La noche también arropa a aquellos sueños que nunca serán recordados, porque habitaron alguna vez en nosotros y de alguna manera nos hicieron ser lo que somos.
Dentro de la banda sonora de Bardo, “Mateo’s Freedom” es una pieza de gran delicadeza emocional, compuesta por Bryce Dessner junto a Alejandro G. Iñárritu. Su música avanza con una calma introspectiva, como si acompañara un recuerdo que emerge lentamente, sin dramatismo excesivo, pero con una profunda carga afectiva.
La composición transmite una sensación de liberación íntima, más espiritual que grandiosa. Las cuerdas, la pausa y la contención expresiva construyen un espacio sonoro frágil y luminoso, muy ligado al viaje interior de la película: memoria, identidad, pérdida y reconciliación. Es una pieza breve, pero capaz de dejar una huella serena y profundamente humana.
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Corey Fuller & Richard Skelton: Insula (Isolarii 2022).
Publicada el 7 de enero de 2022 dentro de THESIS 20 – Isolarii, Insula es la pieza que clausura el trabajo conjunto de Corey Fuller y Richard Skelton. El proyecto toma como punto de partida los antiguos isolarii, aquellos libros renacentistas dedicados a describir islas, y convierte esa idea geográfica en una experiencia musical marcada por la distancia, la memoria y la contemplación.
La obra fue concebida durante el confinamiento por la COVID-19, a partir de un intercambio creativo entre Japón y el Reino Unido. Esa separación física entre ambos músicos no actúa como obstáculo, sino como motor poético del disco. Las tres composiciones que lo integran, Iland, Ysland e Insula, funcionan como pequeños territorios sonoros, lugares imaginarios donde el oyente se desplaza sin necesidad de movimiento. La edición de Thesis Project, la masterización de Taylor Deupree y el diseño visual de Gregory Euclide refuerzan esa relación entre paisaje, aislamiento y resonancia emocional.
En Insula, el sonido avanza con una extrema delicadeza. La pieza comienza desde una base grave, velada y casi brumosa, sobre la que van apareciendo capas de piano y cuerdas suspendidas. No hay desarrollo dramático en sentido convencional, sino una lenta apertura de la materia sonora, como si la música respirara desde dentro. Después, todo se va retirando con naturalidad hasta desembocar en una disolución serena, cercana al silencio.
Fuller y Skelton construyen así un epílogo breve pero profundamente evocador. Su lenguaje ambient y electroacústico no busca narrar una historia cerrada, sino sugerir un estado interior: la sensación de habitar una isla mental, un espacio de recogimiento donde la distancia se transforma en presencia.
Da pacem Domine
Give Peace, O Lord,
In our time
For there is no one else
who will fight for us
if not you, our God.
Da Pacem Domine es una de esas obras que parecen existir al margen del tiempo. Partiendo de la composición coral que Arvo Pärt escribió tras los atentados de Madrid de 2004, Corey Fuller transforma esta antigua plegaria por la paz en un delicado paisaje sonoro interpretado únicamente con sintetizadores Moog. Al prescindir de la voz humana, la música adquiere un carácter aún más introspectivo, como si la oración permaneciera intacta, pero pronunciada desde el silencio y la contemplación.
Publicada en 2020, en un mundo marcado por la incertidumbre y la fragilidad, esta versión encuentra una nueva dimensión emocional. Los largos acordes, la calma con la que evolucionan las texturas y la ausencia de cualquier gesto grandilocuente convierten la escucha en una experiencia profundamente meditativa.
Más que una reinterpretación, la propuesta de Corey Fuller es una invitación a detenerse unos minutos y recordar que, incluso en los momentos más oscuros, la música puede seguir siendo un espacio de paz.
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Hay sueños que no mueren. Se empeñan
en ser sueños.
Ajenos a la comba de la esfera
y a las operaciones de los astros,
trazan su propia órbita inmutable
y, en blindadas crisálidas, se protegen
del orden temporal.
Por eso es que perduran:
porque eligen no ser.
Negándose se afirman,
rehusando se mantienen, como flores de cuarzo,
indestructibles, puros, sin dejarse arrancar
de su durmiente ínsula.
Ana Rossetti
De: Punto umbrío, 1996
Recogido en: Señales y muestras- Antología 1980-2016
Ryuichi Sakamoto Trio: Fukushima #1 (Live at Royal Festival Hall/London November 1, 2011)
Cuando se escucha Fukushima #1, resulta difícil separar la música del contexto histórico que la rodea. La obra pertenece a una etapa especialmente significativa en la trayectoria de Ryuichi Sakamoto, marcada por el impacto emocional y político que tuvo en él el accidente nuclear de Fukushima Daiichi tras el terremoto y tsunami que sacudieron Japón en marzo de 2011.
A partir de entonces, Sakamoto adoptó una postura pública crítica respecto a la energía nuclear y comenzó a explorar un lenguaje musical cada vez más austero. Sus composiciones fueron desprendiéndose de elementos superfluos para acercarse a una expresión basada en el silencio, la resonancia y la fragilidad del sonido. En lugar de buscar grandes desarrollos melódicos, muchas de sus obras de este periodo parecen detenerse a contemplar el espacio que existe entre las notas.
Fukushima #1 es una muestra especialmente reveladora de esa transformación. La pieza avanza con una delicadeza extrema, dejando que cada acorde se desvanezca lentamente antes de dar paso al siguiente. Más que una narración, transmite una sensación de suspensión, de reflexión y de duelo contenido. La música parece habitar un territorio donde conviven la incertidumbre, la memoria y la esperanza.
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Miles Davis: Générique / Louis Malle: Ascenseur pour l'Échafaud.
Bajo la lluvia de París, el rostro de Jeanne Moreau parece flotar entre luces, sombras y silencios. La trompeta nocturna de Miles Davis convierte cada calle vacía en un pensamiento suspendido, cada mirada en una herida elegante.
Ascenseur pour l'Échafaud de Louis Malle no solo redefinió el noir francés, sino también la relación entre jazz e imagen: una música improvisada frente a la pantalla, nacida en una única noche parisina de 1957, que todavía hoy sigue sonando como el eco de una ciudad insomne.
La verdadera caridad da miedo.
Como la poesía: un buen poema,
por más bello que sea será cruel.
No hay nada más. La poesía es hoy
la última casa de misericordia.
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