Cena)(Dupla

Lançado em 2003, Swimming Pool trabalha a relação entre ficção e realidade tendo como protagonista uma escritora inglesa de livros policiais, Sara Morton, interpretada por Charlotte Rampling. Escrito e dirigido por François Ozon, o filme apresenta o processo criativo de Sara que, cansada de escrever suspenses de sucesso, parece disposta a um novo projeto. Seu editor, John, interpretado por Charles Dance, oferece sua casa de verão na França para que ela escreva seu livro. No filme, a ficção e a realidade são apresentadas como equivalentes, tendo como foco a visão de Sara. A personagem, compromissada com seu objetivo de escrever algo novo, mais pessoal, de início parece assumir o desafio em uma espécie de provocação ao editor.

Sara, porém, ao chegar na casa de verão, não experimenta hábitos diferentes dos seus, compra potes grandes de iogurte light e reluta em aproveitar a piscina. Depois de alguns dias aparece na casa Julie, a filha de seu editor. A primeira parte do filme apresenta a recusa de Sara em aceitar essa presença inesperada e os hábitos da jovem, interpretada por Ludivine Sagnier, que se chocam com os seus. O comportamento de Julie vai de encontro com a austeridade de Sara, elementos controversos de suas ações juvenis vão sendo apresentados ao longo dessa primeira parte do filme. Em alguns momentos Julie aparece como uma adolescente sexual, provocativa, quando em outros momentos é uma criança que enerva a autoridade de Sara ao deixar em cima da mesa pratos sujos. A tensão trabalhada entre as duas atrizes se dissolve na medida em que a imaginação de Sara começa a entender Julie como uma porta semiaberta, onde é possível perscrutar a vida secreta do seu editor. A escritora acaba abandonando o projeto inicial e começa a escrever somente sobre Julie. Sara começa a se mostrar mais incisiva, capaz de atitudes invasivas para conseguir novas informações sobre Julie e para experimentar suas sensações. O filme se desenvolve criando fios que tramam o suspense que, aos poucos, a escritora não tenta mais evitar. Em certo momento, enquanto Julie conta sobre a personalidade romântica de sua mãe, e da personalidade ambiciosa de seu pai, Sara revela que, um pouco como John, também tem uma queda por sangue, dinheiro e sexo. Assim, começa um novo jogo, em que os acontecimentos satisfazem a escritora e onde Julie é levada a agir para satisfazer as ânsias do livro que Sara está escrevendo. O filme é assim um suspense psicológico do qual a própria autora não se nega a participar.

Swimming Pool prende o espectador, com cenas provocantes e um tratamento interessantes. Por mais absurda que seja a situação ela é apresentada de uma maneira extremamente realista, com isso um traço grotesco se desenha, causando um desconforto permanente. A proposta de François Ozon é clara. Uma trama simples que esconde sentimentos complexos, um suspense psicológico que joga com o processo criativo clássico onde o escritor leva a sua criação a despertar seu lado monstruoso. Tudo isso, porém, é feito de uma maneira sutil e única, com imagens e simbologias que cobrem de camadas o filme. Uma dosagem levemente arriscada em mistura perfeita entre as duas dimensões da história, o que acontece e o que Sara imagina. Apesar disso, o fim do filme apresenta um fechamento convencional, revelando de forma literal o projeto do diretor e entregando ao espectador, com cenas pouco inventivas, uma apagada conclusão.

Baseado na peça “O Menino da Última Fileira” do dramaturgo espanhol Juan Majorga, Dentro da Casa, filme de François Ozon, eleva em nova abordagem a relação entre ficção e realidade. No filme um professor do ensino médio, Germain, interpretado por Fabrice Luchini, encontra entre as redações que corrige uma que salta aos olhos do professor. A redação do aluno Claude, interpretado por Ernst Umhauer, parece de repente promissora e Germain lê o texto para sua mulher Esther, interpretada por Kristin Scott Thomas. No texto Claude narra um domingo na casa de um colega, Rafa, como um invasor o aluno observa e ironiza o ambiente e os pais de Rafa e pensa nas possibilidades de adentrar mais sua intimidade. Semana após semana Claude entrega a continuação dessa trama instigante envolvendo o professor que se encanta com a escrita do aluno e percebe nele uma possibilidade de transferir seu conhecimento com algum sucesso, em uma relação que esbarra por pouco em um desejo ardente do professor por seu aluno.

A confluência entre ficção e realidade e a possibilidade de criar algo que realmente transpasse a vida dos alunos é um dos temas que Germain desperta junto ao seu aluno. Questões de gênero e escolhas literárias são colocadas pelo professor ao seu aluno e o realismo é discutido de maneira interessante dentro do trabalho que os personagens desenvolvem juntos. Claude é um personagem que apresenta uma história familiar triste, Germain reflete em Claude uma relação paternal que acaba por psicologizar o personagem, o diretor não deixa claras as reais intenções dos dois e em alguns momentos excede em explicações melodramáticas e levemente conversacionais. Ao mesmo tempo a tendência do projeto de Claude, que expõe o colega Rafa, e trabalha dentro de uma ideia de voyeurismo, acaba por levantar questões interessantes acerca do papel do observador. O papel do professor se mantém, ao longo de toda a narrativa, entre a ação e a observação. Ao convidar os pais de Rafa para a exposição, Esther, a mulher do professor age a frente dele, expondo a realidade da questão. Observação, crítica e ética se mantém como forças condutoras da relação entre os dois e também na relação entre Claude e a família de Rafa. Sua visão sutilmente irônica e seus pontos de vista expõem as fissuras da instituição familiar. Claude é capaz de aceitar as alterações implicadas pelo professor, que busca trabalhar a reflexão de Claude de maneira que ele se coloque em questão. Ao mesmo tempo o aluno percebe nessa entrega do professor a possibilidade de questionar e adentrar aos poucos a sua vida. A história contada no filme acaba por superar a narração e inverter a relação de importância entre ficção e realidade.

Em cartaz no Sesc Consolação, a peça Nossa Cidade, escrita em 1930 pelo dramaturgo Thorthon WIlder, é um relato da vida pacata dos moradores de Grover's Corners, uma cidadezinha americana, visto pelo olhar de um personagem externo ao quadro que interfere diretamente nas cenas. Com esse recurso o texto de Nossa Cidade, parece sempre uma construção ficcional e ao mesmo tempo que nos entregamos ao andamento da peça, constantes interferências, tempos extendidos como em slow motion, repetições e interjeições aparecem ao longo dos diálogos, distanciam o espectador. Como uma lente de aumento vemos os detalhes de comportamento que criam a cultura americana.

É um olhar crítico que sublinha essas passagens e mostra a cultura de dominação presente na cidade. Na reconstrução proposta por Antunes Filho, elementos contemporâneos se misturam ao texto, procurando não só as raízes da pesquisa do dramaturgo americano, mas também expondo o enraizamento da cultura da guerra desde 1906 até os dias de hoje. O formalismo presente no texto é potencializado pela interpretação marcada dos atores, que sem ser declamativa, é extremamente teatral. Os atores em consonância perfeita com seus personagens, apresentam a pesquisa de maneira clara em suas atuações.

A escolha de analisar, nos dias de hoje, uma peça como Nossa Cidade é, já de cara, um acerto e reacende a discussão sobre a força de dominação da cultura americana. Uma cultura criada a partir da guerra e da dominação que gera consequências ao mundo e ao seu próprio povo, já sabemos bastante sobre essa realidade e ao colocar a figura do Diretor de Cena, como um sobrevivente de guerra, Antunes Filho potencializa a leitura e transforma o narrador da peça em vítima direta da situação que ele está apresentando.

Seguindo a indicação do dramaturgo de que a peça deveria ser feita com um cenário discreto e o mínimo de adereços de cena possível, nessa versão de Nossa Cidade o cenário cinzento e quase invisível é contrastado por uma fresta de pintura viva que vemos nas saídas e entradas dos diversos personagens. Os atores lidam bem com a falta dos objetos e exploram a linguagem gestual. O telégrafo que liga as duas famílias dura por dias em nossa memória, mostrando a força do texto. Essa escolha distancia ainda mais o espectador e permite que as intenções dos personagens ganhem ainda mais destaque no palco. A coesão dos atores é excelente e as cenas corais dão um tom irônico, triste e poético a montagem e caracterizam bem as cidades americanas.

Antunes Filho parece ter se debruçado fielmente nas intenções do dramaturgo e a camada de leitura que adiciona a montagem é sutil e discreta, se limitando a fortalecer e atualizar a obra. É uma leitura excelente de um texto excelente, o distanciamento provocado permite a reflexão constante do público que se mantém ativo, de olhos alertas e com as costas bem longe da poltrona. A vida despida e exposta em cena como uma passagem monótona, com falsas alegrias e sem qualquer reflexão, termina em tristes mortes e inúteis “lembranças de guerra”. Nessa nova montagem de Nossa Cidade, acabamos bem longe de Grover's Corners e mais atentos ao cotidiano que vivemos, aqui mesmo, na nossa cidade.

No início, um ruído completa o silêncio do teatro e uma figura, longilínea, corta o quadro em um ritmo constante, pleno e profético. A peça A Dama do Mar, do diretor norte-americano Robert Wilson, apresenta com consistência seu projeto estético ao propor uma desconstrução do drama de Henri Ibsen. O texto, reescrito por Susan Sontag em um trabalho livre de corte e colagem, procura tirar da peça o excedente do drama e apresentar quadros sintéticos que aludem ao texto de Ibsen e abrem espaço para a criação única de Robert Wilson.

A Dama do Mar é o primeiro espetáculo do diretor encenado em português, por atores brasileiros. No papel de Ellida, o público deste último sábado viu Lígia Cortez como uma sensível dama do mar. No início da apresentação, enquanto a atriz traça as retas do cenário que alude a um cais duro e frio, suas pernas bambeiam e suas mãos surgem aos poucos, construindo plasticamente as intenções de Ellida. Intenções essas que se manifestam, como Robert Wilson deseja, no contraste de sua sombra aos tons de azul diversos e clarões míticos do cenário e se fortalece e se presentifica, por fim, nas nuances cirurgicamente trabalhadas de sua voz.

No trabalho de Robert Wilson, o espaço e o silêncio são necessários para a construção de gestos esculturais que se chocam com o drama, que no caso de A Dama do Mar parece sempre prestes a eclodir, mas é afogado por um som, um corte, um silêncio profundo ou uma ironia mordaz. O cenário apresenta quinas e texturas artificiais, joga com materiais distantes da água, colocando Ellida em um ambiente árido e hostil a sua natureza marinha. Em dois momentos da peça surgem em cena elementos pontiagudos, uma pedra que parece surgir, como pontada no cérebro da protagonista e uma pedra que aparece quando o obstáculo da personagem se apresenta.

O diretor utiliza sons para quebrar os momentos mais fluidos da peça, para descaracterizar o drama que tenta surgir. A trilha sonora trabalha em confluência com a peça, gera ambientação e cria cenas musicais, não se opõem ao trabalho dos atores. É a sonoplastia que propõem as quebras narrativas e é o excelente trabalho de voz e interpretação que sugere toda a ironia, crueldade e artificialidade necessárias para questionarmos as figuras desenhadas em cena. São personagens muito caracterizados, com maquiagens duras e estáticas, corpos e desenhos pontiagudos e invasivos, sombras que vagam ao redor de Ellida.

A peça se desenvolve com humor, ferocidade e plasticidade, levando a linguagem do espetáculo ao primeiro plano, como norma da estética do diretor. É apenas em um momento do espetáculo, no penúltimo quadro apresentado, que o drama que a forma procurava evitar ressurge, de início com dedos, depois se entregando totalmente a função de apresentar com excessiva clareza o conflito essencial que Ibsen constrói dramaticamente. É de uma maneira cordata, bem pouco ousada, que essa cena é desenvolvida, a impressão é que somente nesse trecho vemos o texto do autor na íntegra, ou bem pouco modificado. O efeito é melodramático, as falas não se encaixam ao movimento plástico desenhado por Robert Wilson e a peça cai por alguns minutos.

Vemos aqui um velho teatro ressurgir, um pouco capenga, em uma fenda dialógica estranha que expõem com uma clareza, um pouco obscena, a discussão sobre a liberdade da mulher, questão essa que vinha se desenhando de maneira aguda e, ao mesmo tempo arejada, pedindo a participação do expectador na leitura. O drama se chocava duramente com a estética de cores frias proposta pelo diretor, mas de uma maneira positiva. A Dama do Mar é, por fim, um trabalho ousado de releitura que garante reflexões sobre a forma dramática. São, acima de tudo, excelentes as interpretações de Lígia Cortez, Ondina Clais Castilho, Bete Coelho, Luiz Damasceno e Hélio Cícero, todos destrincham e mastigam com gosto, nas falas e nos movimentos, as leituras propostas por Robert Wilson e Susan Sontag.

    Diversas vezes adaptado para cinema e teatro, Anna Karenina, o célebre romance de Liev Tolstoi, é dessa vez adaptado por Joe Wright no filme de mesmo nome em cartaz nos cinemas. No filme o romance é destrinchado e muito bem lido pelo diretor que consegue, em 2 horas, levantar sistematicamente os principais pontos do romance russo sem deixar que a trajetória da protagonista Anna se sobreponha aos outros personagens. A constelação de famílias criada por Tolstoi é extremamente necessária para expor as contradições dos pensamentos apresentados no livro. Mais do que a discussão acerca do adultério, Joe Wright consegue mostrar os personagens dentro de suas perspectivas de classe, e com falas cirurgicamente retiradas do texto expõe as ideologias em embate na época. Personagens céticos e idealistas se chocam em diversas oposições e acabam construindo a base para os melhores momentos da peça, sempre protagonizados pela atriz Keira Knightley em suas tensões com os diversos personagens, em especial com Vronski (Aaron Taylor-Johnson) e com o marido Karenin, interpretado brilhantemente por Jude Law. Fora a atenciosa leitura do romance, as falas não pecam pela redundância e pelo clichê de sublinhar os principais trechos do romance, a forte narração de Tolstoi se impõem de uma nova maneira, nas entrelinhas, o que propicia uma nova leitura dos acontecimentos, uma leitura irônica, econômica, ambígua, gestualizada e teatral.  É numa nova linguagem que reside a aposta do filme. O diretor optou por criar uma adaptação que não compete em nada com o valor literário da obra. O teatro que Joe Wright monta para encenar sua leitura do romance é interessante ao contrapor o que é espetáculo e o que é história, as coreografias estilizadas conseguem demonstrar perfeitamente a dinâmica de cada espaço de cena e de cada conflito, as mudanças de cena são sutis e engenhosas, o teatro onde acontece as cenas de Moscou e St. Petersburgo só se afasta do movimento da trama quando as cenas do campo se apresentam, com esse distanciamento do espetáculo, o diretor apresenta a visão de que a familia campestre ainda poderia deter os valores humanos, estaria livre do teatro da sociedade. Anna, nos momentos iniciais do filme, enquanto é vestida pela criada, dança ao ler a carta do irmão e mostra gestualmente sua preocupação e excitação frente a situação que se apresenta. Na leitura teatral proposta pelo diretor é possível explicitar os contrastes que o autor russo expõem em longos trechos de reflexão e que são o trunfo do livro. Os atores parecem se distanciar de suas interpretações e concordar em tornar seus personagens roldanas para a discussão que o romancista propõem. A família que se desintegra é o verdadeiro ponto do livro, porém Tolstoi apresenta o triunfo do ideal de família burguesa no fim de sua exposição, talvez seja essa discussão que torna o romance ainda vivo em 2013. É no momento em que a trama está inscrita que a crise do idealismo começa a se manifestar em outras partes da Europa e fortes movimentos se preparam para eclodir na Rússia. O diretor consegue evocar todos esses pontos, não deixando de lado em nenhum momento as figuras que fortalecem o conteúdo filosófico e político do livro. Aqui está uma boa adaptação que não compete em brilho com a obra literária, mas fortalece sua leitura e fornece chaves para que o entendimento do romance clássico seja ainda mais forte e atento às contradições que se estabelecem entre as frágeis intenções dos personagens.