Toiles de fond

[Chrocus - Chronique culturelle] Contextualisons : je maîtrise mieux la cuisson du chou-fleur que la danse contemporaine, ses chorégraphes de talent et le programme de Chaillot Danse.

Est-ce que ça doit m’empêcher d’écrire sur le spectacle d’Hofesh Shechter, ironiquement intitulé “Contemporary danse 2.0” ? Pourquoi “ironiquement” ? Eh bien ça, j’ai pas compris, j’ai lu quelques critiques et le petit livret de la pièce qui insiste sur l’ironie du titre. Pour moi, il était OK, un peu vaste et puis 2.0, plus personne dit ça mais OK quand même. 

Bref, nous étions au deuxième rang, mon +1 avait le rideau de la scène devant les yeux, même une fois ouvert, et son oreille gauche était directement reliée à l’enceinte. Très très fortes les trois enceintes. Bien installés comme à l’accoutumée. 

Ensuite, c’est la claque. Une sorte de black-out ultra appréciable. Il y a plusieurs parties, des passages au noir durant lesquels la scène est vide et pourtant personne dans le public n’a l’idée de changer de position tant la tension des corps est permanente. Ils sont sept ou huit avec des gestuelles très différentes, voire pas très académiques pour la danse, en tout cas de l’idée rigide que l’on s’en fait. 

Pas un seul décor et pourtant plusieurs fois, je me suis dit que c’était “bouquet final sur bouquet final”, les danseurs n’ont quasiment pas une minute de répit, mon œil de novice est ébahi par leurs placements, leur synchronisation, leur capacité à danser ensemble, puis à se détacher du groupe, reprendre en binôme. Pourtant, ils n’ont pas tous le même niveau, ça ne tient à rien, certains sont simplement touchés par la grâce du mouvement. Notre regard s’accroche à une gestuelle, en repère une autre puis en laisse une un peu de côté. Si quelque uns sont mis en avant, personne n’est délibérément positionné en arrière ligne. On apprendra plus tard que ce sont de jeunes interprètes et font partie de la compagnie Shechter II avec encore des années devant eux pour explorer leur art transcendantal. 

Parce qu’aussi fou que cela puisse être, c’est transcendant de regarder quelqu’un maîtriser et sortir autant de son corps. Ça coupe le souffle pendant une heure, c’est éblouissant de beauté ces mouvements qui demandent des heures d’entraînement et ces minuscules gestes que l’on pourrait reproduire nous-mêmes en boîte de nuit (du temps où…). Être tétanisée par ces humains extatiques : la danse livre des émotions de spectateurs peu banales. Quand le rideau se ferme, après un tableau final éclatant où je vois la drôlerie et le décalage mais encore une fois pas tellement l’ironie, nous, les petites silhouettes, on ne sait plus quoi faire de notre corps alors mécaniquement on a été beaucoup à bondir de notre siège pour applaudir debout, à se mettre en ordre de bataille pour les acclamer unanimement. La troupe a salué en dansant. Ensuite, ils sont allés manger des frites et boire du vin au bar de l’Espace 1789. Les danseurs ont réintégré leurs formes molles et mécaniques. Personne n’a fait un entrechat en mettant son manteau pour aller fumer par exemple.

(C) Frootch - Paradiso. Chronique d'un podcast pour changer !

Podcast - 3 saisons 2019/2022 - Spotify

Alors, tomber sur Frootch quand tu as du taf, c’est chiant.

1 épisode, 2,4… Allez j’ai fini la saison 1… et l’intro de mon article de cinq pages pour demain. 

Très pénible pour ma productivité et encore une démo parfaite de l’art de procrastiner mais du miel pour mes oreilles. 

Est-ce si agréable que ça (et pas un peu crado comme expression ?) d’avoir du miel dans ses oreilles ? Eh bien écouter le podcast de Sarah Treille-Stefani revient à se poser la question sauf qu’on en redemande jusqu’à ce que la jauge de la gêne - sa marque de fabrique - soit pleine pour quelques jours. 

C’est vraiment bien ? Oui. 

Est-ce qu’on passe un bon moment ? Pas toujours…

Elle pique au vif et c’est là son talent. Tu passes pas mal de secondes figée par ce qu’elle raconte, la main sur la bouche comme quand tu te rends compte que demain c’est férié, tes gosses n’ont pas école et ton article à rendre pour hier a avancé d’un point virgule.

Frootch, c’est l’histoire d’une meuf apprentie comédienne qui se prend des bâches à tous les niveaux et qui fait le choix délibéré de le raconter, certes derrière un micro mais sans filtre.. Si ce n’est celui de la fiction. De ce point de vue-là, la série est très bien réalisée, écrite, improvisée… et même vécue puisque la comédienne ne se cache pas de partir de situations réelles pour créer les épisodes. 

Et qui ne s’est jamais rêvé petite souris embarquée dans la vie des autres ? Stéphanie Streille ou bien Treille Sarah-Stéphanie (ce nom composé est source de confusion, comme un obstacle de plus à tout le poids pesant de sa timidité et de son hypersensibilité) nous propose cette expérience inédite et c’est franchement réussi. Parce que figurez-vous que ce n’est pas si confortable que ça de se balader dans le sac à main d’une personne à qui il arrive quelques moments cocasses et beaucoup d’emmerdes. 

Ca frôle même un peu la torture de temps en temps… “Mais ohlala, elle est foooolle de lui dire ça aussi !!”, “Oh naaan, le mec est pas poss de répondre un truc pareil”, “Sérieusement, comment tu peux te faire traiter autant comme une sous-merde par un autre être humain ?”.

Bah calme-toi hein petit auditeur-voyeur, c’est un peu vrai mais pas trop et c’est tout le double-jeu de l’auto-fiction. Les acteurs jouent leur propre rôle dans la vie, la sœur de Sarah est créditée comme telle, Jérôme Niel est bien Jérôme Niel, Marc Tourneboeuf (très très hilarant) aussi et ainsi de suite. Mais est-ce que Marie Treille-Stefani est-elle bien maquée à Camille Combal dans la vraie vie ? Tu t’apprêtes à checker sur Google avant de te ressaisir pour te laisser aller et savourer ces trois saisons très maîtrisées où Sarah s’affirme maladroitement, s'emmêle sérieusement les pinceaux, ose et finit par éclore avec fracas et beaucoup de tendresse. 

Mention spéciale à la direction d’acteurs (dont elle est manifestement la principale garante) et à la façon dont elle balade aussi ses auditeurs. Planquée derrière son micro, nous dans sa poche, elle nous balance régulièrement la balle de la vulnérabilité. Ses pérégrinations nous renvoient à nos petites hontes du quotidien et nous aident à mieux les digérer. C’est très bien joué de sa part de ne pas vouloir être la seule à bosser sur elle-même. Élue meilleure fiction par le Paris Podcast Festival 2021 et sans doute meilleur exercice de catharsis par tous les auditeurs ! 

Affiche "Un soir de gala" - A croire qu'on va plus au spectacle qu'au ciné sur ce blog en ce moment...

Saut de l’ange pour Vincent Dedienne

En sortant du spectacle de Vincent Dedienne, j’ai (un peu) pleuré mais j’ai surtout adoré ! Ça m'est déjà arrivé d’être émue par le spectacle vivant mais bon quand même à la fin d’un one man show…

Pourtant, ce spectacle n’a pas très bien commencé. J’ai regardé nos places et je me suis dit qu’on était super bien placés, orchestre, rang D. D comme Devant. Puis, l’ouvreur nous a placés touuut au bout du rang si bien qu’on voyait un mur (avec des dorures. D comme Dorures, cqfd). J’avais trouvé une position confortable quand un mec s’est pointé à 20h28. Le front qui perle, la journée de taf dans les pattes, le t-shirt qu’il secoue pour se donner un peu d’air. Et là, l’odeur, l’horreur. Le mec puait la transpi (et aussi les pieds mais c’est venu dans un second temps). Au point que j’ai regretté de ne pas avoir un FFP2 sur moi comme au bon vieux temps. Ah sublime, le mec repère des potes dans la salle. COU-COU. Mais COUCOU je te dis, tu me vois pas, attends, je te fais des signes. Oh pétard, il se met debout ET lève les bras, synchronisation des odeurs. Mais au secouuuurs quoi. Sa meuf ne dit rien ? L’anosmie, ce bonheur.

Allez ça commence. Pas de sketch en vue dans lequel Dedienne va vaporiser un coup de Febreze. Le mec est volubile. Un petit bisou dans le cou de madame, un petit mimi tête contre tête. Je suis au 5e rang, c’est comme si j’étais devant un poteau mouvant. Rude épreuve pour mes nerfs, en revanche, grosse prise de confiance sur mes capacités apnéiques. 

Et le mec ne comprend pas les blagues de Dedienne. “C’est celui qui dit qui y’est qui dit qui y’est, comme il l’a dit bah y est qui dit qui y’est”, marre-toi, non ? Bon bref, le spectacle a commencé depuis 15 min. Enfin, ça y’est-qui-dit-qui-y’est, je finis par me glisser dedans. 

Si Dedienne n’est toujours pas à poil à ce stade du spectacle, il ne le sera pas. Et oui, je le sais parce qu’on était dans les premiers à être allés le voir au Café de la danse. Et donc Dedienne quand il se présente, il ne triche pas. 

Ça commence doucement, gaiement, ce n’est pas fulgurant au début (enfin c’est pas comme une bande annonce bourrée des meilleures blagues). C’est marrant, je dirais qu'il n'ose pas faire son premier sketch. Ce n’est pas exactement le même exercice que sur son premier spectacle qui était comme une autobiographie rigolote mais sortie à 25 ans. Ça m’avait interrogée d’ailleurs. Mais pourquoi ne pas faire des auto-biographies fragmentées après tout ! Celle que l’on ferait avant de quitter le royaume de l’enfance serait de loin la plus précieuse. Et puis le rythme s’installe, la grâce prend. On retrouve le langage désuet (on s’enquiquine et c’est fastoche), les sketchs sont drôles mais je m’installe vraiment dans le spectacle au moment des transitions, là où l’écriture est la plus ciselée, la plus émouvante. On ne saute plus des rochers quand on grandit parce qu’à 50 ans on a peur de mourir (et puis on a sa montre) mais à 25, on a peur de ne pas assez vivre si on ne saute pas. Voilà, son regard aide à observer le monde avec plus de malice et de légèreté. Vivre fort mais juste comme ça, l’air de rien.

À la fin, après avoir dansé parce qu’il commence toujours à danser quand la fête se termine, une fois qu’on a bien applaudi, un mec derrière moi dit en baillant : « baaaah c’était sympa nan ? ». Bah voui, un petit spectacle sans prétention quoi. Moi là, je ravale mes larmes, je secoue mon menton pour qu’il arrête de trembler. Je suis un peu bouleversée par tant de légèreté, de mélancolie heureuse, de « chagreur » en fait, un mot de son invention pour dire qu’on passe notre vie entre le spleen de l’enfance perdue et l’appréhension de vieillir parce que trop grandir, ça revient à mourir si j’ai bien compris.

(c) Alban Teurlai

Documentaire - Sortie 2022

Thierry Demaizières ? Mais c’est le mec qui faisait les interviews intimistes le dimanche dans Sept à huit, l’émission d’Harry Roselmack ? Oui oui, c’est bien lui.

Pour le lycée Turgot ? Hip hip hop

Depuis, il a signé - avec Alban Teurlai - deux autres documentaires sur la danse (La Relève + la série Move sur Netflix), Allons Enfants est son 3e qu’il consacre, cette fois, à un projet hors norme. Lui et son équipe plantent leur caméra au lycée Turgot, dans le 3e arrondissement de Paris, dont le proviseur a choisi de désectoriser l’établissement pour accueillir des “jeunes de banlieue” dans une classe de section d’excellence hip-hop. 

Projetés dès les premières minutes dans les round de sélection (et dans le casting finalement) pour intégrer le lycée, on comprend très vite l’originalité, les difficultés et les enjeux d’un tel dispositif. 

“Sur toute une classe, on est 4 noirs, j’ai jamais vu ça. Que.Des.Babtous.”, Ah tiens, il semblerait qu’on capte un autre point de vue que d’ordinaire. 

En clair, pas de bonnes notes, pas de danse, martèle le proviseur Barrand à la réunion de rentrée. “On ne lâchera rien mais on ne lâchera personne non plus”. Word. Je passe sur l’équipe enseignante, forcément hors du commun et d’une rare finesse d’esprit pour tenir, année après année, un défi pareil.  

Au bout de quelques minutes, le décor est posé, on tient là un formidable sujet qui remplit toutes les cases du bingo de l’école de la République avec une promotion assurée par le service public (Léa Salamé a a-do-ré, évidemment, trop chiant) . L’exercice est périlleux, le film, lui, est magnifique. Sans doute parce qu’il n’y a rien de plus apaisant que de regarder quelqu’un danser. 

Le sentiment de liberté qui se dégage des images pulvérise tout sur son passage. Ils dansent toutes et tous comme des petits personnages qui tournent sur le manège des boîtes à musique dont la plupart d'entre eux n’ont pas eu le loisir de s’ennuyer devant. Tant qu’il y aura de la musique, ils danseront sur eux-mêmes, virevolteront avec agilité, formeront les lignes d’une grâce infinie. 

Quand l'ado danse

Ils n’en sont pas tous conscients mais leur talent leur donne une grande épaisseur.  “Je sais pas trop qui je suis encore mais je sais que je ne suis pas vide”. Peu nombreux sont les ados qui grandissent avec cette conviction chevillée au cœur et cette petite flamme intérieure qui fait briller leurs âmes.

S’ils traînent, tous, les valises plus ou moins lourdes d’un passé souvent chaotique, la danse et les enseignants leur donnent les moyens de se rencontrer et la chance, si jeune, de ne pas passer à côté d’eux-mêmes. Certains la mesurent, d’autres pas, toujours rattrapés par des profs qui savent tenir une conversation vérité. Ces images sont précieuses tant pour les souvenirs des adultes, soulagés de s’être construits bon gré mal gré que pour les jeunes spectateurs actuellement dans les affres de cette période ingrate et tumultueuse. 

Ils ne sont que huit à être filmés en première ligne mais beaucoup de visages gravitent autour d’eux. On devine la force du portraitiste Demaizières qui a réussi à faire qu’ils nous intéressent, nous attendrissent et nous ennuient tous, un par un. Aucun ne prend la lumière plus qu’un autre, pas de course au plus charismatique. Ils ont tous l’art de la formule, les timides, les bosseurs et les affranchis du système scolaire. 

Seule ombre à ce tableau d’excellence : où sont les élèves de Turgot (1 400 au total) qui ne dansent pas ? On voit bien passer une silhouette en ballerines et marinière qui semble correspondre au profil de la babtou de base mais on ne sait pas ce qu’ils en pensent, s’ils les admirent, s’ils arrivent à se parler et à créer des affinités. Doit-on comprendre qu’il n’y avait pas assez de ponts entre eux pour y raconter une histoire dans l’histoire ? Si les objectifs de mixité de ce projet qui existe depuis 2014 sont parfaitement tenus, ceux de l’inclusion sociale et culturelle manquent à l’appel (ou sont passés sous silence dans le documentaire). 

Cette constatation ne vient en aucun cas ternir le plaisir que l’on a à suivre cette bande. Leur fraîcheur n’est en rien légère et leur énergie devrait être le combustible d’une époque qui se cherche, au crépuscule d’un modèle éculé et au pied de ce fameux “nouveau monde” qui tarde à voir le jour. Un peu comme cette adolescence qui chasse brutalement l’enfance pour faire écrire à cette même petite main tremblante les premières lignes de son récit de grande personne. Avec plus ou moins de fracas et de ratures.

Passation définitive, terminus pour Théo. Pluie d’amour sur ce film. © Pupille

Vous cherchiez le site de la critique ciné sur le monosujet de la parentalité ? Bienvenue.

Certes, mes choix de films sont orientés mais il est quand même beaucoup question d’enfants, de maternité et surtout de paternité dans le paysage 2018 du ciné français ? Nos Batailles, Amanda, Gueule d’Ange, la série Ad Vitam dans une certaine mesure, Un Amour impossible (pour la relation mère-fille) et maintenant Pupille.

Pupille, donc : un grand film mes ami(e)s !

Bon, j’étais déjà au bord des larmes rien qu’en regardant la bande-annonce mais je me suis forcée à remballer toute mon émotion en y allant. Eh oui, je suis un public exigeant.

Mais c’est d’une délicatesse. Juste. Et tendre aussi. 

Allez, exceptionnellement, je vous raconte l’histoire : itinéraire d’un enfant pas très gâté. Né sous X, Théo transite de bras en bras attentionnés mais temporaires, des puéricultrices de la mater, à ceux des pédopsys et autres éducateurs de l’aide sociale. Dans son périple, il fera aussi une halte apaisante chez l’assistant familial avant de rencontrer Alice, sa chance, sa mère providence. À chaque métier ou intervenant, la situation de ce petit est réétudiée par son prisme et chacun de ces éclairages est bouleversant.

Adriano Tardialo et Alba Rorhwacher, le ravi de la crèche et la pépite du film. © Heureux comme Lazzaro

Poétique, onirique mais un peu anecdotique. On (je + je) retient l’univers difficile à dater, la grande bastide défraîchie, cette phrase épouvantable de la Marquise sur l’ignorance des misérables. On aime Sergi Lopez (visage familier reconnu grâce au générique, d’autant plus savoureux) et la douceur d’Alba Rorhwacher. On ne sait pas quoi penser de la prestation d’Adriano Tardiolo en Lazzaro... un peu trop passive à mon goût. 

Par contre, on sait quoi penser de la scène finale. Elle m’a convaincue de me tirer de la salle bien avant que les lumières ne se rallument à la fin du générique. La naïveté de Lazzaro, jusque-là bien traitée, devient caricaturale et la brutalité des silhouettes du monde moderne aussi. Elle vient de ruiner tout son film en trois minutes. J’ai failli aimer.

Garance Marillier joue Christa. Une actrice habitée pour l’un des visages juvéniles de la série. © Ad Vitam

“C’est bien Ad Vitam, c’est vraiment bien”. Quand Sonia Devillers (animatrice de L’Instant M sur France Inter) parle, j’écoute et donc j’ai regardé la mini-série de Thomas Cailley (réalisateur des Combattants) diffusée sur Arte jusqu’au 22 novembre et en ligne sur Arte + 7.

Dans un pays dans lequel on ne meurt plus, Darius, flic centenaire, à force de régénérer ses cellules, enquête sur une vague de suicides de jeunes qui réhabilitent, par ce geste, le droit de mourir. Pour l’accompagner dans ses recherches, il forme un duo avec Christa, une jeune fille de 24 ans, elle-même en pleine zone grise dans sa réflexion sur l’éternité.

Une famille presque réunie et tout à fait bancale. © Un Amour impossible

Je devais visiter un appart moche et crasseux, je suis passée devant Virginie Efira et sa petite robe blanche, je me suis arrêtée, la séance était dans 15 minutes.

“C’est l’histoire d’un amour éternel et banal” entend-on dans la scène de bal… Mais pas impossible alors ? Il sera effectivement bien trop long, tristement classique et salement irrémédiable. Je n’ai rien lu d’Angot mais je connais son histoire alors je sais de quoi il retourne et je peux vous dire qu’on ne va pas se marrer.

Catherine Corsini entreprend de filmer la vie à peine fragmentée d’une femme seule et la jeunesse entière de sa fille avec ce que leur existence contient de compromis, de quotidien souvent léger mais quand même un peu lourd pour ce duo formé malgré lui par un père (in)connu. La réalisatrice nous fait tout voir d’elles, les coupes sont obligatoires mais fluides, le temps énoncé par la voix-off de la petite Chantal est bienvenu pour prendre du recul et assimiler petit à petit la tragédie incestueuse qui va se jouer en toile de fond. Le père est présent au détour de quelques scènes, toujours flamboyant pour la mère, insignifiant pour l’enfant et puis à l’adolescence, les désirs s’inversent. 

Virginie Efira, plus vacillante qu’il n’y paraît.. Un rôle écrit avec délicatesse. © Le Grand bain

Marrant, je ne m’attendais pas du tout à voir un film comme celui-ci. Lellouche > Canet & friends > la quarantaine fringante, je vais voir Les Petits Mouchoirs quoi.

Et étonnant aussi ces premières minutes à l’esthétique eighties qui ne ressemblent pas du tout à la bande-annonce vue à peu près 45 fois. OK, ce n’est pas ce que je croyais, je m’enfonce dans mon fauteuil.

Au début, on ne sait pas trop où nous emmène Lellouche, c’est décousu, distendu mais la galerie de personnages est bien menée. On suit Bertrand - Amalric bien déprimé comme d’hab -  sur son vélo qu’il balance à chaque fois qu’il se gare, à la piscine municipale pensif en train de sécher ses chaussettes avec le sèche-cheveux collectif… Le mec n’a plus trop conscience de lui-même, aussi troublant que drôle. Ses pérégrinations vont le mener à Titi (Philippe Katerine, à jamais improbable), Marcus, Delphine, la coach et tous les autres qui forment la fine Équipe de France de Natation Synchronisée Masculine (je refais pas le pitch, t’avais qu’à le voir à Cannes, OKAY ?! Dédicace à Bekhti qui gueule, qui gueule). 

La mariée était bourrée. © Gueule d’Ange

Bon c'est clair, j'ai été émue. Non mais oui-oui, c'est triste...

Je suis sur le trottoir, éjectée de la salle obscure et je me dis ça. Je concède plein de trucs à ce film. Je dis oui (et non) à Cotillard, à la petite fille, à la scène du mariage sur le bateau, c'est beau et inattendu.

Après les dialogues quand même...Je ne sais pas, on y croit pas trop, non ? Non du coup, réponse à moi-même.

J'y suis allée toute seule, laissant ma fille deux heures (sous surveillance, no stress) pour aller voir l'histoire d'une mère qui abandonne la sienne donc forcément je me dis que j'ai un avis sur ce film, ô moi qui suis mère depuis 6 mois. Je me dis que la thématique me parle forcément alors j'essaye de m'en créer un. Et, clairement, il ne vient pas facilement.

L’affiche est finalement l’un des plus jolis moments du film. Peter Simonischek et Sandra Hüller dans Toni Erdmann de Maren Ade.

Non mais, ce film ! 

Il paraît que c’est “saisissant-puissant-magistral” et tous les autres adjectifs que l’on dit beaucoup pour parler de cinéma. Oui d’accord mais vous avez vu cette affiche dans le métro ? On dirait Choubaka qui s’est fait un tie & dye, ça ne me dit trop rien, tous ces poils qui envahissent l’image. Bon et puis un dimanche soir, 15 minutes avant la séance, hop j’y vais. C’est pas tous les dimanches soir qu’on a envie de passer 2h42 à contempler la vacuité de nos vies modernes. Enfin, ça je ne le sais pas avant d’y aller. Jamais vu la bande-annonce... sinon j’aurais compris pour les poils.

Pour supporter le poids de sa petite existence, Winfried, professeur à la retraite, fait des farces au facteur et rend visite à sa mère affublé d’un maquillage de mort-vivant, parce que c’est plus drôle la vie ainsi. Je ris énormément à ces premières scènes. Avec sa bonhomie triste, il m’ouvre le coeur. Vient la rencontre avec sa fille. Pas très disponible, ni très gentille, elle m’énerve déjà avec ses cheveux fins qui graissent en deux heures. Malgré les liens du sang, malgré l’enfance, ce sont des étrangers. Des inconnus qui se sourient quand même timidement.

Isabelle Huppert, à la timide reconquête d’elle-même. © Photo Ludovic Bergery

Enfin je comprends pas. J’aimais vraiment Mia Hansen-Løve. Bon sauf Eden, le film sur la French Touch, pas grave mais c’était raté. Un amour de jeunesse, je me souviens de quasiment rien si ce n’est de la justesse des sentiments, la mélancolie de l’adolescence, l’observation précise des sentiments qui s’effilochent. Il faut dire que le titre se prêtait bien à ce que je vivais à l’époque. Avant, il y avait eu Le Père de mes enfants, avec Louis-Do de Lencquesaing… Aaah Louis-Do, un résumé de lui tout à fait ici (oui c’est en bas de page, c’est pour lire toute la critique avant, technique de digitaleux). Et aussi, Tout est pardonné, un si joli titre. J’ai un souvenir de coeur tendrement tordu en repensant à la filmographie de Mia. Pfff son film là , L’Avenir, c’est pas mal quoi. Il n’y a pas de faux pas et même de l’humour, l’histoire se tient, les acteurs ne me plaisent pas beaucoup mais soyons justes, ils arrivent avec une proposition. Ahlala je suis embêtée. 

En fait, en plus d’être un film désincarné, c’est un film décharné… Marrant, j’ai d’abord écrit “décharmé”, lapsus typographique… les meilleurs. Mais oui voilà  : ça manque terriblement de charme. Bon, mis à part que la Huppert ferait bien de se remplumer (Soit. Un point pour elle, je lui envie sa taille de guêpe.), c’est improbable de n’avoir aucune empathie pour une femme qui, coup sur coup, se fait larguer - “moi qui croyais que tu m’aimerais toujours” - perd sa mère et se fait virer. Ça ne m’a absolument rien fait, j’ai même pris le temps de lire sur mon téléphone le récit pénible de la journée d’une copine et d’être autrement plus désolée pour elle. L’intention est là, je vois bien ce qu’elle a voulu faire, Mia : montrer le retour à la liberté d’une femme après 40 ans ou comment fait-on pour se sentir vivant tout seul. Elle filme le temps de la reconstruction, l’indépendance imposée mais retrouvée. C’est simple et ça devrait sonner juste, d’ailleurs ce n’est pas exagéré qu’il lui arrive ces événements, presque tous tragiques, en même temps. La réalisatrice sait mesurer la réalité, on ne peut pas le lui enlever. Son problème c’est la transmission et son handicap,l’écran. On s’en fout beaucoup de ce qu’elle raconte. Elle n’arrive pas à faire jaillir l’émotion, sans faire du Maïwenn ou pire du Kechiche (entendons-nous bien, j’aime énormément Maïwenn), ça vaut le coup de t’approcher de tes personnages. Il n’y a quasiment pas de gros plans. 

Au départ, c’est chouette que le décor se compose d’une immense bibliothèque avec des livres de philo ou que les conversations démarrent à partir d’une citation ou encore qu’émanent d’elles une réflexion sur l’engagement citoyen. Ils se regardent beaucoup penser, n’empêche. Ça m’ennuie de le dire mais c’est très germanopratin comme film (je viens de voir que tu étais née dans le 5e, ça n’arrange clairement pas ton cas). Ohlala mais c’est quoi cette remarque de pauvre mec qui lui dit qu’elle est rigolote à manifester de temps en temps mais que ça ne change pas son train de vie bourgeois. J’ai vu hein que c’était pour illustrer la pensée encore immature de son brillant élève face à la professeure fragilisée mais digne. Et puis, ceux qui parlent allemand. Ich verstehe nicht* de toute manière. Tu crois que les Allemands, parce qu’ils lisent en V.O, ils comprennent plus de trucs à Schopenhauer franchement ? Ahlala qu’est-ce que ça m’énerve.

Enfin si j’aime bien une scène, très furtive. Son mari qui vient de la quitter la dépose à la gare, elle est très pressée. On suit le regard du traître sur celle qu’il blesse : comment ne plus aimer cette femme toute frêle avec son bouquet du jardin, dans la main, soigneusement emballé dans du papier d’alu et son gros sac dans l’autre ?

Bon allez, tant pis Mia, on se comprend plus bien et je préfère ton mari en ce moment (Olivier Assayas). Vraiment, tu lui diras encore bravo pour Sils Maria. Sache que tu referas un grand film. Tu as déjà raconté beaucoup de belles choses à 35 ans. C’est juste le temps du désamour, je reviendrai, tu sais. Comme on revient toujours à son amour de jeunesse, poussé une dernière fois par la grâce de l’instant.

“Au beau printemps de 1952, vous viendrez d’avoir seize ans et peut-être serez-vous tentée d’entrouvrir ce livre dont j’aime à penser qu’euphoniquement, le titre vous sera porté par le vent qui courbe les aubépines.Tous les rêves, tous les espoirs, toutes les illusions danseront, j’espère, nuit et jour à la lueur de vos boucles et je ne serai sans doute plus là, moi qui ne désirerais y être que pour vous voir.

(...)

Je vous souhaite d’être follement aimée”

Extrait de L’Amour fou d’André Breton, lettre à sa fille.

André Breton et sa fille Aube Elléouët

C'est l'histoire d'une tempête. Affective. L'histoire d'une femme qui fait démarrer sa voiture direction Dunkerque avec son fils de 10 ans, Noé, bazardé à l'arrière et une vie balancée à la va vite sur le trottoir. Il faut dire qu’il y a urgence. À 30 ans, Elisa ne connaît pas sa mère. Pourtant les démarches qu'elle a menées l'ont conduite vers elle avant que la tentative de rencontre ne soit avortée par sa génitrice.

Ouinie Lecomte signe un film silencieux dans lequel le dialogue se noue dans la chair. Kiné, Elisa s'occupe d'une femme, Annette, aussi dame de cantine dans l'école de Noé, plutôt blessée par l'âge et une chute malencontreuse que par une véritable souffrance. Faire du bien au corps. Elisa masse, pétrie, adoucit sans relâche l'épiderme flasque de cette femme qui jure n'avoir jamais eu d'enfant. Elles ne le savent pas mais c'est une rencontre.

Je vous souhaite d'être follement aimée fait partie des films de hasard que l'on va voir pour leur titre et que l'on retient pour leurs acteurs. Celui-ci n'est pas magistral ou bouleversant mais c'est un film qui sonne. Sans doute que la bande son signée Ibrahim Maalouf y est pour beaucoup.  "J'ai bien aimé mais je ne te conseille pas d'aller le voir", voilà ce que j’ai pu en dire sans avoir eu le temps de développer. Pourtant c'est bien quand même. C'est bien le regard à la fois tendre et buté de cet enfant (Elyes Aguis, déjà vu dans Le Passé d’Asghar Fahradi) qui lui en veut de l’embarquer dans sa faille, de peur de manquer d’amour comme elle.

Le casting est top de toute façon. Le jeu de Céline Sallette fascine autant que son physique fragile et fort, idéal pour ce rôle de femme qui maîtrise les corps et fout le camp sur son vélo lorsqu’elle avance contre le vent. Anne Benoît façonne un personnage plus complexe qu’il n’y paraît, en femme enfant irresponsable aux traits lourds et sourire naïf - très jolie scène devant le miroir lorsqu’ Elisa étire les épaules et relève le menton de sa patiente, l’air de dire “tiens-toi droite ma fille”- Et puis bon, que dire de Louis-Do de Lencquesaing ? La douceur hirsute, le regard blagueur et la moue mélancolique. Que voulez-vous, il a la tronche de la générosité mal lunée et ça marche à chaque fois.

En fait, le scénario mutique pêche un peu. Oui, elle est en rupture avec sa vie et non, cet enfant dans son ventre n’arrive pas au bon moment. Bien sûr que cet épisode rajoute du sel à l’histoire mais si Ouinie Lecomte aborde les carences des adultes nés sous X avec beaucoup de justesse, elle peine à ficeler l’intimité de ses personnages, trop souples et obscurs. Finalement, la seule chose que je regrette, c’est de ne pas avoir assez entendu cette réalisatrice.

1h30 de Cotillard avec l’accent belge, ça peut être spécial. Mais la bande-annonce est saisissante, Cotillard sans fard dans de Rouille et d’os donnait une idée de sa puissance de jeu et puis c’est l’opportunité de suivre Cannes de près. Allez, « Une place pour deux jours, une nuit s’il vous plait. »

Le cadre est serré dès la première scène, l’intrigue exposée en moins de 10 minutes. Pragmatisme et dépouillement chers aux Dardenne imprègnent l’écran. La reprise du boulot ne se présente pas bien pour Sandra, longtemps arrêtée pour dépression, son patron lui annonce qu’elle a de grandes chances de ne pas réintégrer l’équipe lundi : entre l’emploi de Sandra ou la prime de 1000€ versée à chaque salarié en contrepartie de son éviction, le choix des salariés est vite vu. Seule clémence du patron, il veut bien refaire le vote lundi matin. Évidemment ce n’est pas contre elle, faut pas leur en vouloir hein mais ils en ont besoin de cette prime. Sandra a déjà anticipé le discours de ses collègues mais son mari la force, malgré tout, à se rendre au domicile de chacun pour les convaincre mais aussi pour que leur vote de vendredi ait une consistance physique et que le choix du confort pose l’inconvénient de la culpabilité.

Première victoire et première scène éprouvante : Sandra appelle Kader qui sera absent de sa tournée puisqu’il n’est pas chez lui ce week-end. Elle s’essaye timidement au plaidoyer en sa faveur. Les mots sortent mal, elle se rend bien compte que sa position est compliquée à défendre mais elle a l’évidence du choix moral de son côté. Cette morale qui devient évidemment brinquebalante si l’on se place d’un côté ou de l’autre du besoin. Bah oui, oui Kader comprend, bien sûr qu’elle pourra compter sur son vote lundi. Ça fait un oui. Bon, après cette scène, tout ce qui a pu être dit sur le sur-jeu de Cotillard n’a plus lieu d’être, sa composition d’actrice s’efface et se met très en retrait pour faire exister Sandra pétrie de mal-être et de solitude qui peine à s’incarner tant elle est fragile et amenuisée psychologiquement.

S’installe un vrai suspense. Ils sont 16 à convaincre, à 9 oui elle reste. Match. Sandra va d’espoir en déception. Le oui anticipé de certains se mue en non revêche et parfois le oui inespéré s’acquiert à l’arrachée. Elle se fait éclabousser par l’intime de chacun : c’est non pour l’autre parce qu’elle s’installe avec son nouveau copain, donc les 1000€ tu vois c’est pour la nouvelle télé, les vacances, la jolie vaisselle. On n’en revient pas de cette cruauté mais quelle obligation les lie finalement ? La grande finesse du film réside dans cette bascule, entre vision humaniste et caméra témoin : peu importe la décision, ils n’ont jamais tort. Sandra poursuit son chemin de croix, les saynètes sont très courtes et la force d’écriture des Dardenne consiste à saisir en très peu d’images la couleur intérieure de chacun. Désastreuse pour certains, lumineuse pour d’autres. Leur vision n’est pas manichéenne pour autant,  les décisions singulières pour la plupart nuancées s’expliquent toutes et soulignent la complexité du geste altruiste en période de crise. Un autre enjeu se dessine dans ce porte à porte éreintant, cette quête du oui solidaire fait renaître le couple Sandra-Manu, point de soudure qui vient définitivement les accrocher l’un à l’autre.

Et vient le moment délicat de cette scène: «j’ai avalé toute la boîte de Xanax » prononcée avec un accent belge un poil caricatural. Bon dommage pour moi, à force de manger mon fou rire, je me suis éjectée du film, accompagnée de cette pensée rationnelle que même dans le monde du travail on ne fait pas ce choix là ou du moins s’il est proposé ou si l’on en est victime, il y a des instances pour régir la cruauté et la lâcheté. Pas besoin de faire un film, en fait. J’ai tellement ramé pour revenir mais la scène suivante amorcée par la tentative de suicide de Sandra me ramène au niveau : la frêle bonne femme,  certes amochée par la violence de ces échanges, revit et se remplit un peu de la contenance émotionnelle de chacun. Peu importe l’issue du combat, cette dernière errance signe son retour à la vie et lui apporte un socle de connaissances du genre humain suffisamment large pour contrer avec plus de douceur et de bienveillance ses prochaines tempêtes intérieures. Oui, ça ressemble aux bonnes ficelles du happy-end mais c’est bien la première fois que je ressors d’un film des Dardenne sans l’envie de me mettre la tête dans le four en rentrant chez moi donc va pour le premier degré.

« Oh bah elle est jolie la robe de Jessica Chastain ! »

« Dis donc Léa Seydoux, ça va le décolleté ? »

 « Ayem & son accident de robe : sur l’échelle du pire, on place ça où ? » La réponse est : toujours en dessous de Frédérique Bel.

    Si on commente Cannes à l’emporte-pièce, c’est  parce qu’on comprend rien. Entre la Sélection Officielle, la Quinzaine, YSL vs DSK, Grace Kelly… on en oublie d’avoir Un Certain Regard sur La Semaine de la Critique. Éclairages.

Sélection officielle (en compétition +  hors compétition + Un certain regard) : 60 films sont projetés en S.O dont 18 en compétition pour la Palme d’Or. Si votre film a été réalisé au cours des 12 mois précédant le Festival de Cannes et moyennant des frais d’inscription entre 50 et 350€, vous prétendez faire partie de la présélection officielle. Voilà pour le préambule. Ensuite le comité de sélection présidé par Gilles Jacob pour la dernière année (le prochain chef c’est Pierre Lescure) décide. Et alors là… les nébuleuses du pouvoir ne me permettent pas exactement de décortiquer les critères de choix des têtes pensantes des deux comités (un pour l’étranger, un pour la France). Ellipse, donc. Sachez quand même que pour faire partie du comité étranger,  composé en tout et pour tout de 4 respo paillettes et tapis rouge, il faut un journaliste, un réalisateur, un cinéphile (quel drôle de titre) et le fils de Gilles Jacob.  La Sélection Officielle se fait selon des critères de mise en valeur d’œuvres de qualité en vue de servir l’évolution de l’art cinématographique et de favoriser le développement de l’industrie du film dans le monde, dixit le règlement du festoche. On n’en saura pas vraiment plus si ce n’est que le programme 2014 est un intense « voyage à travers le cinéma d’aujourd’hui ». Ça marche les gars.

Au final, tout ça nous donne deux montées des marches par jour, avec une conférence de presse et un photo-call, dont une à 19h (wagon dans lequel il faut évidemment être) pour les films en compétition avec changement de tapis rouge entre les deux. Cette année Bonello et son YSL, Godard, Tommy Lee Jones, Ken Loach, Hazanavicius, Cronenberg, Dolan, Atom Egoyan, Assayas… se disputent en vrac le Grand Prix, le Prix de la mise en scène, d’interprétation masculine et féminine, le Prix du scénario, le Prix du Jury et la Palme d’or. Pour info, le film d’ouverture fait  généralement partie de la Sélection Officielle hors compétition.  Souvent choisi pour ses attributs sulfureux/glamours/esthétiques/bankable, il porte aux nues tout ce que Cannes revêt de glitter et de fastes et ne constitue que très rarement une ode au cinéma indépendant.

Hors compét’ (catégorie t’auras rien mais viens pas en survêt’ pour autant) : rubrique-malaise. Ces films ne font pas complètement partie du voyage à travers le cinéma d’aujourd’hui  comme l’entend Thierry Frémaux (délégué général du festival) mais le comité de sélection soigne son prestige et s’assure des avant-premières mondiales en offrant à ces projections une visibilité notable. Téchiné, Dragons 2 ou Gatlif auront-ils vraiment des difficultés à trouver leur public sans le voile d’approbation du Festival ? La question se pose. Cette programmation intervient comme un pis-aller entre coup de cœur artistique du festival et rentabilité acquise tout en permettant au comité d’entretenir son éclectisme et  de couvrir un large spectre des productions à venir. Toujours est-il que ce non-statut s’organise en séances spéciales et en séances de minuit. Cette catégorie vitrine vient alourdir la lisibilité de la Sélection, déjà complexe et donne éventuellement une inflexion négative aux films présentés, compte tenu des frontières poreuses qui séparent les programmations.

Un certain regard : 20 films avec un jury différent de la Sélection Officielle en compétition présidé cette année par Pablo Trapero, réalisateur argentin. Cette catégorie met en avant des films atypiques avec un propos original et une esthétique novatrice réalisés par des cinéastes méconnus. Le Prix un certain regard intervient également comme un parrain financier puisqu’il propose 30 000€ au distributeur français qui saura le défendre. Lost River de Ryan Gosling, Bird People de Pascale Ferran, Asia Argento, Mathieu Amalric ou encore plus surprenant Wim Wenders font partie des éligibles.

La Semaine de la Critique et La Quinzaine des Réalisateurs sont des organismes indépendants du Festival de Cannes. Cette section parallèle, vue comme annonciatrice de nouveaux talents, est proposée par le Syndicat Français de la critique de cinéma. Présentée en marge du festival, la sélection est plus confidentielle et ne met en avant que des premiers ou des deuxièmes longs métrages. Cette année : 11 projections dont 7 en compétition. Respire de Mélanie Laurent est attendu en séance spéciale, FLA (pour « Faire l’Amour ») par le réalisateur de Donova, le film tourné avec 150€ est en compétition. Carax, Audiard, Gitai, Desplechin, Loach ou encore Bertolucci ont fait leurs armes dans cette Semaine avant de s’affranchir de leurs prénoms.

La Quinzaine des Réalisateurs a quant à elle été créé par la Société des réalisateurs de films (Louis Malle et Costa-Gavras entre autres) pour concurrencer le Festival de Cannes. Pour le line-up de la 46e édition : 19 films en compét’, le carrosse d’or (sorte de César d’honneur avec l’audace en plus) pour Alain Resnais. L’année dernière Guillaume et les garçons, à table ! avait été récompensé et Jane Campion gratifiée du carrosse. On connait la destinée de l’un et la mise en lumière de l’autre toute particulière cette année, preuve que cette quinzaine est le tremplin discret des succès à venir.

 Un dernier zoom sur l’ACID  (Association du Cinéma Indépendant pour sa Distribution) : cette année on en parle plus que d’habitude entre autre parce qu’Adèle Exarchopoulos,  parcelle entre honneurs publics et confidentialité y défend  Qui Vive de Marianne Tardieu. Et surtout parce que la sélection minutieuse des 9 films faite chaque année trouve preneurs parmi les distributeurs et les exploitants. Ces films, dont la sortie est prévue sur moins de quarante copies passeront évidemment entre les mailles de la promotion faute de budget, sont encouragés par des cinéastes membres de l’association. Si vous avez pu voir La Bataille de Solférino et Deux automnes, Trois hivers ailleurs que dans une programmation dite engagée, c’est sans doute grâce au bouche à oreille de longue haleine organisé par ces têtes chercheuses. Toute la sélection est projetée le dernier week-end de septembre au Cinéma des Cinéastes à Paris.

Voilà, on pourrait parler de la Caméra d’Or, de Cannes Classics et de la multitude de prix remis en 10 jours mais laissons cet immense marché du film de côté et remettez secrètement vos trophées de cœur dans l’obscurité, l’indispensable suaire de pudeur  nécessaire à la révélation d’images et d’émotions. Cannes à Paris c’est ce week-end en exclusivité au Gaumont Opéra, toutes les infos ici : http://bit.ly/1mPPidw

Bah Marion ?

Ma mère a dit : « Tout pour Gallienne, franchement non. », mon mec a dit : « non mais, vraiment Gallienne ?! », alors le lendemain, les gens ont dit : « Oh nooon pas Gallienne ! ». Bref, c’est un gros non général pour Guillaume et les garçons… qui comptabilise pourtant 2,6 millions de spectateurs,  affiche une rentabilité à 211% et ramasse l’éloge de la profession, du public et des critiques. Ça, c’était avant le mur de César. 

« Non mais l’adaptation, vraiment ? ». Ça reste quand même une pièce de théâtre filmée hein. Mais grâce aux subventions du CNC, le film gagne une nomination pour les meilleurs costumes (really ?). La voix off était attendue, on l’a eu. Le manque de structure narrative solide donne un projet tout sauf cinématographique. César de la meilleure captation : Guillaume à table, on est d’accord.

« Mais non pas meilleur montage ! ». Bon là comme il y avait un budget post-prod, Gallienne a embauché une monteuse pour coller bout à bout des pellicules de sketchs. On salue donc ici un montage sans relief qu’une histoire relatée chronologiquement ne permet pas forcément. Évidemment, l’opération n’aurait rien eu de critiquable si elle n’avait pas été récompensée.

« Le meilleur film, c’est Gallienne qui est allé le chercher pour Kéchiche, non ? ». Plus tard dans la soirée, G.G a laissé entendre qu’il garderait tout pour lui. Suite à la mésaventure Tahar Rahim (récompensé dans la catégorie meilleur espoir + meilleur acteur pour Un Prophète, c’est redondant n’est-ce-pas ?), on pensait que les membres de l’Académie avaient rajouté une clause au règlement, type : la révélation de l’année, la jeunesse ou la promesse (arguments réservés à la catégorie "meilleur premier film") ne doivent pas empiéter sur le terrain de l’expérience ("meilleur film"). En fait, non, résultat Kéchiche ne vient plus au Châtelet et Desplechin boude.

« Gallienne, meilleur acteur ? Mais yessss ! ». Bonne nouvelle. Le césar du meilleur acteur était gagné et mérité d’avance tant la performance est hilarante, fine et surprenante. Sociétaire de la Comédie Française et désormais membre de l’Académie des Arts et des Techniques du Cinéma, Guillaume Gallienne s’illustre au cinéma par sa théâtralité particulière portée par un physique déconcertant. La transversalité des interprétations, le décloisonnement des arts et le jeu jubilatoire sont ici récompensés, G.G représente parfaitement sa catégorie.

« Ah bon, meilleur premier film, oui pourquoi pas après tout ! ». C’est vrai, on a franchement ri devant Guillaume et les garçons… rien que le titre, on remercie tous sa mère de lui avoir soufflé. Et puis c’est pas mal de décerner le prix à une comédie, pour une fois. Après, on peut discuter sur les thématiques abordées trop superficiellement, une représentation de l’homosexualité agressive et caricaturale, la fin bâclée, les poncifs du genre…  Au final, on gratifie surtout Gallienne d’avoir vécu une enfance si particulière et d’arriver à toucher un grand public avec une histoire de vie singulière.

Voilà, fin de la cérémonie, l’autre repart avec 5 César quand il en mérite amplement 2. Il peut même pas tous les porter, même physiquement c'est ridicule !

Si on suit la logique César, autant lui filer meilleur réal, meilleure actrice (ça poserait la question du genre… ou ah non pas vraiment) et meilleur acteur dans un second rôle. Les votants se sont fait avoir par l’omniprésence de Gallienne devant et derrière la caméra alors qu’il fallait le remettre à sa juste place en saluant simplement sa virtuosité d’acteur.

Le film est sur-récompensé, ce n’est pas dit que sa seconde vie soit douce et tranquille, un switch des critiques s’opère, Gallienne touchant finit par agacer, sa comédie fine se fait déjà taxer de « pochade sous filmée ». La gratification divise, l’adoubement sans mesure attire le jugement extrême et borné. A vouloir l’honorer, il n’est pas impossible que Guillaume Gallienne passe pas mal de temps à faire briller ses César pour qu’ils ne deviennent pas de vieilles casseroles mal récurées.

Spring break : trêve printanière au programme enrichissant (débauche, alcool et bikinis fluo) que s’accordent les étudiants américains après leurs examens. Faith, Candy, Brit et Coty ont le portefeuille à sec mais l’esprit en goguette alors pour ne pas se priver d’une orgie initiatique, les 4 nanas braquent un fast -food au pistolet à eau et au marteau histoire d’enfoncer le clou de le leur crédibilité.

 Direction Florida, fumette, cocaïne et bien-être !  Puis, descente de flics, garde à vue (toujours en shorty flashy, pas sûr que les costumes soient récompensés) et caution payée par un gangsta fier de son palmarès de petite frappe devenue incontournable. Sous la protection de James Franco (seul acteur vraiment dirigé), ces filles sans cadre deviennent de véritables executive women version Hello Kitty du braquage.  Lever  de rideau, le film peut commencer après trois quarts d’heure d’images saturées de couleurs, de Skrillex-t’en-veux-pas-en-voilà et de gros plans suffocants.

On ne sait pas très bien ce qu’Harmony Korine veut montrer mais après s’être déchargé de la pauvreté de son scénario sur les épaules de ces personnages: répétitions, dialogues en toc, velléités d’écervelées… il peut briller par ses fulgurances cinématographiques, remasteriser un clip de Britney, icône teen ravagée par excellence et presque 5e membre de la bande,  filmer l’ennui comme tremplin pour servir des scènes ultra-puissantes, léser volontairement le contenu pour offrir une plastique sublime sur une toile de fond apocalyptique.

Pas vraiment un film au système narratif bien ficelé donc, mais plutôt une œuvre de D.A publicitaire passant du clair à l’obscur, dessinant des contours consuméristes alléchants pour en extraire les dérives. Le propos du réalisateur (bien qu’il ne dénonce rien, ne moralise rien, simple rapporteur du  vide béant, ne lui prêtons pas des intentions qu’il n’a pas) se déploie astucieusement hors-champ : un casting Disney Parade pour un film interdit au moins de 12 ans, une affiche frétillante pour ados libidineux, des avant-premières mouvementées pour parents désillusionnés (et un peu ridiculisés) , bref un packaging rose bonbon pour un yaourt au goût de taurine mal digérée ravalée par une jeunesse déboussolée. Obsédant et cauchemardesque.

http://www.youtube.com/watch?v=n7n3gF7j2V4