What Maheu likes

409, c’est la fougue, c’est cette colère accumulée pendant des années transformée en énergie positive. Purple ne fait pas dans la dentelle et vous balance directement son rock festif en pleine poire. Le son est brut tout en restant accessible et l’expression « taillé pour le live » prend ici tout son sens. On n’écoute pas Purple allongé tranquillement en songeant au sens de la vie, on écoute Purple pour se défouler ou tout simplement pour s’éclater. Les influences classic punk sont bien là. Les éclats de voix d’Hanna Brewer (chant/batterie) et Taylor Busby (chant/guitare) – les deux musiciens, dotés d’une forte identité vocale, se donnent d’ailleurs la réplique à merveille – et le son bien crade et rétro de la guitare sont là pour nous le rappeler. Un petit côté surf rock également, plus qu’appréciable à l’approche de l’hiver (oui, « Beach buddy » c’est de toi que je parle).

De l’artwork de 409, très évocateur, jusqu’aux sonorités enragées du très court « Thirteen », tout respire l’authenticité. Celle d’un trio qui tranche dans le vif et se suffit à lui-même, loin de toutes fioritures ou autres arrangements. Purple n’est pas là pour révolutionner le genre, ni pour faire dans la poésie, ni même pour vous faire découvrir de nouvelles sonorités, Purple est là pour faire la fête et prendre sous le bras tous ceux qui voudront bien la faire avec eux. Une dynamique ultra-positive, bien pensée et maîtrisée qui vous permettra de ne jamais tomber dans l’ennui. Pour autant, le trio démontre qu’il sait varier les plaisirs, notamment avec « New Born » dont la finesse lui permet de se démarquer de ses petits camarades.

Avec 409, référence plutôt originale à l’indicateur téléphonique de la ville de Beaumont, Purple parvient à donner un nouveau souffle à ce rock un peu 90s en y apportant sa couleur et sa fraîcheur. Purple nous montre qu’on peut encore faire de la musique « fun » sans pour autant en altérer la qualité ou partir dans tous les sens. Ne pas se prendre la tête, mais ne pas faire n’importe quoi pour autant; être direct, mais avoir plus d’une corde à son arc; combattre les clichés et faire de sa différence un atout – c’est bien ça la formule Purple.

Un peu plus d’un an après la sortie de son troisième album, Heart Attack, le quintet est de retour avec Passing Ends, un EP cinq titres présenté comme un préambule à une nouvelle galette qui devrait voir le jour en 2015 sur Rise Records. Sorti sur Lost Tape Records, label créé par Man Overboard, ce nouvel EP a pour mot d’ordre principal l’acoustique. « Twenty Years » et son petit côté folk, « Secret Pain », joliment revisité pour l’occasion, ou encore « For Vince », sublime morceau de clôture, côtoient le titre éponyme de l’album, seul morceau électrique au programme. Un joli petit monde qui ne peut que nous mettre l’eau à la bouche pour la suite des événements.

Les gars de Man Overboard démontrent qu’ils ont autant d’aisance en acoustique qu’en électrique et parviennent à nous livrer un nouvel EP qui risque bien de faire vibrer plus d’une corde sensible et met en avant la complicité entre Zac Eistenstein et et Nik Bruzzese qui se donnent la réplique avec brio au fil des morceaux. Une jolie parenthèse qui viendra réchauffer nos cœurs alors que l’automne commence sérieusement à prendre ses quartiers.

Félicitations ! J’ai pas mal de questions justement concernant le nouvel album, Lift A Sail. Il est assez différent de vos précédents albums. Il s’agit plus de rock que de pop punk, il y a même des éléments électroniques. Comment décrirais-tu l’évolution du groupe sur ce nouvel album ?

Je crois qu’avec ce nouvel album, nous avons voulu garder le côté vintage de Yellowcard tout en y ajoutant des éléments plus modernes. Je pense que nous avons fait des choses, en tant que compositeurs, que nous avions envie de faire depuis longtemps, mais je ne sais pas si Yellowcard savait exactement comment faire ces choses dès le départ. Nous avons donc pris l’opportunité qui s’offrait à nous d’essayer de nouvelles choses, de faire ce que Yellowcard a toujours fait mais d’une manière différente. Ryan Key (ndlr : chant/guitare) avait une certaine vision des choses, il voulait ajouter des éléments électroniques plus modernes, de la programmation, du synthé… Je crois que quand Yellowcard s’est formé il y a 17 ans, nous n’avions pas spécifiquement envie d’écrire des morceaux pop punk. Je pense que nos influences, notre âge et notre passion pour la vie et la musique nous ont menés dans cette direction. Mais si l’on prend chaque membre de Yellowcard individuellement en tant que compositeur et que l’on considère nos influences, il n’est pas seulement question de pop ou de punk… j’ai une formation classique, d’autres membres du groupe aiment le grunge ou le rock de manière plus générale, nous voulions utiliser ces éléments sur le nouvel album. Nous voulions quand même arriver à un résultat qui restait très Yellowcard, tout en faisant les choses un peu différemment. Pour l’instant, les réactions ont été très bonnes. Nous avons beaucoup de chance de pouvoir continuer à jouer de la musique en sachant que les fans aiment toujours nos chansons et attendent les nouvelles avec impatience.

Tu parlais de synthé à l’instant, qui va s’en occuper pendant vos performances live ?

Ryan et moi jouons un peu du synthé, et nous avons toujours tenu, pendant nos concerts, à ce que les sons qui sont entendus soient véritablement joués sur scène. De nos jours, pas mal d’artistes utilisent principalement un ordinateur et se contentent de chanter. Donc si nous utilisons des bandes supplémentaires en live, nous nous assurons qu’il s’agit vraiment de quelque chose que nous ne pouvons pas jouer nous même. Ce n’est pas un secret, c’est moi qui m’occupe des instruments à cordes sur tous les titres de Yellowcard, et de toute évidence, je ne peux pas jouer du violon et du violoncelle en même temps en live, par conséquent, sur certains morceaux, une bande-son doit être utilisée. Donc, il y aura des parties synthé que nous jouerons vraiment sur scène, Ryan et moi nous partagerons le travail. Il ne nous reste qu’à étudier chaque titre un à un pour définir les moments où il ne joue pas de la guitare ou où je ne joue pas de violon. J’ai vraiment hâte d’apprendre à travailler avec cet instrument et de mettre ça en place avec Ryan.

Même si cet album sonne toujours comme du Yellowcard, il reste très différent de ce que vous avez fait auparavant. N’as-tu pas peur de décevoir les fans ?

Pas vraiment. Nous ne vivons pas dans la peur de quoi que ce soit. De toute évidence, c’est un risque que prennent les artistes quand ils créent quelque chose de nouveau. Du moment que ça vient du cœur, les gens sauront qu’on donne ce qu’on a de mieux. Je crois qu’il y aura toujours des personnes désireuses d’écouter ce qu’on a à leur offrir. Je pense que nous sommes à un point aujourd’hui où nous n’avions pas envie d’écrire un album de Yellowcard qui sentait le réchauffé. Nous avons sorti sept albums que les gens peuvent écouter et apprécier. Mais notre vie a changé, et je crois qu’il s’agit là d’une collection de morceaux que les gens pourront écouter en se disant « oh, il y a eu un peu de changement », et cela ne fait que refléter ce qui s’est passé dans nos vies. C’était vraiment très enthousiasmant et amusant pour nous de créer quelque chose de nouveau et de frais, et je crois qu’il est important pour tout artiste d’y parvenir pour pouvoir s’améliorer et découvrir de nouveaux horizons. Et c’est ce que nous avons essayé de faire avec Lift A Sail.

J’ai le sentiment que le violon est moins présent sur l’album. Est-ce que c’est vraiment le cas ou juste une impression ?

Je crois qu’on a pas mal expérimenté avec le violon sur ce nouvel album. J’adore Yellowcard, je fais partie du groupe depuis le début, j’écris pour ce groupe depuis plus de 15 ans et je ne pense pas pouvoir faire ce que j’aime et ne pas être inclus dans un projet aussi important que l’écriture d’un nouvel album. Ma participation n’est pas aussi franche que celle de Ryan Key, mais je compose une partie importante des morceaux avec Ryan Mendez (ndlr : guitare). Ce qu’on entend sur cet album n’est peut-être pas le violon classique traditionnel superposé sur le chant qu’on entend habituellement, je l’ai davantage utilisé par touches, en prêtant une attention particulière à la texture des morceaux. À mon avis, si on n’utilise que du bleu, du rouge et du jaune quand on peint un tableau, c’est-à-dire les couleurs primaires, bien évidemment, le résultat peut être bon, mais je pense qu’on  peut aussi les mélanger et utiliser de petites éclaboussures ici et là, c’est ce qu’on a essayé de faire sur cet album. Je pense que c’est un peu la même chose avec les guitares, ce ne sont pas forcément des guitares enragées que tu prends en pleine face, c’est vraiment une technique de composition que nous voulions tester sur cet album. Je ne me sens en aucun cas exclu de ce projet, j’ai fait tellement de choses avec mon violon que personne n’a jamais faites et que personne ne fait de nos jours.

Peux-tu nous en dire plus sur la collaboration avec Matty Mullins sur le titre « The Deepest Well » ?

Oui, c’est le chanteur du groupe Memphis May Fire. Nous allons bientôt commencer une tournée en co-headline avec eux aux États-Unis. C’est un groupe aux sonorités assez violentes. Je crois qu’individuellement, nous aimons tous des groupes un peu plus violents. Par exemple, je suis un grand fan de Thrice, je sais qu’ils ne tournent plus mais j’aime la manière dont ils ajoutent des touches mélodiques à un ensemble plus brutal. Nous avons fait pas mal d’énormes festivals cette année, nous avons rencontré pas mal d’autres musiciens avec lesquels nous sommes devenus amis. Tu leur dis « hey, nous allons bientôt sortir un nouvel album, j’aimerais vivre dans un monde où nous pourrions tourner ensemble » et c’est comme ça que nous avons mis en place cette collaboration. Nous étions en studio et nous voulions donner un côté plus rock à notre morceau, travailler avec un chanteur qui avait des compétences un peu différentes des nôtres. Le groupe de Matty n’est pas seulement super violent, il a aussi ce petit côté mélodique. Nous avons vraiment hâte de tourner avec eux cet automne et avec un peu de chance, on pourra jouer ce morceau une ou deux fois et demander à Matty de nous rejoindre sur scène.

Quelles ont été tes principales influences pendant l’écriture de cet album ?

C’est marrant parce que quand nous écrivions un album pour Yellowcard, en particulier par le passé avec des albums comme Ocean Avenue et Lights And Sounds, nous écoutions encore à peu près tous le même style de musique. C’était un peu différent avec cet album. Personnellement, j’avais juste quelques albums avec moi dont le nouveau Bastille, je n’écoutais pas des groupes similaires au nôtre ou avec lesquels nous avons tourné, j’ai essayé de me plonger dans des textures différentes et de me concentrer sur ces artistes qui écrivent le genre de chansons que Yellowcard n’a jamais écrites. Donc personnellement, je me rappelle avoir écouté d’autres styles de musique mais je suis sûr que ce fut différent pour chaque membre du groupe.

Vous avez signé sur Razor&Tie pour ce nouvel album. Comment avez-vous choisi de travailler avec eux en particulier ?

C’était une bonne opportunité de travailler avec un nouvel associé. Yellowcard a toujours opéré d’un côté sur la scène indépendante et, à ce titre, Hopeless Records a fait du bon boulot avec notre groupe, ils comprenaient ce qu’on essayait de faire, nous avons pu beaucoup tourner comme nous l’avons toujours fait, et d’un autre côté, il y a la part de nous qui a connu un très gros succès grâce aux passages en télé ou à la radio. Nous avons toujours été entre deux eaux. Je crois que le plus important dans le monde de la musique, c’est de trouver un associé qui comprend ce que tu essaies de faire avec ton groupe. Razor&Tie est un label indépendant qui écoute ses artistes mais qui a aussi les outils nécessaires pour sécuriser des passages en radio par exemple. On s’est assis autour d’une table et avons parlé de ce que nous voulions faire et Razor&Tie a compris ce que nous voulions et je pense qu’ils veulent la même chose que nous. Mais Yellowcard a toujours eu beaucoup de chance, même quand nous étions sur Capitol Records, personne n’est jamais venu nous voir dans le studio pour nous dire sur quel bouton appuyer ou quelle note jouer. Nous avons toujours travaillé dur, nous avons tourné intensivement, parfois jusqu’à 10 mois dans l’année. Pendant la période Ocean Avenue, de 2003 à 2005, je me souviens avoir tourné 320 jours par an. Je pense que le fait de travailler dur nous a permis par la suite d’avoir plus de liberté et de flexibilité pour créer ce que nous voulons sans avoir l’impression de subir de pression de la part d’une personne dans un bureau. Razor&Tie nous a donné ces opportunités et a fait du bon boulot jusqu’à présent. Le fait de vivre à l’ère d’Internet fait que certaines personnes auront toujours envie de partager certaines informations avant que vous ne le faisiez vous-même, ce qui est un peu frustrant, mais la plupart de nos fans sont géniaux, ils nous respectent et ils sont enthousiasmés par ce que nous faisons. Nous ne prenons jamais rien pour acquis.

J’aimerais justement revenir sur le fait qu’un site de fans a posté sur Twitter la tracklist et l’artwork de Lift A Sail avant que vous ne le fassiez vous-mêmes. Est-ce que tu penses qu’Internet fait en réalité plus de mal aux groupes qu’il ne fait de bien ?

Je crois que comme dans tous les aspects de la vie, il y a du bon comme du mauvais. Il y a cette phrase dans Spiderman, « un grand pouvoir implique de grandes responsabilités ». Nous travaillons très dur, nous avons consacré des mois de nos vies à composer et à écrire cet album. Puis nous nous sommes dit que ce serait super cool de dévoiler ces informations sur lesquelles nous avons bossé pendant des heures, des jours et des mois. On a pensé que ce serait super cool de dévoiler les infos vraiment petit à petit. Et honnêtement, certains de nos fans nous suivent depuis des années, ils font des kilomètres, ils se donnent du mal pour partager des moments avec nous, ils achètent nos T-shirts et notre musique, donc nous voulions faire quelque chose d’un peu particulier pour eux, et en un instant, quelqu’un a égoïstement posté ces informations sur Internet, peut-être pour voir leur nom être mis en avant dans un article sur un site internet quelque part. Peut-être que c’est excitant pour eux mais moi, je ne récupère pas les heures perdues à travailler dur pour organiser quelque chose de spécial pour les personnes qui aiment ma musique. C’est le côté frustrant des choses. Le bon côté des choses, c’est le fait de regarder mon téléphone et d’y voir des milliers de messages, des gens qui disent en 140 caractères que ma musique a changé leur vie et si j’avais plus de temps, je répondrais à autant de personnes que possible, c’est presque comme si je leur envoyais un texto depuis mon téléphone et c’est incroyable, ça nous a vraiment rapproché de tous les fans de Yellowcard. Le monde est immense, je n’arrive pas à croire que Yellowcard ait joué sur tous ces continents, c’est complètement fou. Je serai toujours reconnaissant pour ça, d’avoir la chance de jouer en France, au Japon ou encore au Brésil… Le monde est immense mais Internet l’a rendu un petit peu plus petit. C’est vrai que c’est frustrant de voir que ces moments me sont presque volés, on ne me renvoie pas toute l’énergie que j’ai fournie. Mais c’est une guerre que je ne peux pas mener. Certaines personnes n’ont aucun respect pour le dur travail des autres. Je ne vis pas ma vie comme ces personnes mais il est aussi important de se concentrer sur l’aspect positif des réactions de nos fans à propos du nouvel album.

Nate Young d’Anberlin assure la partie batterie sur le nouvel album, vous allez avoir un autre batteur pendant votre prochaine tournée : est-ce que vous comptez engager un nouveau batteur à plein temps ou souhaitez-vous continuer à quatre ?

J’adorerais répondre à cette question. Notre ancien batteur a commencé un nouveau groupe, nous avons joué ensemble pendant très longtemps et c’est un musicien phénoménal, il n’y a pas de doutes là-dessus. Je ne pense pas que nous allons prendre de décisions précipitées à ce sujet et engager le premier venu juste parce que c’est le premier venu. Je connais Nate depuis 11 ans, il jouait dans un groupe nommé Acceptance, qui est un groupe génial. Je le connais depuis 11 ans et on a toujours été comme des frères. À chaque fois qu’on se revoit, c’est comme si on ne s’était jamais quittés. Il a vraiment ajouté son grain de sel à Lift A Sail. C’était un peu angoissant d’écrire un album de Yellowcard sans l’un des membres fondateurs. Et je pense que le fait d’avoir joué avec Nate pendant l’été sur le Warped Tour, c’était vraiment un moment spécial pour Yellowcard, c’est un artiste merveilleux. Nous sommes vraiment heureux d’accueillir Tucker (ndlr : Rule) parmi nous, nous avons tourné avec Thursday sur le Warped Tour notamment. Tucker est un bon batteur et c’est un mec phénoménal. Je ne sais pas encore s’il sera notre nouveau batteur officiel. Quoi qu’il en soit, ce n’est pas une décision à prendre à la légère. En attendant, Tucker est un bon batteur et j’espère qu’il nous prêtera ses talents pendant aussi longtemps que possible. Il va commencer à jouer avec nous en octobre et j’ai hâte de voir comment ça va se passer.

Une dernière question : la tournée américaine commence donc le mois prochain… est-ce qu’on vous verra en Europe prochainement ? (ndlr : depuis, le groupe a annoncé une date à Paris)

Oui, pas suffisamment vite, mais pour l’heure, nous sommes heureux de sortir Lift A Sail. Yellowcard est une machine à tourner et je pense qu’une fois la sortie de l’album passée, nous allons pouvoir révéler quelques secrets que nous avions gardés sous le coude. Avec un peu de chance, nous reviendrons en Europe plus tôt que tard. Nous sommes tellement chanceux d’avoir tant de fans merveilleux. Nous n’avons pas l’occasion de remercier nos fans français aussi souvent que nous le voudrions. Nous avons hâte de vous voir et ce sera le cas je l’espère en 2015, on peut organiser ça tu ne penses pas ?

Oui, je l’espère ! Merci beaucoup Sean d’avoir pris le temps de faire cette interview.

« Peut-on continuer à faire du pop punk notre ligne directrice ? », cette question, Yellowcard a dû indéniablement se la poser en composant ce nouveau disque. Une seule écoute de ce neuvième opus suffira à connaître la réponse formulée par le groupe. Une seule écoute sera également suffisante pour comprendre qu’il s’agit là d’un véritable tournant artistique pour le groupe. Outre le départ surprenant de Longineu W. Parsons III, batteur et membre fondateur du combo, un peu plus tôt cette année, les changements sont plutôt nombreux.

L’album s’ouvre sur « Convocation », mise en bouche à vous briser le cœur où le violon est mis à l’honneur, qui nous fait pénétrer en douceur dans le nouvel univers de Yellowcard :  bye, bye pop punk, welcome rock music! « Transmission Home », premier véritable titre de la galette, fait office d’entrée en matière ultra-efficace qui met en avant le travail de Nate Young (de passage derrière les fûts sur cet album). La rythmique est plutôt lente, le son est massif et les guitares grondent pour nous offrir l’un des titres les plus convaincants de l’album. Dans le même registre, on retrouve également le très bon « Illuminate » ou encore « Crash The Gates ». Mention spéciale pour « The Deepest Well », le bon gros morceau qui dépote de l’album, où Ryan Key (chant) donne la réplique à Matty Mullins, leader de Memphis May Fire (non, YC ne s’est pas pour autant mis au metalcore, rassurez-vous).

Okay, on a ce qu’il faut en matière de bons gros riffs rock assortis de jolis refrains (plus ou moins) planants, mais que serait un album de Yellowcard sans ballades me direz-vous ? De ce côté-là, il y a de quoi faire également. Premier à l’appel, le single « One Bedroom », véritable déclaration d’amour de Key à sa femme. Autant vous dire que si vous n’assumez pas du tout votre petit côté fleur bleue, vous risquez de n’apprécier que très modérément. « Madrid » reste assez classique, tout juste rattrapé par la prestation vocale de Key. Reste « MSK », petite expérimentation qui risque de redonner le sourire aux fans de Sean Mackin (violon) quelque peu frustrés de le voir relayé au second plan sur la plupart des morceaux de l’album. Pas de guitares, pas de batterie, juste du violon et des éléments électroniques : une jolie surprise. « California » ira clôturer l’album avec autant de douceur qu’il s’est ouvert.

Nuançons un peu le propos tout de même, même si on a affaire à un rock bien massif plus qu’à du pop punk sautillant, ça reste du Yellowcard, un poil plus recherché et mature (mais bon, les mecs ont allègrement dépassé la trentaine donc en même temps…), mais du Yellowcard quand même. C’est néanmoins indéniable, une page s’est bel et bien tournée. Il y a fort à parier que cette nouvelle galette créera une scission au sein de la fan base du groupe (il suffit de jeter un œil aux commentaires adressés au groupe sur les réseaux sociaux…). Oui, Yellowcard a pris des risques. Le risque de semer de l’électronique ici et là, le risque de laisser sur le carreau bon nombre de ses fans, le risque de tourner le dos à une scène à laquelle il doit tout. Est-ce que ça vaut le coup ? L’avenir nous le dira. Reste que le quatuor a fait preuve d’une certaine audace et est parvenu à donner une nouvelle dimension à ses compositions.

Après une intro parfaitement calibrée pour le live avec ses gang vocals et ses roulements de caisse claire, vient le titre éponyme de l’album, assez représentatif du reste de la galette. Des moments hurlés (largement majoritaires avouons-le), mais aussi des plages plus mélodiques qui nous montrent pleinement que Mike Perez sait aussi chanter – et a une voix assez hallucinante d’ailleurs. Le rythme est souvent rapide, très rapide, sorte de touche punk entre deux gros riffs bien hardcore. La formation continue de creuser dans la direction déjà choisie sur ces précédents efforts. Le style est maîtrisé, l’ensemble est propre, le groupe semble y avoir mis toutes ses tripes, avec un véritable souhait d’établir davantage son identité.

Si le résultat n’est pas absolument extraordinaire, le combo parvient à se démarquer un peu du lot en variant les influences musicales et essayant de repousser un peu les frontières de ce genre souvent bien trop calibré. On regrette que les parties plus mélodiques ne soient pas plus exploitées, tant elles sont efficaces et bien exécutées (« Outdated », « Fallen Master », « Damage / Recover »). Les moins habitués risquent d’être pris de saignements d’oreilles, mais les plus avertis vont très certainement adorer.

La tracklist de la version internationale de The Revelation est assez différente de celle de la version japonaise : pourquoi ? Était-ce difficile de choisir les titres à garder sur cette version ?

Nous avons ajouté de nouveaux titres extraits d’un EP que nous avons sorti au Japon mais nous avions besoin de retirer certains titres présents à l’origine sur l’album pour ne pas que la nouvelle version soit trop longue. Ça n’a pas été facile car nous aimons toutes les chansons que nous écrivons. Nous avons pensé que tout le monde serait satisfait par la présence de quelques nouveaux titres.

Tu chantes en anglais plutôt qu’en japonais. Est-ce que ça s’est fait naturellement ?

Je n’ai jamais eu pour objectif de ne chanter qu’en anglais mais j’imagine que j’ai été trop inspiré par mon côté américain pour ce qui est du chant. Ça m’est toujours venu naturellement.

Qu’est-ce qui t’as influencé quand tu as écrit les paroles de The Revelation ?

Le groupe rencontrait de nombreux problèmes sur le plan personnel. Notre batteur a eu des problèmes de santé. Nous avons perdu un ami très proche. On vivait une période assez sombre. Nos compositions se sont nourries de ces émotions mais aussi d’une énergie positive par rapport à l’avenir. Il faut toujours essayer de transformer le négatif en positif.

coldrain est un groupe très connu au Japon. Est-ce que c’est difficile pour vous de commencer de rien ici en Europe alors que vous faites salle comble au Japon ?

En réalité, c’est plutôt sympa de tout recommencer. Ce n’est pas très intéressant quand tu t’habitues à quelque chose et que tu commences à penser que tout t’est dû. Sortir de notre pays d’origine a été comme une bouffée d’air frais pour le groupe. Beaucoup de questions et d’incertitudes ont été résolues et nous en sommes clairement ressortis plus forts. Nous remercions nos fans à travers le monde pour leur soutien, quel qu’il soit.

On vous balance même le tout nouveau clip discrètement entre deux questions…

Vous avez joué en Europe pour la première fois cette année. Quel est le meilleur souvenir que tu gardes du temps passé ici ?

C’était assez fou de passer un mois entier avec Bullet For My Valentine. Découvrir tant de nouveaux pays et rencontrer tant de nouvelles personnes. Nous leur sommes vraiment reconnaissants de nous avoir donné cette chance. Participer au Rock AM Ring : un rêve devenu réalité. J’ai grandi en regardant tout un tas de vidéos de ce festival. Notre public allemand s’est beaucoup renforcé également.

Aurons-nous le plaisir de vous revoir en Europe prochainement ?

Nous voulons revenir cette année ! Nous avons tellement hâte !

Que penses-tu de l’état actuel de la scène rock japonaise ? Peux-tu nous conseiller de nouveaux groupes ?

Je crois que tout le monde devrait écouter nos amis de SiM, Her Name In Blood et Crystal Lake. Ils vont débarquer chez vous, je n’en doute pas. La scène est de plus en plus importante chaque année pour les groupes de rock. J’espère juste que ça ne va pas s’estomper comme c’est déjà le cas pour beaucoup de styles musicaux ici.

Qu’est-ce qui t’as donné envie de faire de la musique à la base ?

Quand j’ai vu le clip « Nookie » de Limp Bizkit, je suis devenu accro. J’avais besoin d’être dans un groupe. C’était ce qu’il y avait de plus cool au monde pour moi et ça l’est toujours. Avant, je ne faisais que bouger la tête au son de la musique, mais maintenant je bouge la tête ET je chante !

Vous avez sorti quelque chose de nouveaux tous les ans depuis 2009. Quels sont vos plans pour l’année prochaine ?

Au programme : onze titres, des riffs de basse bien gras (délivrés par Jesse F. Keeler) en veux-tu en voilà et un batteur multitâches qui donne également de la voix (l’impressionnant Sébastien Grainger). L’énergie, la maîtrise et le petit grain de folie de DFA1979 sont toujours au rendez-vous. Le duo ne fait pas dans la dentelle ; à bloc pendant un peu plus de 35 minutes, les deux musiciens nous rappellent qu’il n’est pas nécessaire d’être nombreux pour faire beaucoup de bruit. Dans la veine des jeunes Anglais de Royal Blood (pour la basse qui sonne comme une guitare) ou de Blood Red Shoes (pour le batteur/chanteur), le duo canadien ne s’encombre pas de petites fioritures ou autres effets sonores. Au contraire, il nous livre un rock bien lourd, sans pour autant s’enfermer dans un style ou manquer de créativité. Il donne à ses compositions des accents tantôt punk (le très agressif « Government Trash »), tantôt (légèrement) pop (« Crystal Ball » et ses synthés, le dansant « Trainwreck 1979 »). « White Is Red », unique pseudo-balade (« pseudo » parce que le refrain est quand même bien pêchu) de la galette, tombe à point nommé mi-album pour adoucir un peu l’affaire avant de laisser place à une seconde moitié d’album tout aussi intéressante et rythmée que la première. The Physical World se clôture de manière assez épique (solo de basse qui dépote en perspective) avec un titre éponyme de près de cinq minutes.

Les fans tout comme la presse l’avaient demandé, DFA1979 l’a fait. Le combo nous livre une performance épatante et nous montre par la même qu’il n’a rien perdu de son talent, le tout sans prétention et sans prise de tête. Le duo, qui a clamé haut et fort qu’il n’avait ressenti aucune pression pendant la création de ce deuxième effort, semble clairement s’éclater. Plus nuancé que son prédécesseur, The Physical World s’impose d’entrée de jeu comme l’album complètement fun qui va vous mettre la pêche en cette rentrée. Si vous êtes passé à côté du phénomène il y a 10 ans, c’est le moment de vous rattraper avec ce nouvel effort ravageur. En espérant que l’on n’ait pas à attendre une nouvelle décennie pour le prochain…

Et le moins que l’on puisse dire, c’est qu’ils ont su faire languir leurs fans… Après nous avoir mis l’eau à la bouche à la rentrée 2013 avec la sortie de l’un des premiers EP les plus prometteurs de ces dernières années, le combo avait prévu de dévoiler son premier effort début juin avant que la sortie ne soit finalement repoussée à septembre, soit trois (longs) mois plus tard. La cause ? Oh, juste une signature sur la major Columbia Records, également label de notre cher Bruce Springsteen (dont le combo a d’ailleurs fait la première partie) – la grande classe en somme. Bref, le décor est planté, il est temps d’entrer dans le vif du sujet.

Un son brut, sans fioritures, du rock, du vrai, le tout saupoudré d’une certaine finesse – voilà ce que le quintet a à nous offrir. Ce n’est d’ailleurs pas pour rien que le combo a décidé de reprendre avec brio le sublime « Streets Of Philadelphia » du Boss (eh oui, décidément !) lors d’une récente session live, puisant ses sonorités aux racines mêmes du genre. La sincérité de la démarche de ces Anglais ainsi que leur passion transparaissent aussi bien dans les paroles que dans les mélodies de leurs compositions. À une époque où la tendance est souvent aux effets électroniques en tout genre, c’est avec plaisir que l’on se plonge dans la découverte d’un univers plus épuré. On y découvre une identité forte nourrie par la technique et la sensibilité de chacun des cinq musiciens ; bref, une véritable empreinte musicale reconnaissable instantanément. La thématique commune à tous les titres ? Tout simplement celle de la vie, avec ses bons comme ses mauvais côtés, magnifiquement portée par la voix légèrement éraillée de David Jakes. Des notes planantes de son « Intro » jusqu’à celles de son « Outro » qui boucle l’aventure, la formation parvient à captiver son auditeur à la fois par sa puissance (« Island », « Black Saucers »)  et par sa douceur (« Dinosaur », « The Day’s War »).

En somme, Lonely The Brave est un groupe talentueux et centré sur son art. En attestent ses clips conceptuels qui n’ont jusque-là jamais mis en scène les cinq musiciens. Une humilité surprenante et appréciable pour une formation ayant bénéficié d’une reconnaissance si importante en si peu de temps. Un bon conseil : si vous êtes submergés par l’avalanche de nouvelles sorties de septembre et que vous ne savez plus où donner de la tête... quoi qu'il arrive, ne passez surtout pas à côté de ce phénomène !

Pour vos oreilles - "Backroads" : 

Ne tournons pas autour du pot trop longtemps, The Great Divide est une réussite. Les ingrédients qui avaient fait le succès de Free sont toujours là, mais le tout prend une nouvelle dimension. Les titres sont plus massifs, visiblement le résultat de trois années passées à fouler les scènes des plus grands festivals devant un parterre de fans conquis. Les quatre musiciens ont écrit la quasi-totalité de ce nouvel effort alors qu’ils étaient en tournée, ce qui se ressent immédiatement à l’écoute de cette deuxième galette clairement taillée pour le live. On imagine déjà les fans du combo s’époumoner lors de la prochaine tournée…

L’aventure commence en douceur avec le très touchant « The Ones That I Love ». Premier constat et bonne nouvelle pour les amateurs de ballades, la formation maîtrise toujours aussi bien le genre. En témoignent « Be A Kid », « Rest In Pieces » ou encore, le top du top des chansons qui font chialer, « Oceans ». Mais Twin Atlantic sait aussi faire péter les décibels. Le très efficace « Heart And Soul », deuxième piste de l’album, laisse place au très rythmé « Hold On » et à « Fall Into The Party » avec ses solos de guitare qui donnent un côté stadium rock à l’ensemble. La formation ne nous laisse pas en rade sur la deuxième partie de l’album avec l’énergique « I Am An Animal » ou encore « Cell Mate » et son petit côté Muse (quand le groupe faisait encore du rock, cela va sans dire). En bref, un album bien dosé où temps calmes et riffs endiablés se succèdent dans la plus grande fluidité.

Avec ce nouvel album rock très accessible et varié, le quatuor nous montre qu’il a pris de l’ampleur et est véritablement prêt à jouer dans la cour des grands. Sans pour autant déboussoler qui que ce soit (bien au contraire), Twin Atlantic a su évoluer tout naturellement vers un son plus ambitieux. Le charmant accent de McTrusty apporte toujours autant de relief à l’ensemble. La section rythmique est efficace et les riffs de guitare, très inspirés, donnent une véritable dynamique aux compositions. Étape du deuxième album réussie : il ne faudra plus attendre très longtemps avant que Twin Atlantic ne soit au moins aussi connu que ses aînés cités en début de chronique.

Pour vos oreilles - "Brothers and Sisters" :

Il faut savoir que Royal Blood, version British et moins déjantée de Death From Above 1979, fait partie de cette petite famille de duos qui parviennent à faire un maximum de bruit avec un minimum de moyens. Si bien qu’on pourrait croire qu’un guitariste additionnel s’est caché quelque part dans un coin du studio d’enregistrement. Et pourtant, les performances live du combo sont là pour le prouver : le fait de n’être que deux ne représente en rien un obstacle pour balancer du gros son. Avec des riffs et des intonations qui ne sont pas sans rappeler les White Stripes ou Queens Of The Stone Age, le duo semble puiser son inspiration chez les plus grands. La section rythmique est au top, le son est massif et chaque titre apporte une nouvelle mélodie imparable. Si l’ensemble peut paraître légèrement (un tout petit peu parfois) redondant, l’album est un véritable régal pour les oreilles de tout fan de rock qui se respecte.

Dix titres, trente minutes et une énergie qui ne retombe absolument jamais. Rien n’est à jeter, c’est aussi simple que ça. À ceux qui se posent des questions quant à l’avenir du rock : rassurez-vous, il est entre de bonnes mains. Bientôt, vous entendrez parler de Royal Blood absolument partout, autant vous y mettre dès maintenant.

Pour vos oreilles - "Figure It Out" :

Dès les premières notes de « The War Is On », le ton est donné : un mélange agréable et maîtrisé de post-hardcore et de rock mainstream. Avec sa production soignée et ses sonorités travaillées, le titre s’impose dès lors comme un véritable tube. La bonne nouvelle, c’est que c’est loin d’être le seul titre de cet acabit présent sur l’album. En effet, il est difficile quand on est fan du genre de ne pas être séduit par des titres incroyablement pêchus comme « Evolve » ou « Aware And Awake ». Comme à son habitude, Masato, qui officie au chant, s’exprime en anglais, réglant ainsi d’emblée le problème de la barrière de la langue qui aurait pu en rebuter plus d’un. L’alternance entre chant crié et chant clair est exécutée à la perfection. De légères petites touches électro sont également de la partie ci et là, rapprochant en ce sens coldrain de la plupart de ses homologues japonais; à ce titre, l’intro de « March On » est particulière savoureuse. L’ensemble se veut carré et réalisé avec habileté. Rien de bien original certes, mais une énergie et un talent indéniables dans un style où on peut rapidement tomber dans la pale imitation, voire la caricature. Le combo a des années d’expérience derrière lui et ça se voit ! De toute évidence, les Japonais ont bien fait d’attendre un peu avant de frapper le reste du monde de plein fouet avec un album plus propre et plus mature que ses prédécesseurs (qui étaient déjà très prometteurs).

Ce qui est étonnant avec The Revelation, c’est que le quintet, loin d’offrir quelque chose de révolutionnaire, parvient tout de même à captiver dès la première écoute – la petite touche exotique made in Japan peut-être ? En tout cas, il se pourrait bien que ce troisième opus soit en effet celui de la révélation pour coldrain. Les influences des cinq musiciens, clairement puisées auprès des grands noms de la scène rock US, séduiront les plus réfractaires à la culture musicale nippone, tant le groupe est aux antipodes d’ovnis folkloriques tels BabyMetal qui a aussi récemment fait des débuts remarqués sur le Vieux Continent. Véritable pilier de la scène rock japonaise, il se pourrait bien que la formation connaisse un succès comparable à celui de ses camarades de Crossfaith, voire de ses aînés de Bullet My Valentine qui lui ont offert sa toute première venue en Europe au début de l’année. Coldrain nous démontre que le rock japonais, qui s’exporte plutôt bien depuis maintenant quelques années, a encore de belles surprises à nous offrir.

Pour vos oreilles - "The War Is On" :

PS : Et vous préférez écrire des concept albums ou des albums plus standards où les titres sont indépendants ?

Paul (batterie) : Je pense que ce sont deux processus bien différents. Quand tu travailles sur un concept album, il y a des thèmes auxquels tu te raccroches tout le temps, alors que quand tu travailles sur un album normal, tu n’as pas ce genre de restrictions, tu es plus libre de faire ce que tu veux. Je pense donc qu’il est bon pour nous d’alterner entre les deux car cela apporte davantage d’originalité à ce que nous faisons et change vraiment notre manière de penser. Shane : C’est vrai, quand nous avons sorti A Shipwreck In The Sand, nous étions très fiers et satisfaits du résultat mais en fin de compte, cet album contient différentes idées même si ça reste malgré tout une seule histoire, un seul concept. Quand nous avons écrit Rescue, c’était presque comme s’il y avait 12 concepts. Donc en fait, tu peux rester original même s’il ne s’agit pas d’un concept album, voire plus original.

PS : Paul Marc, votre nouveau guitariste, chante sur un morceau du nouvel album. Pourquoi a-t-il décidé de chanter sur ce titre en particulier ?

Shane : Cela s’est passé d’une manière assez intéressante en fait. Nous venions juste de décider qu’il allait nous rejoindre dans le groupe. Nous avions jammé avec lui quelques fois et il jouait ces accords. Alors je lui ai dit que j’aimais beaucoup ces accords-là et lui ai demandé ce que c’était, il m’a répondu que c’était juste un morceau qu’il avait écrit comme ça. J’ai donc voulu savoir s’il avait écrit des paroles et il a chanté le morceau devant moi. Quand je lui ai dit que nous devrions l’utiliser parce que je trouvais ça bon, il m’a demandé comment je comptais le chanter et je lui ai répondu : « non, je ne vais pas le chanter, tu vas le chanter ». Au début, j’étais vraiment convaincu par l’idée mais Paul Marc était un peu hésitant je pense. Nous ne voulions pas que le fait de faire chanter une autre personne en plein milieu de l’album paraisse étrange, étant donné que nous n’avions jamais fait ça auparavant. Mais je pense qu’étant donné ce que nous essayions de dire et vu la manière dont l’album a été écrit, le résultat est vraiment cool.

PS : Et pensez-vous que c’est quelque chose qui va se reproduire sur le prochain album par exemple ?

Shane : Je pense que c’est possible, je suis sûr qu’il posera sa voix sur le prochain album pour faire des harmonies et des chœurs – ce qu’il n’a pas fait sur le dernier album, c’était principalement moi qui m’en occupait. Mais maintenant que nous avons tourné ensemble, je pense que nous sommes plus à l’aise avec ce système de chants. Paul : Ce que Paul Marc a fait sur cette chanson est unique car elle avait vraiment sa place dans le concept de l’album. Mais s’il s’était agi d’un album normal, peut-être que ce morceau aurait semblé un peu étrange et aurait fait figure d’intrus. Mais étant donnée la structure de l’album, ça a apporté un véritable plus à l’ensemble.

PS : Parlons maintenant de l’artwork de This Is How The Wind Shifts. A-t-il une signification particulière ?

Shane : Nous ne souhaitons pas forcément être trop littéraux quant à notre travail. L’artwork de l’album Rescue représente un oiseau que l’on peut associer au titre, mais ce n’est pas non plus totalement évident. Nous avons toujours essayé d’avoir des artworks d’albums qui avaient un lien avec le titre, sans pour autant être trop explicites. Avec cet album, nous ne voulions pas non plus quelque chose de trop banal en rapport avec le vent (ndlr : « wind » en anglais). Je ne sais pas pourquoi mais lorsque notre artiste a peint cet artwork, nous avons immédiatement décelé une certaine ambiance avec cette énorme créature dans la nature. C’est un environnement qui nous donne l’impression de ressentir les éléments, que ce soit le soleil qui tape, le vent qui souffle sur ton visage, la poussière qui s’envole… Quand je m’imagine dans cet environnement, c’est le cadre parfait. Nous avons donc pensé que cet artwork déclenchait tout à fait les réactions que nous recherchions. Paul : Nous sommes vraiment attachés aux titres, aux paroles et à la musique, et l’artiste qui réalise nos artworks les interprète toujours d’une manière bien particulière, ce qui est vraiment très intéressant.

PS : Silverstein existe depuis presque 15 ans. Quel est selon vous l’ingrédient secret pour durer ? Pourquoi pensez-vous que ça marche si bien pour vous ?

Paul : Je pense que l’on met beaucoup d’énergie dans ce que l’on fait et les fans semblent l’apprécier. S’ils ne nous rendaient pas tout ce qu’on leur donne, ça ne fonctionnerait pas. Je pense que nous sommes très chanceux d’avoir pu instaurer ce soutien mutuel. Nous essayons aussi de rester actifs, nous ne retardons pas la sortie de nouvelles compositions ou l’organisation de tournées. C’est un processus continu. Shane : Nous avons toujours planifié ce que nous allions faire par la suite. Nous ne nous sommes jamais dit : « c’est notre dernière tournée et nous ne savons pas quand nous allons repartir », il n’y a jamais eu ce genre d’incertitudes au sein du groupe. Nous n’avons pas cessé de travailler pendant presque 15 ans et je pense que c’est un élément important. De plus, nous nous entendons vraiment bien, nous ne nous prenons pas trop au sérieux et nous nous amusons bien.

PS : Shane, j’ai vu Silverstein pour la première fois lors de votre dernier passage à Paris et j’ai été agréablement surprise par la qualité de ta voix. Est-ce que tu as des techniques particulières pour en prendre soin ?

Shane : Non pas vraiment, je bois beaucoup d’eau, je m’échauffe un peu avant de rentrer sur scène… mais je ne suis pas comme certains gars qui font beaucoup d’échauffements, qui boivent du thé avec du miel ou autre. Je sais que je ne serai pas parfait à chaque fois, mais j’essaie de faire de mon mieux.

PS : Vous avez fait pas mal de reprises tout au long de votre carrière, notamment pour Punk Goes Pop ou pour votre mini-album Short Songs. Que préférez-vous : reprendre une chanson pop et essayer de vous l’approprier ou reprendre un groupe qui a influencé Silverstein ?

Paul : Il s’agit vraiment de deux exercices différents. Quand nous reprenons une chanson pop, nous faisons vraiment exprès de l’adapter et d’y ajouter notre propre style, alors que les titres punk, nous les reprenons de manière presque littérale, nous ne les changeons pas vraiment car ce n’est pas l’objectif. C’est pour ça que c’est peut-être plus amusant de prendre un titre de Kanye West et d’en faire quelque chose de complètement différent comme nous l’avons fait dernièrement. Shane : Il est clair que l’aspect créatif est davantage mis en avant dans ce cas-là. Alors que dans l’autre cas, tu vas rejouer le morceau à l’identique et la seule raison pour laquelle il sonnera comme Silverstein, c’est parce que c’est nous qui le jouons. C’est vrai qu’il s’agit vraiment de deux exercices différents et quand je réécoute les reprises, je pense que je préfère les titres punk car il est question de mes groupes préférés. Il y a un aspect novateur avec les reprises sur Punk Goes Pop, parfois c’est un peu limite mais c’est aussi vraiment amusant à faire.

PS : Est-ce qu’il y a des groupes que vous avez écoutés ces derniers temps et que vous souhaiteriez nous recommander ?

Shane : Il y a ce nouveau groupe qui s’appelle My Iron Lung que Paul adore, ils vont très bientôt sortir un nouvel album sur Pure Noise (ndlr : l’album est sorti le 8/07). Il y a aussi Beartooth qui se porte plutôt bien en ce moment. Et bien sûr, le nouvel album de Masked Intruder.

PS : Est-ce qu’il y a des groupes ou des artistes que vous aimez qui peuvent paraître surprenants vu le style de musique que vous faites au sein de Silverstein ?

Shane : À peu près tout ce que Paul aime (rires). Je n’ai jamais entendu parlé de la moitié des groupes qu’il écoute. Paul : J’aime bien la musique électronique française, Ed Banger… Shane : Voilà par exemple je n’ai jamais entendu parlé de ça. C’est un mec ? Paul : Non c’est un label, le label de Justice notamment. Il n’est pas sur ce label, mais j’aime beaucoup Kavinsky aussi.

PS : Il y a quelques jours vous avez joué en Irlande pour la toute première fois. Qu’est-ce que vous n’avez pas encore accompli en tant que groupe mais que vous adoreriez faire ?

Paul : Il y a beaucoup d’endroits où nous aimerions jouer et où nous ne sommes encore jamais allés. Nous voulons aller en Inde, en Chine… Shane : En Afrique. Paul : Oui, ce qui est bien avec la musique, c’est qu’elle peut te permettre de voyager. Nous avons la chance de pouvoir aller dans des endroits où les gens veulent vraiment qu’on joue, mais aussi des endroits où nous voulons vraiment aller qui deviendront un jour, je l’espère, des endroits où les gens veulent vraiment nous voir jouer.

PS : L’année prochaine, votre album Discovering The Waterfront fêtera ses 10 ans. Est-ce que vous avez prévu de célébrer ça d’une manière particulière ?

Shane : Nous ferons probablement quelque chose. Quand When Broken Is Easily Fixed a fêté ses 10 ans, nous avons décidé de réenregistrer un de nos titres, alors nous sommes allés en studio et avons enregistré « Smashed Into Pieces » comme une sorte de remerciement aux fans et c’était vraiment sympa et amusant, sans pour autant être absolument fou. Mais notre album Discovering The Waterfront est celui qui a eu le plus de succès donc nous allons bien entendu en discuter et essayer de faire quelque chose de sympa pour nos fans, et pour nous je l’espère.

PS : This Is How The Wind Shifts est sorti il y a presque un an et demi. Est-ce que vous avez déjà commencé à travailler sur le nouvel album ?

Shane : Non pas encore. Juste après cette tournée, nous allons retourner dans la cave de Paul pour jammer un peu. Nous avons déjà quelques nouveaux riffs sur lesquels nous allons travailler pour en faire des chansons. Nous espérons finir l’album d’ici la fin de l’année et le sortir l’année prochaine.

PS : Shane, la dernière fois que le groupe a joué en France, tu t’es excusé de ne pas pouvoir parler français et as affirmé que tu allais apprendre pour la fois suivante. Est-ce que tu vas faire tout le concert en français ce soir ?

Shane : (rires) Oui oui (ndlr : en français) ! Je me souviens en avoir parlé il y a de ça une semaine et non, je pense que ça ne va pas être possible… Peut-être que je sortirai quelques petites phrases d’accroche en français que j’ai surement dû apprendre de travers. Mais oui, la prochaine fois peut-être !

PS : Vous avez quelque chose à ajouter ?

Le ton est donné dès le morceau d’ouverture, « Make You Proud » : le quatuor n’a rien perdu de son mordant. Pour autant, on remarque une certaine évolution dans le style. Si les précédents EP s’aventuraient plutôt sur un terrain alt rock, ici les sonorités punk rock se font plus présentes avec des rythmiques caractéristiques du style, mais aussi une voix plus éraillée et des gang vocals davantage mis en valeur. Un son somme toute plutôt classique et grand public mais résolument accrocheur et énergique. On apprécie également la capacité du combo à proposer des pistes un peu plus calmes comme avec « We’re Not Giving Up » qui clôt l’album en douceur.

Sans pour autant complètement bousculer ses habitudes, Boy Jumps Ship nous montre qu’il a évolué. L’identité de la formation semble s’affirmer davantage avec ce Lovers & Fighters qui reçoit déjà les louanges des grands noms de la presse anglaise. Une chose est sure, on espère que ce nouvel EP permettra au quatuor de mettre les pieds dans le grand bain et de s’atteler enfin à l’écriture d’un premier LP. Cela ne fait désormais aucun doute : le combo possède les capacités et les atouts suffisants pour relever le défi…

Pour vos oreilles - "Still Alive" : 

Le voyage commence en douceur avec « Whimpering Child ». La ressemblance, plutôt flatteuse, avec Radiohead s’impose immédiatement. Ce n’est qu’avec « Like A Kid », quatrième piste de l’album, que le combo nous montre une facette bien plus rock. On y retrouve un riff de guitare et une puissance vocale qui ne sont pas sans rappeler par moments Arctic Monkeys. Un aparté bien rock surprenant et réussi, en décalage avec le reste de l’album, qui s’impose, avec le plus sombre « Soldiers », comme l’un des points marquants de Rookie. La guitare acoustique est l’élément central de l’album, qu’elle apaise – c’est le cas sur la plupart des compositions – ou qu’elle stimule comme sur les très folk « Six Months In A Cast » et « Glue ».

The Trouble With Templeton nous offre ici un album chaleureux, doux et reposant, que l’on prend plaisir à savourer. Désormais accompagné de musiciens, Calder, qui avait déjà sorti un premier mini-album solo acoustique en 2011 (Bleeders), parvient à donner une autre dimension à ses créations. Les compositions nous laissent percevoir un grand sens du détail ainsi qu’une émotion omniprésente. Si les Australiens ne révolutionnent pas le genre avec des clins d’œil évidents à leurs aînés, ils parviennent néanmoins à proposer un premier album étonnant de maîtrise.

Pour vos oreilles - "Soldiers" :

Les hostilités démarrent en douceur avec « Wolfpact », une courte intro dont les sonorités électro laissent rapidement place aux gros riffs de guitare et autres gang vocals : une belle mise en jambes. On enchaîne rapidement sur « Friendship Never Ends », sorte d’hymne à l’amitié bien ficelée et plutôt pêchue. L’énergie ne baissera pas d’un cran jusqu’à la piste de clôture, une sympathique interprétation acoustique du single susmentionné. Des mélodies accrocheuses, des changements rythmiques intéressants et un enthousiasme omniprésent émanent de ce premier effort.

Pour autant, le pop punk hardcore de We Fall As One, avec ses alternances entre chant clair et chant crié, n’offre rien de bien novateur. En effet, il paraît plutôt difficile de ne pas penser à A Day To Remember ou aux autres Frenchies de Chunk! No, Captain Chunk! à l’écoute des compositions du jeune quatuor. Qu’importe après tout, ce premier EP très rafraîchissant remplit tout à fait son contrat : filer la pêche à quiconque prendra le temps d’y jeter une oreille. Les Parisiens, qui ont le mérite de développer un style encore peu représenté en France, auront tout le loisir de peaufiner leur identité ces prochaines années. Pour l’heure, ces 4 titres, taillés pour le live, pourraient bien faire partie de la bande-son de votre été.

Pour vos oreilles - "Friendships Never End" :

Il semble bien loin le temps où les quatre musiciens s’agitaient sur des titres plus ou moins violents avec leur panoplie gothique à base de vêtements noirs et d’eyeliners. Débarrassés de leurs accoutrements, les Anglais de Fort Hope sont en rupture nette avec le passé. Courage nous offre un son plus pur, dénué de tout artifice électronique. L’émotion est palpable et ce, dès les premières secondes du titre d’ouverture « We Are The Gods (Heritage) ». La maîtrise vocale de Jonathan est évidente, sublimée par des violons et quelques notes de piano. En effet, le chanteur, trop souvent relayé au rang de simple choriste lorsqu’il officiait pour My Passion, est étonnant de justesse et de facilité, et parvient ainsi à transmettre ses émotions directement au creux de notre oreille. Le combo joue sur un registre rock teinté de pop et n’hésite pas à alterner entre riffs acérés et piano d’une composition à l’autre, et même parfois à mélanger les deux. « Control » s’impose alors facilement comme le titre le plus rock de l’album, écrasant ses semblables niveau décibels. Sa qualité remarquable nous fait indéniablement regretter l’absence d’autres titres du même acabit sur ce premier effort. On s’ennuie même un peu à l’écoute de « Earthquake », balade plutôt simpliste qui tire un peu trop vers le mélo.

Si certains titres manquent quelque peu d’originalité pour véritablement sortir du lot, Courage s’impose comme un album très prometteur. Avec ce premier essai réussi, il semblerait que le combo ait véritablement toutes les cartes en main pour séduire un large public : des mélodies accrocheuses, une voix à tomber par terre et une production irréprochable. On en viendrait presque à trouver le tout trop carré. Tout en conservant ce style pop-rock fédérateur dans lequel il excelle, Fort Hope gagnerait peut-être à s’inspirer du grain de folie et de l’originalité qui caractérisaient My Passion. Pour l’heure, le quatuor signe un premier album addictif, agrémenté qui plus est de trois magnifiques réinterprétations acoustiques. Définitivement un groupe à suivre…

Pour vos oreilles - "The Rapture" :

Au fil des quinze titres qui composent l’album (les 10 déjà présents sur les deux EPs ainsi que cinq compositions inédites), le combo nous offre une musique électro teintée de rock, le tout bercé par la voix pleine d’intensité de Moreno. Les sonorités sont variées et intéressantes, et transportent en un claquement de doigt l’auditeur dans différents univers en prenant soin de ne pas le déboussoler pour autant. Ballades reposantes (“†rophy”, “nine†een nine†y four”) et pistes plus énergiques (“†his Is A †rick”, “bi†ches brew”) se marient parfaitement, créant un tout cohérent et une atmosphère captivante. Il est vrai que certaines compositions, au rythme particulièrement lent, peuvent donner une impression de longueur – un insignifiant détail devant la qualité globale de l’album.

En bref, les trois comparses de ††† nous livrent ici un disque original aux compositions entêtantes, une petite pépite qui promet de devenir un incontournable. Avec ce premier essai largement réussi, Lopez et Moreno, véritables figures du métal alternatif, démontrent qu’ils ont plus d’une corde à leur arc.

Pour vos oreilles - "Bitches Brew" :