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Ricardo Cavolo es un ilustrador español conocido principalmente por sus murales y su participación en libros infantiles, aunque también ha diseñado carteles, publicado algunos libros de ilustraciones, incluso ha hecho algunas colaboraciones con celebridades como Macklemore y Ryan Lewis.

Ricardo Cavolo: exposición “The Change” en Londres.

La ilustración es su principal medio para contar historias, uno de los recursos más importantes que emplea es incluir en la piel de sus personajes tatuajes que aportan más información a modo de biografía; otro elemento característico, son las narices y pómulos rojos brillantes, los cuales, según el artista, aportan mucha vida a cada retrato.

Rojo

Sus ilustraciones narrativas pertenecen al estilo naïf; reconocido por los colores brillantes e intensos, así como las composiciones con muchas figuras y elementos simbólicos, creando un impacto visual de carácter agresivo y directo que le permitía transmitir sus mensajes con claridad.

Dicho estilo, proviene de los movimientos art brut y outsider art, los cuales tienen un origen bastante interesante.

El arte marginal, surgió en 1972, nombrado por Roger Cardinal, un crítico de arte, y luego llevado al inglés como Art brut por un artista francés llamado Jean Dubuffet, el cual hacía referencia a el desarrollo artístico que sucedía fuera de los límites de la cultura oficial, su trabajo se basaba principalmente en las obras que se llevaban a cabo en hospitales psiquiátricos, Dubuffet, junto con André Breton, comienza a reunir una colección de estas obras y a exponerlas y publicarlas, después de la Segunda Guerra Mundial,  para evitar que las obras no tuvieran una etiqueta de “arte de enfermos mentales”, afirmando que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan.

Obra de Adolf Wölfli, dibujante considerado como uno de los máximos exponentes del arte marginal, paciente del hospital psiquiátrico de Berna; 1910.

A diferencia del outsider art, el cual es de cierto modo una extensión al art brut, pero tienen el común denominador de que ambas desarrollan sus labor creativo sin tener contacto con instituciones artísticas, siguiendo más bien su motivación instintiva e improvisando con colores, materiales y técnicas. De aquí se deriva el arte naïf, el cual se refiere más a artistas autodidactas, caracterizado por la ingenuidad y espontaneidad con una perspectiva más intuitiva que correcta inspirada en el arte infantil y ajeno al aprendizaje académico.

Yo mismo: Retrato-Paisaje, de Henri Rousseau: autorretrato de cuerpo entero con un paisaje urbano de París como fondo de estilo naíf. (Rousseau afirmó haber inventado un nuevo género, el retrato-paisaje, que consistía en pintar un paisaje sobre el que se añadía el retrato de la persona.)

Estos movimientos son las principales referencias a las situaciones y al estilo presentes en la obra de Cavolo, podemos ver las historias plasmadas en la piel y rostros de sus personajes, gran parte de la vida diaria  representada con un estilo que se originó muchos años atrás pero transformándola a contextos actuales capaces de contar sin ningún texto una amplia historia con una gran profundidad.

Últimamente me he encontrado en momentos de terrible confrontación y reproches personales hacia mi actitud de dejar las cosas para último momento (procrastinar), así que para poder superar las crisis sin sentirme mal por “no hacer lo que tengo que hacer” con anticipación, me puse a investigar un poco acerca de esta acción.

Resultó que es algo bastante común, y que aparentemente hay distintos niveles en las distintas personalidades. Por ejemplo, algunos tienen buenas ideas pero no las llevan a cabo por pereza mental o física, otros saben lo que tienen que hacer y, sin embargo, lo van posponiendo hasta que llega la fecha límite, si es que la hay, otros tienen síntomas de indecisión y pueden pasar horas o incluso días buscando la manera de llegar a lo que quieren, si es que saben bien cómo, hay otros que son la mezcla de los anteriores o derivados de los mismos.

Así que buscando casos específicos, me encontré casualmente con un libro llamado “El arte de la procrastinación” de John N. Perry, que explica cómo funciona el proceso y de cierto modo el funcionamiento de la mente de estas personas.

En cierta parte habla de la racionalización, y cita al escritor Oscar Wilde, dice que el hombre es un animal racional que tiende a perder el temperamento cuando tiene que actuar de acuerdo a las leyes de la razón; por contradictorio que suene, personalmente creo que es verdad, el ideal de un agente racional puede conllevar a la infelicidad sin sentido, esto no va en contra de hacer lo que crees que es mejor o de lidiar con tus deberes o cumplir tus deseos; sin embargo no es la manera en que muchos de nosotros operamos y eso no quiere decir que estemos haciendo las cosas mal y tampoco es razón para sentirnos desesperados o avergonzados.

Estai accidental investigación resultó adecuada para éste tema en particular, vi un video de un señor  llamado Tim Urban, el cual también menciona las consecuencias y explicaciones “racionales” del tema… 

Y en videos relacionados encontraba temas como: “cómo multiplicar tu tiempo”, “una manera de romper un hábito malo”, “cómo terminar con la procrastinación”, etc. esto me hizo pensar en que normalmente vemos mal el hecho de dejar las cosas al último y es entendible porque, es horrible el estrés que nos causan las fechas límites y no cumplir con las cosas como se nos piden;  sin embargo, el punto al que quiero llegar es que hay que llegar a poder convivir, sin sentirnos culpables o desesperados, con nuestro defecto de postergar nuestras actividades, regresar un poco a usar más nuestros instintos y de vez en cuando, menos nuestra racionalización.

No estoy justificando el hecho de que puede llegar a ser un problema, y puede llevarnos a ser  seres humanos no efectivos pero como John M. Perry dijo en su libro: 

En México no todo el tiempo nos enteramos de aquellos artistas visuales tan particulares y peculiares en nuestra cultura por eso se le debe de dar más crédito a las nuevas maneras de ver el mundo desde un punto artístico. Nuestro país esta lleno de todo tipo de detalles creativos que nos vuelven la cultura que somos. Existe desde el típico folclore mexicano, que aún así no deja de inspirar a tantos artistas contemporáneos de distintos lugares, hasta el pensamiento moderno del diseño.

           Jeronimo Lopez Ramirez, comúnmente conocido como Dr. Lakra, es un tatuador y artista originario de Oaxaca, Oaxaca. Además de que es hijo del  la gran leyenda artística visual que es Francisco Toledo y la poeta y antropóloga Elisa Ramirez. Tiene dos hermanas que también se encuentran en el ambiente artístico, la poeta Natalia Toledo y la artista Laurena Toledo.

           Habiendo crecido en un ambiente lleno de todo tipo de arte desde su papá como uno de los mejores pintores mexicanos, para el no es nada extraña la comunidad de arte del país. Otra gran influencia a su trabajo es el hecho de que proviene de un estado tan sustentador en el área en la que se mueve, ya que en Oaxaca hay mucha cultura de expresión y de creación. Es un estado lleno de colores, culturas mezcladas para hacer una, de comida, indígenas y cosas por aprender.

           “…trata de transmitir una estética que fluctúa entre la influencia prehispánica, de oriente y de las pandillas urbanas pero que además interviene piel,  muñecas, imágenes de luchadores o las fotografías publicadas de modelos de los años cincuenta de revistas mexicanas.” www.sopitas.com

           Con el tiempo encontró una manera de crear un estilo propio en el que combino dos de sus mayores pasiones: la ilustración con los tatuajes. Su tipo de obras son objetos o imágenes de viejas revistas mexicanas de los años cincuenta en el cual les pone por encima diseños de tatuajes. Se dedica a coleccionar varios objetos como: muñequitos, esculturas, imágenes, todo proveniente de mercados, tianguis y ventas de garaje de todo el mundo. Lo que hace es una intervención de dos mundos y dos tiempo diferentes que lo lleva a crear una nueva cosa. La unión de las imágenes mexicanas con un diseño de tatuaje por encima de los cuerpos le da una esencia nacional.

           Su mismo nombre que usa en este ámbito, Dr. Lakra, es una combinación de dos palabras muy diferentes. Primero se tiene el doctor que es una persona honorable, buena y trabajadora. Para luego tener Lakra, que en nuestro país se usa para las personas malas sin buenas intenciones.

           Sus mayores trabajos se han exhibido internacionalmente en lugares como MACO en México, Andrew Kreps Gallery en Nueva York, en el Tate Modern de Londres y The Drawing Center en Nueva York. Además de que también ha expuesto en Berlín, Madrid, Chicago, Los Ángeles, Yokohama, y entre otros. También trabajo en el diseño de la botella Absolut para conmemorar a México.

En nuestra vida diaria siempre vemos a todo tipo de personas: altos, chaparros, negros, blancos, mujeres, hombres, niños, flacos, gordos; hay de todo. Sabemos que cada uno de nosotros es particular y especial a las otras personas, pero pensando que cada uno es diferente: ¿será que le damos la cierta importancia a la singularidad de nuestros aspectos en los medios?

           Los medios, siendo la publicidad, películas o carteles, siempre han reflejando como es la sociedad, por más que queramos negarlo nos han formado inconscientemente ciertos prejuicios. Tal vez no somos tan conscientes de cada pequeño aspecto que nos identifica y nos diferencia como individuos de las demás personas, pero aun así sabemos que del norte al sur y del este al oeste del mundo hay tantos elementos similares y diversos entre si.

           La mayoría de estos problemas de representación de la sociedad, de manera equitativa y realista a la humanidad, es bastante grande, ya que muchas veces no se ven gente de diversas razas, colores o físicos representados como se deben o ni si quiera se ven presentes de manera regular.

              "Yo trabajo en la industria del entretenimiento, y la falta de diversidad es alucinante" Sadeeq Ali , estudiante de universidad, dijo. "Shonda Rhimes, escritora y creadora de Grey’s Anatomy, se le dio un premio por ser "ciega al color" en sus decisiones de castings. El mero hecho de que un premio por esto se lleve a cabo es indicativo de qué tan gran problema  es esto" . (1)

           Es realmente triste saber que hay una gran falta de diversidad en razas incorporadas, tan así que cuando existe se reciben premios por haber incluido a minorías sociales, como son los negros, latinoamericanos o simplemente gente de color. Claro que a esta categoría también hay gente reprimida para aparecer en la publicidad por su orientación sexual, género, religión o peso.

           Todo esto nos lleva a representarlos de tal manera que o no es variada o es ofensiva, lo cual normalmente esta basado en estereotipos superficiales que llevamos años combatiendo pero al mismo tiempo alimentando. (IMAGEN)

           De acuerdo a la Academia de Cine de Nueva York, solo el 12.4% de personaje hablantes del 2007-2012 de las 500 mejores películas taquilleras fueron retratados por gente negra, cuando el 75.8% fueron actores blancos. No solo se limita al color, sino que conforme al género solo 30.8% de los personajes hablantes fueron mujeres en películas del 2007-2012.

           Es muy fácil decir que la diversidad de representación no importa cuando se tiene, por lo cual ni nos damos cuenta que hay gente que no se llega a incorporar a los medios. Por eso para la gente que si es representada es más simple no darle importancia y tomarlo por concedido. Esto nos da a entender la poca falta de conciencia social que existe y que sin darnos cuenta la aceptamos.

           Al no representar los distintos tipos de personas hay historias de las cuales no nos enteramos lo cual afecta como percibimos el mundo. Pero al contrario si le damos equidad de participación a minorías pueden llegar a ayudar a la discriminación que tristemente sigue existiendo en todos los ámbitos.

           Es importante no solo entenderlo primero, sino que poco a poco concientizarnos sobre el impacto que tiene para crear modelos a seguir con los cuales se identifique la gente de manera cultural, racial y sexual; y romper con los estándares establecidos y retratados. Se puede pensar que no hay que tomar tan en cuenta a los medios como para dejar que nos afecten, pero la realidad es que sí nos moldean. Por lo que es necesario tener personajes e imágenes con las cual nos podamos identificar; es parte de entender quienes somos como sociedad.

           No se trata de poner a cierto grupo, el cual normalmente se ve socialmente marginado, por lo alto como si fuera más que los demás o hasta volverlo víctima de la sociedad. Sino de entender que no todos llegan a tener ciertos privilegios sociales de nacimiento, los cuales los medios y la sociedad los tiende a enaltecer, por lo que sin darnos cuenta ponemos por debajo a gente considerada “diferente”. Esto también habla de la importante consciencia que debemos de tener hacia los demás.

Fuentes:

Joan Alexandra Molinsky —conocida posteriormente como Joan Rivers— nació en el año 1933, en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos. Hija de Beatrice y Meyer C. Molinsky, desciende de familia rusa judía. Asistió al Connecticut College, entre 1950 y 1952, y se graduó de Bernard College, en 1954, con un título en Inglés y Antropología.

En 1959 Joan hizo su debut en una producción Off-Broadway (es decir, una obra llevada a cabo en Nueva York, pero independiente del concepto de Broadway) de Driftwood, donde hizo el papel de una mujer lesbiana y compartió escena con Barbra Streisand. El espectáculo estuvo en cartelera durante seis semanas. En los años 1960, empezó a trabajar como comediante en vivo en clubes nocturnos del área de Greenwich Village, Nueva York, entre ellos The Bitter End y The Gaslight Cafe. Pero no creo popularidad hasta que se convirtió en invitada regular del programa Tonight Show tras su primera aparición en 1965. Esto llevó a que le dieran sus propios programas como: That Show with Joan Rivers (1968), su primer talk show, al que le siguieron Late Show Starring Joan Rivers(1986-87) y The Joan Rivers Show (1989-94).

Uno de sus programas tuvo problemas en 1986 cuando la cadena Fox Network anunció a mediados de ese año que Rivers emitiría su programa The Late Show Starring Joan Rivers a la misma hora que el de su colega Johnny Carson (The Tonight Show), con quien había mantenido una longeva amistad. En su programa, Carson manifestó sentirse defraudado y traicionado por ella, a quien tachó de desagradecida. Por su parte, The Late Show Starring Joan Rivers resultó ser aún más angustioso para su presentadora, cuando le sugirió a los ejecutivos de Fox que ella y su esposo Edgar Rosenberg fueran los productores de la segunda temporada del ciclo y su petición le fue negada. Tres meses más tarde (el 15 de mayo de 1987), Rosenberg se suicidó en Filadelfia; su viuda culpó a los ejecutivos de Fox de haber sido la causa de la tragedia. La cadena intentó seguir con el programa titulándolo The Late Show y teniendo como anfitriones a una personalidad diferente cada semana.

Unos años después en 2008, emprendió una gira por Estados Unidos y Reino Unido con un unipersonal titulado Joan Rivers: A Work In Progress By A Life In Progress, donde relató su trayectoria y anécdotas. Un año despúes participó en la octava temporada del reality show conducido por Donald Trump The Apprentice, un show estelar en el que participan de 16 a 18 empresarios que compiten por 250.000 dólares y un contrato para dirigir una de las empresas de Donald Trump.

También fue una codiciosa coleccionista de joyas, gracias a ello lanzó su propia línea "The Joan Rivers Collection", y aficionada a la cirugía plástica, por lo que fue ridiculizada a menudo, tanto que en una entrevista, la humorista confesó que han sido tantas cirugías, que ya perdió la cuenta hace varios años y no sabe a ciencia cierta cuántas son.

Más tarde en agosto de 2009, la actriz presentó en la cadena estadounidense TV Land el reality show How'd You Get So Rich?  El programa, producido y creado por Mark Burnett, donde muestra cómo es la vida de los millonarios y cómo éstos lograron tener tanto dinero.

En septiembre del 2010 Joan condujo semanalmente el programa Fashion Police, emitido por el canal E! Entertainment Television, en el cual Rivers junto con otros conductores, donde criticaban la vestimenta usada por las celebridades en eventos públicos. Sus co-conductores fueron Giuliana Rancic (periodista y presentadora de E!), Kelly Osbourne (hija del cantante Ozzy Osbourne), George Kotsiopoulos (editor de revistas de moda, estilista y consultor de moda) y eventualmente aparecía su hija, Melissa Rivers.

                           Joan Rivers junto a sus co-conductores de Fashion Police.

El 4 de septiembre de 2014 lamentablemente Joan falleció en el Hospital Monte Sinaí en Manhattan después de serias complicaciones incluyendo paro cardíaco, las cuales sucedieron tras una cirugía de garganta en una clínica en Yorkville en el Upper East Side de Manhattan. Tras su fallecimiento, el martes 9 de septiembre, los teatros de Broadway le rindieron tributo apagando la luz de sus marquesinas por un minuto.

Referencias:

- "At Joan Rivers’s Memorial, Celebrities, Cameras and Crowds", New York Times, Sept. 7, 2014

- «Host Joan Rivers» (en inglés). Imdb.com. Consultado el 23 de marzo de 2010

- http://www.biografias.es/famosos/joan-rivers.html

Gregory Crewdson es un fotógrafo estadounidense famoso por sus imágenes surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos. De acuerdo a artículos y comentarios expresados a través de varios medios se ha ganado a pulso un puesto entre los grandes de la historia reciente de la fotografía.

Crewdson se dedica a hacer escenas ficticias que él diseña construyendo visualmente todas sus inquietudes y sensaciones. Él suele llamarlos momentos congelados, a aquellas imagenes que estan en su cabeza y siente que debe representar, y que usualmente nos transportan inmediatamente a escenarios de películas de terror o ciencia ficción. Hablando de películas, su estilo es profundamente cinematográfico lo que ha requerido del uso de presupuestos muy elevados y de equipo muy experimentado.

Este aclamado fotógrafo “dice haber estado siempre fascinado por la condición poética del crepúsculo y su poder de convertir lo ordinario en algo mágico y sobrenatural, algo que se evidencia en todas y cada una de sus fotografías, que se caracterizan por esas luces frías tan propias del anochecer combinadas con la luz artificial de vehículos, farolas, viviendas… y añadiendo toda clase de elementos recreados como la niebla o la lluvia.”

En mi opinión, a este hombre tal vez deberían dejar de llamarle fotógrafo y comenzar a llamarlo director fotográfico. Siendo alguien que trabaja a una escala de producción cinematográfica, y dirigiendo más que solamente tomando. De hecho, en un artículo acerca de cómo funcionan sus sets de trabajo se describe que usualmente no tiene que preocuparse por la cámara o cualquier otro detalle en particular sino “simplemente” de que todo esté exactamente como él lo ha imaginado, ayudado por gran equipo. “Habitualmente ni siquiera dispara él la foto, sino que suele hacerlo otro fotógrafo, como Daniel Karp.”

Para poder tomar este tipo de fotografías Crewdson utiliza cámaras de gran formato, iluminación empleada en los sets de filmación más elaborados, un equipo de completos profesionales que saben lo que están haciendo, modelos que cumplen con todas sus expectativas, y horas y horas de trabajo montando todos y cada uno de los detalles de la escena. Producciones hechas con recursos ilimitados y un presupuesto de más de ochenta mil dólares, para solamente una toma exitosa puede parecer una locura, pero pensando que Crewdson logra aprovecharlo todo al maximo y tener resultados tan increíbles se traduce en un éxito y perfección admirables.

Es importante saber que Crewdson utiliza todo este equipo para evitar los retoques en cualquier medio digital. Dispara en placas y así el uso de Photoshop, como lo pueden hacer otros grandes fotógrafos, se vuelve imposible.

Desde mi punto de vista lo que hace a Crewdson a uno de mis fotógrafos favoritos no son su presupuestos que se pasa del cielo, ni el hermoso aspecto técnico de sus tomas, sino más bien la carga de significados que logra encerrar en cada uno de los cuadros. Mientras que visualmente cubre sus escenas con humo, podemos decir también que existe un humo que no vemos pero que si logramos pasarlo se puede llegar a un discurso profundo. Capas que ocultan verdades, secretos y misterios que él ha elegido para cada uno de los encuadres. Y de aquí la importancia de la inquietante mente del autor, los recuerdos de infancia, sus miedos, sus enigmas, y todo aquellos que urge por salir y plasmarse en una escena.

Su padre es quien conforma gran parte de sus influencias e inspiraciones. Siendo psicoanalista, tenía su consultorio en el sótano del lugar en donde vivió Crewdson toda su infancia. Un lugar en donde se trataban diálogos independientes a la familia, pero que al mismo tiempo formaban parte de la casa. Crewdson dice que “los pisos de arriba eran el “Yo”, debajo, en el sótano, se alojaba “El Ello”. Dejando espacio para convivir de manera diaria con un subconsciente.

Citas de:

           (Coran 33:59) "¡Profeta! Di a tus esposas, a tus hijas y a las mujeres de los creyentes que se cubran con el manto. Es lo mejor para que se las distinga y no sean molestadas. Aláh es indulgente, misericordioso."

         Arabia Saudita es un país con una postura muy especial en cuanto a vestimenta femenina se refiere. Las mujeres musulmanas se ven obligadas a usar la burka, que es una tela de color obscuro que les cubre parte importante del rostro y largos vestidos que no permiten ver su cuerpo. Según los expertos en el Corán no está prescrito su uso como obligatorio, aunque se ha convertido más en una cuestión de tradición ya que las mujeres son fuertemente agredidas por salir a las calles mostrando alguna parte no permitida de sus cuerpos, por lo tanto, prefieren usarla.

        La palabra 'hiyab (burka)  se refiere a la preservación de la pureza: la de los creyentes frente a los no creyentes, la de las mujeres de Mahoma frente a sus invitados. Significa literalmente 'cortina'.

        El origen de la interpretación del uso del 'hiyab' se encuentra en el Corán y en principio señala una 'barrera' no entre un hombre y una mujer, sino entre dos hombres. Nació para proteger la intimidad del profeta Mahoma de terceras personas.

        No sólo las mujeres árabes hacen uso de éstas vestimentas, también son usadas por Artistas cuyos álbumes y material gráfico al llegar a tierras árabes son editadas con Photoshop y otros medios para no mostrar “de más” a sus fans, ya que muchas artistas recurren a provocativas portadas en sus discos para elevar sus ventas y éxito. De igual manera toda imagen considerada vulgar es censurada casi por completo.

        Las mujeres en éstos países deben cumplir con ciertas características, deben ser sumisas, recatadas, castas y no usar escotes ni siquiera en las piernas, se deben por completo a sus maridos y de ninguna manera es aceptable que sean vistas por ningún otro hombre. Entonces cuando llegan éste tipo de portadas de discos y películas causan un gran impacto y es ahí cuando las autoridades optan por editarlo.

        La mayoría de las ocasiones las ediciones son de pésima calidad dando como resultado Artworks que parecen una mala broma; telas obscuras, vestuario modificado y uso de los elementos presentes en el disco ,como la escenografía, son utilizados para tapar lo que más se pueda.

        Podría parecer algo gracioso e incluso ridículo, pero hay que tomar en cuenta que en éstos países las mujeres en la vida pública sufren una separación de sexos es evidente. Segregación en autobuses, en playas, en piscinas e incluso en celebraciones, las mujeres son regidas por sus esposos:

"El marido puede prohibir a la esposa el ejercicio de cualquier profesión o trabajo que vaya contra los intereses de la familia o de su dignidad, o de la de su esposa".

        Hay muchas cuestiones contradictorias dentro de las leyes Islámicas. Por ejemplo para evitar la prostitución se ha promovido el matrimonio temporal, que consiste en que se puedan contraer nupcias durante horas, meses o años con tal de poder realiza el “acto carnal” (sexo) con mujeres, en su mayoría vírgenes, sin cometer ningún pecado y de alguna manera legalizar las tentaciones.

        Las relaciones sexuales fuera del matrimonio están estrictamente prohibidas y son castigadas con prisión o multas, por lo tanto las leyes islámicas permiten que el hombre tenga hasta cuatro esposas y un número indefinido de esposas temporales.

        Es impresionante como la religión puede contribuir tanto a la distinción de género al grado de llegar a censurar la mercadotecnia de otros países. El censurar el cuerpo femenino de la portada de un álbum musical es algo que realmente suena muy bobo y que a la mayoría genera risa por un instante; pero sin duda alguna es una forma muy sutil de demostrarle al mundo las reglas que rigen a las verdaderas afectadas y buscar hacer conciencia de las situaciones que se viven en países extranjeros donde la mujer es una silla más del comedor.

Tener una pareja, conocer a tu “media naranja” o recibir amor incondicional es algo que todos queremos o hemos querido tener. ¿Pero porqué le damos tanto peso a esta idea? ¿De dónde viene esta búsqueda por tu “otra mitad”?.

Una alma gemela es una persona con la que sientes que tienes una conexión profunda y natural, ya sea romántica, amistosa, sexual o de confianza. Muchas personas consideran la búsqueda de esta “alma gemela” una meta de vida, sienten que si no lo consiguen nunca se sentirán completos, de ahi el término: “media naranja” u “otra mitad”.

Últimamente he estado pensando mucho en esto. ¿Será posible que le pongamos tanto peso a esto, que nunca estemos satisfechos con lo que conseguimos? ¿O que vemos a nuestra otra mitad y no la reconocemos por que teníamos una mayor expectativa? Por mucho tiempo he estado esperando a mi alma gemela, esa persona que me va aceptar tal cual como soy y que me hará sentirme como nunca, pero no ha servido de nada la espera.

Esperar que algo llegue es inútil, por que si te quedas esperando nunca puedes disfrutar lo que está pasando en el presente. En vez de esperar a que llegue esta persona para tener una cena romántica, o una caminata por el parque, o cualquier otra cosa que pienses que necesitas estar con esa persona para que sea divertido. ¿Porqué no hacer lo que quieras sólo o con amigos?

¿Porqué le damos tanto peso a esta persona única, perfecta y completamente idealizada en vez de tomar la iniciativa y disfrutar de todos los momentos que son inolvidables estés con quien estés? Ya es tiempo de que nos tratemos a nosotros mismos como si pudiéramos ser nuestra propia pareja, dejar de criticarnos constantemente, dejar de pensar demasiado en cualquier cosa que encontremos para distraernos del momento presente y empezar a disfrutar.

Hay que disfrutar de la vida, tan simple como suena. Tenemos una única oportunidad para vivir, para disfrutar de esta maravilla que nos tocó experimentar. Hay que darle más valor a una experiencia con amigos y a un viaje familiar que una promoción en el trabajo, hay que dejar de preocuparnos por lo que viene después y lo que pasó antes y voltear a ver lo que nos rodea en este momento.

¿Porqué preocuparnos de con quién queremos estar si tenemos esta increíble oportunidad para disfrutar y vivir lo que está pasando en este instante? Muchas personas consideran a la naturaleza como una creación perfecta, pero ¿no somos nosotros mismos naturaleza? Pensar en la poca probabilidad que tenemos de estar vivos en este momento (1 en 400,000,000,000) debería de incitarnos a cambiar, a mejorar y a ser la mejor persona que podamos.

Ser el mejor tú implica muchas cosas y una de ellas es amor propio, si dejamos de pensar con nuestro ego y los caprichos superficiales que tenemos, como ser ricos, tener un “cuerpazo", una casa enorme y un coche deportivo y empezamos a sentir lo que nuestro cuerpo necesita, nos daríamos cuenta de todo lo que necesitamos para ser felices es amor.

Hay muchos estudios que demuestran cómo al final de la vida todas las personas recuerdan las experiencias con amigos y familiares como lo mejor de su vida, que las gentes que tienen más amigos y conexiones profundas son mas felices que aquellas que acumulan un gran número bienes materiales. Entonces, por qué no decidimos relajarnos, disfrutar del momento que nos tocó vivir y nos consentimos y cuidamos. Tenemos mucho amor para dar y entre más demos más vamos a recibir.

Hoy en día, un gran porcentaje de mujeres, y algunos hombres aplican maquillaje diario con una simple razón, para lucir mejor. Los pigmentos, sean sutiles o notorios, pueden hacer gran diferencia, esconder rasgos que la sociedad reconoce como imperfectos para entonces cumplir con el estereotipo de belleza puesto por la misma.

Muchos critican la industria de los cosméticos por ser una industria millonaria, pero ya sea por vanidad, o por cualquier razón, pasar horas frente a un espejo arreglandose es un ritual de todos los días para millones de mujeres, ya sea para un día normal de trabajo, para un evento, o cualquier otra ocasión. ¿Pero como fue que empezamos a esconder la naturaleza de nuestra cara?

Todo se lo debemos a los egipcios. Ellos fueron los primeros en utilizar maquillaje, por la misma razón que hoy en día, las mujeres egipcias querían lucir lo mejor posible, pero no era para conquistar al compañero de trabajo, o para salir a ligar, ellas lo tomaban mucho mas en serio. Para lo que ellas se arreglaban era para impresionar a los dioses, sentían que su apariencia estaba ligada directamente a su valor espiritual, fue así como crearon los primeros cosméticos.

(Egipcios con los ojos maquillados)

Poco después los Chinos comenzaron a pintar sus uñas con diferentes productos como huevo, cera y goma arábica para distinguir las clases sociales, entre más poderosos más luminosos eran los colores. También utilizaban polvo de arroz para lucir más blancos, se quitaban las cejas y las pintaban doradas o negras dependiendo de su clase.

Aunque estos productos en un principios fueron utilizados para una razón en específico, nos podemos dar una idea de la imagen que creaban estas mujeres maquilladas frente a los hombres, pero ellas nunca lo dejaron de hacer por valor cultural. Así siguió el uso de los cosméticos por años hasta que los Romanos  tomaron control. Adoptaron muchos métodos de pinturas de los Egipcios, pero ellos ya no lo hacían por valorarse más en el sentido espiritual sino que empezaron a utilizarlo para mejorar su apariencia ante los demás, sobretodo los hombres. Empezaron a utilizar mezclas de mantequilla y harina para tapar marcas y granos, también son los primeros en pintarse el pelo de otro color.  Estos fueron los comienzos de la transformación física que el humano lleva a cabo hoy en día.

Por un lado podríamos decir que todos estos productos ayudan a lucir mejor, estar mas seguros de nuestro físico, pero entonces estamos cayendo en cumplir con el estereotipo impuesto por la sociedad de belleza. ¿No sería mejor si nadie utilizara maquillaje y entonces lo natural se convirtiera en lo bello? Incontable numero de mujeres transforman su rostro totalmente para parecerse a las mujeres que vemos en las portadas de revistas, en la televisión y en los anuncios. Nos hemos vuelto esclavos del maquillaje. Hemos llegado al punto que niñas de 13 años tengan prisa de utilizar maquillaje mientras que su piel sigue estando en perfectas condiciones, todo gracias a las marcas de maquillaje que logran que nuestras imperfecciones de multipliquen en nuestra cabeza y pensemos que sin sus productos la gente nos va a reconocer por ellas.

(Niña de 7 años concursando por su belleza)

Es difícil decir que podríamos dejar de utilizar maquillaje, pues en nuestra cabeza es un hecho que lucimos mejor, y no nos damos cuenta que estar naturales es como mejor lucimos, dejando de esconder lo que en realidad somos. Es como esta necesidad de aparentar algo que no somos, y es algo que se ha logrado en conjunto, porque aunque al vernos al espejo creamos que somos los únicos que tenemos defectos, debemos de saber que todos somos iguales, nadie es perfecto, cada quién tiene cosas que le gustaría esconder, por esto, si todos fuéramos aceptados sin importar como luzcamos sin maquillaje, la belleza tendría un sentido totalmente distinto al que tiene hoy en día, y no se verían idéntico todas las mujeres. Sería la belleza impuesta por la naturaleza y no por la sociedad.

(Ejemplo de belleza natural y belleza falsa)

http://www.neatorama.com/2014/05/22/Why-Did-Women-Start-Wearing-Makeup/

Los premios Nobel cuentan con categorías amplias como física, química, literatura, Paz, etc. pero no hay nada relacionado con arquitectura ni algo cercano a esto, debido a esto en 1979, Jay A. Pritzker miembro de una familia bien posicionada económicamente, crea el premio “Pritzker”, impulsado por su familiares, se entrega anualmente a un arquitecto esta condecoración.

Hoy en día sigue siendo el premio de mayor prestigio internacional y el principal galardón concedido para honrar a un arquitecto. Los premiados reciben $100.000 dólares, un certificado formal y desde 1987, un medallón de bronce. EL encargado de patrocinar el evento es la fundación Hyatt, esta asociación esta conformada nada más y nada menos que por la familia Pritzker, originarios de Chicago y propietarios de la cadena de hoteles Hyatt.

                                                           (Hotel en de la cadena Hyatt en Inglaterra)

Dentro de los criterios para otorgar este premio están:

·      Mostrar a través de sus proyectos y obras construidas las diferentes facetas de su talento como arquitecto.

·      Contribuir al enriquecimiento de la humanidad.

·      Demostrar un alto nivel de creatividad en el diseño de las obras.

·      Contar con una buena calidad en la construcción

·      Funcionalidad

Desde hace unos años, la relevancia del aspecto social para obtener el premio ha sido un fuerte contrapeso en la elección final.

Entre los laureados con este premio encontramos una amplia variedad como lo son:

Philip Johnson (Estados Unidos), primer acreedor de este galardón.

Obra principal: “Glass house” fue diseñada para su proyecto de tesis de la Universidad de Harvard y fue la residencia del arquitecto desde su construcción hasta su muerte. Ha sido desde entonces su obra más famosa y la más controvertida, ya que fue una de las precursoras del estilo moderno y el uso de nuevos materiales.

                                                                                                    (Glass house)

Luis Barragán (México) Primer latinoamericano en recibir este premio.

Obra principal: Casa Gilardi fue edificada para la familia Gilardi,  Su característica principal radica no solo en su arquitectura sino en los colores, las texturas, las secuencias y disposiciones de espacios, la forma de introducir la luz en las diferentes estancias de la casa, siempre generando sensaciones, eso unido a determinados colores compositivamente colocados para dar espacios brillantes.

Hans Hollen (Austria)

Obra principal: Museo Abteiberg según el jurado Hollein ha propuso, "un diseño subterráneo audaz para una sucursal del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York para Salzburgo”. Con formas naturales del acantilado como salas y con espectaculares árboles de luz.

Kenzo Tange (Japón)

Obra principal: Catedral de santa maría en Tokio es la sede de la Archidiócesis católica de Tokio, El uso que hace Tange del hormigón, contribuye a la estética del conjunto, haciéndolo resaltar. logra que el material se convierta en parte esencial del proyecto y no en un mero soporte constructivo.

Oscar Niemeyer (Brasil)

Obra principal: Catedral de Brasilia, el proyecto se basó en los hiperboloides de revolución, en donde las secciones son asimétricas. Por sí misma, esta estructura es el resultado de dieciséis columnas de hormigón ensambladas idénticas.

Jørn Utzon (Dinamarca)

Obra principal: Ópera de Sídney es una construcción expresionista con un diseño radicalmente innovador, conformado por una serie de grandes conchas prefabricadas, cada una tomada de la misma semiesfera.

Zaha Hadid (Iraq)

Obra principal: Pabellón Puente, destaca el método de construcción, ya que la estructura se construyó en tierra firme y una vez completada, fue desplazada a su ubicación final sobre el cauce del río Ebro. Esto significa mover una estructura de 140 metros y 2.200 t. durante 123 m longitudinales y 9 laterales sin ningún apoyo intermedio. Fue esta vez, la primera ocasión en premiarse a una mujer.

 Alejandro Aravena (Chile)

Obra principal: Torres Siamesas de la Universidad Católica de Chile, parte clave de este proyecto fue  el efecto visual logrado, en el que a primera vista tenemos la sensación de encontrarnos con dos torres en lugar de una como lo es realmente. Este arquitecto hasta el momento ha sido el último en premiarse.

“Si no tuviera el cuerpo que tengo, no hubiera tenido la carrera que tengo. Me encanta que puedo ser sexy. Estoy orgullosa de eso”. -Gigi Hadid

Es interesante cómo tu imagen puede llevarte a ser una de las mujeres más influyentes para los adolescente y adultos jóvenes, como es el caso de las modelos Gigi Hadid, Kendall Jenner y Kylie Jenner. Éstas recorren el mundo para caminar en pasarelas de los diseñadores más cotizados, hacer sesiones de moda para las revistas más famosas, asistir a los eventos más importantes del año y ser pagadas

miles de miles de dólares por cada movimiento que hacen, lo que visten y lo que dicen. Mientras, el resto de la gente observa cada paso que dan por medio de sus redes sociales y los medios de comunicación.

Hoy en día, observamos cómo los medios de comunicación, las redes sociales e incluso la sociedad te muestran cómo hay que verse, comportarse y, por supuesto, vestirse. Es entonces, que comprendemos que la moda es un aspecto que es cada día más importante en nuestras vidas. Ahora no basta con vestir las mejores marcas, sino que además nuestra apariencia física debe parecerse al de los modelos.

Impacta el hecho de que estas modelos sean más reconocidas y mejor pagadas que muchas mujeres científicas, escritoras, diseñadoras y más, las cuales han tenido un mayor aporte a la sociedad. Pero no sólo eso, y es que entendemos que el mundo de la moda mantiene el estigma de un grupo de gente frívola, pedante y superficial, donde el contenido y la sociedad no son importantes. Es ahí donde los modelos y bloggers deberían de intervenir, demostrando así que la moda va más allá que el vestir las mejores marcas y a la última moda, señalando que la imagen no es la única preocupación del diseñador. No obstante, ésto parece no ser la prioridad de los modelos, los cuales aparentemente carecen una preocupación social.

Si bien existen modelos, los cuales han criticado a los medios de comunicación y a las grandes empresas por alterar sus cuerpos, haciéndolos parecer más delgados, con tez más clara, sin imperfecciones,...y es que saben el poder que su imagen tiene y cómo ésta influye en la gente, sobre todo en los adolescentes. Unos de estos casos es Zendaya Coleman, Chrissy Teigen y Winnie Harlow, las cuales recurrieron a las redes sociales para expresar su descontento y señalar que las imágenes no concuerdan con la realidad.

Cansada la gente de observar cómo las grandes marcas manipulan la apariencia del modelo hasta la desproporción, la irrealidad e incluso absurdez, las personas recurrieron a un canal más realista, personal y con un acercamiento respecto a la moda diferente. Los bloggers, aquellas personas que decidieron crear su propia página, dándonos la posibilidad de observar cuál es su estilo, cómo visten ciertas prendas del momento y reflexionan sobre las tendencias, los diseñadores y más. Desafortunadamente, esta característica de los bloggers ya no es del todo cierta, debido a que la industria de la moda observó cómo los bloggers fueron adquiriendo cada vez más seguidores y entonces, fama, contratándolos o regalándoles sus productos para que los anunciaran en su blog. Este fenómeno ha causado que regresemos al mismo problema que se tenía con las modelos y cómo su imagen era alterada, sólo que ahora se utilizan a los bloggers para esta manipulación. Entiendo que es diferente cómo la imagen es alterada, debido a que las empresas no controlan el blog sin embargo, sí controlan la imagen del blogger, diciéndoles qué vestir, cómo verse y dónde posar. Es entonces, que la personalidad, originalidad y el fin de la página se vuelve borrosa. No obstante, es importante decir que no todos los blogs han sido vendidos o manipulados, existen aquellos que todavía mantienen su origen, sus ideas, su carácter y su propuesta sin embargo, éstos son la minoría.

Es entonces, que tanto los modelos como los bloggers deberían de mostrar la parte humana que tiene la industria de la moda, aquella que no tiene como principal objetivo el ingreso económico, sino la que se interesa por las formas, el color, la cultura, la historia. Estos personajes son, en parte, los representantes de cómo hay que verse y comportarse mañana por ende, así como se necesita de una cultura, dedicación y sobre todo una educación para crear una prenda, los modelos, bloggers y todas las personas que son imagen pública deberían de seguir los mismos principios.   

¿Cuántos pares de zapatos tienes en tu clóset? ¿Cuántos utilizas? ¿Cuántos vestidos y playeras tienes? ¿Cuántos shots y pantalones? Formamos parte de una sociedad en la que compramos para sentirnos bien, después de cualquier situación difícil, de un mal día o una pelea la solución es ir de compras ( y la ropa es sólo un ejemplo). Esta costumbre consumista  y capitalista fue desatada por la revolución industrial pero poco a poco surgieron nuevos movimientos que comenzaron a ir en contra de estos aspecto. EN el arte, por ejemplo, surgió el minimalimo o mínimal art, cuyo objetivo fue reducir los elementos utilizados al mínimo en cuanto a la forma y materiales. Este tipo de arte empezó a buscar la abstracción, la concentración, desmaterialización, orden, reducción y síntesis. Busca economizar el lenguaje y los medios para llegar a lo más sencillo, preocupándose principalmente por  la funcionalidad de las cosas y utilizando formas geométricas  y líneas rectas. Todas esta características fueron aplicadas también al diseño, arquitectura y algunas de ellas llegaron también a la música.

La escuela  De Stijl y la arquitectura japonesa influyeron mucho en el diseño y arquitectura minimalista, especialmente el orientalismo resulta ser muy  importante ya que tiene detrás todo un modelo de pensamiento que busca la paz y tranquilidad a partir de la simplificación de los espacios. Del mismo modo, el Feng Shui “es un antiguo sistema filosófico chino de origen taoísta basado en la ocupación consciente y armónica del espacio, con el fin de lograr de este una influencia positiva sobre las personas que lo ocupan.”

Hoy en día el minimalismo se ha convertido en mucho más que sólo un estilo de decoración, es una filosofía y un estilo de vida. Muchas personas deciden adoptar este estilo de vida como un camino para autoconocerse, para encontrar elegía y paz. Realmente tiene sentido, la mayoría de las personas tantas cosas que resulta abrumador, aunque los medios nos hagan creer que comprar más es lo que necesitamos para ser felices terminamos volviéndonos esclavos de las cosas.

Existen muchas formas de ser minimalista y razones diferentes por las cuales las personas deciden hacer este cambio en sus vidas, pero lo que los caracteriza a todos es el deseo de simplificar sus vidas y concentrarse en lo que es importante para cada uno de ellos. Generalmente el primer paso de minimalismo implica una depuración material, deshacerse de todas las cosas que no aportan nada positivo a nuestras vidas, pero esto va más allá de una limpieza profunda de nuestras casas, se trata de una simplificación de todos los aspectos de nuestras vidas, de eliminar todas aquellas cosas que no nos hacen bien, que no aportan nada positivo; ya sean alimentos, hábitos y relaciones interpersonales. De esta forma podemos ponernos atención y cuidarnos a nosotros mismos y entre nosotros, en vez de a las cosas.

(”All of my clothes for four seasons” tomado de https://www.google.com.mx/search?q=minimalismo&espv=2&biw=1163&bih=598&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwj_k5L4kfnMAhVl04MKHVz0DksQ_AUIBigB#tbm=isch&q=minimalist+life&imgrc=RC-j8s7p8uTa0M%3A)

Existen diferentes métodos para deshacerse de todo lo que no necesitamos; algunas personas deciden hacer un cambio extremo, mientras que otros lo van haciendo poco a poco, realmente depende de la personalidad de cada quien, no hay una única forma de hacerlo. Lo importante es hacernos un montón de preguntas como si el objeto en cuestión es una herramienta (algo que sea útil para nosotros), un tesoro o basura (cosas que no usamos desde hace tiempo, que no usaremos nunca o que nos hacen daño). Es evidente que las herramientas tienen prioridad para quedarse y que la basura se elimina (se pueden vender o donar las cosas que aún sirven), pero la parte conflictiva es la de los tesoros, aquellas cosas a las que estamos apegadas sentimentalmente. En principio si alguna de estas cosas tiene también característica de herramienta no tiene porque irse pero, ¿Qué pasa con aquellas cosas que no cumplen con ninguna función y sólo las guardamos por el simple recuerdo? Lo que varios minimalistas opinan al respecto es que lo importante es el recuerdo y no el objeto, eliminar el objeto no implica acabar también con el recuerdo, en todo caso se puede tomar una foto el objeto, pero tampoco está mal querer quedarse con una o dos tesoros. De cualquier forma, el cuestionamiento sigue siendo fundamental. ¿Qué es un tesoro? ¿Porque este objeto es un tesoro para mí?

Aquí solo menciono las bases y algunos de los consejos y opiniones acerca de este estilo de vida,   pero poco a poco el mundo se ha ido llenando de minimalistas que deciden compartir su experiencia con el resto del mundo y empiezan a inspirar a miles de personas quieren vivir de forma diferente.

Aquí hay algunos ejemplos de vloggers que hablan de su percepción y experiencia con el minimalismo.

Video: A rich life with less stuff | The Minimalists | TEDxWhitefish

-The minimalists.

https://www.youtube.com/user/jmillburn

-Shoeless Joe

https://www.youtube.com/channel/UCRMJOIt8GkY8lLTvbvEM_ow

-Thriving Minimalist

https://www.youtube.com/channel/UCfRIrEykNPOnNIEovgYnvLg

-Jenny Mustard

https://www.youtube.com/channel/UC7fPf1yuGaYFmbxe0ZrshWw

-Britany Taylor.

https://www.youtube.com/user/sophiefire13

Eniac Martínez, es un fotógrafo mexicano nacido en Ciudad de México en el año de 1959, que después de sus estudios musicales y su tránsito por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM,  encontró en la fotografía el medio indicado para realizar su expresión creativa. Ha logrado a través de  sus imágenes  construir un lenguaje sólido.

En su mayoría su trabajo se inscribe en el terreno de lo que se ha denominado ensayo-documental, crónicas de viaje que registran innumerables recorridos por nuestro país.

Su más reciente exposición individual da fe de esto y confirma nuevamente, como sus inquietudes han sido concretizadas  de manera exitosa, pues como se va confirmando a lo largo de la muestra  que ha titulado “Los ríos”  que se exhibe actualmente en el Centro de la Imagen que se encuentra ubicado en la Plaza de la Ciudadela, que está dedicado a la investigación, el análisis y la divulgación de la fotografía en nuestro  país.

Martínez emprendió un proyecto de largo aliento; decidió documentar el recorrido por los principales cauces de agua de nuestro país. Ríos de  varios Estados de la República Mexicana. Hace visible, un universo lleno de sorpresas que  ha captado  con su lente y que comparte en esta muestra.

Su propuesta que realizó durante aproximadamente seis años  reúne noventa y tres fotografías en blanco y negro y a color, además de un video.

Las fotografías han sido tomadas en diferentes formatos fotográficos: 6x6, panorámico y negativo digital.

La exposición ha sido dividida en diferentes núcleos temáticos por la curadora Joanne Trujillo de la siguiente manera, ofreciendo al espectador un viaje interesante, que logra atrapar a los visitantes. Primero nos encontramos con “La vida del rió, “La vida del hombre en el río, “La muerte el hombre” y “La muerte que causa el río”.

Los ríos por lo que realizó su proyecto fueron Aguascalientes, Chiapas, Chihuahua, Guerrero, Jalisco, Nayarit, Sonora y Veracruz, así como la frontera con Guatemala.

Cuando uno va recorriendo la exposición se da cuenta que las imágenes fotográficas ofrece diversas lecturas, pues realmente se registra la situación de los ríos en nuestro país, lo que acaba siendo una denuncia ya que su mirada crítica hace evidente el terrible descuido en el que se encuentran los ríos de nuestro país , sometiendo al espectador a una reflexión importante.

Pero de igual manera, la lente de Martínez rescata gozosa y vitalmente la amplia riqueza cultural y religiosa que se ha ido generando dentro y cerca de los ríos.

Son imágenes que atrapan universos humanos, enigmáticos y variados, que han hecho del río un espacio simbólico capaz de construir un imaginario inigualable en la cultura mexicana con múltiples orillas: la religión, la fiesta, el esparcimiento, así como su fuerza creativa y destructiva.

Las imágenes dan fe de la relación que surge entre la naturaleza y los seres humanos, donde se pone de relieve el misterio de la vida y la muerte, así como de los desastres naturales, como las inundaciones,  las sequías y la contaminación creada por nosotros los humanos. Podemos por lo tanto halar de una exposición que además de   mostrarnos un trabajo creativo y estético, logra  dar una visión del contexto socio ambiental del agua.  Además de confirmar y de sumarse a la conciencia de las múltiples luchas que se han generado alrededor de este líquido vital

Este proyecto cuenta afortunadamente con un foto libro, que ha sido editado por la editorial independiente Elefanta Editor.

La exposición estará abierta al pública hasta el 10 de julio del presente año, y sin duda vale la pena acercarse a conocer el trabajo de Eniac Martínez, que con esta última entrega , continua el trabajo que ha ido estructurando a lo largo del tiempo con sus proyectos anteriores ,que fueron Mixtecos, Litorales y Camino real de tierra adentro.

Hoy en día lo más común es que los diseñadores pongan firma a sus diseños, es decir cada uno de los grandes lleva el nombre de la marca en algunos casos o en otros el suyo mismo; sin embargo, hace algunas décadas eso no era tan usual.

Charles Frederick Worth fue un diseñador de modas ingles que tan solo a los siete años de formación, orientado a la moda, llegó a París en donde en el año de 1858 fundó junto a su socio “Boberg”, su propia casa de moda en la Rue de la Paix, una de las calles de París con más estilo, más tarde en 1817 continuó sólo.

La fama e importancia de Worth comienza en que es considerado como “el padre de la alta costura” ya que fue el primero en firmar sus diseños, tal como lo hacían usualmente los artistas de otras disciplinas como la pintura o la escritura. De esta manera el empezó a llamarse “celebridad”, un artista como los demás, y diseñadores ahora gozan de este privilegio de llamarse así. Worth creó una etiqueta especial en donde ponía su nombre firmando de ese modo sus elegantes diseños, además de poner en cada una de sus creaciones su creatividad, logrando diseños realmente únicos, el comienzo de la alta costura que por supuesto se dio en la cuna de la moda Paris. 

Otra de sus costumbres, por las cuales se le reconoce,  era crear una colección por año, lo que hasta ese momento no se hacía en lo más mínimo, pero que a la fecha es habitual.  Como sabemos en estos tiempos ya es un mandamiento que desde los mejores diseñadores tienen que sacar una colección por temporada como van las estaciones del año.

Al momento de diseñar, las líneas de Worth eran siempre simples pero atractivas; redujo la crinolina (algo que de momento estaba de moda) de modo que la falda caía plana por la parte de adelante y le quito el exceso de tela que tenía atrás, logrando unir la técnica inglesa del corte con la máxima elegancia francesa. 

La palabra “modisto”, en su momento se uso especialmente para llamarlo a él. Su fama más que nada se dio gracias a que sus diseños fueron usados por la Reina Victoria y a otros más de la realeza como Isabel de Austria y Eugenia la esposa de Napoleón III. Lucieron diseños en seda y tul bordados en oro. Además de las anteriores, hubo más mujeres que se dejaron seducir por sus diseños después de verlos puestos en cuerpos de mujeres de la realeza. Las posibilidades abrieron su camino y de esta manera también creando a las “modelos” de la época, poniendo a su esposa Mary Verner, quien fue la primera mujer en la historia en ser modelo como tal. Mary Verner fue también la primera persona que implemento la idea del “look book” mostrando bocetos que Worth mismo hacía con acuarelas para sus clientes. 

Él no solo creaba prendas, sino también decía como tenían que ser usadas y con que accesorios, de esta manera no solo diseñaba los vestidos sino también creando esta idea de “diseñador de imagen”, desaprobaba y aprobaba a las clientas, teniendo la última palabra acerca de lo que ellas vestidas.

 Bibliografía:

https://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Frederick_Worth

La pregunta es ¿qué es un líder? Alguien que logra alcanzar las metas de su empresa, un diputado que crea una legislación que aumenta la productividad a nivel nacional, un nativo americano que toma decisiones en base al efecto que estas tendrán sobre las 7 generaciones que podrá influenciar.

 A lo largo del tiempo y de nuestra vida, hemos escuchado la palabra “líder” infinidad de veces, desde que eres pequeño tus padres, la televisión y los medios que te rodean, plantan esa semillita en tu cerebro de “siempre se el líder”, “siempre se el que da el primer paso”. O incluso “no seas el que sigue a los demás”, todos a lo largo de su vida han escuchado estas frases. Esto no es porque sea algo de nuestro siglo o por que se puso de moda, el termino liderazgo ha sido utilizado desde el principio de la humanidad.

 Se extiende este tema de si el líder “nace o se hace”, explorando la teoría de John Maxwell, junto con un resumen de sus leyes para así saber si naces siendo líder o te puedes hacer un líder siguiendo una serie de leyes o pasos.

 El liderazgo, una virtud conocida por muchos y desconocida por otros, surge desde antes de lo que podemos imaginar, esta virtud existe desde los grupos de primates, en el momento que establecieron una estructura jerárquica en la que el alfa del grupo era el que tomaba las decisiones, desde ese entonces se ha tratado de explicar ¿cómo es que ciertos individuos puedan tener más influencia sobre los demás, que otros? Desde la época de los Egipcios se encontraron una serie de jeroglíficos que significaban lo que era el liderazgo para ellos, quién era el líder (que le llamaban seshemu) y quién era el seguidor (que le llamaban el shemsu). El surgimiento de éste lo podemos encontrar en muchas partes, una de ellas es en

los nativos americanos, en donde cada tribu tenía a su líder que era el que se encargaba de que todos estuvieran alimentados y fuera de peligro.

 Los conceptos de liderazgo de los Indios Americanos eran:

 1.    Paciencia y tolerancia contra enojo, acciones ofensivas y críticas.

2.    Corazones llenos de paz y bienestar y mentes preocupadas por el bienestar de su pueblo.

3.    Un conjunto de firmeza y ternura para su gente.

4.    Jamás expresar su enojo y enfurecimiento con palabras y las acciones eran templadas y deliberadas.

 El liderazgo “es una palabra de origen latino viene del verbo rectum, regere y de

su compuesto dirigere o directum.; términos que significan orientar, dirigir o guiar,

la raíz latina es reg. Ésta dio origen a una amplia familia de palabras, como: rey,

regir, régimen regente, rector, rectoría, rectitud, director, dirigir, dirigente etc.

 Líder: el que ejerce el liderazgo, es una palabra sajona que en inglés significa “to lead” = guiar, dirigir u orientar.”

 Si el líder o Alfa del clan, tribu, pueblo, grupo o nación tiene que ver por el bienestar de sus seguidores nos ayuda como punto de referencia, la jerarquía de Maslow, para entender cuál es el trabajo del líder en sí. Abraham Maslow nos explica atreves de su pirámide de necesidades, cual es la prioridad para vivir en cada uno de los 5 niveles y cubre la jerarquía de las mismas.

- Abraham Maslow-

El rol del líder se ha ido cambiando ya que cada población ya tiene mayor expectativa en traspasar, desde el nivel más básico, al nivel más alto.

 Los 5 Niveles de la Jerarquía de Maslow

 Aquí se distingue el enfoque y necesidad de cada nivel.

 1.    Fisiológicas: el hambre, la sed, la vestimenta, el sexo.

 2.    Seguridad personal: la seguridad y protección tanto física como emocional.

 3.    La vida social: la sensación de pertenecer a un grupo, ser aceptado por como eres y formar amistades que te respalden, tener un sentido de pertenencia.

 4.    El Ego: incluye el autoestima, el respeto a uno mismo, la autonomía y los logros, el status y el reconocimiento.

“La crueldad, como cualquier otro vicio, no requiere ningún motivo para ser practicada, apenas oportunidad.” – Mary Anne Evans

           Siempre he tenido una fascinación por aquellos asesinos o criminales con casos tan raros como serían Charles Manson o hasta “El payaso asesino”.  Es curioso pensar cómo es que siempre hay personas que de una u otra manera se las arregla para causar algún daño a la sociedad; que sin importar de los limites que se les hayan puesto continúan disfrutando de la crueldad de sus actos. No se significa que me agrede lo que hagan, pero creo que por la manera de desafiar a la sociedad o la curiosidad misma de saber porque otro ser humano cometió tal crimen es lo que los vuelve tan interesantes. Y en este caso, Ilse Konch no se queda afuera.

           Se le conocía como “la zorra de Buchenwald” a esta malvada y sádica mujer, la cual en la segunda guerra mundial vivió al criterio de su apodo. Fue una de las mujeres más sádicas y poderosas de la época conforme al control de los campos de concentración. Se dice que si se llegaba a escuchar algún grito fuera de lo común probablemente era un inocente torturado por sus sangrientas manos.

           No se sabe con precisión porque se volvió una malvada persona, ya que se decía que era una chica normal que simplemente tomo un mal camino sin darse cuenta con que tipo de personas se iba a topar. Al venir de un ambiente pobre ella lo único que quería era obtener un trabajo decente, por lo que su fama empezó en 1930 cuando se unió al Grupo Nacionalsocialista Obrero Alemán para trabajar de secretaria.

           Con el tiempo y las ganas de trabajar empezó a adorar los ideales de Hitler para así pelear sin lástima alguna. Al estar asociada con los nazis desde el principio logró obtener reconocimiento y privilegio, por lo que se le fue dando poder a su trastornada persona. Ilse conoció a Karl Otto Konch, un ayudante de la Gestapo, quien se volvería su futuro esposo.

           Las cosas empezaron a cambiar cuando su esposo fue nombrado comandante del campo de concentración ubicado en Buchenwald, muy famoso en esos tiempos por ser de los primeros campos. También se conocía por ser un lugar donde se empezó a experimentar libremente diferentes métodos de medicina en los prisioneros. Ilse no sólo al ser la esposa de un comandante importante de esa unidad sino que también al haber ganado experiencia y conocimiento en el lugar empezó a abandonar la imagen inocente y a dejar fluir la sangre fría que llevaba años ocultando.

           Ilse Konch comenzó a crearse reputación como una de las nazis más temidas y duras de todo el campo de Buchenwald, ya que poco a poco fue ideando planes para controlar a los prisioneros. Testigos decían que ella disfrutaba ver como los niños eran enviados a la cámara de gas.

           Ya cuando su esposo se volvió comandante ella dio la orden de crear un campo de deportes para montar a caballo, donde se paseaba dando latigazos a los reclusos. En esos paseos a caballo era donde escogía a los prisioneros para usarlos en lo que ella consideraba sus obras. Tenía una preferencia por aquellos que tuvieran tatuajes llamativos sobre su piel. Los que trabajaban en el campo de concentración luego le hacían llegar las muestras de piel arrancadas de aquellos sujetos que ella escogía. Maltrataba a quien sea que se le pusiera en frente por el simple placer de verlos sufrir, ya que nadie decía nada por ser la esposa del comandante.

           Se descubrió que tenía varios objetos realizados con piel humana, desde lámparas, guantes, cubiertas de libros, abrigos, billeteras o simplemente los pedazos de piel de prisioneros que habían matado en los hornos.

           Ya para 1943 ella y su esposo fueron arrestados por las torturas y asesinatos cometidos, ya que cualquier tipo de castigo se debía de informar a los superiores del campo. En los juicios no se encontraron las suficientes pruebas para condenarla a muerte, pero si se condeno al comandante. Hubo mucha controversia ya que las investigaciones que se hicieron a los objetos supuestamente hechos de piel humana eran contradictorias. Los resultados de las pruebas salían que si era de humano pero otras decían que no.

           Gano tanta reputación que nadie la quería libre, así que diez años después la lograron poner en cadena perpetua. Hasta el día que decidió suicidarse no sintió remordimiento ni pena por los actos que cometió. Obviamente no era ninguna chica normal.

El Movimiento Muralista Mexicano es uno de los géneros artísticos más importantes de América Latina. Comenzó alrededor de 1920 después de la revolución mexicana. El nuevo gobierno encabezado por Álvaro Obregón estaba buscando maneras de sanar y unificar el país. José Vasconcelos, el ministro de educación de esa época, invitó a tres artistas que más tarde se convertirían en los tres principales representantes de este movimiento: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siquerios. Los invitó a pintar murales para que todo el pueblo mexicano, incluso aquellos que no sabían leer ni escribir se identificaran con estos.

 Estos murales tuvieron mucho éxito no sólo en México si no alrededor del mundo por muchas razones, en primer lugar porque estaban pintados utilizando técnicas poco ortodoxas como fresco, encáustica, mosaicos, esculturas, materiales nuevos y no tradicionales como acrílico, fibra de vidrio, polímeros, etc. En segundo lugar y más importante, porque al contrario de surrealismo, cubismo y otros estilos que se habían visto en toda Europa, los murales representaban un nuevo tipo de modernismo basada en el realismo histórico y eventos mitológicos que estaban ocurriendo en México y el mundo; como política radical, el comunismo, socialismo, mujeres independizándose, distribución de armas, etc.

 A diferencia de Clemente Orozco, que sus murales fueron pintados con una técnica de pincel rápido con temas muy poéticos y mitológicos,  Diego Rivera era conocido por no tener límites ni barreras hacia lo que él decidía incluir en sus murales, también por ser un historiador y pintor. Él siempre incluía los hechos históricos; en ellos su principal objetivo era representan temas revolucionarios, así como la mezcla de raza y pueblo nativo de México, que en ese momento eran la mayoría. Uno de sus murales más representativos, fue Historia de México o de la "Historia de México". Pintado entre 1929 y 1935 dentro del Palacio Nacional en el zócalo de la Ciudad de México. Este mural se extiende más de 276 metros cuadrados y ocupa tres paredes del palacio junto a la escalera principal y abarca la historia de México desde su origen prehispánico hasta después de la Revolución Mexicana, alrededor de 1930. Este mural tiene muchos colores y tiene un equilibro y una iluminación impresionante, todo fue realizado en la técnica de fresco. Esta pintado debajo de dos grandes arcos laterales y cinco pequeños arcos frontales. No tiene un funcionamiento o  una narrativa gráfica lineal consecutiva, pero se trata más bien de una fusión cultural de episodios nacionales y recopilación de importantes personajes y eventos sociales que se produjeron desde la época prehispánica hasta el siglo XX.

Mural “La Historia de Mexico” Diego Rivera 1929-1935

Rivera pintó su interpretación de México antes de la conquista española en el muro norte, representó a la cultura tolteca como un glorioso y gran parte de la época pre-hispánica. Al centro de ese muro, pintó Quetzalcoatl, que significa "serpiente emplumada" en náhuatl, como un hombre blanco rodeado por su gente. El resto de los indios en esta parte de la pared tiene la piel marrón y se visten con ropa blanca típica indígena. Los indios se muestran haciendo actividades típicas de las culturas mesoamericana tales como: el comercio en el mercado de Tlatelolco, el cultivo del algodón y teñido con verduras, interpretaciones de Oracle, el cultivo de cacao, maíz y savia, la construcción de las pirámides, etc. Quetzalcoatl era conocido por enseñarles todas estas actividades. Rivera también pintó un volcán en erupción, así como un sol invertido en el fondo, estos representan la caída de las culturas prehispánicas después de la conquista española. Junto al sol vemos Quetzalcoatl, pero esta vez representado como una serpiente con plumas. Este arco es una de las piezas más coloridas del mural. Hay muchísimo contraste entre el amarillo de las pirámides y el cielo azul, el cual es cubierto en otras partes del mural debido a la cantidad de personas que pinta en ellos. En el centro hay un águila de pie sobre un nopal devorando una serpiente, similar a la de la bandera mexicana, que representaba el lugar donde los aztecas fueron informados por los dioses y ahí construir su ciudad, más tarde conocida como Tenochtitlan.­

Mural del arco derecho - Historia de México 

Mural del arco izquierdo - Historia de México

“"Cuando se entiendan las fuerzas del universo, si es que algún día se consigue, no habrá ninguna razón para inventar dioses que nos den lo que no somos capaces de obtener por nuestras propias fuerzas". – Diego Rivera

http://www.esquire.es/actualizacion/2438/las-20-mejores-frases-de-diego-rivera