Pops and Indies

Gilmore Girls é uma dessas séries que são como o cobertor velho que você usa enquanto assiste televisão. É manjado, é confortável, e volta e meia você o usa, mesmo quando o tempo não está tão frio. Mas eu não estou aqui para falar das aventuras de Lorelai e Rory Gilmore. O que eu quero mesmo é chamar a atenção para a trilha sonora do seriado, e de como a produção foi um retrato perfeito do indie rock americano. A começar pela identidade sonora criada por Sam Phillips – que é uma compositora. Ela usou o violão e outros badulaques acústicos para dar o clima minimalista e intimista do seriado. Havia ainda um trovador que fazia uma ponta em diversos episódios, interpretado pelo compositor Grant Lee Phillips.

O ouvinte do indie à época gostava de colocar em prova os conhecimentos tanto sobre os clássicos (lado B) quanto das bandas mais obscuras. Esse sujeito também gostava de “descobrir” todas as gemas surgidas em uma garagem qualquer antes mesmo que elas se tornassem modinhas. A trilha de Gilmore Girls tem esse mesmo espírito: o clássico do lado B, o obscuro e os candidatos a serem futuros clássicos, mesmo que essa suposta gema nunca se concretizou.

O disco que marcou o lançamento da trilha sonora oficial chama-se Our Little Corner of the World, que é uma referência direta da música My Little Corner of The World, do Yo La Tengo. Eu não te culpo se você nunca ouviu falar dessa banda que surgiu em New Jersey em 1984. Mas se você a conhece, parabéns, você foi um ouvinte do indie. Nesse disco e nos compilados não-oficiais que surgiram posteriormente você encontra Carole King, XTC, Komea, Pixies, Belle and Sebastian, Big Star, Bjork, PJ Harvey, Slumber Party, The La’s entre outros. Uau, parece até aquele CD-ROM que o Luiz Cezar (Fu-Fluiz) gravou para mim, e que eu tenho até hoje!

O seriado também tinha aqueles momentos em que um artista aparecia, e os mais antenados diziam: Oh, eu conheço esse! São cenas como o Sonic Youth tocando na praça da fictícia cidade de Stars Hollow. Ou Lorelai no show das Bangles.

Talvez o seriado não te chame atenção. A trilha sonora, por outro lado, é um primor. Vale a pena conhecer.

Por Djenane Arraes

Amy Jo Johnson lançou uma série de três singles depois de mais de mais de uma década de hiato na carreira musical. Para quem não sabe, Amy Jo Johnson é a pink ranger original, Kimberly. Eu sabia que a artista em questão se aventurou na música indie. Na verdade, eu lembro a primeira vez que a ouvi cantar, que foi justamente em um episódio dos Power Rangers. Depois, em Felicity, Amy Jo interpretou uma garota hesitante com ambições musicais. Também lembro do filme para a TV, Sweetwater, sobre a banda que abriu Woodstock, em que ela cantou e verdade para interpretar a vocalista. Em resumo, eu considerava que ela tinha uma voz bonita. Mas eu acompanhei essa carreira musical? A resposta é não. Vejamos, Amy Jo lançou o primeiro disco, de uma discografia de três itens, em 2001. Neste mesmo ano, as minhas atenções musicais estavam voltadas quase que exclusivamente para o mercado brasileiro.

Eu “redescobri” Amy Jo faz uns dois anos por causa dos quadrinhos. O caminho desse reencontro foram as redes sociais. E foi por meio delas que fiquei ciente dos três singles recém-lançados de Amy Jo: Still Here, Sunlit e Fly by Fairytales, todas produzidas por Nick Marzock. As três músicas estão disponíveis nas redes de streaming, que no meu caso é a Amazon Music... por culpa da Alexa. Dos três singles, Fly by Fairytales definitivamente não é o meu estilo, porque soa dramática demais. As demais canções, Still Here e Sunlit, por outro lado, trazem um refinamento interessante. Para quem gosta de referências, esses dois singles têm um pezinho no indie dos anos 1990. Talvez seja apenas a minha impressão, mas a música de Amy Jo tem certa proximidade com o trabalho de Natalie Merchant e os 10000 Maniacs, em especial no single Still Here. Lembra daquele acústico?

Still Here, pelo que eu entendi, é uma composição antiga que recebeu recentemente uma nova roupagem. Definitivamente é a minha favorita. Menos por conta da letra que é, de certa maneira, sobre resiliência. Mais pela interpretação segura na bonita voz de Amy Jo e nos arranjos sóbrios. É música de qualidade que definitivamente já foi inclusa na minha playlist. Sunlit também é uma canção interessante, mais próxima do folk-indie atual, e que poderia ter ficado melhor ainda se não fosse o raio do violino sobressaltante. Falo sério! Não é porque estou internalizando Douglas Adams, mas se o violino fosse subtraído do arranjo, teríamos uma canção mais sequinha e redondinha.

Amy Jo Johnson pode ter se voltado novamente ao universo ranger, mas o trabalho artístico dela vai além da Kimberly. Como cantora e compositora, Amy Jo se sai muito bem. O que ela precisa é de uma grande vitrine, mesmo entre os indies.

por Djenane Arraes

Oppenheimer, dirigido por Christopher Nolan, levou o Oscar 2024 de melhor filme. Por que isso representa muito para a indústria do cinema e, principalmente, para o próprio prestígio do Oscar? Você deve estar careca de saber que o Oscar é o ponto alto da chamada “temporada de premiações” nos Estados Unidos. Trata-se daquele de maior prestígio e tradição. Contudo, nas últimas duas décadas, o que se observa é que filmes pequenos, de pouca bilheteria, porém com grande prestígio com a opinião da crítica, eram favorecidos nas indicações. Os chamados blockbusters, ou filmes industriais de grande popularidade, passaram a ser lembrados apenas nas chamadas categorias técnicas, especialmente na de efeitos especiais. O último Blockbuster a ganhar o principal prêmio do Oscar foi O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei, em 2003, produção que arrecadou pouco mais de um bilhão de dólares.

Não digo aqui que uma produção simples não mereça o reconhecimento, mas o século 21 mostrou que a tendência das premiações em prestigiar sobretudo a “arte” teve um preço: o interesse do público. Isso não é pouca coisa, pois um filme norte-americano não se paga com patrocinadores ou com incentivo governamental, como acontece no Brasil. Lá, a renda do filme vem da bilheteria. Portanto, sim, estar em sintonia com a audiência é fundamental. Ao escolher premiar filmes indies prestigiados por críticos, porém nem tanto pelas pessoas, a Academia de Cinema norte-americana optou por se desconectar de quem a sustenta. Tanto que “filme de Oscar” se transformou em uma espécie de definição para filme chato.

Essa foi uma tendência que ficou acentuada a partir de 2005: menos filmes grandes indicados e uma predominância de pequenas produções que não necessariamente foram lucrativas. Em 2005 foram indicados para Oscar de melhor filme flops como Munique, de Steven Spielberg, produções de menos de 10 milhões de dólares, como Capote e Boa Noite e Boa Sorte, e os pequenos, porém bem sucedidos Crash e Brokeback Mountain. Filmes populares do mesmo ano foram preteridos e que poderiam muito bem ter sido indicados, como V de Vingança, Batman Begins, e Sin City. 2005, aliás, foi um ano de queda de audiência em relação ao anterior. E se falarmos de 2004, vamos observar um pico de audiência nas premiações. Não à toa, foi ano em que 45 milhões de pessoas viram a consagração de O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei, segundo dados do site Statista. Isso representou um dos três picos de audiência do milênio.

Audiência e bilheteria têm alguma correlação quando se trata do Oscar. Entre 2000 e 2014 notamos que as cerimônias com menor audiência, na casa dos 30 milhões, foram justamente as edições em que filmes populares não foram indicados às principais categorias. Estavam na lista filmes pequenos como Onde Homens Fracos Não Têm Vez, Juno e Michael Clayton (???). Apesar de serem filmes considerados excelentes por alguma razão, o fato é que muitos deles não tiveram capacidade de gerar interesse no público.

A Academia bem que tentou corrigir tal tendência ao mudar o regulamento em 2010, quando foi implementado a lista de até 10 filmes indicados na categoria principal. Com toda certeza isso possibilitou a inclusão de blockbusters como Avatar, Up, Top Gun Maverick, Joker, Nasce uma Estrela, ou seja, filmes que são populares até hoje. Mesmo que em 2010 o vencedor tenha sido o independente flopado A Hora Mais Escura, pelo menos o público tinha para quem torcer, e isso refletiu em uma audiência de 41 milhões.

A partir de 2015, porém, as cerimônias do Oscar começaram a sofrer uma queda ano após ano, chegando ao fundo do poço em 2021 com uma ridícula audiência de 10 milhões. Séries de TV populares conseguem muito mais que isso. É que o público entendeu que indicar filmes como Pantera Negra, Nasce uma Estrela e Perdido em Marte era só uma armadilha, porque no fim da noite, quem seria consagrado seria produções como Green Book, Moonlight e Nomadland. Ou seja, filmes que ganham o Oscar, mas reprovaram tristemente no teste do tempo e não conseguiram entrar no inconsciente coletivo.

Outra razão para a queda acentuada do interesse do público pelo Oscar e pelas premiações em geral foi a questão da ideologização de Hollywood. Ao tentar promover de maneira agressiva certas agendas, o público interessado em entretenimento e escapismo simplesmente minguou. São as consequências para uma indústria que decidiu espantar os maiores patrocinadores, e ainda jogou a culpa pelos próprios fracassos nos mesmos que se recusaram a comparecer às salas, como se ver filmes fosse algum tipo de obrigação. As pessoas simplesmente se irritaram em não querer assistir a uma história que não as interessava e ainda ser chamadas de taxistas por causa disso. Ah, e tinha os discursos... como bem disse Ricky Gervais no Globo de ouro: ninguém está interessado em ouvir sermão vindo de pessoas altamente privilegiadas e que vivem em uma bolha! Chapéu de burro para essa indústria é pouco.

A desconexão entre indústria e público foi tão forte que isso se refletiu nas edições de 2020 e 2021: elas representaram o fundo do poço de audiência e bilheterias. A pandemia exerceu o seu papel, mas o problema foi que “filmes do Oscar” passaram a ser lançados também em plataformas de streaming, lugar que hoje bem se sabe que, além da concorrência brutal, o público prefere milhões de vezes assistir às séries antigas, doramas e comédias românticas. Quem você acha que vai atrair mais atenção nesse contexto? A comédia natalina da Vanessa Hudgens ou o “filme do Oscar”?  Além disso, a principal premiação do cinema ainda teve a indignidade de menosprezar o único filme com bilheteria decente e que salvou a indústria nesse período: Homem-Aranha: Sem volta para casa.  

Chapéu de burro dobrado.

A premiação de 2024 que consagrou Oppenheimer mostrou uma tentativa de mudar essa tendência. Os dois e únicos filmes de bilheteria expressiva de 2023, Barbie e Oppenheimer, foram lembrados e premiados, mesmo que Barbie tenha conquistado estatuetas menos importantes. O público, assim tinha por quem torcer e não foi frustrado com o resultado: afinal, ele viu pelo menos essas duas produções serem consagradas, por mais que as demais da lista fossem de “filmes do Oscar” que não atraíram audiência nem nas plataformas de streaming que as produziu. Oppenheimer teve uma bilheteria de pouco mais de 900 milhões de dólares. Mais do que ele, na mesma premiação, só Barbie. Aliás, Oppenheimer é o filme vencedor de Oscar com a segunda bilheteria mais alta deste século, à frente dele apenas de Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei.

Mas, afinal, Oppenheimer mereceu vencer? Sim! Por que Oppenheimer mereceu vencer? Porque ele é bom e popular. É bom e popular porque ele traz uma combinação de diretor prestigiado em circunstância da carreira que construiu, elenco competente e carismático, qualidade de roteiro e de produção, e que busca entreter. O público, no fim das contas, quer ver nas telas de cinema essa combinação de qualidades. O outro filme popular do Oscar 2024, Barbie, bateu bilhão de bilheteria por isso mesmo, e só não ganhou a categoria de melhor filme porque simplesmente não era o melhor: mas eu concordo plenamente com a indicação dele por todos os argumentos ditos aqui.

Por Djenane Arraes

O quadrinho Power Rangers – O Retorno #1, história comemorativa dos 30 anos da franquia, ganha uma segunda prensagem em menos de 48 horas de lançado. O especial escrito por Amy Jo Johnson e por Matt Hotson é considerado um sucesso de vendas desde o nascedouro, quando recebeu financiamento coletivo de pouco mais de meio milhão de dólares em vendas antecipadas. Sei que Amy Jo Johnson pode ser um nome desconhecido para a maioria, mas todo mundo a viu ao menos uma vez por causa da personagem Kimberly Hart, a power ranger rosa original. Sim, meus amigos, a própria ranger rosa escreveu o quadrinho de sucesso, em que ela narra os personagens da equipe original (Jason, Zach, Billy, Trini, Kimberly e Tommy) 30 anos depois dos acontecimentos da série de super sentai infantil.

Na história, Tommy Oliver, o ranger verde/branco, morre salvando o mundo e o grupo original se separa. Após 22 anos do ocorrido, Zach se torna uma celebridade, Billy é um empresário, Trini morreu de câncer (a atriz Thuy Trang morreu em um acidente de carro), Kimberly escolheu a reclusão em algum lugar no Canadá, onde ela criou a filha que teve com Tommy, e Jason torna-se um justiceiro. Um novo vilão aparece e derrota Jason, fazendo com que os remanescentes da equipe original precisem se reunir para resgatar o amigo. Apesar de só a primeira parte ter sido lançada, a habilidade de Amy Jo Johnson como roteirista e diretora de cinema salta aos olhos, em especial pela orientação dos quadros que compõe a narrativa. O foco é na personagem que ela deu vida, mas todos os demais tem peso em uma história que acena para o público adulto.

A boa qualidade da escrita de Amy Jo Johnson, hoje aos 53 anos, não é uma surpresa. Após praticamente encerrar a carreira como atriz (que não se resume aos Power Rangers), ela passou a se dedicar ao trabalho atrás das câmeras. Lançou alguns curtas-metragens – destaque para Lines –, dois longas metragens independentes, dirigiu episódios de seriados, entre eles o elogiado Tried and True, de Superman & Lois, na qual ela recriou cena de luta inspirada no filme cult coreano Oldboy. Recentemente, o roteiro que escreveu, What We Become, foi escolhido como um dos melhores de 2022 pelo The Black List, que é uma associação editorial que reúne e intermedia roteiros para a indústria cinematográfica.

Os quadrinhos dos Power Rangers na verdade são populares nos Estados Unidos justamente por dar profundidade a uma franquia moldada para o público infantil. Apesar de acenar para todas as versões que passaram pelas telas da TV, os quadrinhos são centrados na equipe original. Kimberly Hart, a ranger rosa, personagem que Amy Jo Johnson deu vida, é central neste universo ao lado de Tommy Oliver. Existe a versão em um universo regular da personagem, e uma versão de uma segunda linha temporal (multiverso) em que Kimberly é uma mulher adulta, líder de um grupo de resistência a um tirano. Essa segunda versão da personagem é absurdamente popular, ganhando Graphic Novels próprios.

Por Djenane Arraes

O título em português não faz justiça ao título original. Aquela noite não mudou o pop. Por outro lado, como o título em inglês diz respeito a um fato: foi sim uma das grandes noites da música pop. Seja lá a memória que você tenha da música, por gostar genuinamente dela, ou por ter cantado a exaustão a escrachada versão “e arde o olho” quando criança, não há dúvidas de que We Are The World te marcou de alguma maneira. O documentário recém-lançado na Netflix, “A Noite Que Mudou o Pop” fala do impacto que a canção composta por Lionel Ritchie e Michael Jackson teve no mundo da música pop, no sentido de que foi uma iniciativa endossada por um bando de astros da primeira metade dos anos 1980 em prol de uma boa causa.

A maneira como a música precisou ser feita às pressas não é o ponto mais interessante. A logística que envolveu a reunião de todos aqueles artistas em uma única noite para gravar We Are The World foi inacreditável, sobretudo porque os envolvidos nesse projeto em particular assim agiram de forma voluntária. Além de Lionel, o principal articulador, e Michael Jackson, a música foi produzida pelo lendário Quincy Jones, e ainda contou com a participação de Cindy Lauper, Bob Dylan, Stevie Wonder, Ray Charles, Bruce Springsteen, Billy Joel, Tina Turner, e de uns artistas cuja memória demora a localizá-los, como Kenny Loggins (o cara que fez Footloose e Danger Zone) e Huey Lewis (???). Bom, você pode acessar o Wikipedia e ver a lista completa de todas as pessoas envolvidas. O que o documentário mostra, e de um jeito fascinante, é que colocar todas essas pessoas juntas em um estúdio foi nada simples, e por isso mesmo que a história é tão fascinante.

Há muitos detalhes na produção que são inacreditáveis. Por exemplo, os artistas reunidos fizeram naturalmente um coro lindo. A inteligência musical e treino vocal deles fez com que a bela harmonização saísse como mágica. Mas daí a câmera foca em Bob Dylan, e o compositor, que nunca foi lá bom cantor, estava absolutamente perdido. Dylan teve dificuldades inclusive de fazer as linhas de solo dele, e precisou da mágica de Stevie Wonder para guia-lo. Cindy Lauper quase desistiu de participar por causa da opinião do namorado dela à época, que achava que a música não era boa e não seria um hit. Na gravação, os penduricalhos que Cindy usava estava atrapalhando na captação do áudio. Uma voz fantasma interferiu no solo de Dionne Warwick, e foi preciso diversos takes para que o trio formado por Dionne, Willie Nelson e Al Jarreau se acertasse porque o último estava bêbado. Stevie Wonder queria fazer alterações de última hora na música. Não deu certo, porém isso provocou a desistência de um cantor de country music.

A ausência de Prince foi lamentada. Prince estava no auge a época por ser um artista multi-instrumentista, sofisticado e talentoso. Eu sou indiferente ao Prince. Quer dizer, pegue um ouvinte regular de rádio. É provável que essa pessoa faça uma lista de hits da Madonna, do Michael Jackson e até mesmo da Cindy Lauper. Mas eu duvido muito que essa pessoa seja capaz de fazer uma lista de hits do Prince, e até mesmo que se lembre de alguma coisa além de Purple Rain.

Quincy Jones tinha apenas uma noite para fazer a música, e para tudo funcionar, além do profissionalismo e da colaboração dos envolvidos. Ele escreveu um cartaz na entrada do estúdio: deixe o seu ego na porta. Ou seja, um lembrete que se alguém fosse agir como estrela e dar pitacos, nada funcionaria. Ninguém agiu assim, apesar de que, como é dito no documentário, foi como ensinar uma classe de crianças na escola tamanha a excitação desses artistas ao se verem juntos num mesmo ambiente para fazer um trabalho em comum. Particularmente, eu não gosto da letra de We Are The World, mas que produção, meus amigos.

Por Djenane Arraes

A Legião Urbana é uma banda do tipo ame ou odeie. Apesar do aparente número muito superior do público fã, e dos números incontestáveis de popularidade baseado nas vendagens de discos, sim, o grupo do Renato Russo também encontra detratores, entre eles, jornalistas de música que tiveram alguma relevância nos anos 1990. Aqui, não vou entrar nessa polêmica. A diversão em revisitar o repertório da Legião Urbana foi listar as músicas mais legais. Algumas são óbvias, e outras nem tanto.

10 – Geração Coca-Cola

A Legião Urbana fez diversos hinos juvenis, e outros um pouco mais adultos. O primeiro desta lista é uma ode ao movimento punk de butique que aconteceu em Brasília. Talvez aquela juventude de filhos de professores da UnB e de funcionários públicos realmente acreditasse no poder transformador da geração. Bom, eles fizeram a diferença na música brasileira dos anos 1980, e não há como negar. Geração Coca-Cola é isso: vigorosa, juvenil e contagiante.

09 – Teorema

Essa é uma gema escondida no primeiro disco da Legião Urbana de 1985. Não é das mais conhecidas, mas ela mostra a sinergia da composição sofisticada de Renato Russo com o rock inglês. Não há música mais britânica no primeiro disco da Legião Urbana do que Teorema. O Renato Russo desafina pra caramba na gravação, mas o baixo do Renato Rocha é muito bom.

08 – Perfeição

O Renato Russo criticava sociedade e política de uma maneira muito inteligente. Grupos da atualidade pensam que falar de política é atacar o grupo que pensa diferente e erguer uma bandeira qualquer. Renato Russo fazia críticas sem levantar bandeiras, porque ele tinha habilidade de falar da sociedade sob uma ótica que qualquer pessoa poderia se identificar. Porque ele falava sobre o que estava no mundo, e não sobre a ideologia de uma bolha. É uma inteligência crítica que agrega, e Perfeição é um ótimo exemplo disso.

07 – Tempo Perdido

O hino maior da juventude que a Legião Urbana foi capaz de produzir. É o sentimento do pós, entende? Imagine uma juventude que se encontra em uma situação de pós-guerra, pós-crise econômica, pós-desilusão... depois de um momento de crise, é preciso um pouco de otimismo: “nosso suor sagrado é bem mais belo que esse sangue amargo”.

06 – O Teatro dos Vampiros

É a música que diz: pois então, velho amigo, ser adulto dói!

05 – Que País é Esse

O início dessa música é o mais impactante da obra da Legião Urbana. A música foi escrita no final dos anos 1970, tinha a vibração do punk e da indignação com a política e com a corrupção entranhada em nosso país. O problema é que mais de 40 anos depois, infelizmente, essa música ainda está atual. Ela nunca deixou de estar! Que tristeza para nós.

04 – O Descobrimento do Brasil

É uma das músicas românticas do repertório da Legião Urbana. Gosto dessa porque descreve um amor inocente e que comove. Aliás, o arranjo dessa música está entre os melhores.

03 – Sereníssima

Quando Renato Russo começa a cantar os versos com um “Sou um animal sentimental, me apego facilmente ao que desperta  meu desejo”, parece ser uma síntese dele próprio.

02 – Eduardo e Mônica

O grande casal da música popular brasileira. Ponto final. Aqui está a habilidade de Renato Russo como um contador de histórias. Ele desenvolveu uma narrativa perfeita, com início, meio e fim, apresentou os personagens deu segmento ao plot... não é à toa que essa música virou filme longa-metragem, peça de propaganda, peça de teatro...

01 – Quase Sem Querer

Por Djenane Arraes

Legião Urbana costumava ser a melhor banda do universo quando eu tinha 15 anos. O Renato Russo era o maior poeta do rock e tudo que ele dizia fazia sentido na minha vida. Será (sem fazer trocadilhos) que eu manteria a minha opinião nos meus 40 anos? Fazer essa revisão é interessante, pois coloca em perspectiva as informações, habilidades e visões de mundo que foram se modificando com a maturidade. As coisas não permanecem a mesma. Há duas maneiras de fazer essa revisitação à obra de uma banda: uma emocionalmente, e a outra totalmente racional, fazendo uso dos conhecimentos de análise de texto e de contexto.

Meu lado emocional me diz que a Legião Urbana não foi a melhor banda do universo e nem mesmo que o Renato Russo foi essa entidade extraordinária. Por outro lado, a Legião Urbana permaneceu no top 5 das melhores bandas brasileiras, fazendo companhia aos Mutantes, Paralamas do Sucesso, Titãs e Skank. Renato Russo continuou a ser um letrista acima da média, apesar de que muitas das canções hoje são percebidas pela analista em mim de maneira diferente. Como cantor, continuo a considerar Renato com uma das vozes masculinas mais legais, apesar de que é preciso reconhecer que ele costumava desafinar.

O primeiro Legião Urbana, de 1985, é um baita disco. É punk, enérgico e mostra que Renato Russo era um ponto fora da curva em meio a uma gravação horrorosa e uma banda com instrumentistas terríveis e sem experiência - não à toa que o disco foi um pesadelo para ser produzido (Fuscaldo, 2016). A audição mais afetiva é para os hits Será, Geração Coca-Cola e, talvez, Ainda é Cedo. Mas há muitas outras preciosidades ali que hoje presto melhor atenção, como A Dança, O Reggae e Teorema. Isso porque Renato Russo nessa época ainda fazia músicas com coerência narrativa e passava mensagens legais, mesmo quando dizia o óbvio ululante.

O Dois continua a ser a obra-prima da banda, disco bom do lado A ao lado B. Disco em que você conta nos dedos as músicas razoáveis, como Acrilic on Canvas, Plantas Embaixo do Aquário e a fraquíssima Fábrica, que parece música panfletária do PCO. Tempo Perdido foi o hino da minha adolescência. O meu eu analista hoje diz que realmente a música tem o apelo do coming of age que não faz mais parte de mim, porém ficou a emoção nostálgica que faz com que Tempo Perdido não perca a magia. Quase Sem Querer, na minha opinião, continua a ser a grande música do disco, e Eduardo e Mônica contina a ser a grande história de amor da música brasileira.

Eu adolescente tinha um grande apreço pelo disco As Quatro Estações. Mas o eu quarentona e analista nem tanto. O que antes me parecia profundo, hoje eu vejo como um recorte de frases da filosofia oriental e de livros de auto-ajuda com flertes do evangelho. Leia o grande hit Pais e Filhos. Tirando o refrão acachapante, o que existe no corpo da música além de um recorte de frases? Seja sincero. O V é uma vibração semelhante, porém eu penso que ele possui uma metade melhor e mais coerente que começa em Teatro dos Vampiros, e segue com Sereníssima, Vento no Litoral e encerra em O Mundo Anda Tão Complicado. Essas quatro músicas representam a Legião Urbana falando com adultos sobre relacionamentos adultos de maneira franca.

Hoje eu aprecio muito mais o último disco da Legião Urbana, O Descobrimento do Brasil. É um disco sólido, com duas músicas excelentes e todo o resto também com boa qualidade. É claro que você deve estar dizendo que o último disco da Legião, pelo menos enquanto o Renato esteve vivo, foi o Tempestade. Sim, eu sei disso, mas seja verdadeiro: você consegue escutar esse sermão do Renato Russo sobre o próprio funeral? A música mais palatável é 1° de Julho, e mesmo assim eu prefiro mil vezes escutar com a Cássia Eller.

Por Djenane Arraes

Jungle é um duo inglês de funk eletrônico e outros afins que ganhou destaque pelos videoclipes sem cortes, em que um grupo de dança desenvolve uma performance. Nesta lista, vamos enumerar os mais interessantes que a banda já produziu.

10 – Busy Earnin

Não é a melhor música, nem a melhor coreografia, nem mesmo são os dançarinos que se tornariam os rostos dos videoclipes. Mas esse é o início do conceito, que dali a alguns anos seria aprimorado e se tornaria um verdadeiro espetáculo.

09 – What do you know about me

É uma coreografia majoritariamente feita pelas mulheres, com algumas inserções dos movimentos mais físicos dos rapazes.  Depois todos fazem aquela parte coreográfica que as pessoas tentam reproduzir. Nem o cenário e nem a iluminação não são muito legais, mas a música é boa pra caramba.

08 – Talk about it

O legal desse clipe é que existe nele, além das coreografias bem físicas feitas majoritariamente pelos rapazes, é a historinha. Nela, Mette Linturi vai ao encontro de uma roda de ajuda, dessas usadas para se discutir problemas. É talvez a coreografia mais enérgica e agressiva dos videoclipes do Jungle, e os dançarinos tem também uma boa atuação.

07 – Good at Breaking Hearts

Estrelando Mette Linturi e Will West, esse clipe é bom por ser uma quebra na energia dos clipes do Jungle para dar lugar a uma coreografia sensual e romântica, protagonizada pelos dançarinos favoritos do fandon. A música é legal, o cenário é bacana, a luz é uma droga, e a química entre Mette e Will é realmente extraordinária.

06 – Problemz

Outra protagonizada por Mette Linturi e Will West, esse clipe mostra uma balada em que os amigos estão tendo um bom momento, e o casal se encontra e se conecta. Eu considero a luz desse clipe uma coisa horrorosa, mas a coreografia é realmente muito boa, e a música casa muito bem com o clima. Chamo atenção para o figurino (que é o mesmo de Good Times, mas a gente chega lá): simplesmente o mais fashion e estiloso. Do jeito que você pensa que aquele grupo de pessoas é o mais legal do mundo.

05 – Back on 74

A música é mais interessante que o videoclipe, para dizer a verdade. E a versão de bastidores, em como os dançarinos se movimentam no cenário para compor a coreografia e aparecerem na hora exata é também muito bacana. É quase um Casio em esteroides.

04 – Casio

Esse é o clássico. É o videoclipe do hit que jogou na cara do mundo inteiro o quando Jungle é bom. Se Casio não funcionasse, o Jungle estaria em outra liga. Tudo porque, além da música boa, tem o protagonismo de Will West fazendo uma coreografia com inspiração em movimentos de Michael Jackson. Penso que existem algumas dezenas de vídeos por aí de gente que procura reproduzir esse videoclipe. Casio também foi o começo da dupla Will e Mette. Ela dança ao final do clipe, como a cool girl que não se impressiona com os galanteios de Will.

03 – Heavy California

Colocaram os dançarinos para atuarem na grama. Que coisa complicada. Mesmo assim, Will West e os demais deram um show. Heavy California é uma das minhas músicas favoritas do Jungle, e o vídeo, gravado em uma fazenda, é um dos mais ensolarados e que passa uma boa sensação.

02 – Keep Moving

Esse clipe em duas palavras: Michael Jackson. Essa é a música mais Michael Jackson do Jungle, e o clipe foi todo montado para homenagear o rei do pop. Protagonizado por Mette Linturi, ela reproduz juntamente com os demais, todos os movimentos de dança que foram criados por Michael. Ela também está em vermelho, e a referência de Thriller e Beat It é escancarada (não é a jaqueta cheia de zíper que todo mundo queria ter, mas você saca na hora).

01 – Good Times

É a música do Jungle que mais toca na minha playlist. Josh Markiet, o dançarino principal, personifica James Brown. Eu só sei que ele é um encanto: leve e que movimento de pernas! Parece que ele tem plumas nos pés. Esse clipe marca a “volta” de Will West. Good Times foi gravado em conjunto de Problemz, por isso os figurinos que os dançarinos vestem nas duas músicas são os mesmos. Como um bloco só, faz todo sentido. Mas como olhamos as músicas individualmente, Good Times ganha o lugar mais alto do pódio por ser uma bola de energia que te faz sorrir no final.

Por Djenane Arraes

O que é mais interessante hoje em dia? Escutar um álbum ou assisti-lo? A geração Z é tão patologicamente visual que a segunda opção parece óbvia. O duo inglês Josh Lloyd-Watson e Tom McFarland, conhecido como Jungle, entendeu que a música funk-eletrônica é por demais indie, e que o apelo visual seria um grande atrativo seria fundamental para atrair o público. Até aqui, nada de inventar a roda, afinal, videoclipes circulam desde os anos 1960 e Michael Jackson potencializou isso de forma extraordinária a partir dos anos 1980. O que faz o trabalho audiovisual do Jungle ser diferenciado é porque a dupla se associou com o grupo de dança americano Guetto Funk Colletive, que provém coreografias e dançarinos, e com o diretor Charlie Di Placido. Esse conjunto elaborou um trabalho de identidade absurda, em que todos os clipes são concebidos sem cortes, em que os dançarinos desenvolvem uma coreografia e alguma narrativa. Nesses clipes há uma musa: a dançarina finlandesa Mette Linturi. Ela nem é a melhor dançarina, mas aparece em todos os clipes do Jungle a partir da música ‘Casio’, nem que seja para fazer apenas caras e bocas. Ela protagoniza especialmente o sensacional ‘Keep Moving’. Há também o dançarino queridinho, o inglês Will West, que protagonizou especialmente ‘Casio’ e ‘Heavy California’.

A dupla Mette e Will foi um achado. O primeiro encontro dos dois em ‘Casio’, na qual ela é a única garota no videoclipe, os dois paqueram e ela o rejeita no final. A química entre os dois foi tão bem-sucedida que banda, coreógrafos e diretores decidiram fazer uma historinha completa protagonizando Mette e Will e ainda promover Volcano, o álbum mais recente. O resultado foi “Volcano – A Motion Picture”, um filme de quase 50 minutos (contando com os créditos), que pode ser conferido no YouTube. É um trabalho sensacional de direção e de coreografia. Na historinha desenvolvida, bom simples de acompanhar, Mette e Will vão gravar um programa, mas ambos estão com outros parceiros amorosos. Com o desenrolar das gravações, Will e Mette se reconectam. As pessoas costumam “shippar” personagens em filmes e seriados, mas eu penso que “shippar” dançarinos de séries de videoclipes é uma novidade.

Por Djenane Arraes

No ano em que Taylor Swift passou a ser a maior artista da atualidade, levando em consideração popularidade, vendas e publicidade, fiquei a pensar porque essa cantora americana chegou ao Olimpo. Afinal, Taylor Swift não é a mais bela entre as mulheres, e muito menos é sexy, atributos vendidos por cantoras como Madonna, Shakira, Ariana Grande, Jenifer Lopez e por aí vai. Ela também é uma cantora okay. Quando eu digo isso, quero dizer que Taylor canta direitinho, mas nem de longe tem voz marcante como Amy Winehouse, Beyoncé, Christina Aguilera (independente de gostar ou não, não se pode negar que ela canta pra caramba), Tina Turner, Whitney Houston... bom, você pegou a ideia. Puxa vida, até mesmo a voz de fumante de 80 anos da Miley Cyrus é mais marcante do que da Taylor Swift

Taylor Swift começou a carreira cantando country, transitou pelo pop country até se estabelecer como um ícone da música pop. Aos 33 anos, pode-se dizer que ela vivencia o auge da carreira. A idade em que ela se encontra não tem nada de extraordinário, pois o final dos 20 anos até meados dos 30 costuma ser o ponto alto de artistas pop. Os Beatles, Bob Dylan, Madonna, Michael Jackson... de um jeito ou de outro, todos esses artistas se estabeleceram no Olimpo mais ou menos nesta janela de idade. Não conheço nenhum hit hiper mega impactante dela. Eu não creio que ela tenha alguma canção que vá ser lembrada daqui a 50 anos, como Yesterday ou Like a Rolling Stone, Billie Jean ou Bohemian Rhapsody. Se ela não é a mais bonita, ou não tem a melhor voz, muito menos tem o hit dos hits, então por que Taylor Swift conseguiu o Olimpo?

Não preciso dizer que um excelente gerenciamento de carreira e produção tem grande responsabilidade nisso. Mas ao ouvir as canções de Taylor Swift, entendi que por trás de uma roupagem pop que não me atrai, existia canções de boa qualidade. Mais do que isso: Taylor Swift é uma compositora muito competente, talentosa e que tem grande domínio da técnica de storytelling. No meu entender, esse é o ponto que a difere de todos os outros artistas que atingiram o Olimpo. Mas o que diabo é storytelling? Trata-se de uma técnica em que articula-se a emoção com as informações, fatos e ações que constituem a estrutura narrativa da história, seja ela real ou ficcional. A técnica do storytelling é usada na publicidade, nos artigos científicos (naqueles que se consegue ler), nos roteiros, nos quadrinhos, e na música.

Se você pegar aquela edição das melhores músicas da língua inglesa segundo a revista Rolling Stone, vai perceber que boa parte das eleitas usam a técnica do storytelling para abordar os mais diversos temas: Heroes (David Bowie), Hotel California (The Eagles), Like a Rolling Stone (Bob Dylan), Sympathy for the Devil (Rolling Stones), In My Life (The Beatles). Taylor Swift usa e abusa do storytelling para criar empatia e fazer com que os ouvintes consigam se relacionar com a mensagem que ela quer transmitir, algumas delas usando experiências pessoais. Dois álbuns são dignos de estudo nesse sentido. O primeiro, 1989, representa o amadurecimento dela como compositora. É um disco todo bom. Não no sentido sonoro, mas nas composições. Em 1989 pode-se achar versos muito bacanas como: “Remember when we couldn’t take the heat? / I walked out, I said “I’m setting you free”/But the monsters turned out to be just trees / When the sun came up you were looking at me (Out of the Woods), e "You understand now why they lost their minds and fought the wars / And why I've spent my whole life trying to put it in words." (You Are in Love).

O album dela que eu mais aprecio é Folklore, por ser o trabalho mais indie e, portanto, o que mais se aproxima do meu gosto musical. Nele encontramos versos como: When you are young, they assume you know nothing/ But I knew you/ Dancin' in your Levi's/ Drunk under a streetlight” (Carddigan), e "I'm still a believer but I don't know why / I've never been a natural / All I do is try, try, try” (Mirrorball). Você pode ser avesso a essa bobagem de esteria a uma celebridade, ou mesmo não gostar da roupagem pop de Taylor, mas eu duvido que você não consiga se relacionar com nenhuma das passagens aqui exemplificadas. Talvez um fã desses mais histéricos não pare para pensar nas palavras porque essa pessoa só se importa realmente com o hype. Por outro lado, o leitor atento vai entender que Taylor sabe mesmo contar uma boa história em forma de música, e este vai ser entretido.

Por Djenane Arraes

Nesses dias revi o filme Cazuza – O tempo não para (2004), dirigido por Walter Carvalho e Sandra Werneck. Eu conheço razoavelmente a história de Cazuza e do Barão Vermelho. Sinceramente, nunca foi uma das minhas bandas favoritas, apesar de eu reconhecer o valor de excelência de Cazuza teve como compositor. Além disso, conhecer Barão Vermelho, mesmo que minimamente, é obrigação. Mas o que me chamou atenção não foi se a cinebiografia foi bem ou mal contada, ou o fato de que o comportamento dos personagens que poderia ser considerado cool para alguns, para mim não passa de comportamento de moleques riquinhos e imbecis. O que realmente me impressionou foi a falta de capacidade dos roteiristas em produzir um texto em que se tenha um diálogo minimamente orgânico.

A impressão que o roteiro passa é de que Cazuza era o ser iluminado e genial que só falava frases de efeitos o tempo inteiro, enquanto os amigos que o cercavam falavam “é isso aí”. A direção do filme Cazuza não é boa, e a montagem também não é grande coisa. O fato de a direção escolher ora a voz original do canto e ora a voz original do ator nos números musicais foi uma decisão horrorosa. Ou se canta no filme inteiro, ou não se canta nada. Será que não aprenderam nada com as boas cinebiografias e filmes musicais que estão aí a disposição. Mas o que incomodou de verdade é a falta de capacidade de se contar uma história sólida de um personagem muito importante da música brasileira.

Isso me fez lembrar de outras cinebiografias com o mesmo problema: de Simonal, de Erasmo Carlos, de Elis Regina, de Renato Russo, de Tim Maia... umas cinebiografias são melhores que outras, mas o que elas possuem de defeito em comum é a pobreza no desenvolvimento no roteiro, que coloca o personagem como um ungido que só fala frases de feito enquanto os acontecimentos vão sendo jogados na tela. A organicidade necessária para a construção do storytelling nesses filmes é completamente ignorada, a ponto de eu pensar que a propaganda deep fake gerado por I.A da Elis Regina feita pela Volkswagen é muito superior nesse sentido. Por isso fiquei a pensar: será que os cursos de cinema estão precisando focar mais nas aulinhas de redação, ou será os cineastas também são reflexo desse mesmo mundo de frases de efeitos que é mostrado na tela?

Por Djenane Arraes

O paralelo é muito interessante e vai além do que o autor Frank Miller imaginou na obra original American Jesus. Imagine que Jesus Cristo construiu a obra dele em meio à periferia do ocidente. Porque àquela época, o que hoje se conhece como Israel, Cisjordânia e Jordânia não passava da periferia do primeiro império ocidental, que foi o romano. Por isso que a escolha do local da série mexicana O Escolhido (El Elegido, Netflix, 2023), não poderia ser mais acertada. A história diz respeito a um garoto chamado Jodie (Bobby Luhnow) que começa a manifestar poderes que emulam os de Jesus Cristo na periferia do mundo ocidental atual: a América Latina. Mais especificamente no México. Se o ocidente do Oriente Médio foi o berço do homem mais poderoso da história da humanidade, o México hoje é um dos pilares da fé Cristã.

Jodie é um garoto em constante fuga devido a disposição e a proteção da mãe dele, Sarah (Dianna Agron) que encontrou no México um lugar ideal para fugir da família do pai de Jodie, que ela diz afirmar ser pessoas ruins. Todas as vezes que Jodie apresenta uma grande manifestação de poder, era hora de mudar. E assim Sarah e Jodie viveram de cidadela e cidadela mexicana. Até que eles se estabeleceram numa pequena cidade aparentemente próxima a costa oeste do México (provavelmente na Baja Califórnia), onde Jodie, com 13 anos, se aventura e descobre a si próprio juntamente com mais quatro amigos. As coisas mudam quando Judie sobrevive de maneira inexplicável a um acidente. Isso provoca a curiosidade das pessoas e, por seguinte, instiga a fé delas quando o garoto começa a emular Jesus Cristo. Mas as coisas não são exatamente o que parecem. O escolhido é uma série muito interessante, dirigida pelo mexicano Everaldo Gout, que vai além da mitologia bíblica e coloca questões para se pensar em relação à fé a manipulação desta mesma fé.

A série tem um plot twist no final, mas eu digo que ele é falso, feito para surpreender os desavisados. Há, ao logo, dos seis episódios, diversos elementos narrativos que reforçam a a afirmação que existe no final do sexto episódio. Não seria de bom tom pontuar esses elementos narrativos, mas digamos que há na série indicações que relacionam Sarah à Maria Santíssima, e a jovem Magda (Lilith Curiel) à Maria Madalena. Esses mesmos elementos narrativos direcionam Jodie ao que ele se propõe, porém há um jogo do que é colocado em tela que faz com que as pessoas fiquem em dúvida ou simplesmente ignoram e se focam na informação que seria a mais simples e óbvia.

E maneira geral, O Escolhido é uma série muito interessante. Ela tem algumas irregularidades de ritmo e pouco desenvolve personagens que são centrais à trama. A maior escanteada é justamente Sarah. A não ser que exista uma segunda temporada em que se tenha a oportunidade de explorar mais a história dela, então o que vemos em O Chamado é tremendamente insatisfatório. O mesmo se pode dizer de Lemuel (Tenoch Huerta) e de boa parte do elenco adulto, na qual tem histórias que são pinçadas, mas jamais desenvolvidas. A grande estrela da série é sem dúvidas o elenco de jovens encabeçados por Bobby Luhnow. Todas as crianças da série são atores estreantes. Eles são encantadores, e atuaram com uma naturalidade como se fossem veteranos. Destaque também para Dianna Agron, que parece viver um momento de grande amadurecimento artístico, e para o ator espanhol Carlos Bardem, que está incrível como o pastor fanático. Se o roteiro e o ritmo da direção têm certos problemas, o mesmo não se pode dizer da maravilhosa fotografia. O visual de O Escolhido é deslumbrante.

Por Djenane Arraes

Eu ainda não sei como Rita Lee conseguiu escrever Outra Autobiografia (GloboLivros/2023). Tenho certeza que foi resultado de uma baita força de vontade em superar o mal-estar do tratamento, das fraquezas físicas, da natural falta de disposição. O que sei é que o livro está aí disponível para quem quiser compreender como ela enfrentou a doença e a levaria embora.

Depois que Rita Lee publicou a autobiografia em 2016 para celebrar a vida como artista até a aposentadoria, a própria disse que não imaginava que nada majoritário na vida dela fosse acontecer. Então o câncer veio. Outra Biografia é, portanto, o relato do que foi o extenso rito de passagem de Rita. Para algumas pessoas, a morte vem rápida, às vezes como uma amiga, às vezes inesperada, às vezes de maneira brutal. Para ela não: foi um processo que começou no momento do diagnóstico. 

Três coisas me chamaram a atenção na Outra Autobiografia de Rita. A primeira foi a reação à notícia do diagnóstico. Cada um reage de um jeito a algo que é praticamente uma sentença. É um tabu tão grande que tem gente que nem o nome da doença consegue dizer. No caso, Rita jogou pelos ares os anos em que ela se esforçou para ficar limpa, e ligou para o farmacêutico camarada para descolar remédios que ela chamava de “tarjas pretas”. Obviamente o resultado foi desastroso, e ela relata tudo com franqueza incrível. 

O segundo ponto foi a contradição entre a vontade dela e da família. Por Rita, ela pegaria a receita médica da morfina e teria ido sem dor. Contudo, por conta do respeito ao amor do marido e dos filhos, ela se submeteu ao tratamento que, no fundo, ela sabia que seria muito complicado. Rita tinha como referência a experiência com a mãe dela, que definhou tentando combater o câncer. Mesmo tendo a imagem da mãe e o receio dos sintomas que poderia vir a sentir, e das sequelas que estariam por vir, ela foi para a luta pela família dela.

O terceiro ponto interessante do relato dela foi a aceitação da própria passagem. Rita disse que a ideia da morte na velhice já não era um motivo de temor, mas sim de curiosidade, e o que se configurasse, por ela, estava tudo bem. 

Por Djenane Arraes

O Grammy resolveu tomar uma atitude em vista a quantidade de notícias que envolviam a inteligência artificial e a música. Agora só são elegíveis os trabalhos artísticos produzidos sem esse recurso. Isso faz sentido. Paul McCartney anunciou dias atrás que a última composição dos Beatles foi concluída com a I.A reproduzindo a voz de John Lennon. Se você pensa que esse tipo de recurso só está sendo usado por magnatas da indústria fonográfica, é porque não espiou no Tik Tok. Não é preciso procurar muito para encontrar um monte de usuários da plataforma mixando canções com a voz dos artistas favoritos, gerados pela I.A. Obviamente que o resulto é mequetrefe, robotizado, como se os artistas imitados estivessem cantando em modo autotune ao quadrado ou algo assim. Mesmo assim, a semelhança com o timbre original é impressionante, mesmo feito em trabalhos amadores.

Se ficasse tudo na mera curiosidade tecnológica, ótimo. O problema é que a tendência disso é proliferar, passando por cima de direitos autorias, de voz, e de imagem. Pior que isso, há problemas éticos e morais importantes. Fazer essas experimentações envolvendo artistas ativos já é ruim, imagine fazer ressurgir vozes que já estavam descansando no além? Imagine se, por exemplo, David Grohl decidir fazer um dueto com Kurt Cobain na música My Hero? Ou se colocarem Amy Winehouse para cantar qualquer porcaria produzida pelo Alok?

Os duetos com gente morta não são recorrentes, mas com as devidas autorizações e os recursos de edição e mixagem dos estúdios, presenciamos parcerias impossíveis pela força do tempo e da vida. A música mais famosa usando esse tipo de recurso é Unforgettable, eternizada por Nat King Cole, morto em 1965. Essa música foi remixada e remasterizada em 1991 de modo que a filha Natalie Cole cantasse como se estivesse fazendo um dueto com o pai dela. Essa deu alguns Grammys à Natalie Cole. No Brasil, temos o caça-níqueis vergonhoso Renato Russo: Duetos, disco esse que tem até dueto de Renato com Cassia Eller e com Dorival Caymmi, todos já mortos quando o disco foi produzido. Daniela Mercury também fez um dueto com defunto, quando “cantou com” Carmen Miranda em O que é que a baiana tem (apesar de que o resultado ficou bonitinho e o dueto tinha toda a vibe de homenagem). Bom o ruim, pelo menos esse tipo de trabalho é feito com base de algo já existente.

Por Djenane Arraes

Alguns meses atrás, escrevi um texto reagindo a contratação de Lea Michele para o espetáculo Funny Girl, em cartaz no teatro August Wilson, em Nova York. Minha reação foi de um deboche devido a toda situação que envolveu a atriz. Lea Michele ficou conhecida pelo seriado Glee, na qual ela basicamente interpretava a si mesma. Essa atriz foi cancelada na internet por racismo, e fizeram piadas de todos os tipos sobre ela por causa da lenda conspiratória de que ela não sabia ler. Em Funny Girl, Lea Michele foi contratada para literalmente salvar o espetáculo, que estava afundando após três meses de estreia. Tudo por causa da escalação equivocadíssima da atriz Beanie Feldstein no papel de Fanny Brice, que é uma boa comediante, mas não é uma cantora. Estamos falando aqui de um papel eternizado por Barbra Streisand, pelo amor de deus!