Jonny Guerra

Ningún Lugar es un proyecto expositivo del artista autodidacta Elvin Guerra, el proceso constituye un principio que ha estado latente, de manera ulterior, en etapas pasas del artista, que integra las formas de pensar de un grupo. En esta ocasión el trabajo se desarrollo con la clase de Historia que imparte la licenciada Leiby Orellana.

“Ningún Lugar” intenta promover la crítica de la construcción de la identidad, específicamente de las llamas identidades nacionales y como se ponen en crisis ante un contexto globalizado e influyente por la tendencia. El proceso fue simple, nos reunimos en la clase a charlar con los estudiantes sobre que pensaban de la identidad, analizamos a través de la historia como se ha moldeado el concepto y por ultimo formulábamos ideas de cual era nuestra identidad [nacional], como nos pensamos socialmente, luego los estudiantes compartieron fotografías de sus redes sociales, donde algunas fueron convertidas en ilustraciones digitalespara dar lugar a la exposición.

Pero ¿qué sentido tiene presentar una exposición en un televisor o en un link de algún blog, como en este caso? Lo primero es reconocer el contexto digital en que vivimos, luego desapropiar a la obra de arte en este caso, de un lugar y cuerpo material, puesto que la exposición carece de ese componente físico tan útil para el arte para hacerlo parte de la historia, nos vienen las siguientes preguntas ¿en qué lugar existe la exposición? ¿Cuánto dura la exposición si esta “colgada” en internet? ¿podemos hablar de la muestra, como una muestra oficial o necesitaríamos presentarla en otro contexto para oficializarla, quién haría eso? Desafiar temporalidad, oficialidad, y reconocimiento artístico es parte de esta muestra.

También sintetizar el pensamiento de los estudiantes que participaron sobre la reflexión sobre la realización de su ser a través del desarrollo de su personalidad. Pero, donde todavía hay cierto temor por la propia globalización “¿globalifibicos?” es difícil desarrollarnos en un país donde las diferencias sociales son tan marcadas, no solo se trata de cuestión económica sino también en ese esnobismo tan impropio para los llamados países subdesarrollados, nuestra identidad oscila, según el pensamiento de estos jóvenes en el péndulo de la tecnología pautadora de formas de vida. Por ello apelamos a este proceso, que a diferencia de la globalización, tan promovedora de las diferencias sociales,   apostamos por formas de vida más mundializadas, donde la oportunidad se vuelve electiva y no selectiva. De allí lo importante de involucrar, para el artista el pensamiento de este grupo de estudiantes.

Elvin Jonny Guerra

17 de octubre de 2016, Santa Rosa de Copan

Uno nunca espera que un pequeño ser como el pájaro quede atrapado en una tormenta, pero si llegase a pasar, abatido por el agua, cae y no sabe si morirá. En el suelo espera al sol y si por accidente queda debajo de la sombra, se arrastra lentamente para recibir el calor del astro, espera, no se inquieta.

De repente:

“Empezar teórica y prácticamente por el arte clásico, para saber qué era eso del arte clásico y distinguir lo sustancial y permanente de lo secundario y adjetivo”. (Pablo Zelaya Sierra, Hojas escritas a lápiz, 1930)

Hace aproximadamente ocho meses me estaba contactando la artista Cintia Tosta para invitarme a participar en una exposición en honor al maestro Pablo Zelaya  Sierra, la dinámica era simple, estudiar al pintor y realizar una obra inspirada en su trabajo y pensamiento.

En lo personal siempre e admirado a Pablo, no solo por ser padre de nuestra plástica moderna sino porque no era un pintor que se tomara las cosas “alla prima”. La abstracción de Pablo nunca fue al azar, no fue sentimentalismo diluido en modas, tendencias o grandes discursos persuasivos, como esta de moda. Kandinsky en “Lo espiritual en el arte” nos recuerda la otra brecha, la de los que añoran tiempos mejores, de antaño, del tiempo clásico o el renacentista. A ellos les escribió: “tratar de hacer arte a la manera de los antiguos griegos es como tener un aborto” pues no se puede adivinar que sentían, cual era el autentico ideal al hacer sus propias expresiones que ahora pertenecen al pasado.

 Dos tipos de artistas tenemos aquí: al bufón contemporáneo, jovial y de moda, al clásico, inerte, sin sentido, maestro de una técnica, y en ambos casos des-poseedores de espíritu. Pablo, es hijo de su tiempo, de un presente, el arquetipo de la Honduras que plasma es nostálgico, pensado y re-pensado en cada figura geométrica que la componía, Apollinaire decía que “el cubismo al estimar la pureza es bautizar el instinto, humanizar el arte y divinizar la personalidad”. Pablo apreciaba el eterno fermento de las obras (antiguas) maestras, pero buscaba ser sincronía con el tiempo, las técnicas y los avances que le toco vivir.

La lección de Pablo: la abstracción no es un impulso sentimental donde se revire pintura como si fuera terapia neo-freudiana. Es un recorrido personal, estudiado, de conocer el arte clásico y dominar la antigua técnica para saber descomponer, armarla, desarmarla y crear. Pero siempre un golpe, un impulso: consciente.

De la serie Añorando la libertad/ NIÑOS JUGANDO A SER LIBRES

De la pedagogía de la vida a la pedagogía de la linea

Eran como las cinco de la tarde, en estos días en nuestros pueblos centroamericanos hace calor, había una gruña de cipotes jugando pelota en la calle, cuando quise pasar, gentilmente grito uno ¡va a pasar gente, alto! y me dio, un instante para fijarme que las metas eran un par de piedras. Ha ellos les dio también oportunidad para descansar, y discutir quien era barsa y quien madrid.. En lo personal, pensé en lo mortífero que podemos ser con los que denominamos niños. Desde el día que en los diccionarios se configuraba la idea de infancia como "momento del ser humano, donde se produce su desarrollo biológico y psicológico, podemos caer en el peligro de dejar a un lado algo que nunca va a morir pero que podemos olvidar fácilmente, lo esencial del ser y la vida. Hoy quiero reflexionar en torno a la obra del artista guatemalteco Josue Ramirez, nacido en Quetzaltenango, nos muestra una figuración abordada desde el tema del juego y el juguete.

Pero ni el juego ni el juguete que nos muestra en su obra, son esos aparatos electrónicos que muchas veces han vuelto a nuestros niños sedentarios o despreocupados, matando la curiosidad e inclusive su creatividad. Sino aquellos viejos artefactos hechos de madera. Hablando un poco de la historia del juguete, no se sabe a ciencia cierta, cual fue su origen, tal vez el uso de guijarros o la misma imaginación, pero es algo que por naturaleza todos hacemos, jugar.

Esta actividad no sugiere un modo particular de mantener alejados a los niños, como si nos estorbaran o incluso creo sobrepasa el ideal pedagógico, porque ¿que caso tiene un juguete que impida al pequeño ser determinado, desde sus primeros años? Erick Erickson, sugiere que el infante, desde los seis años el niño piensa con libertad con que jugar, inventa sus propios juegos e inclusive sus normas, hay todo un complejo sistema de moral e iniciativa en todo esto. Cosa que muchas veces es reprimida, por padres sobre protectores o desentendidos.

Jugar implica para el niño la oportunidad de entender un mundo al que se lo mostramos grande, por que ser grande es ser adulto, ser grande es tener madures. De allí supongo aquella vieja pregunta ¿que quieres ser cuando seas grande? Hace días me preguntaba, precisamente, que si nacemos niños ¿porque dejamos de serlo? porque es desarrollo, por que es etapa, son muchas las respuestas a considerar si lo vemos desde la pediatría, la psicología o la sociología, para mi solo es un artificio, falacia que aceptamos ante un deseo de seguridad que lo tratamos de reflejar ante el ser adulto.

Por eso para mi es importante la reflexión hecha por el artista. Aun que hay una nostalgia por los buenos tiempos, me parece que una mirada concreta a lo que recordamos es un momento para poder rectificar el quien soy. Ese quien soy, lo llevaremos a la tumba, como seres pensantes y con tendencia al desarrollo siempre nos sentiremos intrigados ante la existencia, "mil veces podemos ver el nacimiento del sol y mil veces lo encontraremos hermoso".

Inocencia es uno de nuestros primeros estados, pero perdidos ante el determinismo de la pedagogía de la linea. el derecho de ser libre lo intentamos ganar por medio del señor dinero, y perdemos esos momentos alegres de patear el balón sin un porque, el de compartir una galleta o simplemente caminar todos sudados al trabajo o a la universidad después de intentar competir con tu mejor amigo.

Si hablo de lo universal en el arte, me refiero aquí a esa capacidad que tiene el autor de quitarle el pasado a la obra y negar-le un futuro, para hacerla siempre presente, o sea una verdad permanente, pues si el pasado y el futuro no son nada, nada puede separarlos. Ya no hay más que la eternidad, que es el presente mismo. Entre nada y nada: todo.

Pero si es atrayente para nosotros la eternidad, el sentimiento, la imagen, movimiento o el sonido y lo que puede suscitar de todos ellos, no dejemos que el arte se convierte en objeto de una sala vacía, sino vamos a la sala y volvamos-la punto de encuentro, del estar, un dejar registro que existimos, que transformamos y desarrollamos la historia.

Últimamente arte se exhibe de diferentes maneras, tal vez falta enfatizar las características que aporto el arte de latinoamericano al arte mundial, pero lo que si es cierto que las manifestaciones cada día se hacen mas evidentes, característica también compartida con la globalización, sobre todo el uso de las redes sociales, Le Bong en su libro sobre las psicología de las masas, las describe como un conjunto de personas que piensan o sintonizan sus ideas en un determinado momento, una masa de persona no es pues una aglomeración de ellas sino un grupo particular que sincroniza sus deseos pero que no necesariamente están en un mismo lugar.

El problema es el siguiente, para concretar la idealización pareciera que debería existir un lugar de encuentro, que evidencie la existencia del grupo, el estar constantemente detrás de una red social, pudiera ayudar a poner en evidencia tal grupo, pero no sustituye a la persona en si misma, el poder estar presente, el poder ver a la otra persona se a infravalorado.

Mis contactos en facebook afirman que parte de la decadencia del arte se debe al poco apoyo de participación de las personas, la ironía es que los que no van son los que en redes sociales se quejan, miramos tan inofensivas las redes sociales, pero no vemos cuanto nos pueden alejar de las realidades que se tocan y se moldean. 

No hagamos tantos comentarios negativos en redes sociales, no participemos en el show mediático, que se vuelve un espectáculo trágico, con frases de: