Bassa Fedeltà

Se il precedente Electric era un ritorno all'osso influenzato dagli AC/DC, Sonic Temple è il tentativo (riuscito) di creare l’ibrido perfetto: la potenza del rock muscolare fusa con la profondità atmosferica di Love. E per farlo si affidano a Bob Rock, il produttore che in questo momento trasforma in platino tutto ciò che tocca nei Little Mountain Sound Studios di Vancouver.

Bob Rock spinge Billy Duffy a fare quello che ogni chitarrista sogna: sovrapporre strati su strati di chitarre fino a creare una cattedrale sonica dalla chiarezza cristallina. Duffy alterna la sua fidata Gretsch White Falcon alla Gibson Les Paul, cercando di "catturare l'essenza di come si sente un power chord", un'immagine che finisce dritta in copertina.

Dopo una saga degna degli Spinal Tap, con così tanti batteristi che si perde il conto, Mickey Curry (quello dei successi di Bryan Adams) si incolla al seggiolino e definisce l’ossatura del disco con raffiche di grancassa ispirate ai Led Zeppelin.

Mentre Duffy costruisce il suono, Ian Astbury ci mette il misticismo. Sonic Temple è edonismo rock socialmente e spiritualmente rilevante. Astbury usa brani come “American Horse” e “Soldier Blue” per riflettere sulla dignità dei popoli nativi americani, una vocazione che si porta dietro sin dall'infanzia trascorsa in Canada.

📷I The Cult in salsa Pop Art: Mickey Curry, Ian Astbury e Billy Duffy. © 2026 Andrea Quandel

In “Sweet Soul Sister”, invece, il cantante osserva con occhio critico l’americanizzazione della gioventù europea durante un soggiorno a Parigi . E poi c'è la perla del disco, “Edie (Ciao Baby)”, un omaggio orchestrale alla fragile bellezza di Edie Sedgwick, musa di Andy Warhol consumata dalla vita eccessiva della Factory.

Su “New York City” c’è anche l’autografo di Iggy Pop, “estorto” durante le sessioni a Vancouver dopo un concerto in cui Billy Duffy è salito sul palco con Iggy per suonare “ I Wanna Be Your Dog”. Alla fine dello show, Astbury carica l’Iguana sul sellino della sua Harley-Davidson e lo scarica direttamente in studio per fargli registrare i cori nel cuore della notte¹.

I The Cult dimostrano che si può scalare la Top 10 di Billboard senza perdere (in fondo) l'anima. Sonic Temple è il picco creativo di una band che è riuscita a fare il salto dal post-punk al mainstream mondiale, trasformando i riff di Billy Duffy in quello che alcuni già chiamano il "Nuovo Testamento del rock'n'roll"². Se cercate la delicatezza, probabilmente avete sbagliato indirizzo. Se cercate il potere, alzate il volume al massimo.

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Note

Il tour di mezzanotte con Iggy Pop: The Cult's Billy Duffy Recalls Collaboration With Iggy Pop ↩

Un condizionale, ma perentorio, che suona come un’esortazione e che alla fine mi ha convinto. Negli anni ho riconosciuto una buona dose di verità nel sospetto che un amico sappia di te più di quello che credi, forse più di quello che sai tu stesso, e che per questo motivo quando ti dice seriamente che dovresti fare qualcosa, a meno che non sia commettere un crimine, dovresti proprio farlo.

In effetti Cinzia ha dato voce ad una verità taciuta, tenacemente aggrappata col dito medio al ciglio della mia indifferenza: io volevo fare un podcast. Quello che non volevo, per pigrizia, era impegnarmi a cercare delle soluzioni al limite principale del format che avevo in mente: parlare di musica, ovviamente, ma soprattutto farla ascoltare senza violare i diritti d’autore.

Invece, che mona – come diciamo in Veneto. È bastato un attimo su Google per scoprire che la soluzione era lì dal 2008: Mixcloud, tutt’altro che una piattaforma di nicchia. Grazie a delle licenze specifiche, questo paradiso dei Dj permette di caricare intere playlist senza problemi di copyright, perché sostanzialmente paga le royalties agli artisti la cui musica viene utilizzata sulla piattaforma (e questo ci piace molto).

E allora eccolo qui, l’episodio zero, che parla di una metamorfosi e passa solo musica underground italiana. Non accadrà sempre. Mai supererà di molto l’ora, che secondo me è la soglia dell’ascolto attivo. Godetevelo e se volete fatemi sapere cosa ne pensate.

A Veronica. Amore mio, grazie per la pazienza. Al tuo cospetto, Giobbe è un iracondo.

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Tracks & Booklet

Consiglio per la lettura: mi rendo conto che la tracklist è piuttosto lunga, ma è pensata per essere letta mentre si ascoltano le canzoni sul podcast. Insomma, per una specie di esperienza “immersiva” analogica, come quando si legge il libretto (booklet in inglese) di un disco mentre lo si ascolta.

Bleach - Hand Grenade - 00:01:21 + Only Rain - 00:05:49 da God Bless The God Blessed/LP 2026/Shutters Rcecords/Listen and buy on Bandcamp

I romani Bleach si formano nel 2012 come tribute band dei Nirvana. Negli anni si affermano come uno dei tributi più fedeli e apprezzati a livello internazionale, intraprendendo tour che li portano a esibirsi in tutto il mondo.

Nel 2018 hanno avuto l'onore di accompagnare in tour Chad Channing, il batterista che con i Nirvana ha inciso l'album Bleach nel 1989. Un rapporto professionale che è proseguito anche nella loro nuova fase: dopo quasi 15 anni passati a studiare il DNA della band di Kurt Cobain e soci, e non prima di aver costruito l'hype per il proprio debutto attraverso la pubblicazione costante di singoli durante tutto il 2025, nel gennaio 2026 pubblicano l’album di inediti God Bless The God Blessed, nel quale dimostrano di conoscere la grammatica del sound di Seattle al punto da poterne riscrivere la sintassi per adattarla alla contemporaneità.

Il disco dà l’idea di una ristrutturazione che parte dalle basi per arrivare a quello che potremmo definire un “Metagrunge” non più “istintivo” ma consapevole di se stesso, della sua storia e dei suoi codici. Un grunge che si ciba di sé stesso – come un uroboro – per fare spazio a molte altre cose: il calore vintage dei cori doo-wop, la spinta alt-rock alla Godsmack e quelle spigolosità tipiche del nuovo post punk britannico, lasciando che tutto scorra con un'armonia sorprendente. E nell'album c’è ancora una volta Chad che canta e suona la batteria su "Only Rain" – una vera e propria pacca sulla spalla da uno che quel sound ha contribuito a plasmare.

Newt. - How To Dismantle An Atomic Girl - 00:11:14 + Saturnine - 00:15:51 da Voider/LP 2026/Ostia Records/Listen and buy on Bandcamp

I Newt. sono un quartetto alternative rock nato tra Bologna e Gradara, composto da musicisti provenienti da formazioni storiche della scena underground italiana come Antares, ED e Marnero. La band si è formata con l'intento di recuperare l'energia analogica e l'estetica sonora dei primi anni '90 per ritrovare lo spirito "sporco" e autentico del rock alternativo, lontano dalle produzioni digitali moderne dominate dall’autotune.

Il loro album di debutto, intitolato Voider, è stato pubblicato il 27 febbraio 2026 per l'etichetta Ostia Records. Il disco è stato anticipato dal singolo "Acetoned".

Le sonorità dell'album affondano le radici nel grunge e nel garage-psych, con riferimenti espliciti a band come Nirvana, Mudhoney, Pixies, Melvins, Tad e Motorpsycho. Non a caso, il mastering del disco è stato affidato a Jack Endino, figura leggendaria della musica mondiale, noto – oltre che come chitarrista degli Skin Yard – come fondatore dei Reciprocal Studios di Seattle dove sono nati alcuni dei dischi simbolo del grunge (tra cui proprio l'esordio dei Nirvana, Bleach).

Le tracce di Voider si muovono come un ammasso nebuloso di saturazioni analogiche e trame sonore avvolgenti, dove la sezione ritmica scava solchi profondi per permettere alle chitarre di espandersi fino a occupare ogni centimetro di silenzio disponibile. È una densità che non manca nemmeno quando regna la quiete: infatti anche nei momenti di sospensione tipici della dinamica quiet/loud che attraversa il disco, il vuoto non è mai una stanza spoglia. Anche nel piano, i Newt. riescono a riempire l'assenza di decibel con elettricità statica e presagi.

Kæry Ann - White Dress - 00:21:11 da Moonstone/LP 2026/Subsound Records/Listen and buy on Bandcamp

Kæry Ann è il progetto musicale della cantautrice mantovana Erika Azzini. Nata come solista, la sua proposta si è evoluta nel tempo fino a coinvolgere una formazione completa per i live e le registrazioni in studio, composta da Francesca Papi (basso e chitarra), Davide Rosa (chitarra) e Fabio Orticoni (batteria).

Dopo il debutto nel 2023 con l'album Songs of Grace and Ruin, caratterizzato da sonorità shoegaze delicate e psichedeliche, Kæry Ann ha intrapreso un viaggio artistico che l’ha portata verso i lidi del dark folk e del doom , con accostamenti che spaziano da Emma Ruth Rundle e Chelsea Wolfe fino ai Messa per i momenti più pesanti.

Il 23 gennaio 2026 ha pubblicato Moonstone, registrato presso Produzioni Rumorose, mixato da Maurizio Baggio e masterizzato da Giovanni Versari.

Tra distorsioni doom-gaze e il mito di Ero e Leandro, questo disco non offre cure miracolose, ma una lanterna per attraversare l'oscurità senza lasciarsi spegnere.

Se vuoi puoi leggere la recensione di Moonstone qui.

Talk To Her - No Sounds Remains - 00:26:58 da Pleasure Loss Desire/LP 2025/Listen and buy on Bandcamp

Padova si conferma come uno dei centri più prolifici per la new wave e il post punk in Italia, grazie anche al lavoro di scouting dell’etichetta Dischi Sotterranei, e i Talk To Her rappresentano probabilmente la punta di diamante di questo movimento (che comprende ad esempio Jesse The Faccio, i Winter Dust e i mitici Laguna Bollente). La band definisce la propria musica come un "rifugio" e un "abisso", un'esplorazione sonora che spazia dall'elettronica cupa all'alternative rock, con testi profondamente introspettivi incentrati sulla sofferenza e sulla ricerca interiore.

La musica dei Talk To Her si basa su una sezione ritmica serrata, tipica del post punk classico, cui aggiungono strati su strati di sintetizzatori e chitarre riverberate. Un equilibrio, quello tra aggressività e melodia malinconica, che ha permesso alla band di ottenere una certa rilevanza internazionale.

Pleasure Loss Desire è il loro secondo album, che segue Love Will Come Again del 2020, disco con cui la band ha raggiunto la “conscrazione” della riedizione in vinile colorato. Hanno all’attivo anche un EP, Home, del 2018.

Quest’ultimo lavoro risuona come se uscisse dalle vie di Padova e dalla campagna limitrofa, nel profumo acre dei concimi chimici, avvolto nella caratteristica nebbia così fitta da nascondere l’origine del suono, e raggiungesse l’ascoltatore – dopo aver viaggiato attraverso l’umidità e il freddo – entrando in profondità, nelle ossa.

Infine la nebbia assorbe ogni altro suono e lascia sbalorditi da ciò che ha da raccontare.

Partinico Rose - Tragedy Of Style - 00:32:19 da Undeclinable Ways/LP 2024/Earache Records/Listen and buy on Bandcamp

I Partinico Rose sono un trio (spesso accompagnato dal violoncello) originario di Ragusa, in attività dal 2015. Sono riusciti a portare il proprio "Southern Gothic" dalla Sicilia fino alle orecchie dell'underground internazionale, tanto da ricevere un “bollino blu” da Iggy Pop in persona. The Iguana infatti ha trasmesso i loro brani all’interno del suo programma Confidential su BBC Radio 6 e ha lodato il loro sound.

Nel 2019 pubblicano il loro album di debutto, Songs For Sad and Angry People. Lo autoproducono e lo registrano in tre giorni con un budget ridotto ma con tanta passione, anche per band come Cure, Bauhaus e Sister Of Mercy.

Nel 2024 arriva Undeclinable Ways, questa volta per la storica etichetta inglese Earache Records. Il disco segna un salto di qualità ed il passaggio a sonorità post punk meno cupe che abbracciano l’alternative rock.

Un loro sostenitore su Bandcamp, in un commento a “Undeclinable Ways”, ha paragonato la band a una sorta di “upgrade dei Cure”. Un’osservazione che, sebbene possa sembrare ineducata a prima vista, in realtà rivela un orecchio attento. Io propendo decisamente per la seconda ipotesi, quindi per la percezione sincera piuttosto che una mancanza di rispetto.

È vero: i Partinico Rose condividono con i Cure una certa vena dark, una predisposizione emotiva profonda e una cifra estetica che attinge alla new wave. La voce di Vincenzo Cannizzo ha un colore vibrante e intenso che ricorda da lontano il timbro di Robert Smith, ma con un’attitudine tutta propria: più secolare che liturgica, pur conservando il fascino di un rituale laico.

Tuttavia, la band siciliana è molto più di una versione “2.0” dei Cure e “Tragedy of Style”– con la sua combinazione tra turbolenze post punk e atmosfere introspettive mutuate dalla new wave – ne è un esempio perfetto.

Il brano si apre con un mantra ossessivo: “Repudiate (the devotion, the adoration, the fight)”. Un invito solenne a liberarsi da costrizioni identitarie, da passioni tossiche, da battaglie ormai vuote. In poche parole, dall’attaccamento a forme che non ci appartengono più.

Attorno a questo atto di liberazione, i Partinico Rose costruiscono un paesaggio sonoro teso e ipnotico, un taglio netto con un passato accusato di eccessivo estetismo dark – troppo goth, troppo barocco.

E proprio qui risiede la forza del brano: non si limita a descrivere il peso dello stile (inteso come apparenza? Conformismo?), lo fa sentire nel suono.La copertina di "Undeclinable Ways" è stata realizzata da Mauro Gazzara (se clicchi sull'immagine sarai teletrasportato nel suo mondo), che è stato selezionato tra i tre artisti coinvolti nella call per la realizzazione dell'artwork.

📷La copertina di "Undeclinable Ways" è opera di Mauro Gazzara, che è stato selezionato tra i tre artisti coinvolti nella call per la realizzazione dell'artwork.

Helen Burns - Combat Girl - 00:35:14 da The Rain Caller/LP 2024/Alka Record Label/Listen and buy on Bandcamp

La band nasce tra i banchi di scuola e si cementa in una casa di campagna nella Sicilia orientale, dove i membri vivono e compongono in un isolamento creativo che li rende una famiglia prima che un gruppo musicale. Il loro post punk scuro e tagliente rispecchia l'ambivalenza della loro terra, a tratti malinconica e "bagnata", a tratti secca e incandescente come le fiamme . Il titolo dell'album, pubblicato per Alka Record Label nel 2024, si ispira proprio dal meteo variabile dell'isola e alla pioggia, intesa come fonte di rinascita.

Premetto che la derivazione non è necessariamente un male. Escludendo le tribute band, diciamo che sono due gli aspetti che la definiscono: è conscia, oppure non lo è. La prima opzione si traduce spesso in un piacevole revival, termine usato – credo a volte un po’ a sproposito – per indicare il risveglio di un certo genere musicale. Nel secondo caso, quando cioè non è esplicita ma semplicemente la si può cogliere nel suono allo stesso modo in cui l’essenza di un genitore è immortalata nella gestualità dei figli, essa rappresenta la classica ciliegina sulla torta, quell’attenzione ai dettagli che fa la differenza tra un ottimo disco ed un esordio enorme.

Alla fine la chimica di un disco è tutta una questione di legami. Per esempio, il legame tra la band ed il proprio background, ovvero come l'artista lo processa e lo attualizza. E poi c’è il legame tra l'ascoltatore e ciò che gli sembra di sentirci, nel disco. Più questi legami sono discreti, più bello è il disco.

In The Rain Caller le sfumature derivative sono gocce d'acqua che lasciano appena intuire i colori degli Editors e il fruscio lontano, nel vento, di un duetto tra Idles e Do Nothing. Piccoli dettagli che impreziosiscono di raffinate sfaccettature le dieci gemme incastonate in una tiara sonora già di per sé mozzafiato.

FLUM - Invisible Prototype - 00:39:21 da Blackholeflower/LP2024/Listen and buy on Bandcamp

I FLUM sono una band di musica sperimentale con base a Udine, in Friuli. La loro musica si concentra sulla ricerca sonora estrema e sulla psichedelia, definita come un'esplorazione del "potere sciamanico del suono".

Il gruppo nasce all'interno della notoriamente fertile scena underground friulana, dove il legame con il territorio è presente fin dal nome: Flum è infatti il termine friulano per "fiume", l’evocazione di un flusso sonoro costante, travolgente e in continua mutazione, che alterna momenti di saturazione rumorosa a derive ambient.

Sono una presenza storica nei circuiti legati alle sonorità pesanti e oscure (doom, stoner, psych) del Nord-Est e della Slovenia, tanto da aver condiviso il palco con alcune delle realtà più significative del genere, tra cui i Messa.

La bellezza di Blackholeflower e in particolare di “Invisible Prototype” sta nell’atmosfera che il suono è capace di creare: un’attesa fremente che non trova mai risoluzione. È un pezzo che trattiene il respiro. La sua energia è palpabile, pronta a esplodere, ma il crescendo di fuzz e volume non arriva mai alla catarsi, complice il suono profondo, scuro, quasi ipnotico di una chitarra baritona, che trasforma la tensione in un’emozione sospesa, quasi sacra.

Dioniza - Baby Woodrose - 00:45:53 da A Nervi Sciolti/LP2026/Centuries Reverb/Listen and buy on Bandcamp

Domiziana Pelati, in arte Dioniza, è considerata una delle voci più interessanti del panorama musicale italiano recente. Prima di intraprendere la carriera solista, ha maturato un'importante esperienza come voce dei gruppi Shinin' Shade e AyahuascA, formazioni con cui ha esplorato sonorità psichedeliche che ritroviamo nel suo album d’esordio A nervi sciolti – pubblicato alla fine del 2025 per l’etichetta Centuries Reverb con la produzione di Davide Chiari (noto per il suo lavoro con The Lancaster).

Il disco è un lavoro che esplora, attraverso «sonorità psichedeliche scure, umorali e immersive» e un’attitudine alternative-rock, i temi dell’intimità e della fragilità psichica. “Baby Woodrose”, in particolare, è stato scelto come primo singolo per la sua carica visionaria.

Intitolato non a caso con il nome dell’omonima pianta psicotropa, è un affresco sonoro di alterazione e dissoluzione dell’identità. Attraverso immagini evocative come il corpo «sparso in atomi» e l’«universo onirico», la canzone dipinge immediatamente l’immersione psichedelica.

Il suono – e in particolare la chitarra – segue sfrigolando l’onda emotiva del testo, con alti di tensione, cadute nel vuoto e improvvisi ritorni di intensità. L’intera esecuzione sembra filtrata attraverso un filtro di vetro rotto, che trattiene dentro ai suoi frammenti accenti alternativi d’annata – del ‘90 per la precisione – che richiamano gli Scisma e P.J. Harvey.

Come l’eco di un corpo che vibra, “Baby Woodrose” aspira a lasciare un segno in chi ascolta, a risuonare ben oltre la durata del brano, trasformando la dissoluzione dell’io in una ricostruzione personale.

PAUSETTA PROMO

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Francesca Bono - Black Horse - 00:48:29 da Crumpled Canvas/LP 2024/Listen and buy on Bandcamp

Francesca Bono non ha bisogno di presentazioni per chi ha seguito la scena indie italiana negli ultimi 15 anni, per cui è curioso parlare di un brano tratto dal suo disco d’esordio, anche se il primo disco da solista lo è certamente.

Storica leader degli Ofeliadorme, band bolognese che ha saputo fondere dream-pop, trip-hop e rock alternativo con un'eleganza internazionale, Francesca cerca costantemente di ampliare il proprio raggio d'azione sia attraverso progetti paralleli (LetHerDive, Bono/Burattini) sia come solista.

Nel 2024 ha pubblicato il suo debutto, Crumpled Canvas, co-prodotto da un Mick Harvey folgorato dalle demo dell’artista italiana, e che partecipa all’album anche suonando il basso (oltre a piano, wurlitzer e farfisa). Il mix finale è stato affidato alle sapienti mani di Alain Johannes (Chris Cornell, Queens Of The Stone Age, Arctic Monkeys) all’11AD2 di Los Angeles, scelta che ha contribuito a conferire al lavoro una dimensione decisamente cosmopolita. Il percorso si è poi evoluto nel 2026 con il progetto Bono/Burattini: l'album Ora sono un lago sposta ulteriormente l'asticella verso un minimalismo rigoroso (un omaggio non troppo velato alle architetture sonore di Steve Reich).

In “Black Horse”, con il passo moderato tipico del motorik a cadenzare l’incedere drammatico della ballata, arriva l’uomo sul cavallo nero. Sembra l’archetipo, un tantino biblico, di forze dirompenti che irrompono nel nostro ordine sociale, siano esse la crisi climatica, la trasformazione tecnologica o le dinamiche di potere “inattese”.

Il climax elettrico nel finale è tutt’altro che liberatorio: sancisce piuttosto l’incapacità della società di affrontare queste sfide con empatia, solidarietà e lungimiranza. E quindi aspetta che tutto si sistemi da solo, scansando il duro impegno di una vera trasformazione.

ZIST - Noianoiser - 00:52:16 da Noianoiser/LP2025/Almost Halloween Time Records|Be Cruel Records/Listen and buy on Bandcamp

Noianoiser non si ascolta, si incontra. È un album che si manifesta come un’eco profonda proveniente da un sottopassaggio, o il brusio sinistro di un neon alla canna del gas. Frutto di registrazioni domestiche realizzate con strumentazione analogica di recupero – registratori a nastro e vecchi microfoni comprati al mercatino –questo lavoro si colloca in quel territorio liminale dove il low-fi smette di essere una scelta estetica e si fa condizione esistenziale. Qui, il difetto non è un limite. Il fruscio, la distorsione accidentale e la voce che si spezza filtrano un’umanità che il digitale tende a cancellare.

ZIST, progetto solista di Riccardo Prianti (Weekend Martyr) dalla vocazione radicata nel do-it-yourself, costruisce con questo disco un paesaggio sonoro che si muove – in bilico tra il gioco e la disperazione – tra il freak folk psichedelico e un garage rock sbilenco e naif. Ma non si tratta solo di generi. È soprattutto una topografia dell’abbandono – urbano, certo, ma anche spirituale ed esistenziale.

La voce baritonale di Prianti, profonda e malinconica, ricorda quella di un Nick Cave che ha perso la chiesa ma conserva il rito. La chitarra acustica, distorta dai mezzi di registrazione, si trasforma in un’arma di disturbo emotivo, mentre una drum machine scandisce il tempo come un orologio analogico in un mondo senza più ore.

Il risultato è un dark folk contemporaneo, con echi di Johnny Cash ma anche dei Throbbing Gristle: una spiritualità laica che prega sotto i viadotti di periferia.

L’album si chiude con una rivisitazione noise di un brano dei Mirrors, storica band di Cleveland anni ’70 nota per il suo garage-rock psichedelico. Un omaggio, ma anche un passaggio di testimone da una generazione di outsider all’altra, attraverso il medesimo rifiuto del suono pulito, del successo, della normalizzazione.

In Noianoiser, il rifiuto diventa forma. Il difetto, linguaggio.

Der Anna - Tarlo Distorto - 00:54:36 da Breakthrough/LP 2024/Music From Ass/Listen and buy on Bandcamp

Dalla Toscana ritorniamo in Lombardia, e più precisamente a Brescia, dove i fratelli Manfredini insieme a Nicola Tarletti e Michele Gandaglia formano i Der Anna. Un gruppo che ignora bellamente i trend per dedicarsi ad un garage-synth decisamente genuino.

Il loro primo album si intitola Breakthrough ed è uscito nel 2024 per l’etichetta romana Music From Ass. È un disco che suda urgenza e nevrosi elettrica, registrato presso il Monolith Studio della loro città.

Sarà perché nel DNA della società contemporanea i filamenti di tempo sono sempre meno, o per la spropositata quantità di canzoni che ogni giorno riempiono le piazze digitali, oppure per una combinazione dei due fattori che genera una tempesta perfetta, fatto sta che se le prime note di un pezzo non ci prendono, passiamo oltre con la stessa leggerezza alla carta con cui scegliamo un caffè. Lo zapping musicale è, inutile nasconderlo, una pratica piuttosto comune oggigiorno.

Questo per dire chissà quanta bellissima musica ci siamo persi per la fretta.

Mentre non si possono ascoltare di fretta (in questo caso davvero una cattiva consigliera) gruppi come i Der Anna, perché la loro bellezza si nasconde ed al contempo si svela in un ascolto lento. L'unico limite oggettivo di questo disco è l'indiscutibile soggettività del gusto personale, ma se vi piace il rumore di fondo di una vecchia radio mentre passa suoni taglienti e ritmi ossessivi sostenuti ed amplificati dalle suggestioni di un organo tremolante che strizza l’occhio ai telefilm polizieschi anni 70, non potrete non amarlo.

This Volume Junk - Your Ass - 00:58:44 da Concerned EP/EP 2024/Listen and buy on Bandcamp

Il percorso degli aquilani This Volume Junk è un crescendo, in tutti i sensi. Debuttano con il singolo “Bini” a fine 2024, passano per la prova densa di Concerned EP nel febbraio 2025 e arrivano infine al traguardo del full-length con Unbound nel 2026.

Concerned è un lavoro che non si lascia incasellare – e non perché voglia essere enigmatico, ma perché è troppo reale per essere etichettato. Post punk noise? Sì, ma solo se non si intende il noise come rumore, bensì come trauma che si trasforma in suono, e il suono che diventa corpo.

È un’eco che sale dalle macerie di L’Aquila e dalla lenta ricostruzione delle strade e dei muri, forgiato da distorsioni che costruiscono un paesaggio di claustrofobia esistenziale. Nel suo petto batte un cuore in sovraccarico: senza un lamento, pompa caos programmato in sei invocazioni laiche, con un tono che spesso sfiora l’epico, quasi lo sciamanico – come se il narratore avesse bevuto dalla stessa fonte di Ian Astbury, ma con la rabbia di chi ha visto il suo paese ridotto a non-luogo.

Se apprezzate le sonorità di band come Gilla Band o Protomartyr, questo EP è pane per i vostri denti.

The Bad Plug - Noise Of Boredom - 01:01:32 da The Bad Plug EP/EP 2022/Listen and buy on Bandcamp

L’esordio omonimo dei milanesi The Bad Plug arriva nell'ottobre 2022 e mette subito in chiaro le loro estetica: quattro tracce che la band registra su un vecchio Tascam 244 al 131 Garage Box, che – siccome non ho trovato informazioni al riguardo e visto l’uso del Tascam – potrebbe davvero essere un box di periferia.

Sono energici, inqueti, con poca voglia di essere people pleasing (di essere compiacenti insomma) e pertanto un po' sgarbati e ribelli, ammesso che al giorno d'oggi questa parola abbia ancora qualche residuo dell'antico potere. Dei teppisti del lo-fi con una moderata tendenza (che già dal nome si potrebbe intuire) ad un sottile sarcasmo scanzonato.

Tradotto in musica da, e qui è d’obbligo la citazione, ché non potrei descriverla meglio di loro:

Linee di batteria diritte, sintetizzatori rumorosi e chitarre grezze

Semplici, diretti e passionali. Ed irresistibilmente attraenti oserei dire. Come si addice ai “cattivi” ragazzi.

Seldom Pretty - Den - 01:06:43 da Seldom Pretty/LP 2026/Nero Original Records/Listen and buy on Bandcamp

I Seldom Pretty entrano in scena con il loro album di debutto omonimo, un lavoro che unisce energia grezza e intensità emotiva in un sound che attraversa i confini tra alternative rock, post punk e industrial.

Se sembra un comunicato stampa è perché lo è. Non ho ancora ascoltato il disco, che è uscito oggi (10 aprile 2026) ma solamente i due singoli, tra cui questa “Den”.

Per ora la mia impressione è che le nevrosi degli Sprints e il minimalismo dei DITZ si fondano in un’unica scarica elettrica. Un connubio che promette scintille.

Animaux Formidables - Just A Monday - 01:10:41 da We Are All Animals/LP 2023/Go Down Records/Listen and buy on Bandcamp

Mr. e Mrs. Formidable celano le proprie identità dietro maschere di lattice a forma di gatto fin dal 2022.

Nel 2023 hanno pubblicato l'album We Are All Animals per Go Down Records, con la produzione di Marco Fasolo. Il loro è un garage-fuzz ridotto all'osso, in cui il corpo a corpo tra percussioni, chitarra e voce sfronda e asciuga influenze glam, blues e rock 'n' roll. Un po’ come filtrare gli Arctic Monkeys con un effetto White Stripes.

Nello stesso anno partecipano anche a X-Factor, dove vengono eliminati al primo live ma rimangono nel cuore di Morgan.

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Perché Dry è un album crudo, sia dal punto di vista dei suoni che delle parole. Registrato nello studio The Icehouse di Yeovil, nel Somerset (cuore dell’Inghilterra rurale), insieme al batterista Rob Ellis e al bassista Steve Vaughan, si muove su un rock bluesato spigoloso e potente dove gli spazi tra gli strumenti sono ampi e la dinamica è guidata dall'interazione tra la chitarra aggressiva di Polly e il ritmo incalzante di Ellis.

In tutto il disco c’è una tensione palpabile, come se la ragazza sapesse che questa potrebbe essere la sua unica possibilità e ne sentisse tutto il peso e l’ingombro¹. Questa urgenza anima ogni traccia. Non c'è spazio per le esitazioni: ogni accordo di chitarra è un macigno, ogni rullante colpisce come una frusta.

La critica non è potuta rimanere indifferente. Mentre le radio faticano a digerire questa "indigestione sonora" (così la definisce la stessa Harvey in un'intervista alla BBC)², riviste come NME e Melody Maker hanno capito immediatamente di avere di fronte un fenomeno. NME scrive che Polly "scava questi suoni dal pozzo della sua anima sezionata"³, riconoscendo in lei una voce che unisce seduzione e ferita, lustro e disperazione.

E mentre il disco riscuote il meritato successo, l'etichetta Too Pure ha pubblicato anche Dry-Demos, offrendo al pubblico la rara opportunità di ascoltare la genesi grezza di questi brani accanto alle versioni definitive.

Oggi, 30 marzo 1992, il rock ha un nuovo nome. E quel nome è PJ Harvey.

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Note

Come rivelerà anni dopo a Filter Magazine, in questo momento sente il peso della storia: «Dry è la prima occasione che ho avuto di fare un disco e pensavo sarebbe stata l'ultima».

Rolling Stone in questo articolo cita l’intervista alla BBC del 1992 in cui PJ Harvey definisce la sua musica «indigesta».

Moonstone | Kæry Ann | LP 2026 | Dark-folk, Doom-gaze | Listen/buy on Bandcamp

Il nuovo album di Kæry Ann, al secolo Erika Azzini, abita la frattura tra il vuoto che preme sulle tempie e la pretesa di non piegarsi. Non ci sono consigli né tantomeno cure miracolose tra queste tracce. C’è invece il bisogno implacabile di salvare un briciolo di pietà mentre fuori tutto ringhia.

L’opera si apre con “Puritatem Tuam Interiorem Serva”, un’invocazione solenne cantata in latino che stabilisce immediatamente il tono sacrale del disco, come se l’ascoltatore fosse chiamato a condividere un rito di protezione. Da questa soglia si scivola direttamente nell’asfalto desolato di “The Road”, esplicito omaggio alla distopia di Cormac McCarthy, dove il cammino – non più una redenzione – diventa la condizione necessaria di chi ha scelto di muoversi tra le ceneri, portando il fuoco in un paesaggio dove ogni punto di riferimento è stato cancellato.

A livello sonoro, questa resistenza si traduce in una bolla di psichedelia oscura e doom-gaze. Non è un’oscurità fine a sé stessa: usa frequenze basse e distorsioni per isolarsi dal “rumore” di una società svuotata di senso. Un approccio che ricorda da vicino la Chelsea Wolfe di Abyss o Hiss Spun, dove il peso del suono serve a proteggere la fragilità della voce. Qui, il “Resto” di umanità è proprio quel canto che resta pulito, che non si lascia saturare dal muro di suono circostante.

Dentro Moonstone rivive anche il mito di Ero e Leandro (“Hero and Leander”), ma senza il romanticismo da cartolina. Leandro che sfida le acque nere dell’Ellesponto è l’immagine perfetta dell’individuo che attraversa il mare della crudeltà – una massa cieca, fredda e affamata che è metafora della desolazione etica contemporanea – per non rinunciare al proprio valore morale. Ma è proprio l’oscurità assoluta dell’acqua a dare significato alla fragile lanterna di Ero.

La morale che ne possiamo ricavare non è consolatoria. L’umanità non si salva nei momenti di gloria, ma nella bellezza ostinata di chi sceglie di “portare il fuoco” e restare saldo nella propria essenza, anche quando non c’è alcuna certezza che qualcuno, dall’altra parte del mare o della strada, stia guardando la nostra lanterna. Essere umani, in fondo, è proprio questo: continuare a nuotare nonostante tutto.

ZIST | Professional Quitter | LP 2025 | Dark-folk, Gritty-blues | Listen/buy on Bandcamp

Nelle parabole di Zhuangzi, un classico del pensiero cinese, si trova una critica feroce alla “misura fissa”. C’è una storia famosa che riguarda due imperatori che vogliono “aiutare” il loro amico Hundun (il Caos), il quale non ha i sette orifizi (occhi, orecchie, bocca, naso e non vado oltre). Quindi hanno la brillante idea di scavargli ogni giorno un buco per renderlo "normale". Al settimo giorno, Hundun muore inaspettatamente.

La morale: Cercare di imporre una forma standard a ciò che è naturalmente diverso porta alla distruzione della vita stessa.

A soli due mesi dall’esordio con Noianoiser, Riccardo Prianti aka ZIST torna con Professional Quitter, un’opera che consolida la sua estetica dell’imperfezione.

Il manifesto esistenziale del disco – pubblicato nel dicembre 2025 da una cordata di etichette indipendenti tra cui Hvergelmir, Cruel Records e Almost Halloween Time – è il seguente: essere un “rinunciatario professionista” non è un atto di pigrizia, ma di resistenza. Se la leggenda del blues Robert Johnson andò al crocevia per vendere l’anima al diavolo in cambio di un talento sovrumano, ZIST sembra aver compiuto il percorso inverso. Il suo “crossroad” è il punto in cui si accetta la perdita totale. Mentre Johnson cercava la perfezione attraverso il soprannaturale, Prianti cerca la verità attraverso il difetto, trasformando il patto faustiano in una tregua con la condizione di essere umani.

Registrato in solitaria al Cruel House Studio, il disco è un ibrido tra il dark-folk del suo predecessore e un blues catramoso che esplora la paranoia e il decadimento. La forza del disco risiede nei contrasti timbrici: in “Moon”, la natura rurale del banjo collide con le psicosi moderne, un po’ come sentire un canto popolare del secolo scorso che, improvvisamente, inizia a delirare di droga e solitudine moderna. Mentre l’uso del theremin (Punk Xerox) e delle congas (Elia Lazzerini) aggiunge strati psichedelici e alieni.

L’album ha anche delle accelerazioni, come in “Eye”, il cuore punk del lavoro, dove il tema della sorveglianza diventa un mantra soffocante. Al contrario, “Hotel” si muove in atmosfere più sospese e decadenti, descrivendo la marginalità con un crudo realismo che ricorda il lato più distaccato di Lou Reed (“Waiting For My Man”).

Come in un diario di bordo nichilista che sintetizza lo stato mentale di chi è escluso dai ritmi della performance moderna, ZIST non cerca metafore complesse, preferendo la vulnerabilità di una voce che a tratti si spezza sotto il peso del racconto.

Professional Quitter è un ascolto che le canta chiare, fatto di fruscii e distorsioni, ma è proprio in questo rumore che risiede la sua vitalità. ZIST invita l’ascoltatore a smettere di giocare secondo regole altrui e ad abbracciare la propria imperfezione.

Questo disco è ruggine purissima sulla perfezione posticcia.

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Da oltre un decennio Bandcamp è un’anomalia del mercato, una specie di comune hippie digitale dove la musica conta più dei dividendi e l’interfaccia sembra rimasta ferma, con un certo fascino testardo, all’epoca dei modem 56k. L’arrivo di Songtradr, dopo un iniziale “cessato allarme”, sta cominciando a mescolare le carte in tavola. Non siamo certo davanti al funerale del modello direct-to-fan, quanto piuttosto a un aggiornamento software forzato, uno di quelli che ti cambiano all’improvviso le impostazioni ormai familiari, costringendoti a fare uso di una discreta scorta di pragmatismo per non finire a lanciare il router fuori dalla finestra.

Songtradr, nota piattaforma di Licensing che per questo motivo ha completato l’acquisizione di Bandcamp nel 2023, ha cominciato decisamente bene. I Bandcamp Clubs ne sono l’esempio perfetto. La piattaforma cerca di creare un legame reale con i suoi utenti, che non sia un sottoprodotto dell’algoritmo ma una scelta consapevole: quella di far parte di un’élite disposta a pagare un canone per il privilegio dell’esclusività. È il tentativo di trasformare l’acquisto in un rito d’ingresso, puntando sulla fidelizzazione in un’epoca in cui il cloud è diventato una discarica a cielo aperto di contenuti gratuiti.

Dopotutto, niente solletica l’ego del collezionista quanto poter dire: “Io questo album ce l’ho e tu no”. In questo scenario, Bandcamp prova ancora a fare da ponte verso il futuro.

Le playlist curate dagli utenti, intanto, resistono come uno degli ultimi avamposti del gusto umano contro la dittatura dei codici. Sono piccole ancore di salvezza organica in un mare di suggerimenti automatizzati che spesso confondono il “simile” con l’”identico”.

L’ultima “mancia”: cronaca di un addio

L’obbligo di passare a Stripe come unico garante dei pagamenti entro quest’anno rappresenta il vero spartiacque tra l’era dell’idealismo romantico e quella dell’efficienza economica. Da un lato, unificare i pagamenti serve a rendere gli incassi più rapidi e a evitare che i guadagni degli artisti si perdano nei meandri di sistemi di pagamento obsoleti o incompatibili. Dall’altro, però, introduce una dose di realismo burocratico che stona con l’idea della musica come atto di pura libertà.

L’implementazione si avvia alla conclusione proprio in queste settimane di febbraio 2026. Sebbene la standardizzazione prometta una stabilità inedita, la richiesta di verifiche d’identità così puntigliose ha un retrogusto agrodolce che può spaventare i meno avvezzi alle scartoffie. Immaginati un collettivo vaporwave che, nel tentativo di convalidare il proprio account “aziendale”, sia costretto a fornire una tale mole di documenti da far sembrare la richiesta di un mutuo una passeggiata in centro.

La rimozione di PayPal non è un semplice dettaglio tecnico, ma una scelta dal peso simbolico enorme. Per anni, PayPal ha rappresentato la transazione “da amici”, lo strumento veloce e quasi informale per sostenere un progetto dal basso. Sostituirlo con Stripe significa imporre all’artista il linguaggio giuridico fatto delle compliance (conformità a leggi e regolamenti finanziari) di un sistema, anzi di un’infrastruttura di pagamento professionale.

È la fine dell’era in cui bastava un’email e tanta speranza: oggi, per vendere un EP ambient di dodici minuti, serve una trasparenza fiscale che farebbe sudare un revisore dei conti della Silicon Valley.

Ti sembra un’esagerazione?

Certamente l’adozione di Stripe non trasforma legalmente gli artisti in multinazionali – non serve un consiglio di amministrazione per pubblicare un brano lo-fi – ma sposta radicalmente il piano dell’interazione. La differenza fondamentale risiede nei protocolli di verifica. Mentre PayPal spesso chiudeva un occhio (o entrambi) finché le cifre restavano modeste, il nuovo sistema, per sua natura e per le maglie sempre più strette delle normative antiriciclaggio del 2026, richiede una trasparenza capillare. Anche se ti registri come “Individual” (persona fisica), la piattaforma pretende: dati fiscali precisi e verificati, documentazione d’identità che non ammette pseudonimi artistici e una tracciabilità dei flussi senza approssimazioni. In breve: non sei un’azienda per il fisco, ma lo sei per il software. Il sistema ti tratta come un venditore professionale, con tutto il carico di responsabilità e precisione che ne consegue.

Questa ipotesi di lavoro porterà a una selezione naturale degli artisti “più strutturati”, con il rischio però di rendere il sottobosco creativo un po’ troppo simile a un distretto finanziario in miniatura. Non è che Songtradr voglia bandire i sognatori, però sta alzando l’asticella dell’ingresso tecnico. L’artista che viveva Bandcamp come un hobby si trova oggi davanti a una montagna di scartoffie digitali. Molti “bedroom producers” potrebbero percepire questo passaggio come una violenza alla loro estetica punk o disorganizzata. Ma, ironia del progresso, per difendere la loro indipendenza artistica dovranno sottomettersi a una dipendenza burocratica da un gatekeeper finanziario.

Forse, nella visione di Songtradr, questo è il prezzo necessario per garantire la sopravvivenza della piattaforma in un mercato che non perdona le incertezze contabili. Resta da capire se, in questa pulizia dei processi, non si finisca per spazzare via anche quella polvere magica fatta di improvvisazione e irregolarità che ha reso Bandcamp un posto speciale.

Geografie del silenzio

C’è poi la questione della copertura geografica, che apre interrogativi profondi sulla reale natura “globale” della musica indipendente a passaggio avvenuto. Se a Londra, Berlino o Milano l’ingranaggio è oliato dalla consuetudine, nelle “terre di mezzo” la situazione si tinge di una fastidiosa incertezza. Esistono molti luoghi, dall’Uruguay a diverse nazioni dell’Europa orientale, dove Stripe opera con limitazioni o non permette affatto l’incasso sui conti locali. Per gli artisti di questi Paesi, la promessa di un mercato mondiale rischia di scontrarsi con un disguido burocratico che appare insormontabile.1

È un paradosso squisito: la musica viaggia alla velocità della luce attraverso i cavi in fibra ottica, superando ogni barriera fisica, ma i soldi si fermano alla frontiera perché la geografia del rischio non coincide ancora con la geografia del talento. Ovviamente Bandcamp ha offerto rassicurazioni, parlando di un’espansione del supporto e di deroghe temporanee, ma se la luce di Oakland smettesse di illuminare i territori più remoti, oltre che economica la perdita sarebbe anche culturale.

Di sicuro Stripe opererebbe ovunque se potesse. Il loro modello di business si basa sulle commissioni di transazione, e quindi ogni mercato escluso (come gran parte dell'Africa, del Sud-est asiatico o ampie zone dell'America Latina) rappresenta miliardi di dollari di volume d'affari perso. In questo senso, l'esclusione è un limite alla loro crescita globale. Però in questi territori Stripe non può garantire i rigorosi standard di conformità KYC (Know Your Customer) e AML (Anti-Money Laundering) richiesti dai regolatori internazionali. In molte di queste nazioni, la frammentazione del sistema bancario locale e l'assenza di database governativi digitalizzati rendono troppo elevato il rischio di frodi o sanzioni per la piattaforma. E quindi restano fuori.

Suona la chitarra, Sam

Nel gennaio di quest’anno, Bandcamp è scesa in prima linea a difesa della missione originale del sito, dichiarando guerra alla musica creata “interamente o in parte sostanziale” tramite intelligenza artificiale. La mossa, annunciata con il post “Keeping Bandcamp Human”, mira chiaramente a proteggere il legame diretto artista-fan, e si distingue da giganti come Spotify o Deezer che, pur combattendo lo “slop” (il contenuto spazzatura), non hanno imposto un divieto così netto sulla genesi di un brano. È una mossa che parla al cuore dei fan, garantendo che dietro ogni file acquistato ci sia l’intenzione di un essere umano. Tuttavia, anche questa scelta porta con sé zone d’ombra non trascurabili.

Il sistema di segnalazione affidato alla comunità – una sorta di vigilanza di quartiere armata di tastiera – potrebbe scivolare verso un clima di sospetto paranoico. Chi oggi sperimenta con sintesi granulari, processi digitali complessi o algoritmi di propria invenzione potrebbe finire tra le grinfie di una moderazione che fatica a distinguere l’uso creativo della tecnologia dalla generazione automatica. Non è un’eresia temere il rischio di una caccia alle streghe digitale dove il solo fatto di non aver registrato una chitarra acustica in un bosco ti rende sospetto di collaborazionismo con le macchine. La speranza è che la piattaforma sappia trasformare questi strumenti in una risorsa di tutela, anziché in una mannaia che si abbatte sulla ricerca sonora più audace.2

I Venerdì della Resistenza

In questo panorama di riforme strutturali e nuovi filtri, restano fermi alcuni rituali che mantengono viva l’anima della piattaforma. I Bandcamp Fridays sono tornati per il 2026 con un calendario di otto date (6 febbraio, 6 marzo, 1 maggio, 7 agosto, 4 settembre, 2 ottobre, 6 novembre e 4 dicembre). Questi momenti che, nel corso degli anni, hanno iniettato oltre 154 milioni di dollari direttamente nelle tasche degli artisti, restano l’ultimo baluardo di una filosofia che mette il guadagno del creatore davanti alla commissione aziendale.

Sono un piccolo miracolo di redistribuzione che resiste nonostante i cambi di proprietà e – insieme a club curati come “The Hard Stuff” – rappresentano la prova provata che esiste ancora spazio per un mercato dal volto umano, o almeno per un mercato che si ricordi di radersi ogni tanto. La partecipazione massiccia a queste giornate è la dimostrazione che il pubblico non cerca solo “contenuti”, ma una connessione reale, un modo per dire: “Ci sono anche io, e voglio che tu possa continuare a registrare”.

Nonostante i piloni di Bandcamp sembrino ora costruiti con un cemento molto più rigido e decisamente meno poetico, il 2026 non sarà l’anno di un crollo, ma quello di una prova di maturità necessaria e, a tratti, dolorosa. La stabilità garantita da Songtradr ha un costo che si misura in termini di burocrazia e standardizzazione, ma offre anche la possibilità di consolidare strumenti che altrimenti sarebbero rimasti fragili e soggetti alle intemperie del mercato. Il mosaico di Bandcamp si sta ricomponendo con colori diversi: forse meno vivaci, certamente più definiti e controllati.

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🇬🇧 Translated by a machine 🤖

“It can’t rain all the time,” Brandon Lee whispered in 1994 under a pouring rain. Today, in the vicinity of Oakland, that omen of hope seems to have flipped: this time, it is the sun that cannot shine forever.

For over a decade, Bandcamp has been a market anomaly—a sort of digital hippie commune where music matters more than dividends and the interface remains stubbornly stuck, with a certain charm, in the era of 56k modems. The arrival of Songtradr, after an initial “all-clear,” is beginning to shuffle the deck. This is certainly not the funeral of the direct-to-fan model, but rather a forced software update—one of those that suddenly changes your familiar settings, forcing you to use a fair amount of pragmatism to keep from throwing your router out the window.

Songtradr, the well-known licensing platform that completed the acquisition of Bandcamp for this reason, has started strong. Bandcamp Clubs are the perfect example. The platform seeks to create a real bond with its users that is not a byproduct of an algorithm but a conscious choice: to be part of an elite willing to pay a fee for the privilege of exclusivity. It is an attempt to turn a purchase into an introductory rite, focusing on loyalty in an era where the cloud has become an open-air landfill of free content. After all, nothing tickles a collector’s ego like being able to say, “I have this album and you don’t.” In this scenario, Bandcamp still tries to act as a bridge to the future. Meanwhile, user-curated playlists persist as one of the last outposts of human taste against the dictatorship of code.

The Last “Tip”: Chronicle of a Farewell

The mandatory transition to Stripe as the sole payment guarantor by this year represents the true watershed between the era of romantic idealism and that of economic efficiency. On one hand, unifying payments serves to make collections faster and prevents artist earnings from getting lost in the labyrinth of obsolete or incompatible payment systems. On the other hand, however, it introduces a dose of bureaucratic realism that clashes with the idea of music as an act of pure freedom.

Implementation is nearing completion in these very weeks of February 2026. While standardization promises unprecedented stability, the requirement for such fastidious identity verification has a bittersweet aftertaste that may scare those less accustomed to paperwork. Imagine a vaporwave collective forced to provide such a mountain of documents to validate their “business” account that applying for a mortgage would seem like a walk in the park.

The removal of PayPal is not a mere technical detail, but a choice of enormous symbolic weight. For years, PayPal represented the “friends and family” transaction—the fast, almost informal tool for supporting grassroots projects. Replacing it with Stripe means imposing the legal language of compliance upon the artist within a professional payment infrastructure.

The era of needing only an email and a dream is over: today, to sell a twelve-minute ambient EP, you need a level of fiscal transparency that would make a Silicon Valley auditor break a sweat.

Is this an exaggeration?

Certainly, the adoption of Stripe does not legally transform artists into multinational corporations—you don’t need a board of directors to release a lo-fi track—but it radically shifts the plane of interaction. The fundamental difference lies in the verification protocols. While PayPal often turned a blind eye (or both) as long as the figures remained modest, the new system—by its nature and the tightening grip of 2026 anti-money laundering regulations—demands granular transparency. Even if you register as an “Individual,” the platform requires: precise and verified tax data, identity documentation that allows no room for artistic pseudonyms, and a traceability of flows without approximation. In short: you may not be a company to the tax authorities, but you are to the software. The system treats you as a professional seller, with all the accompanying burden of responsibility and precision.

This working hypothesis will lead to a natural selection of “more structured” artists, carrying the risk of making the creative underground look a bit too much like a miniature financial district. It isn’t that Songtradr wants to ban dreamers, but it is raising the bar for technical entry. The artist who viewed Bandcamp as a Sunday hobby now faces a mountain of digital paperwork. Many “bedroom producers” may perceive this transition as a violation of their punk or disorganized aesthetic. Yet, in an irony of progress, to defend their artistic independence, they must submit to a bureaucratic dependence on a financial gatekeeper. Perhaps, in Songtradr’s vision, this is the necessary price to ensure the platform’s survival in a market that does not forgive accounting uncertainties. It remains to be seen whether, in this streamlining of processes, we might end up sweeping away that magic dust made of improvisation and irregularity that made Bandcamp a special place.

Geographies of Silence

Then there is the issue of geographical coverage, which raises profound questions about the truly “global” nature of independent music now that the transition is complete. While the gears are greased by custom in London, Berlin, or Milan, the situation in the “middle lands” is tinged with a nagging uncertainty. Many places, from Uruguay to several Eastern European nations, exist where Stripe operates with limitations or does not allow payouts to local accounts at all. For artists in these countries, the promise of a global market risks colliding with a bureaucratic glitch that appears insurmountable. It is an exquisite paradox: music travels at the speed of light through fiber optic cables, surmounting every physical barrier, but the money stops at the border because the geography of risk does not yet coincide with the geography of talent. Bandcamp has offered reassurances, speaking of expanded support and temporary waivers, but if the light from Oakland stops illuminating the most remote territories, the loss would be cultural as much as economic.

Stripe would surely operate everywhere if it could; their business model relies on transaction fees. Every excluded market represents billions of dollars in lost business volume. In this sense, exclusion is a limit to their own global growth. However, in these territories, Stripe cannot guarantee the rigorous KYC (Know Your Customer) and AML (Anti-Money Laundering) compliance standards required by international regulators. In many of these nations, the fragmentation of the local banking system and the absence of digitized government databases make the risk of fraud or sanctions too high for the platform. And so, they remain outside.

Play the Guitar, Sam

In January of this year, Bandcamp stepped onto the front lines to defend the site’s original mission, declaring war on music created “entirely or in substantial part” via artificial intelligence. The move, announced with the post “Keeping Bandcamp Human,” clearly aims to protect the direct artist-fan connection. It distinguishes itself from giants like Spotify or Deezer which, while fighting “slop” (junk content), have not imposed such a stark ban on a track’s genesis. It is a move that speaks to the fans’ hearts, guaranteeing that behind every purchased file lies a human intention. However, even this choice brings with it non-negligible gray areas.

The reporting system entrusted to the community—a sort of neighborhood watch armed with keyboards—could slide toward a climate of paranoid suspicion. Those experimenting today with granular synthesis, complex digital processes, or their own invented algorithms might find themselves under the lens of a moderation system that struggles to distinguish creative use of technology from automated generation. It is no heresy to fear a digital witch hunt where the mere fact of not having recorded an acoustic guitar in a forest makes one suspect of collaborating with the machines. The hope is that the platform can transform these tools into a resource for protection, rather than a cleaver falling upon the most audacious sonic research.

Resistance Fridays

In this landscape of structural reforms and new filters, certain rituals remain steadfast, keeping the platform’s soul alive. Bandcamp Fridays have returned for 2026 with a calendar of eight dates, starting February 6th. These moments—which, over the years, have injected over $154 million directly into artists’ pockets—remain the last bastion of a philosophy that puts the creator’s earnings ahead of the corporate commission.

They are a small miracle of redistribution that persists despite changes in ownership and—alongside curated clubs like “The Hard Stuff”—represent living proof that there is still room for a market with a human face, or at least for a market that remembers to shave once in a while. The massive participation in these days is a demonstration that the public is not just looking for “content,” but for a real connection—a way of saying, “I am here too, and I want you to be able to keep recording.”

Il giorno prima di Pasqua, siamo andati al cinema con mia moglie e nostro figlio maggiore Gabriel a vedere Minecraft. Gabriel, che è un fan sfegatato, era ovviamente entusiasta. Io, da ammiratore di vecchia data di Jack Black, ero curioso, mentre mia moglie, inspiegabilmente, ha manifestato un interesse un po’ esagerato  per Jason Momoa (che, a parte gli scherzi, in questo film ha dimostrato le sue capacità in un ruolo per lui piuttosto insolito).

La trama, devo dire esilarante e avvincente nella sua estrema semplicità, ruota attorno al classico cliché del potente artefatto – che nel film è la “Sfera del Dominio” – conteso tra i buoni e i cattivi per decidere il destino di un universo in cui, e questo è ciò che mi ha incuriosito, la Sfera in realtà è un cubo, come del resto ogni cosa in quel mondo.

Cubi e sfere

Già durante la proiezione mi chiedevo perché non solo i bambini, ma anche gli adolescenti e persino noi adulti avessimo accettato immediatamente che un cubo fosse una sfera, nonostante le proteste (una in realtà, per quanto accorata) di Jack Black. Nei giorni successivi, ho concluso che la ragione risiede in una forma di Relativismo Contestuale/Concettuale.

In pratica, è l’idea che la definizione di un concetto cambi a seconda del contesto in cui lo usiamo. Nel nostro mondo “reale”, un cubo è un cubo e una sfera è una sfera. Fine. Ma nel mondo cubico di Minecraft le regole per definire gli oggetti e i loro nomi sono diverse, per cui il fatto che un cubo sia una sfera non solo è accettabile, ma diventa “normale” quasi istantaneamente per chiunque entri in quel contesto.

Questo relativismo non vale solo per le figure geometriche, ma anche per i suoni.

Nel mondo piattaformato, per esempio, il concetto di musica è stato completamente ridefinito. L’idea che la musica sia un bene a noleggio basato sull’accesso continuo, istantaneo e pressoché infinito – e non un oggetto finito fatto per essere posseduto (un album fisico, dei file MP3 in una chiavetta USB o il biglietto per un concerto) – è ormai data per “scontata” in quel contesto. Qui, la percezione è diventata la realtà, e per uscirne mi sa che servirà una buona dose di pillole rosse.

E tu cosa ne pensi? Fammelo sapere nei commenti.

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