématiquement, mais toujours aventureuses musicalement, avec des boucles de synthés, des couches de percussions et des envolées de saxophone. Une œuvre exigeante qui récompense les écoutes répétées.

9 - Ariane Moffatt - Petites mains précieuses

Un excellent album de pop avec tout plein de synthés, merveilleusement réalisé par l'auteure-compositrice-interprète avec l'incontournable Philippe Brault (qui a aussi travaillé sur les excellents plus récents albums de Koriass, Safia Nolin et des Beaux Sans-Coeur, entre autres).

10 - Joël Martel et les pépites d’or - Michel

Celui qu’on connaissait auparavant comme Martel Solo nous est arrivé fin octobre avec un album concept d’Halloween plein de synthés à John Carpenter. Probablement sa plus brillante création à ce jour.

CHANSON/VIDÉOCLIP DE L’ANNÉE

This is America - Childish Gambino

C’est un festival de musique différent des autres. Plus modeste, plus intime, dans un décor assez unique avec le viaduc et la voie ferrée tout près. Un festival très familial, avec des enfants qui courent partout l’après-midi (il y a même une aire de jeux). C’est Mile Ex End, qui en est à sa deuxième édition en ce week-end de la fête du Travail.

Mon samedi a commencé en force avec le Vinyl Vaudeville de Kid Koala, une formule où le prodigieux DJ montréalais est accompagné de danseuses costumées, de mascottes et de marionnettes. Un spectacle qui redore les termes usés ludique, festif et déjanté.

Puis à côté du parc sans nom, sur la plus petite scène, la première de plusieurs belles découvertes pour moi : la synth-soul de l'artiste androgyne Nakhane, originaire d’Afrique du Sud. C’est aussi sur cette petite scène que j’ai découvert plus tard dans la journée le R&B jazzy de Charlotte Day Wilson et le punk rock de Pup,

Sur la grande scène, Tire le Coyote, que je n'avais pas revu depuis les Francouvertes 2010, a livré un solide set de folk-rock . L’auteur-compositeur-interprète, qui est accompagné d’un excellent groupe, a le vent dans les voiles ces temps-ci, avec raison. Ses chansons atmosphériques nous transportent ailleurs. 

La tête d’affiche du samedi était l’une de mes formations favorites, les Barr Brothers, qui étaient accompagnés d’une section de cuivre et d’une section de cordes pour l’occasion. Mais surtout, les Barr Brothers sont un sacré bon jam band, qui prouve que le rock est toujours vivant. Ils ont joué beaucoup d’extraits de Queens of the Breakers - mon album préféré de 2017 - et c’était juste parfait.

Le moment fort du jour 1 a néanmoins été la performance endiablée de Hubert Lenoir, que je rêvais de voir sur scène depuis la parution de son album Darlène l’hiver dernier. Je n’ai pas été déçu. Hubert Lenoir est l'une des plus belles bêtes de scène que j'ai vues de ma vie. Sexy, sensuel, sauvage, salace... Un Hedwig and the Angry Inch québécois. Il a grimpé dans la structure du viaduc, il a fait du crowdsurfing, et il a terminé son set en jouant le riff de Smells Like Teen Spirit. Ouais, ça sentait l’esprit adolescent, l’essence du rock.

Dimanche, j’ai entamé ma journée directement à la petite scène avec Klaus, le super-groupe mené par François Lafontaine, Joe Grass et Samuel Joly, qui lancera son premier disque ce vendredi 7 septembre. Leur set fut de loin un des plus stimulants du festival. Klaus s’impose non seulement comme le meilleur nouveau band montréalais, c'est aussi le plus beau trip de musiciens que j'ai vu depuis longtemps. De l'indie rock teinté de krautrock, d'Afrobeat et surtout de PROG! C'était divin.

Plus tard, j’ai attrapé Rhye et son R&B plutôt groovy, qui se distingue par la jolie voix quasi féminine du chanteur, ainsi que la pop mélancolique de Helena Deland, qui a séduit la foule malgré les averses de pluie!

Mon week-end s’est conclu avec Broken Social Scene, qui est à Toronto ce que Arcade Fire est à Montréal. Une véritable sommité de l'indie rock contemporain. Ils étaient une bonne douzaine sur scène, avec notamment un formidable mur de guitares et une section de cuivres. Un bel ajout : la voix de la chanteuse montréalaise Ariel Engle.