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No conozco en profundidad la obra de Doobie Brothers. Supe que existían hace mil años con aquella versión en español de 'long train running' de La Unión. Luego he ido picoteando aquí y allá. Pero si se que en los EEUU son una institución del boogie rock/rock sureño/country rock que (con muchos cambios de formación), sigue en activo. En 1972 publicaron su segundo disco, muy bueno, con clásicos como 'Listen to the music' o 'Jesus is just alright'. Y 'Toulouse Street' con un rollo muy Crosby, Still, Nash & Young. Pero está lleno de buena música americana. Para todos los públicos. #vinylisbetter #escuchando @doobiebrothersofficial https://www.instagram.com/p/CK8p6fCF1p2j9wtRkdAL_wSsbkskqbxxGfHjxw0/?igshid=atiks4byqn01
#diaryofamadman, 1981, segundo disco en solitario de Ozzy Osbourne, personaje tan bizarro como talentoso (aunque se me atraganta su manera de cantar). Este fue su último disco en estudio con el gran Randy Rhoads, uno de los grandes guitarras del Heavy Metal, que moriría a principios del 82 en accidente de avioneta. Ozzy siempre se acompañó de grandes guitarras. #escuchandomusica #vinylisbetter https://www.instagram.com/p/CK7Ow2vlN5FwVljuRRdutGuuwozdt-rK-AwiF00/?igshid=12svjkpilrdg0
@thedoors #liveatthebowl68 #vinylisbetter The Doors en estado de gracia ante 18.000 espectadores sin mascarilla ni teléfonos móviles. Habían ensayado, y todo. La edición suena de cine, restaurada en algunas partes donde se había perdido la voz por problemas técnicos. En fin, peaso documento, incluido el celebrado eructo antes del clímax de "When The Músic is Over" https://www.instagram.com/p/CK13TRIlfpuHcYNwD_EPvBO-NOGEAEEj8HWgtA0/?igshid=d4gfy7t296y4
Lou Reed – Live At Alice Tully Hall (Vinilo - edición RSD 2020)
#Escuchando
Edición para el Record Store Day (11/2020) del legendario concierto de Lou Reed, en su debut en concierto en solitario en Nueva York (tras dejar a The Velvet Underground), para su discoTransformer (1972). Hasta ahora circulaba como pirata. La edición tiene un sonido fantástico, y es un gran concierto, donde contó como banda conThe Tots. Lou Reed estaba alejado del mainstream, especialmente en EEUU, donde Transformer (segundo disco en solitario, producido por David Bowie y Mick Ronson) había llegado al #29, aunque era una figura icónica del underground. The Tots era una joven banda de bar neoyorkina que no tenía nada que ver con el art-rock de la Velvet, y le acompaño de 1972 a inicios de 1973. No eran virtuosos ni experimentados, pero daban una nueva intensidad rockera a su repertorio.
The Tots: Vinny Laporta, guitarra; Eddie Reynolds, guitarra; Bobby Resigno, bajo; Scottie Clark, batería, drums.
Fuente: The Voice’s 1973 Review of Lou Reed’s First Solo Performance. By BRIAN MCMANUS October 28, 2013.
Foto del poster: Village Voice's full-page ad for Lou Reed's first-ever solo concert, at Alice Tully Hall, January 27, 1973, three months after the release of Transformer
From Richard Nusser’s Riffs column comes this review of Lou Reed’s first ever solo performance: “Saturday night Reed made his solo debut at Alice Tully Hall and reaffirmed the growing belief that he is a remarkable writer and one of the most gifted artists of our generation.”
The review in full from our February 1, 1973, issue after the jump.
Riffs
The Village Voice February 1, 1973
Dark and Light Rays
Lou Reed chose to concentrate on the dark side of our character when he began writing songs years ago, out there in Long Island, growing up absurd in the middle of the American Dream, drifting off to sleep with Alan Freed and the foreboding sounds of rock ‘n’ roll. After a few years in college, he founded the Velvet Underground. Andy Warhol then found him, and discovered the band had captured the demonic sound and fury, the din and dissonance of the dark side of urban life. It was a departure from all that had gone before in what’s come to be known as rock ‘n’ roll. It was certainly pop, but it was in the same rank as the music of Stravinsky, Stockhausen, and Cage. (John Cale, the English composer now with Warner Brothers, writing and producing, had more than a little to do with establishing the early Velvet’s sound, most people would agree. But Lou Reed had the beat and the depth of feeling that set it apart.)
Saturday night Reed made his solo debut at Alice Tully Hall and reaffirmed the growing belief that he is a remarkable writer and one of the most gifted artists of our generation. However, his preoccupation with drugs, death, depravity, and the quiet desperation of ordinary life, not to mention the trauma of being a man according to the dictates of contemporary society, have not attracted legions of fans who will run out and buy his records. His melodies and lyrics, strung together shards of life, glittering dark and sharp, have not given am radio programmers much to work with, either. But the fact that he has persisted in wrestling with those themes has earned him a devoutly loyal following, and his influence can be seen in much of what’s been happening in rock lately, from the Stones to Black Sabbath, from Alice Cooper to the New York Dolls. Like the horrors depicted in his music, Lou Reed has not gone away. In fact, his music is better than ever.
For one thing, he has assembled a group of musicians who are as good (I know it’s hard to believe) as the Velvets ever were, although they don’t sound the same. The new group not only manages to take Lou’s meaning and feeling and synthesize it into sound, they all add individual touches that enhance and make more brilliant the original thought. They are playing the kind of rock ‘n’ roll that stands up to anything being played in the world today, or for that matter, anything that has gone before. Bar none. (They are not the group that has played on the two Reed solo albums, unfortunately, although the group on Transformer, the current lp on RCA, is far superior to the groups on the first album, who were English studio musicians.) The new band is tribute to his genius.
Lou has never rushed, except in the worst way, to perform before live audiences. At Tully Hall he looked exhausted, but turned in two absolutely killer performances which had both audiences on their feet demanding encores. I hope he will take care of himself and continue revealing the reality, however dark it may be, of things as they are. Art may yet save us all, but it doesn’t seem necessary that our artists must also be martyrs. That may have been the style in the Piscean Age, but things are changing. Aren’t they?
—Richard Nusser

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Los Suaves - San Francisco Express (CD - edición 1997)
#Escuchando #15 en España (1997). Ventas de 30.000 copias en la primera semana.
Edición
Creo que la década de 1991 al 2000 es la mejor de Los Suaves, cuando unieron grandes canciones, calidad musical y sonido, aunque en la década previa publicaron algunos de sus clásicos, en un estilo de rock más básico.
Durante esa década se mantuvo estable la formación más exitosa de la banda, con los hermanos Yosi y Charli (bajo), Gelo (batería), y en las guitarras el virtuoso Alberto Cereijo y Montxo Costoya.
Este disco es un bloque de Heavy Metal denso, oscuro, pero con grandes melodías de guitarra, y el dinamismo que aportan secciones instrumentales o cambios de tempo que se alternan con las grandes letras de Yosi.
San Francisco Express, abre el disco con un riff que acompaña al traqueteo de una locomotora que va cogiendo velocidad. Ourense-Bosnia es una de las grandes obras de Los Suaves, tanto por su narrativa como su desarrollo a ritmo contenido que desemboca en una descarga brutal de Heavy Metal/Trash a mitad del corte, que llega a 9 minutos. Y Lisa (1970-1996) explota esa estructura iniciada con arpegios de guitarra que se convierte en metal pesado.
Tiene el tema acústico de rigor (Sin Techo, de más de 7 minutos), una buena versión (Antisocial), r’n’r marca de la casa (Preparado para el R&R), más descargas de riffs y solos heavymetaleros junto con letras oscuras y pesimistas (Luis y su mujer), y rock urbano y melódico de denuncia social (Tomás El Tendero). Todo bien hecho, con el hilo conductor de varias personas que fallecen en situaciones de injusticia. Una obra conceptual. Contundente.
El álbum culmina con un tema sinfónico, una anomalía interesante (Dios es Suave).
Probablemente su obra más sólida.
Kansas - Kansas (LP - reedición limitada 2018)
#Escuchando
Edición #174 en EEUU (1974)
Lectura
Kansas siempre aparece entre las bandas de segunda división (y segunda generación) del prog-rock de los 70, que fue predominantemente europeo (Yes, Genesis, Pink Floyd, Jethro Tull...). En la mayor parte de sus discos intercalaban temas de rock más estándar de raíz americana (boogie rock/rock sureño en los años 70) y, a pesar del virtuosismo y los cambios de ritmo y melodía de sus temas progresivos, tenían un enfoque más accesible, menos “intelectual” de la música.
Los tres primeros temas pertenecen al grupo de canciones cortas y de fácil escucha. Los tres me parecen muy buenos. Can I tell you, de boogie-hard-rock-con-elementos-progresivos con una sección de solos de guitarra, violín y órgano bastante interesante (y frenética). Bringing It Back es una versión de J.J. Cale (Naturally, 1972), que más agresiva y rápida que la original y aliñada con violín, en vez de la armónica de la original. Estas dos las canta Robby Steinhardt, que además es todo un shredder con su omnipresente violín (que aborda desde estilos del folk americano).
La interacción (más bien competición) entre violín, teclados y guitarra es una de las características que definió y diferenció el sonido de Kansas.
Completa esa terna la balada Lonely Wind, cantada por Steve Walsh. Me gusta más que su trilladísimo clásico Dust in the Wind.
De los 5 temas siguientes, 4 son claramente el lado “progresivo” de Kansas, y The Pilgrimage es el boogie-rock, con voces de Walsh y Steinhart muy bien empastadas. Está bien, pero se olvida pronto.
Belexes dura poco más de 4 minutos, pero introduce las maneras de los Kansas en sus temas más complejos: epicidad, solos de teclados (órgano), violín, y guitarra (el wah-wah de Rich Williams suena demoledor) y mucho dinamismo de la base rítmica (Phil Ehart a la batería, y Dave Hope al bajo). Es un corte con elementos (melodía, ritmo galopante) que se repetirían en el Heavy Metal de los 80, pero que también toman de Deep Purple. Muy bueno.
Journey From Mariabronn (Walsh a la voz), con Aperçu y Death of Mother Nature Suite (cantado con agresividad por Steinhardt), son los temas más ambiciosos del álbum: cambios de ritmo, secciones instrumentales, giros melódicos. A menudo tengo la sensación de que algo no encaja en esa batidora de elementos que forman Journey.. y Aperçu. En esta última hay menos hard rock y, si hubiese flauta en vez de violín, algunas partes me recordarían a los Jethro Tull más excesivos. En cualquier caso, encuentro fragmentos fantásticos que de repente se suceden de otros encajados a calzador.
Sin embargo, Death… (que entra sin solución de continuidad tras el crescendo final de Aperçu, como si fuesen suites de la misma pieza) me parece musicalmente más redonda (aunque es un himno ecologista sobreactuado. “.. and now she’s gonna dieeee…”): hay riffs antológicos de guitarra, headbanging, agresividad, duelos instrumentales con sentido (en todo el disco parece que en cualquier momento lo van a arreglar a puñetazos), una estructura bien definida con interludios más atmosféricos y un final apoteósico. En fin, y tocan mucho. Pero mucho.
Portada espectacular. Un detalle del mural de John Steuart Curry Tragic Prelude, que está en Topeka (Kansas), mostrando en el centro al abolicionista John Browne.
“Heroes” - David Bowie (CD - edición remasterizada 1999)
#Escuchando #3 UK; #35 US (1977)
Enlace
Segunda obra de su trilogía berlinesa (aunque único grabado en la ciudad alemana) y punto de encuentro de varios elementos muy especiales: Brian Eno como intérprete de los teclados, compositor e influencia clave en muchos arreglos (aunque producía Tony Visconti), Berlín Oeste, lugar donde vivía Bowie; la influencia clave del krautrock (experimentación, sintetizadores…) y la guitarra de Robert Fripp, que viajó desde EEUU y grabó sus partes en un día.
Beauty and the beast, arranca con golpes de piano eléctrico, un crescendo de bombo y pronto evoca ambientes de disco-techno, con una base rítmica compacta y machacona (Dennis Davis en la batería), sintetizadores y extraños sonidos saturados de Brian Eno, y voz semi-robotizada (la letra trata sobre un androide) tanto de Bowie como de los coros femeninos…
Le sigue la extraña Joe The Lion construida sobre una amalgama de un patrón rítmico de un riff de guitarra (Robert Fripp) y de nuevo batería martilleante, con la voz de Bowie de nuevo filtrada, deshumanizada y un fade out abrupto. El caos llega con el solo de Robert Fripp en la parte final. Heroes mantiene elementos de la producción, pero la belleza de su melodía y más dinámica en la base rítmica de bajo y batería nos da un respiro: estamos ante un clásico del pop-rock del siglo XX, dedicado a dos amantes separados por el muro de Berlín, abatidos cuando intentaban reunirse. El sonido agudo y melódico del feedback de la guitarra de Robert Fripp, a modo de sirena, es eterno, y los sutiles sonidos pulsátiles del sintetizador de Brian Eno son realmente mágicos. De nuevo, un fade out rápido cierra el tema con cierta precipitación.
El álbum consta de dos partes: la segunda mitad es instrumental y más vanguardista, pero antes de llegar a ella tenemos Sons Of The Silent Age y Blackout. La primera se acerca a las atmósferas progresivas de King Crimson en su primer álbum: un corte de ritmo lento, con menos artificios electrónicos, un Bowie espléndido cantando y añadiendo coros y arreglos de saxo en su lugar, y ambientes de sonidos sintetizados y cuerdas en un segundo plano. Blackout parece una segunda parte de Beauty and the Beast, iniciado con un ritmo disco (marcado por el bajo de George Murray) avanzando con un desarrollo más barroco en los arreglos y un conglomerado de excesos de sintetizador, saxo, coros en falsete y un Bowie sobreactuado.
Avant-rock, lo llaman los que saben.
Llega la parte instrumental: una suite que encadena varios cortes de texturas techno aparentemente inspiradas en la Berlín de postguerra, y con vocación narrativa. V-2 Schneider, bajo cremoso y alegre de Murray, saxo de David Bowie y colchón y arreglos de sintetizadores (¿evocan ruidos de aviones al final?) de Brian Eno. Le sigue la siniestra Sense of Doubt, con lineas de piano que reflejan la devastación, sonidos de viento gélido, y ruidos que parecen estertores humanos.Moss Garden calma la desolación con instrumentación de Koto tocado por Bowie, sintetizadores y algún canto de pájaro, un ambiente de meditación zen tras la desolación anterior. Se cierra el tema con el sonido de lo que parece un avión… Neuköln (referencia al barrio Neukölln) retoma un ambiente inquietante, con una disonante y quejumbrosa melodía del saxo sobre un tenso colchón de sintetizadores. Un gran contraste con el final: un corte rítmico, alegre, donde regresa la voz de David Bowie, con ritmo disco-funk, The Secret Life of Arabia.
No es una obra fácil de escuchar: muchos elementos experimentales, contrastes y significados interpretables, algunos cortes con desestructuraciones difíciles de seguir, un sonido crudo electrónico. Pero aclamado como uno de los hitos musicales de la década.
Already Free - Derek Trucks Band (CD - 2009)
#Escuchando #19 EEUU (2009) Enlace
Down in The Flood, un tema de Bob Dylan avanza in crescendo, desde la instrumentación acústica del inicio, ornamentada con el Wurlitzer y el Clavinet, más atmosférica, a la irrupción del resto de la banda, y culmina con la slide quitar, llena de intensidad, y un muro de sonido de rock sureño a medio tiempo. La voz rugosa de Mike Mattison encaja a la perfección. sigue Mattison a la vez con Something to Make you Happy, tema que aviva el ritmo desde el funky, enriquecido con texturas de percusiones, wah-wah de fondo, algunos coros femeninos, hammond y arreglos de guitarra blueseros en la parte final.
El soul lento, pero lleno de groove, también con esencias sureñas, llega con Maybe This Time, cantado por Doyle Bramhall II.
Los ecos de Derek & The Dominos, Allman Brothers Band, y el eclecticismo del Clapton de los primeros años 70 atraviesa la música de este disco. Mucha clase, buenas canciones, buena ejecución, buena producción. Es una obra sobresaliente.
Arranca con órgano de misa y aplausos Sweet Inspiration. Es evidente que entramos en el territorio del gospel rítmico. Cada elemento en su lugar, reconocible, la voz de Mattison, el Hammond de Kofi Burbridge, la slide vibrante de Trucks, la base rítmica de Todd Smallie y el propio Trucks que grabó la batería, y Susan Tedeschi entre el coro de voces femeninas.
Don’t Miss Me es un blues de medio tiempo rotundo y clásico, y la secuencia mantiene la vena blues Get What You Deserve, a un ritmo más vivo, y con una slide quitar más juguetona. Our Love cambia totalmente de registro, una balada acústica folkie cantando de nuevo Doyle Bramhall II, y con un fantástico solo final de Derek Trucks.
La escuela Soul sobresale en Down Don’t Bother Me, que evoca a Joe Cocker en la interpretación de Mattison, y es vitaminado con arreglos rítmicos de Wurlitzer, y Days Is Almost Gone un fantástico tema lento lucido con una enorme sección de vientos (el espíritu de Otis Reeding mantiene su vigencia en el siglo XXI).
La voz de Susan Tedeschi (su mujer) es protagonista en el suave corte acústico Back Where I Started que enlaza con arreglos de sarod (instrumento de cuerda del la India) con I Know, un corte que bebe desde el comienzo de la influencia de Allman Brothers Band, aderezado de Wurlitzer, Hammond B-3, sección de vientos y coro gospel.
Already Free cierra susurrando en clave blues el disco en menos de 3 minutos, un álbum muy variado dentro de su acento sureño de funk, soul, blues, gospel, country… y el sonido de la slide de Derek Trucks que lo atraviesa todo.
#nickcave #idiotprayer #aloneatalexandrapalace
Then the pandemic came - the world went into lockdown, and fell into a eerie, self-reflective silence.

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Mountain - Flowers of Evil (CD, reedición US 1996)
#Escuchando
#31 EEUU
Edición.
Estamos en 1971, y Mountain ya había pasado su mejor momento de popularidad (dos discos top 20 en EEUU), y de hecho en esta ocasión no pasaron del nº31, y sería su último Top 40 en listas.
Pero este disco es una maravilla y bastante “completito”: tenemos dos joyas de de su vertiente de blues rock arreglos traídos de la psicodelia (Flowers of Evil y One Last Cold Kiss -con una intrigante melodía folkie-), con influencias de Cream que se notan más aún en Crossroader. El tono de Leslie West a la guitarra es pura crema. Suena de cine. El inicio con ruiditos de teclado de Pride and Passion ahonda en lo psicodélico, antes de entrar de lleno en un corte más melódico (¿y progresivo?) que sobrepasa algo los 7 minutos. Esta primera parte de estudio es francamente buena. Lo que llega detrás nos trae la parte bruta de Mountain, dominada por West: headbanging a tope, riffs y solos a go-go en Dream Sequence, medley-jam de 25 minutos de no tiene desperdicio. Y cierra con el clásico de los clásicos en directo, Mississippi Queen, con su riff mastodóntico y eterno. Discazo, con una mitad para cada momento.
Leslie West – guitar, vocals; Felix Pappalardi – bass, vocals; Steve Knight – keyboards; Corky Laing – drums, percussion
Black Sabbath Vol 4 (CD - edición remasterizada 2009)
#Escuchando
#5 UK; #13 EEUU; #14 Alemania
1972. Los elementos de donde se forma Metallica, Iron Maiden y tantos otros están aquí.
“Wheels of Confusion” lo tiene todo encapsulado en 8 minutos: intro con solo de guitarra épico, entrada de un riff de Iommi, y transcurrir en una ensalada de cambios de tempo, secciones instrumentales y riffs. Heavy progresivo, sin virtuosismo, pero con arreglos algo más complejos: el germen de muchas cosas que llegaron después. El último tema, Under The Sun, que se inicia con un riff siniestro, se desarrolla hasta casi 6 minutos con ingredientes parecidos (la sección “galopante” recuerda demasiado a Flight of the Rat de Deep Purple, del disco In Rock, 1970). Esos dos temas, junto con Supernaut (más rápido, más vivo, más electrizante) y Snowblind (primera mitad contenida, seguida de un solo de guitarra, de nuevo riff principal y después otro puente al galope), son los mejores momentos. La balada Changes (balada ¡al piano!, terreno en el que por suerte no hicieron demasiados intentos), el tema de “ruiditos” FX y la acústica instrumental Lacuna Sunrise dan cierta variedad y ciertas pretensiones de crecer musicalmente hacia otros horizontes. En fin, Black Sabbath se pusieron “progresivos” expandiendo sus horizontes (algún teclado salpica aquí y allá), posiblemente con sustancias por el medio (tengo sensación de estar ante una grabación algo sucia y descuidada).
Thunder - Live at RAK Studio 1 (2LP, 2014, firmado, limitado a 500 copias)
Los ingleses grabaron durante dos días de noviembre de 2014 en el RAK Studio 1, catorce temas, totalmente en directo, uno detrás de otro, sin paradas ni retoques.
No pudieron contar con el segundo guitarra Ben Matthews (enfermo de cáncer), y le sustituyó Pete Shoulder.
En fin, un repertorio que tiene 8 temas de Wonder Days, disco de estudio que publicaron en febrero del año siguiente, con el que regresaron al Top 10 en UK (desde 1995), y recibieron muy buenas críticas. Y 6 versiones que van de la Creedence a Thin Lizzy.
Hard Rock británico de nivelón. Thunder en plena forma. Sonidazo.
Rainbow - Rising (CD, remasterizado 1999)
#Escuchando
#11 UK; #48 EEUU; #38 Alemania (1976)
Edición
Mucha clase, tenían estos tipos. Se trata del segundo disco (Mayo, 1976) de la banda que formó Ritchie Blackmore tras salir de Deep Purple, y un par de meses de que la Mk IV se separase (Julio, 1976). Esto está a la altura de lo mejor que haya hecho Blackmore con Deep Purple (”In Rock” o “Machine Head”), o solo un peldaño por debajo, porque aquello eran palabras mayores. Veamos: Tarot Woman, Starstruck (con ese aire a Strange Kind of Woman), Stargazer (más épico imposible) y A Light in the Black (¡al galope!, una vuelta de tuerca más allá de Highway Star) son enormes, y Blackmore esta al máximo nivel. Pero ojo, no hay relleno (solo faltaba, son 6 temas para algo más de 33 minutos) Y Cozy Powell (batería, la entrada en tromba para comenzar Stargazer tiene tela) y Dio (voz) acompañando a Blackmore. No escribieron ambos páginas gloriosas en rock, ni ná. Jimmy Bain al bajo, además de Tony Carey a los teclados. Produciendo, Martin Birch. Un sonido fantástico. Cada instrumento en su sitio.
En fin, uno de los álbumes más influyentes en la escena de Heavy Metal melódico que explotó el la década siguiente.
Dark Side Of The Moon (SACD híbrido, edición 2003)
#Escuchando
#2 UK; #1 EEUU; #3 Alemania; #3 España (1973)
Inmersión en la experiencia de DSOTM, el universo de la locura y sus determinantes. Time (solo de guitarra imperial de Gilmour) y Money son clásicos universales. La edición SACD híbrido de 2003 parece ser de las mejores en calidad de audio.
The album got released March 1st 1973. It charted in the US until 1988 and, depending on what list you’re looking at, it’s the fourth best selling album of all time. GILMOURISH.
Lectura

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Oye, estoy aprendiendo mucho con "¿A quien vamos a dejar morir? de @javierpadillab. Momentos de inspiración y todo. #volviendoenALSAdeMadriz (en Benazolve, Castilla y León, Spain) https://www.instagram.com/p/B5GJZZ2i3rSI0FgU09-XNUTNwxZM0SkhjMT4Ts0/?igshid=1dlcpawdas520
@escuchando_elefantes, noche fantástica en Gijón (en Sala Memphis) https://www.instagram.com/p/B4n4__aCQuI5PUBnPR_qklXKnvMoqx0HFfiDg40/?igshid=1vs8kwqbceanj