Eran los años en que Tumblr reinaba en una esquina importante de internet. Sobre todo entre aquellxs que nos habíamos mudado de los sitios de la era de blogspot.com (Blogger) a la era de tumblr.com. Y así, en medio de la efervescencia de la plataforma, donde se compartían las creaciones más diversas, un día me topé con posts de Odd Future mientras buscaba música nueva. Scrolleando, empecé a ver posts taggeados con Odd Future Wolf Gang Kill Them All, OFWGKTA y demás apodos con los que se conoció al colectivo liderado por Tyler, The Creator. 

Screenshot tomado de oddfuture.tumblr.com

No pasó mucho tiempo para que me perdiera en un laberinto sin salida del universo de Odd Future. Discos, mixtapes, singles, videos, vlogs, posts y demás publicaciones relacionadas con el colectivo. Todo con una estética que se sentía joven, mediada por las dinámicas de la Web 2.0, pero bien anclada en tradiciones tanto del hip hop como del punk, con un espíritu desafiante y que apelaba —de nueva cuenta— al Do It Yourself. Sin embargo, Earl Sweatshirt me pareció, desde el principio, uno de los integrantes más interesantes por su estilo escritural. Un estilo problemático, ya que abordaba temáticas por demás cuestionables y condenables, pero que daban cuenta de su capacidad para contar historias a través de sus versos (algo que se había perdido en el rap más comercial) .  

Portada de EARL de Earlsweatshirt.

En dicho sentido, sentí que era un rapero que navegaba más recargándose en el peso de su escritura y de sus metáforas. Hecho que me parecía alejarlo del desmadre del resto del colectivo y del proceder de Tyler, The Creator, quien, en esos años, actuaba más desde el efectismo, apostando por una figura profundamente controversial y problemática, pero indudablemente carismática (y no por ello menos talentosa). Una suerte de antihéroe y trickster (pícaro divino) del rap de inicios de la segunda década del siglo XXI. No así Earl Sweatshirt, quien, a pesar de haber entrado en el caos del resto del colectivo (lo que le valió un exilio en Samoa y que los demás utilizaron como meme para crear el movimiento Free Earl), parecía discurrir más dentro del rap a través de su oficio escritural. Y así Earl se convirtió en uno de los discos que escuché muchísimo entre 2010 y 2011. 

Free Earl: cuando Odd Future clamaba por el regreso de Earl de Samoa a Estados Unidos. Tomado de oddfuture.tumblr.com

Ahora, casi dieciséis años después de haberlo escuchado por primera vez en aquel mixtape que subieron al Tumblr de Odd Future, tendremos la oportunidad de escucharlo en vivo en la CDMX como parte de su concierto con MIKE, otro rapero norteamericano que fue protegido de Earl Sweatshirt y con quien ha colaborado en diversas ocasiones. Incluso recientemente lanzaron POMPEII // UTILITY, un disco doble en conjunto (a la Speaker Boxxx/The Love Below de Outkast). Esta producción, que cuenta con 33 tracks, es lo último que ha lanzado Earl Sweatshirt y podremos escucharlo interpretarla en vivo este viernes 24 de abril en la Sala A del Foro Indie Rocks en la Ciudad de México. 

Portada de POMPEII // UTILITY de Earl Sweatshirt + MIKE.

Los boletos están disponibles a través de la plataforma Fever y tienen un precio a partir de 840 pesos mexicanos en acceso general.

¿Qué canciones de Earl Sweatshirt les gustaría escuchar en vivo? ¡Díganme en los comentarios!

Escuchen POMPEII // UTILITY aquí:

El MAGICMAN 2 WORLD TOUR es la segunda gira mundial en solitario del artista Jackson Wang. Tras el éxito de la MAGIC MAN WORLD TOUR, que abarcó 24 ciudades en cuatro continentes y le ha valido un espacio en la música pop comercial actual.

En julio de 2025, Wang lanzó su disco MAGICMAN 2. Con este proyecto se convirtió en el primer artista chino en lograr dos álbumes consecutivos en el Top 15 de Billboard y, del mismo modo, ha estado en el top de distintas listas de popularidad en Estados Unidos y en el mundo.

El artista se presentará el lunes 20 de abril en el Palacio de los Deportes de la CDMX. Los boletos están a la venta a través de Ticketmaster.

Los días 20 y 21 de abril se presentará The Weeknd en el Estadio GNP como parte de su gira After Hours Til Dawn. La cantante brasileña Anitta estará a cargo de abrir ambas fechas.

El After Hours Til Dawn Stadium Tour, celebra la trilogía de álbumes de The Weeknd: After Hours (2020), Dawn FM (2022) y Hurry Up Tomorrow (2025) y presenta también aquellos temas que le llevaron a tener notoriedad internacional.

Los boletos están a la venta en la plataforma Ticketmaster.

El Body High tour sirve como culminación de gran parte de lo que FKA twigs ha perfeccionado en la última década. La artista se presentará el jueves 23 de abril en el Pepsi Center de la Ciudad de México.

El concierto promete ser una velada en la que la iconoclasta hará gala de sus habilidades, que abarcan las artes marciales, la ópera, las artes visuales, el vogueing, el pole-dancing y la formación clásica en danza. Su formación clásica, por ejemplo, le valió un debut en solitario como bailarina y huésped de honor en la Martha Graham Dance Company en 2024.

La gira Body High apuesta por poner en escena los mundos que FKA twigs ha urdido a través de su labor artística de los últimos años y que pueden plantearse como experiencias inmersivas para el público. Y por si fuera poco, Eartheater abrirá la noche.

Boletos disponibles en Ticketmaster.

Por último, tendremos la oportunidad de escuchar en vivo al icónico rapero norteamericano Earl Sweatshirt en la CDMX como parte de su concierto con MIKE en el Foro Indie Rocks.

Earl Sweatshirt y Mike tienen una historia conjunta que se remonta a varios años y los ha llevado a colaborar en diversas ocasiones. Incluso recientemente lanzaron POMPEII // UTILITY, un disco doble en conjunto (a la Speaker Boxxx/The Love Below de Outkast). Esta producción, que cuenta con 33 tracks, es lo último que ha lanzado Earl Sweatshirt.

Y ahora podremos escucharlos en vivo este viernes 24 de abril en la Sala A del Foro Indie Rocks en la Ciudad de México. 

Boletos a la venta en la plataforma Fever.

Ya desde hace unos cuantos años la había topado de refilón en mi radar por el video de su tema “Té de Piña”. Sin embargo, en 2025, por fin, me senté a escucharla cuando lanzó su segundo álbum de estudio, Desde el Coma. 

Me sorprendió gratamente, ya que me hizo pensar en los caminos nuevos por los que lo Urbano (en la vaguedad e imprecisión de la etiqueta) está navegando. Cada vez más son lxs artistas como BRUSES quienes se aventuran a jugar en terrenos novedosos de lo Urbano (porque, a final de cuentas, lo Urbano se hizo Pop). 

Ya casi quedaron atrás los tiempos, en gran medida, del Reggaetón melódico, fresa, blanqueado, masificado y empaquetado para vender en masa a lo largo y ancho del mundo. Y ya en una época un poco menos cínica (además de desfuncionalizada y que no sabe exactamente hacia dónde tirar), propuestas como las de BRUSES se perfilan para convertirse en la nueva norma. ¿Será entonces que lo edgy se convertirá en el nuevo Pop? Probablemente. Pero sólo el tiempo lo dirá.

Sin embargo, canciones como “QUERIDA AMALIA:” me llevaron a escuchar varias veces Desde el Coma e irme más atrás en lo que la artista ha lanzado. Sé que a algunxs millennials se les hará difícil entrarle a la música de la tijuanense. Les entrarán los referentes de nuestra generación (o de generaciones previas) que, automáticamente, les llevarán a comparar o descalificar a BRUSES. “Se parece a equis o ye”, “Eso ya lo hizo Mengana en tal año”, “Qué hueva, suena a tendencia de TikTok”. Pero bienvenidxs a la historia del arte y el entretenimiento. ¿Quién, en su sano juicio, va a pensar que hay cosas absolutamente novedosas en la música?

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Y así, tras escuchar bastante a la tijuanense en la segunda mitad de 2025, pedí la acreditación para su concierto sin pensarlo dos veces. El domingo primero de febrero llegué al icónico Teatro Metropólitan en la Ciudad de México a las 6:30 pm. Saqué algunas fotos y videos afuera del recinto con mi celular, porque no permiten el ingreso de fotógrafxs externos a la organización del evento. 

En medio de la calle Corregidora del Centro Histórico, pude ver que la edad promedio de lxs asistentes era de adolescentes en su mayoría, luego adultxs jóvenes y, en menor medida, millennials que iban por iniciativa propia o por parte de la prensa para cubrir el concierto o cuidar a sus hijxs. Por ello, me acordé de lo que observé y reseñé del concierto de Milo J hace un tiempo.  

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

La artista empezó diez minutos después de las siete de la noche, en medio del griterío de las casi tres mil personas congregadas en el teatro de estilo art déco, que sirvió como escenario perfecto para el concierto de la cantante. BRUSES salió a escena amarrada a una camilla, acompañada por doctores que intentaban retenerla. Y así empezó una velada caracterizada por la teatralidad y por establecer un hilo conductor directo con el álbum Desde el Coma, en el que temáticas de salud mental, heridas, trastorno límite de personalidad, daño autoinfligido, depresión e incluso abuso sexual aparecen en sus letras.

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

En dicho sentido, BRUSES se aleja de las temáticas fáciles y los lugares comunes de la música Pop para meterse en ámbitos más oscuros y densos que los que generalmente figuran en las listas de popularidad. Y si bien hay diversas esquinas de la música y el internet que tienden a mercantilizar estas temáticas para convertirlas en bienes de consumo y entretenimiento, también es cierto que la propia vida de la artista parece establecer sus temáticas más bien como un proceso de catarsis y de verbalización de lo vivido. Una que va más allá de ser sólo una impostura mercantilizadora para adentrarse en el terreno de la ficcionalización de lo autobiográfico (aunque, de todos modos, en algunas de esas narrativas podamos encontrar aspectos cuestionables).  

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

El concierto duró más de dos horas, en las que BRUSES interpretó 26 temas, junto con una serie de invitadxs, una banda completa y un DJ, así como músicxs de cuerda, un coro, bailarines y actores. En algunos momentos a lo largo de la velada, sobre todo cuando interpretaba sus temas más Pop, previos al Desde el Coma, me di cuenta de que mi respuesta (para sorpresa de nadie) no era igual de entusiasta que la de su público más joven (como la de la morra gringa que tenía atrás mío, que lo mismo coreaba las canciones en español o se la pasaba diciendo, “OMG, THAT’S SO WEIRD!”, con su inconfundible acento de SoCal). Y eso está completamente bien y es de esperar.

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Sin embargo, también tuvo múltiples momentos a lo largo de la noche con los que dije “justo por eso quise venir a verla en vivo”. Me gustó muchísimo su capacidad de conectar con el público, incluyendo momentos en los que, como parte del performance, bajó a cantar entre sus fans. Disfruté (y esto no lo vi venir) verla coverear "Odio Amarte" junto con las Ha*Ash, quienes fueron sus madrinas de función. Me encantó su flow en cortes como "NAVAJA (rika cumbia gotika)" y "GOTIKULONA". Pero, sobre todo, me gustó su apuesta por la teatralidad y el performance, en los que la música, el escenario y el vestuario recibieron un gran cuidado. Particularmente, a partir de “Té de Piña”, la vigésimosegunda canción que interpretó en la noche, cuando salió al escenario con el vestuario más histriónico, acompañada de su banda, de bailarines y performers, de músicxs de cuerda y de un coro. Esta última recta me recordó a cuando yo tenía catorce años y escuché por primera vez los arreglos de cuerda en “Luna” de Zurdok en su Hombre Sintetizador. Me puse a pensar que algunxs de lxs adolescentes allí presentes escucharían por primera vez en vivo arreglos Pop acompañados por cuerdas y un coro. Y eso, en medio de lo hipotético, me dio gusto. 

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

BRUSES se lució con la puesta que hizo en el escenario del Teatro Metropólitan. En la que logró cautivar a lxs allí presentes. Incluyendo a lxs mayores. Y es que la artista mexicana de 28 años tiene temas que pueden conectar con millennials, la Gen Z o la Generación Alfa. Incluyendo al tío rancio que esté dispuesto a bajar sus prejuicios musicales y a escuchar lo que hoy se está haciendo.  

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

Fotografía por Liliana Estrada - Cortesía OCESA

EL GRAN COMBO DE PUERTO RICO

Lxs puertorriqueñxs crecimos escuchando El Gran Combo de Puerto Rico, sin importar si estábamos en la isla o en la diáspora. La agrupación, fundada en 1962 por Rafael Ithier (quien falleció a los 99 años en diciembre de 2025), es uno de los grupos más icónicos de la historia de la música puertorriqueña. Y este 2026 se presentará en la Ciudad de México, frente a un público estimado de 80 mil espectadores (recordemos que en 2025 el festival tuvo una asistencia aproximada de 160 mil, a razón de 80 mil por día).

Probablemente la producción del festival tomó en consideración la coyuntura cultural que han supuesto discos como el DTMF de Bad Bunny, en los que hay un regreso notorio a los sonidos de la Salsa, la Bomba y la Plena. En un contexto en el que diversos artistas han sampleado grandes éxitos de agrupaciones icónicas de la isla, como El Gran Combo, y han presentado su sonido a una nueva generación. Como es el caso de “NUEVAYoL”, de Bad Bunny, que sampleó  “Un Verano en Nueva York” de El Gran Combo de Puerto Rico y Andy Montañez.

Ver a El Gran Combo de Puerto Rico en el Vive Latino 2026 es una oportunidad única de presenciar a verdaderos arquitectos de la Salsa. Innumerables músicos y exponentes de lo Urbano, por ejemplo, saben de lo esencial de El Gran Combo de Puerto Rico como fuente de referencia e inspiración constante. Es por ello que son un combo cuya influencia ha cruzado generaciones y géneros. Si les apasionan la historia musical latina, los ritmos que ponen a bailar y la conexión entre el pasado y el presente sonoro, su presentación será uno de los momentos más memorables del festival.

REYNA TROPICAL

No me cansaré de repetir, año con año, que el Vive Latino tiene varios problemas (como su asociación problemática con Amazon y todo lo que ello implica). Uno de ellos es un error craso en pleno 2026: la escasa representación de las mujeres en el cartel. Ya la cantante mexicana cKovi lo decía en la conferencia del año pasado. Y este año, una escena similar, de 32 personas en el escenario, sólo cuatro de ellas eran mujeres. Y no es como que en LatAm no haya mujeres haciendo música. Hay muchísimas y muy talentosas, tanto en proyectos solistas como en colectivos y bandas. Y parece que a la organización del Vive Latino, a veintiséis años de existencia, no le ha llegado el memo.   

Pues bueno, Reyna Tropical es una de las mujeres que está en el cartel del Vive Latino 2026. Considero que es una de las propuestas más interesantes del lineup de este año, en un proyecto musical que discurre en los sonidos de la diáspora Tropical. Liderado hoy en día por Fabiola Reyna desde Los Ángeles (tras el fallecimiento en 2022 de Nectali “Sumohair” Díaz, el otro cofundador del proyecto), su sonido es una fusión orgánica de ritmos afroindígenas, cumbias latinoamericanas, coladas congolesas y texturas electrónicas que se perciben como un viaje retrofuturista. Y así, esta propuesta busca honrar las tradiciones populares mientras las transforma desde perspectivas queer y mestizas.

Va a estar cabrón ver y escuchar a Reyna Tropical en Vive Latino 2026. Me llama la atención, pues me da la impresión (por lo que he visto de ella en línea) de que será una manera de presenciar una experiencia sonora rica, diversa y profundamente humana. 

ILLYA KURYAKI AND THE VALDERRAMAS

“¡Paren las rotativas! ¡Paren las rotativas!” (referencia a Alejo y Valentina). Pero sí, cuando vi el año pasado que Illya Kuryaki and the Valderramas venían al Vive Latino, quise que pararan las rotativas. Recuerdo que le escribí a uno de mis queridos amigos y le dije: “Sólo por Illya Kuryaki and the Valderramas valdrá la pena ir al festival”. 

Recuerdo que empecé a escucharlos cuando llegué a México en 1997. Los descubrí gracias a su video “Expedición al Klama Hama” que estaba en la rotación de Mondo Fonk en MTV, hosteado por Leandro. Y así, siendo un adolescente que se la pasaba escuchando rap, rap underground, raggamuffin y más, quedé rendido ante su estética tan particular.

Este dúo argentino, conformado por Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur, se ha convertido en un hito de la música argentina y en español gracias a su mezcla inconfundible de Rap, Funk, Soul y Rock y una estética audiovisual bien característica. Y desde los años 90 han roto esquemas, definido una forma nueva de hacer música en Latinoamérica y han influido en otras generaciones (fue un elogio cuando Ca7riel y Paco Amoroso fueron comparados con IKV). 

Este regreso a los escenarios (que el dúo ha etiquetado como puntual y breve) es especial porque no es sólo nostalgia. Es la oportunidad de experimentar en vivo la creatividad y la energía de una de las agrupaciones más importantes de la música argentina y en español.

Viernes por la noche en la CDMX, a finales de noviembre y en la quincena. Así que se imaginarán el tráfico paralizante de esta urbe de metal y concreto. Decidí ir en Metrobús pues el transporte público sigue siendo, con todo y su miríada de problemas, una de las maneras más eficientes de transportarse en la capital del país.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Me encaminé hacia el sur de la ciudad para escuchar a uno de mis raperos puertorriqueños favoritos de los últimos años, PJ Sin Suela. El Foro se encuentra ubicado en la Av. de la Paz 57 en San Ángel. Al encontrarse al sur de la ciudad, se sale del circuito de foros ubicado en Roma-Condesa (Antro Juan, Tonal, Foro Indie Rocks! y otros). Sin embargo, es de fácil acceso, ya que se encuentra a tres minutos a pie de la estación de Metrobús La Bombilla.

Llegué al recinto a las 8:40 pm. Todavía había poca gente en el interior del Foro La Paz. Un par de boricuas se me acercaron cuando vieron que llevaba mi gorra con la bandera puertorriqueña. Platicamos unos cuantos minutos sobre la experiencia de vivir tanto en México como en Puerto Rico. Y casi al filo de las nueve de la noche, las luces se apagaron y empezó a escucharse la voz del primer acto de la velada.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Immasoul, la cantante afromexicana de R&B, fue la encargada de prender motores y abrir el concierto de su amigo querido, el rapero y cantante ponceño.

Ya en marzo de este año había tenido la oportunidad de escucharla en vivo, en la release party de su disco PISTOLA en Tonal. En el disco de once canciones, podemos encontrar "BIGSHORTYS", una colaboración con PJ Sin Suela. Aquella noche pensé que el bori saldría a escena para cantar el corte. Pero tendríamos que esperar ocho meses para escuchar a lxs dos artistas interpretándola juntxs en vivo.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

La presentación de Immasoul duró alrededor de veinte minutos. Interpretó varios de sus éxitos e hizo gala de su voz y de sus pasos de baile ante un público que no la conocía, pero que fue llamándole la atención su propuesta. Más tarde en la noche, apareció en escena junto con PJ para interpretar "BIGSHORTYS". (Les recomiendo estar pendientes de las próximas presentaciones de la cantante, pues es una artista que vale la pena escuchar en vivo.)

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Después de la presentación de la intérprete afromexicana, tuvimos que esperar alrededor de veinte minutos para que el rapero ponceño saliera al escenario. Los litros de cerveza y destilados corrían por la pista (la cerveza más barata en lata costaba 70 pesos). Y así, al ritmo de música y alcohol, mexicanxs, boricuas y gente de otras partes de LatAm platicaban o bailaban mientras esperaban que la tarima se encendiera de nuevo.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Y por fin llegó el momento en que se leyó el nombre "PJ Sin Suela" en la pantalla detrás del escenario. Salieron a escena el bajista y el baterista que acompañaron a PJ, y poco después salió corriendo al escenario el rapero puertorriqueño, con su inconfundible cabellera, lentes oscuros y la chamarra chinita (anaranjada) que llevó como parte de la estética de su disco del año pasado, Todo Tiempo Tiene Su Encanto.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Con su mirada y su sonrisa afable, se montó en el escenario del Foro La Paz; al poco tiempo, se descalzó (para hacerle honor a su nombre artístico) y nos llevó en un breve repaso por su discografía. Y, sin embargo, nos regaló momentos que quedaron grabados en la memoria.

Habló de Palestina entre canciones, para después entonar “Mambru”, el himno decolonial y antibelicista tan necesario en estos tiempos aciagos. Clamó por un Puerto Rico libre y una Latinoamérica unida. Acto seguido, nos puso a todxs con las luces de los celulares para acompañarlo y corear las barras de “Nunca es Suficiente”, ese corte que cuestiona el consumismo, la competencia, el individualismo e insatisfacción crónica que abundan en redes sociales. O cuando nos puso a perrear hasta el subsuelo con algunos de sus temas, como “San Dunga” o “BIGSHORTYS”, su colaboración con la cantante afromexicana (y su amiga querida) Immasoul.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

La carrera de PJ Sin Suela se ha cocido a fuego lento a lo largo de los años. Y eso se agradece en un contexto de inmediatez, en el que muchas propuestas musicales se sacan del fuego mucho antes de que terminen de hornearse.

Ya van casi 13 años de su tema “Utopía” y en el inter han habido muchos sencillos, EPs, discos y mucha vida. Porque sí, PJ, que lo mismo rapea y canta, que se dedica a servir a los demás a través de la medicina, ha vivido mucho desde que empezó a lanzar música en internet hace más de diez años.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Y así tenemos una de esas carreras que se ha tomado su tiempo para madurar y se mantiene al margen de las tendencias fáciles. Cuando PJ ha rapeado, lo ha hecho porque quiere; cuando ha lanzado perreos, también. Así como cuando ha urdido temas que van por la bossa nova o por el reggae. Porque PJ da la impresión de hacer lo que quiere sin afeites, como alguien que se toma el tiempo para vivir y contar las historias que en el camino va experimentando, las vidas que impacta y las que lo tocan de vuelta.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

PJ Sin Suela es grande sin tener que fingirlo. Su sencillez parece guiarlo en medio de una industria plagada de espejismos. Su primer concierto como acto principal en la CDMX fue un recordatorio de ello. Y auguro que será el primero de muchos.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

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Esta artista argentina nacida en Morón, no hace reggaetón convencional, sino una mutación que, aunque no es novedosa, supone una ruptura con los sonidos complacientes actuales de lo urbano. Así entra en los terrenos de la electrónica, el reggaetón clásico, el neo perreo y construye una propuesta sudorosa, visualmente glitchy y que termina siendo profundamente política por la anti-vía. 

Lo suyo es el ravetón, una mezcla de la cultura raver y beats de reggaetón, mucho de estética de internet actual, anime erótico, y un performance que no le debe nada a nadie. En dicho sentido, Six Sex no está aquí para complacer listas amigables de popularidad. Su música está cabrona para bailar,  incomodar, liberar y encender la pista.

¿Por qué importa Six Sex?

Sacada de las fiestas underground porteñas, esta artista levanta una bandera anticonformista a través de una disidencia audiovisual y corporal. Su música no sólo nos pone a mover el culo, sino que lo hace por medio de narrativas que se alejan de lo vainilla y seguro de la heteronormatividad.

Tanto el performance como la estética de Six Sex se nutren de diversos registros, la cultura digital, guiños al hentai, el pop, el electro y experimentaciones en el terreno de lo urbano. Todo para encarnar explícitamente al deseo. Así tenemos una propuesta que no sólo alude a escandalizar y ser controversial como fines en sí mismos. Sino como la manifestación de aquéllas dinámicas que históricamente se han encontrado más allá de los márgenes de lo heteronormado. Y entonces se convierte en un ejercicio de liberación y empoderamiento a través de lo queer, visibilizando el deseo no normado, apropiarse del reggaetón y la cultura rave como espacios de goce, protesta y posibilidad. 

Su propuesta se vuelve no sólo relevante, sino urgente en un panorama saturado de fórmulas vacías y estéticas domesticadas y con vuelcos retrógradas hacia el conservadurismo y las derechas, tan peligrosos para la comunidad queer y no conformista.

5 canciones y videos para entrarle a Six Sex

1. Tócame (ft. Dillom)

Un tema con energía sucia y sensual, que va del doble sentido y simbolismo visual y lírico, a lo completamente explícito y abierto. Con capas electrónicas y una química explosiva con Dillom. El video parece un cruce entre videoclip noventero, videojuego porno, glitch art y un tutorial de cómo realizar un RCP sexual.

Por favor, que llamen a un doctor Me siento rara, siento mucho calor Vení, seguime, vamos al sillón Abrí la boca, que se viene lo mejor

 2. Bitches Like Me

Empoderamiento sin filtro de su más reciente álbum. Six Sex se planta con voz una voz juguetona pero con un mensaje contundente.

Oh my god, those bitches can’t see All they do is go against me

Una manera para entender su propuesta estética: colores y vestuarios vibrantes y sensuales, frente a una escenografía minimalista. Todo con un delivery que va de lo festivo a lo desafiante.

3. Performance Actitud (Pose)

Aquí entra la escena del ballroom, el voguing y una actitud no conformista y afilada. Y así la canción y el video se convierten en momentos icónicos del goce nocturno.

Es de noche y esta todo bien Aunque mis amigas se porten mal Call me later i don't know what's happening now Me divierte la música El show Performance actitud Pose

Esta canción es uno de esos puentes entre lo bailable y lo performático. Su estética recuerda al under queer que podemos encontrar en Buenos Aires y el resto de Latino América.

4. U&ME

La sexualidad alejada de la monogamia y la heteronormativad en una canción y video. El beat es más suave, pero no por ello menos atrevido.

Papi, dime lo que quieres hacer Ella, vos y él, también Encerrados en el cuarto de hotel We are six, I love sex

Aquí mezcla texturas sonoras y liricales que dan cuenta de la diversidad sexual. Un video que se siente el entrecruce entre el porno y el Dance Dance Revolution.

5. Area 69

Este track se va por los parajes de un viaje enervante, noches de desenfreno y hasta cierto punto grotescas, como alegoría de la escena underground.

Lo que quiero me lo consigo me quiere hacer lío pero es un desconocido A la noche pendiente de mi Pero cuando culeo ya no pienso en ti Miro el celu un porro en la boca me muestra lo que tiene pero ya no tomo coca ah Me dice mala Cuando le queda poca Y ahora cuando sonríe Su cara parece rota

Una referencia sci-fi cruzada por la felación y el cunnilingus, sonorizados con un reggaetón y cumbia villera sucios con tonos cyberpunk. Ideal para cerrar este viaje por el universo ravetón de Six Sex.

La performer argentina, que ha ido abriéndose paso desde el underground, tendrá un concierto en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México el jueves 10 de abril de 2025 a las 19 horas.

Los boletos para el concierto están en 600 pesos mexicanos y pueden conseguirse a través de la plataforma Passline.

Acá pueden escuchar su nuevo EP, X-sex.

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De hongos alucinógenos, cannabis y Brasil

En 2002, Madlib viajó a São Paulo para participar en la Red Bull Music Academy. Durante su estancia, produjo una parte importante de los beats del Madvillainy en su habitación de hotel. Para hacerlo echó mano de un tocadiscos portátil, una grabadora de cassettes y un sampler SP-303. En una dinámica de producción que se ha hecho más ubicua en diversos géneros musicales con el paso de los años, en la que músicos y productores crean incluso cuando se encuentran viajando y hospedándose en habitaciones de hotel.

Además, las sesiones de grabación estuvieron marcadas por el consumo de hongos alucinógenos y cannabis, lo que se notó en la impronta psicodélica, onírica -e incluso pesadillezca- del Madvillainy.

¿Benditos cleptómanos?

Catorce meses antes del lanzamiento oficial, una versión incompleta del Madvillainy fue robada y filtrada en internet. En ocasiones, la filtración de producciones puede resultar contraproducente y termina afectando negativamente la distribución y recepción de un álbum. No obstante, ese no fue el caso de esta producción. La filtración, por el contrario, creó una especie de anticipación y hype inigualables en la escena underground, aumentando la antelación con el que el público esperó el lanzamiento oficial del Madvillainy.

La historia detrás de la icónica portada

La portada de Madvillainy, la imagen en blanco y negro de DOOM con su máscara (que ha resignificado a este motivo de la cultura pop) tuvo varios referentes como inspiración. El director de arte de Stones Throw Records, Jeff Jank, reveló hace años en entrevista que la portada del Madvillainy, incluyendo el cuadrado naranja en la esquina superior derecha, fue un guiño al álbum debut homónimo de Madonna (1983).

La foto en blanco y negro me recordó a la portada de Madonna, donde la 'O' era naranja. Quise hacer un pequeño chiste interno con ello. Jeff Jank en entrevista con Egotripland

Comparativa de portadas de Madonna (1983) y Madvillainy (2004)

Jank también compartió que se inspiró en la portada clásica del disco In the Court of the Crimson King de King Crimson, cuyo rostro rojo lo aterrorizaba de niño y deseaba que la imagen de DOOM generara un impacto similar en futuras generaciones.

Portada de In the Court of the Crimson King (1969) de King Crimson

¿Samples de terror en "The Illest Villains"?

Madlib es conocido por su maestría al encontrar samples oscuros y difíciles de identificar. En el track "The Illest Villains", el intro del álbum, sampleó siete películas de terror clásicas: Frankenstein (1931), I Was a Teenage Frankenstein (1957), Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1941), I Was a Teenage Werewolf (1957), Dracula (1958), The Ghost of Frankenstein (1942) y, como cereza del pastel y haciendo un guiño intertextual al título del álbum y el dúo, The Documented History of the Fabulous Villains (1989).

Posters de películas sampleadas en "The Illest Villains" de Madvillainy (2004)

Una (r)evolución en la estructura del Hip-Hop

A diferencia de la mayoría de los álbumes de Rap de su tiempo, Madvillainy no tiene coros ni ganchos tradicionales. El disco está sumido en una estética onírica que visita las costas del Jazz, Soul, Funk, Rap y demás itinerancias sonoras. Las canciones son relativamente breves (la mayoría no supera los tres minutos) lo que crea una experiencia fluida e hipnotizante mientras vamos de la mano de las letras de DOOM. Esta estructura y manera de urdir universos sonoros ha influenciado a generaciones posteriores de artistas (tanto de la música comercial como del underground) y consolidó a Madvillain (MF DOOM y Madlib) como exponentes que revolucionaron el género.

¿Cuáles son sus canciones favoritas del Madvillainy? ¡Díganme en los comentarios!

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No así la carrera de RaiNao, quien se ha tomado el tiempo de experimentar sonora, visual y performáticamente. En el proceso ha sacado muchos sencillos y colaboraciones notables, lanzó su EP, ahora A.K.A. NAO (2022), también su álbum, CAPICÚ (2024), y la reedición de aniversario de éste de 2025. Así pues, RaiNao se presentó en Antro Juan con una labor creativa a cuestas que denota tiempo, esfuerzo y reflexión dedicados, alejados del pavor a la irrelevancia (o de “estar apaga’os”) en una industria que pelea constantemente por nuestra atención. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El concierto en Antro Juan se sintió, dentro de su brevedad y sencillez, como un acto de goce y disfrute y también como uno de resistencia (¿Y no son el goce y el disfrute actos de resistencia en un sistema que nos otorga valor en la medida en que producimos?). Hecho que no sorprende viniendo de una artista puertorriqueña, con todo lo que ello implica desde una perspectiva histórica. En dicho sentido, podemos pensar cómo Antro Juan se ha convertido en los últimos tiempos en un espacio de referencia para propuestas musicales emergentes o en ascenso. 

Desde dicha perspectiva, para quienes no han seguido la carrera de RaiNao desde hace años, puede percibirse como una artista en ascenso, aunque artísticamente tiene muchas más tablas que otras personas de su generación que en menos tiempo han logrado fama y notoriedad y no es que se trate de una competencia, aunque el mercado y el sistema económico en que vivimos planteen la producción y consumo del arte y entretenimiento desde dicha perspectiva. 

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Por ello el quehacer creativo de RaiNao supone un acto de agencia y resistencia en una industria que gusta de fórmulas fáciles y complacientes. Aquéllas que están dispuestas a deshacerse de las características incómodas en las que su complejidad y ángulos más interesantes se entrañan, pero que suponen filos que resultan peligrosos a la hora de mercadear esas propuestas a las masas. Mismas que son hiper simplificadas por mercadólogxs a través de segmentaciones de mercado para saber qué, cómo y cuándo venderles. Si bien existe una tradición de mercadear identidades no conformistas, también es cierto que aquéllas que no terminan convirtiéndose en una caricatura de sí mismas y se atreven a mutar con el paso del tiempo, suponen un problema para ser controladas, manejadas y vendidas. Sobre todo cuando se piensa en el afán que tienen muchas disqueras, sellos y productoras de recuperar sus inversiones.

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El concierto de RaiNao fue un recordatorio de ello. La artista boricua no tiene empacho en mostrar su lado más artístico, como cuando lleva su saxofón incluso en un espacio tan reducido como la tarima del Antro Juan,  un recordatorio simbólico de cómo figura el arte en su propuesta. Tampoco tiene reparo en habitar narrativas sensuales y eróticas en escena empleando su lado más performático a través de la danza, que nos llevan a asumirnos como seres que no sólo buscamos, sino que merecemos, gozar y disfrutar. Y entonces uno se imagina medios de comunicación, revistas, diarios, televisoras, jefes de programación y publicistas rompiéndose la cabeza: “Esto está demasiado artístico, muy erótico, por demás queer para el gusto heteronormado, ¿Qué hacemos? No sabemos dónde carajos ponerla”. 

Y es que con propuestas como las de RaiNao, difíciles de encasillar en un solo ámbito, el afán de mercantilización se encuentra con diversos obstáculos que no siempre se enfrentan de la mejor manera. Así, volviendo a una noción superficial regida por la narrativa de la comercialización de la carrera musical de RaiNao,  pareciera que su carrera apenas va en ascenso. Entonces llegan las preguntas: ¿Ascenso a dónde? ¿A la fama? ¿Al éxito comercial? ¿A figurar en tendencias y que por fin se recupere la inversión de tiempo, dinero y capital humano en mercadear su propuesta? En medio de estas reflexiones que me quedaron a partir del concierto de la bori en el antro ubicado en la Roma Norte de la CDMX, recuerdo que muchas veces las narrativas del sistema en que vivimos están mediadas por el afán de ganancia más que por la autenticidad artístico-musical, como sea que ésta se manifieste individual o colectivamente al interior de un proyecto artístico. 

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El público del show respondió con intensidad el performance de RaiNao, quien demostró que utiliza más de un lenguaje para comunicar su propuesta artística. Y es que no sólo emplea su voz para contar las historias de sus canciones. También usa su cuerpo para comunicar a través de la expresividad de la danza. Del mismo modo, conecta con un carisma natural que no se siente trabajado por una agencia que le enseñó a manejar medios y públicos. Así como el empleo de su saxofón, aunque en esta ocasión no utilizó tanto como lo ha hecho en otras presentaciones. Del mismo modo, lleva invitadxs al escenario que son parte del oldschool del Reggaetón, como Randy Nota Loca, o MJ Nebreda, con quien colaboró en su tema “EVA”. Y demuestra la sinergía profunda y el trabajo colaborativo al que ha llegado con su equipo. 

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Así el Antro Juan, en medio de los gritos del público, las canciones coreadas, el perreo y guayeteo, fue testigo de una noche en la que RaiNao volvió a poner el dedo en el renglón: llegó para quedarse, para hacer de su carrera un acto de resistencia frente a las exigencias de una industria que busca mercantilizar las propuestas artísticas, aunque en el proceso se deshagan de todas aquellas características que les permiten conectar con personas no conformistas que están buscando algo distinto entre tantas propuestas idénticas y autorreferenciales, producto de una industria cínica que termina depredándose a sí misma. Por eso creo que dentro de unas cuantas décadas, cuando se escuchen otros géneros alejados de los lindes sonoros del Reggaetón, R&B, Trap y demás estéticas metidas a cojón bajo la categoría de lo Urbano, la discografía de RaiNao habrá trascendido las barreras espacio-temporales y permanecerá como un referente artístico genuino sinónimo de resistencia, mientras otras propuestas habrán quedado en el lugar efímero de entretenimiento de un solo uso.

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Pueden escuchar la versión de aniversario de CAPICÚ (2025) en plataformas de streaming.

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1. Grabación en una mansión junto al mar

Para la producción de Morning View, Incubus alquiló una mansión en Malibú, California, ubicada en la calle Morning View Drive, de la que el álbum toma su nombre. Durante poco más de un mes, los integrantes de la banda vivieron y trabajaron en esta casa idílica frente al mar. Allí compusieron y grabaron día y noche los temas que conforman el álbum. El vocalista Brandon Boyd comentó en algún momento que el ambiente relajado de la mansión les permitió conectarse con su creatividad. Este campamento se convirtió en una especie de lugar seguro en el que pudieron crear sin la presión de igualar el éxito de su álbum anterior, el Make Yourself lanzado en octubre de 1999. 

2. Influencia de Björk en "Aqueous Transmission"

El corte etéreo y con tintes Trip-Hop de casi ocho minutos, "Aqueous Transmission", destaca por su empleo del instrumento chino llamado pipa (que Steve Vai le regaló al guitarrista Mike Einziger) y una orquestación de estilo japonés que estuvo a cargo de Suzie Katayama. Brandon Boyd ha mencionado que la canción fue influenciada por la música de Björk, ya que tanto él como Einziger eran admiradores del trabajo de la islandesa y buscaron emular su estilo experimental en este track. Cabe destacar que el último minuto del track son las grabaciones que la banda hizo de ranas croando afuera de la casa en Malibú.

3. Cambio de sonido y rechazo al Rap-Metal

Con el Morning View, Incubus buscó alejarse de manera consciente y deliberada del Rap-Metal, género por demás popular en la época, para explorar un sonido más melódico. Einziger expresó en una entrevista de 2001 que consideraban a la escena del Rap-Metal como "patéticamente ridícula" y que no querían ser parte de ella, lo que los llevó a buscar nuevas direcciones musicales. Incluso alejándose del sonido del Make Yourself que habría resultado una apuesta segura en términos de ventas y figurar en listas de popularidad. 

4. "Nice to Know You" inspirado en una experiencia física

Mucha gente creía que la letra del tema "Nice to Know You" trataba sobre una relación fallida. Sin embargo, ese no era el caso. La realidad tiene qué ver con una experiencia física de Boyd. El cantante se inspiró en una experiencia personal en la que su mano se durmió durante un vuelo a Europa y permaneció entumecida durante diez días. ¿Se acuerdan de la expresión “Pins and needles” que aparece en los versos de la canción? Es una expresión en inglés que sirve para referirse a una sensación de comezón y entumecimiento, también conocida como parestesia.  A medida que la mano de Boyd recuperaba la sensibilidad, el vocalista empezó a experimentar algo parecido a un despertar emocional, que lo llevó a escribir esta canción para narrar la experiencia. 

5. Regrabación del álbum en 2024

En 2024, Incubus lanzó Morning View XXIII, una regrabación completa del álbum original. Esta versión buscó ser una recreación de las canciones, grabada con tecnología moderna y con la madurez musical que la banda ha adquirido a lo largo de los años. Y, del mismo modo, retratando la evolución y altibajos que ha habido al interior de ésta, como los cambios que han habido en la voz de Boyd, integrantes distintos a los que originalmente grabaron el álbum en 2001 y una carrera larga y prolífica a cuestas.

El Morning View no sólo consolidó a Incubus como una banda versátil, dispuesta a experimentar y salirse de los márgenes impuestos por la escena del Rap-Metal y la industria musical, sino que también dejó una huella imborrable en la escena del Rock Alternativo de principios del siglo XXI.

Y este 21 de marzo lxs fans de la banda podrán escuchar el disco íntegro en vivo en la Ciudad de México en el Velódromo Olímpico.

Aquí pueden escuchar el Morning View.

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La cita a la release party fue a las nueve de la noche. Durante un par de horas hubo un DJ set sólido por parte de Joaquina Mertz que sirvió para calentar motores y poner a bailar al público. Acto seguido, al punto de las once de la noche, Immasoul salió al escenario. Vestida con un traje entallado negro de fishnet, una cazadora varsity negra con el logo y las letras de EMPIRE, cadenas, anillos y el cabello arreglado en microtrenzas. 

A partir de ese momento la cantante mexicana interpretó quince canciones que la llevaron por los sencillos y temas lanzados desde hace años hasta los nuevos de PISTOLA. Desde el principio hizo explícito su deseo de cantar esos temas previos y no sólo dedicar la velada a cantar de manera íntegra su más reciente producción. Cosa que fue bien recibida por el público, quienes la acompañaron coreando “Wifey Material”, “Cerquita del Mar”, “Dejarte Ir”, “Vuelvo a Ti”, “Real Luv”, “Belize” y “Suerte”. Recordemos que aparte de PISTOLA, la artista cuenta con los EPs Natural de 2021 y Amores Pasajeros de 2023. 

Después interpretó ocho de las once canciones que conforman su debut oficial. Y así nos fuimos en un viaje musical que nos llevó por diversos géneros, pasando por Afrobeats, R&B, Reggaetón, Corrido y más. En el lanzamiento pudimos ver a Immasoul hablar en varias ocasiones. “Siempre hablo poco, pero es mi release party, así que hoy hablaré todo lo que quiera”, dijo con una sonrisa en la cara. La cantante se mostró auténtica, feliz, nerviosa, satisfecha y conmovida estando sobre el escenario.

Algunos de los momentos memorables de la noche fueron cuando subió al escenario al guitarrista, compositor y productor Ilan Bar-Lavi para interpretar “LADIOSA”, el corrido de su nuevo disco. Después trajo a la matatana, la reggaetonera mexicana Charly Gynn e interpretaron “ZUMZUM”, un perreo mexa con todas las de la ley que puso al público a bailar. Por último, introdujo un tema para las grandotas, las mamasotas, las big shorties, esas mujeres que se salen de los estereotipos hegemónicos de belleza. 

Y así cerró la velada, interpretando “BIGSHORTYS”, su corte con el rapero boricua PJ Sin Suela. Durante esta canción lanzó camisetas con la portada del disco al público y después bajó del escenario para perrear hasta el piso con sus fans, quienes la recibieron con alegría. La noche terminó de manera inolvidable con un abrazo grupal entre Immasoul y su público.  

Ya pueden escuchar PISTOLA en plataformas digitales de streaming.

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La segunda edición del Pitchfork Music Festival CDMX incluirá a artistas como Beth Gibbons (de Portishead), la rapera británica Little Simz, el rapero y productor estadounidense Earl Sweatshirt (que viene desde los tiempos de Odd Future), la cantautora mexicana Silvana Estrada y muchxs más.

Los recintos que albergarán esta edición del 2 al 4 de mayo de 2025 serán el Estadio Fray Nano (en el que se realizan cada vez más conciertos y festivales), así como la icónica Casa del Lago UNAM.

Viernes 2 de mayo

El  festival empieza el viernes 2 de mayo con el Opening Show en la Carpa del Estadio Fray Nano, ubicado en la Jardín Balbuena. Silvana Estrada presentará "Primera Lluvia" y también habrán shows de Rodrigo Amarante, Tim Bernades, Bedouine y A veces siempre. Cabe destacar que el line up del primer día está curado por la cantautora mexicana Silvana Estrada.

Sábado 3 de mayo

El sábado 3 de mayo probablemente será uno de los días más interesantes en términos musicales que tendremos en la ciudad en la en la primera mitad del año. Y es porque el festival tendrá un día completo de música en el Estadio Fray Nano.

La cartelera del día, que se antoja imperdible, incluye a Beth Gibbons (Portishead), Little Simz, Earl Sweatshirt, Oneohtrix Point Never Live video and puppetry by Freeka Tet, Black Country, New Road, Roc Marciano + The Alchemist, Machine Girl, NAAFI presenta: DJ Fucci, IMAABS B2B ZUTZUT, Ross from Friends presents bubble love, Rejjie Snow, Dummy, Untitled (Halo), Luz Luz Luz! y Rosas. 

Domingo 4 de mayo

La clausura del festival será el domingo 4 de mayo en la Casa del Lago UNAM. Así ese recinto será testigo de un show gratuito en su Espacio Sonoro, como parte del programa público del Pitchfork Festival CDMX. La tarde contará con las presentaciones de James K y E-ENFOQUE de Edgar Mondragón & IMGN.

Boletos Fase 2 para el Pitchfork Music Festival CDMX

Estos son los distintos tipos de boletos del festival que pueden adquirir en la Fase 02.

PASAPORTE 

Incluye acceso al Opening Show (el viernes 2 de mayo) y al Festival en Estadio Fray Nano (3 de mayo). Tienen estos en las modalidades Pasaporte General y Pasaporte VIP.

Boleto General 

El boleto General incluye acceso a la zona general, alimentos, bebidas y baños. Disponible para el Opening Show  (2 de mayo), y el Festival  (3 de mayo) y el Pasaporte.

Boleto VIP 

El boleto VIP incluye acceso al área VIP, mejor vista al escenario, baños VIP, áreas de comida y bares exclusivos. Disponible para el Opening Show  (2 de mayo), Festival  (3 de mayo) y Pasaporte.

Pueden conseguir los boletos sin cargos en taquilla en la Tienda Foro Indie Rocks!, ubicada en Zacatecas 43, en la colonia Roma Norte, de miércoles a domingo, en un horario de 14 a 21 horas.

También pueden conseguirlos en línea a través de la plataforma Fever, en donde pueden pagarlos a 3 y 6 meses sin intereses.

¿A quién quieren escuchar en el Pitchfork Music Festival CDMX? ¡Díganme en los comentarios!

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La performer argentina, que ha ido abriéndose paso desde el underground, tendrá un concierto en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México el jueves 10 de abril de 2025 a las 19 horas.

Six Sex es una personaje traída a la vida a través de la música y videos provocadores de Francisca Agustina Cuello, nombre de pila de esta artista.

La propuesta de Six echa mano no sólo de narrativas sexuales explícitas, enmarcadas en el Reggaetón y el perreo, sino que también intersectan con la cultura raver, la Electrónica y el hentai. Esto la ha convertido en la reina del Perreo Rave y supone una mezcla que hay que experimentar en vivo, sobre todo para aquellas personas que lo mismo perrean que van a raves para embarcarse en viajes sonoros.

Los boletos para el concierto están en 600 pesos mexicanos y pueden conseguirse a través de la plataforma Passline.

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Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El concierto duró poco más de una hora, pero como decía Baltasar Gracián: “lo bueno, si breve, dos veces bueno”. Por lo que la noche del 15 de febrero en el Indie Rocks se convirtió en una odisea sonora que nos llevó por el R&B alternativo, Neo Soul, Rock e incluso con guiños al Hard Rock y atisbos de Noise. De ahí que nos sumergimos en la intensidad del proyecto musical de Berishaj, el talentoso músico, productor y compositor multiinstrumentista de Estados Unidos, que cerró su gira por México en la capital del país.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

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Abrieron la velada con los riffs hipnóticos de “Cherry Pop” del Soft Spot en medio del pandemonio que desataron entre el público. Los gritos del público hacían eco de la intensidad performática que el trío desplegaba en el escenario. Prosiguieron con “Groovy”, corte también del Soft Spot muchísimo más cargado al Blues y en el que Berishaj se lució con el solo de guitarra (como lo hizo a lo largo del concierto). Después llegó un momento luminoso cuando interpretaron “Love Me”, esa canción plagada de melodía y de un coro casi Gospel que todxs lxs presentes corearon en el recinto. 

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Las canciones de sus distintas producciones se sucedieron las unas a las otras. Escuché uno de mis temas favoritos, “Don’t Make Me Change” del Heals Me y reflexioné acerca de cómo conectamos con otrxs seres humanxs a través de la música y de las historias que ésta puede contar. También lo vimos bailar en varias ocasiones con sus pasos inconfundibles, esos que nos recuerdan la frase “baila como si nadie estuviera viéndote”. 

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En la recta final tocó “Soft Spot”, “Inferno” y “Addicted”. La versión en vivo de esta última fue un viaje de más de 10 minutos en el que dejaron todo en la interpretación. Batería, guitarra y bajo tuvieron sus solos y el público quedó de nueva cuenta rendido frente a lo que ocurría en el escenario. JMSN se despidió del escenario y tuvo qué regresar poco tiempo después frente al ruido ensordecedor del público que clamaba, “¡Otra! ¡Otra! ¡Otra!”. Retornó para interpretar un último tema, “‘Bout it” de su álbum homónimo JMSN de 2014, pieza con la que cerró oficialmente su gira por México.  

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El público del Indie Rocks no sólo se embriagó con los litros y litros de alcohol que tomaron y derramaron en el piso, sino por la experiencia musical que ocurrió frente a ellxs. Todxs lxs allí presentes se convirtieron en una especie de espejo colectivo que reflejó el nivel de intensidad que JMSN desplegó en el escenario. 

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El músico quedó sorprendido en más de una ocasión por la intensidad y aceptación que demostró el público. Pero no era de sorprender la respuesta, ya que su acto es la intensidad hecha música. Y ésta se siente genuina en un contexto de propuestas musicales que buscan fórmulas sencillas y masificadoras que aseguren reproducciones y figurar en las listas de popularidad. 

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El concierto de JMSN en el Foro Indie Rocks fue una conmemoración de cómo un acto de sólo tres músicos puede llevarnos en una travesía embriagante e intensa que no necesita de grandes producciones y afeites, tan prevalecientes en algunos shows hoy en día. Las pieles se erizaron, la gargantas se desgarraron y los cuerpos vibraron al compás de cada uno de los trece temas que se interpretaron en escena. Canciones que nos recordaron que el goce de la vida se experimenta tanto en el fuego que aviva como en el que consume.

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Martes 11 de febrero

El trío regiomontano de Rock, The Warning, compuesto por Daniela, Paulina y Alejandra, tendrá otra fecha en el icónico Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Con una discografía que cuenta con cuatro álbumes de estudio y dos EPs, The Warning promete tener un show cabrón en la capital. Boletos con poca disponibilidad a través de Ticketmaster. (Actualización: SOLD OUT).

Miércoles 12 de febrero

¿Quieren irse en un viaje profundo y embargado de emoción? Pues la noche del miércoles 12 de febrero podrán escuchar a dos bandas en la Sala A del Foro Indie Rocks! En primera instancia, tendremos a Earthless (trayendo su Stoner Rock for the win!). En segunda, estará la banda King Woman con sus pasajes de Drone, Shoegaze y Doom Metal. Los precios van de los 650 a los 920 pesos y pueden conseguirlos a través de la plataforma Passline.

Jueves 13 de Febrero

Del 13 al 15 de febrero podrán asistir al Downtown Guitar Festival CDMX. El jueves 13 se presentará Ireri Almonte en Jazzatlán Capital a las 8 de la noche (entrada 100 pesos). Esa misma noche y en el mismo recinto se presentarán Francisco Lelo De Larrea, Federico Sánchez, Alonso López y Reona Sugimoto (entrada 250 pesos). El festival continuará el jueves 14 a las 6 de la tarde y el viernes 15 a las 3 de la tarde. Ambos días serán entrada libre y tendrán lugar en Rabioso.

Viernes 14 de febrero

Del viernes 14 al domingo 16 de febrero podrán asistir a la quinta edición del Festival Bahidorá en el Parque Natural Las Estacas, Morelos. El festival cuenta con un lineup interesante que incluye a diversxs artistas como son: Ca7riel y Paco Amoroso, Rosa Pistola & Freebot, Kaytranada, Cachirula, Yu Su, Los Askis y muchos más. Boletos disponibles a través de Bahidorá.

La noche de San Valentín podrán perrear y bellaquear en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México con Dj Bear y El Bogueto, quien sacó su segundo álbum, No Hay Loco que No Corone, a finales de septiembre del año pasado. Boletos desde 800 hasta 1600 pesos. Disponibles a través de Passline.

Sábado 15 de febrero

El sábado 15 de febrero tienen la oportunidad de asistir al festival más grande de Hip Hop hoy día en México con el Urbano Fest CDMX Vol. 1. Esta primera edición del festival en la capital del país marca la undécima en la historia de este evento. Habrán artistas tanto mexicanos como internacionales. El evento empieza a las 4 pm en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. Los boletos se encuentran a la venta a través de Ticketmaster.

Del mismo modo, el sábado 15 de febrero podrán asistir al que probablemente será uno de los mejores conciertos que podamos ver en la capital este 2025. El artista norteamericano JMSN nos volará la cabeza en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México a partir de las 9 de la noche. Tal fue la demanda para este concierto que cambiaron el recital a la Sala A del Foro, misma que tiene más espacio para disfrutar de una velada íntima e intensa escuchando RnB, Soul, Electro, Gospel y Pop. Los boletos van de los 575 a los 850 pesos y se encuentran disponibles a través de la plataforma Passline.

¿Irán a alguno de estos conciertos y festivales? ¡Díganme en los comentarios!

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"Está bien representado el Rap mexicano y hacer este tipo de festivales, como lo es el Urbano, le beneficia a todos para que siga creciendo la escena en México", dijo el rapero Toser One en conferencia de prensa.

A propósito del purismo que ha existido durante mucho tiempo en sectores del Rap y de la cultura Hip Hop, Neto Peña comentó que antes no estaba bien visto hacer colaboraciones con otros géneros, pero que con el paso de los años esos estigmas han dejado de existir no sólo en el Rap mexicano sino en la música mexicana en general. "Creo que ya no existen esos celos entre géneros. Ya mas bien hay un respeto entre artistas y si a ti te gusta la música de un artista y esa persona quiere trabajar contigo, se arma. Creo que eso es lo que ha hecho que la música mexicana crezca a nivel mundial", puntualizó el rapero.

En dicho sentido, las posturas de Toser One y Peña apuntaron en la dirección de cómo el Rap mexa se ha movido de un ámbito underground a uno más comercial y que se ha convertido en un negocio. No olvidemos, por ejemplo, que ambos pertenecen al sello discográfico Alzada, un colectivo de Rap, Hip Hop y R&B que se encuentra en Guadalajara.

"Todos los que hemos participado en el Urbano Fest nos sentimos contentos porque no ha sido C-Kan el que ha llevado el festival hasta donde está. Son todos mis carnales que, año tras año, cuando les hago la invitación, me dicen que sí. Eso hace que la comunidad de Hip Hop que los sigue a ellos y que nos sigue a nosotros, se reúnan, no importa el recinto, no importa la fecha", contestó enfático el rapero C-Kan.

Y es que si bien ésta será la primera edición en la Ciudad de México, el Urbano Fest cumple con ésta once ediciones hasta la fecha. Lo que supone un recordatorio del poco reconocimiento que en ocasiones tienen las gestiones culturales y artísticas realizadas fuera de la Ciudad de México. Convirtiéndose así en un ejemplo claro de cómo México sigue lidiando con los efectos de la centralización cultural, política y económica.

El festival pinta para ser un día memorable para lxs fans del Rap y de la cultura Hip Hop. En el cartel se encuentran exponentes como Aczino, Dharius, Toser One, Neto Peña, C-Kan, Yoss Bones, Badly Rose, Tempo, Chyno Nyno y muchos más.

El próximo sábado 15 de febrero de 2025 tendrá lugar el Urbano Fest CDMX Vol. 1 en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México a partir de las 4 pm. Los boletos están a la venta a través de la plataforma Ticketmaster.

¿A quiénes quieren escuchar en vivo en este festival? ¡Díganme en los comentarios!

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Hace un par de días notificaron a través del Instagram del Foro Indie Rocks! que, frente a la demanda alta del evento, el concierto tendrá lugar en la Sala A del icónico foro de la colonia Roma y que todo boleto previamente adquirido será válido en la sala nueva.

Es por ello que hay boletos disponibles de nueva cuenta a través de la plataforma Passline, en donde podrán conseguir entradas para este músico que no deben perderse en vivo.

El precio de los boletos será de 575 pesos en General; 784 pesos en Balcón lateral; y 850 pesos en Balcón central.

¿Y ustedes qué canciones quieren escuchar en vivo de este icónico artista?

Aquí pueden escuchar su EP Soft Spot (Deluxe Edition) lanzado en diciembre del año pasado, en el que revisita y trae mixes nuevos de su corte "Soft Spot" del álbum homónimo del 2023:

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Si son amantes del Rap, R&B, Trap, Reggaetón, Pop, Hyperpop y demás experimentaciones sonoras, tienen qué ver este video hasta el final.

Les hablo de dos talentosas mujeres, Kya y Doechii, así como de dos hombres, elmalamía y mediopicky, que están experimentando en sus respectivas esquinas. Estxs artistas no sólo cantan, sino que cuentan historias y crean experiencias sonoras que vale la pena escuchar.

¿Listxs para ampliar sus playlists este 2025?

Y si quieren descubrir más artistas vayan a la publicación Me Hace Ruido en donde podrán leer los perfiles de estxs cuatro artistas y otrxs dieciocho más en la entrada de Bandas a Seguir 2025.

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