#sinopsi

Qualche anno dopo la Guerra civile, una diligenza corre attraverso il Wyoming innevato.  I passeggeri, il cacciatore di taglie John Ruth e la donna che ha catturato, Daisy Domergue, sono diretti verso la città di Red Rock dove Ruth, chiamato da quelle parti “Il Boia”, consegnerà Domergue nelle mani della giustizia.  Lungo la strada incontrano due sconosciuti: il maggiore Marquis Warren , un ex soldato nero dell’Unione diventato uno spietato cacciatore di taglie, e Chris Mannix, un rinnegato del Sud che sostiene di essere il nuovo sceriffo della città.

A causa di una bufera di neve, Ruth, Domergue, Warren e Mannix cercano rifugio nell’emporio di Minnie, una stazione di posta tra le montagne. Quando arrivano, non trovano la proprietaria, ma quattro facce sconosciute. Bob che si occupa del rifugio mentre Minnie è in visita alla madre; Oswaldo Mobray, il Boia di Red Rock; il mandriano Joe Gage e il Generale confederato Sanford Smithers. Mentre infuria la tempesta, i nostri otto viaggiatori scopriranno che forse nessuno di loro riuscirà mai ad arrivare a Red Rock…

Alla fine siamo arrivati a otto (Tarantino come Fellini?) anche se non doveva essere questo l'ottavo. La sceneggiatura fu rubata, resa pubblica, modificata e Tarantino, anzi QT, se non ricordo male aveva dichiarato che il film non si poteva più fare perché maltrattato e violentato in tal modo da rendere la sua realizzazione impossibile. Ma, una lettura della stessa sceneggiatura in pubblico ha convinto l'autore ha metterla, fortunatamente, in scena e trasformarla in film. Fortunatamente, perché questo Ottavo tarantiniano è un vero capolavoro, dopo, secondo me, due inciampi, un'altra pietra miliare della Storia del Cinema tanto da annoverare il suo autore nella magica compagnia dei Maestri del Cinema.

Produzione importante e capricciosa, pellicola 70 mm. In Ultra Panavision per i soli fanatici, per soli cinefili duri e puri (quelli della quarta fila) che si prenotano e pagano in anticipo per poi saltare l'appuntamento, perché inchiodato a letto con la schiena frantumata, ma questa è una storia personale benché importante; per il resto del mondo mortale e “multisalizzato” viene dedicato l'insipido digitale tagliuzzato (meno 20').

QT riesce a trasmettere il suo incondizionato amore per il cinema e ogni singola inquadratura, primo piano, campo lungo, controcampo e via andando divengono gli ingredienti assoluti e imprescindibili per goderne l'elaborazione. Il film diventa un oggetto ipnotico dove l'intrattenimento puro non coincide con la distrazione ma anzi in mezzo a spari, sangue e cervelli spappolati si intravvede una eccezionale capacita d'analisi sociale e politica.

Inquadratura interminabile ad un crocefisso ricoperto dalla neve poi una diligenza trainata da sei cavalli nel mezzo di un “deserto” bianco..

_________________________________________

The Hateful Eight

USA

drammatico

2015

colore

DCP / 70 mm

167' (DCP) / 187' (70 mm)

La storia di due uomini: il direttore del Louvre Jacques Jaujard e l'ufficiale dell'occupazione tedesca il conte Franz Wolff-Metternich, prima nemici, poi collaboratori. Sarà grazie alla loro alleanza che molti dei tesori del museo saranno salvati.

Il museo parigino del Louvre diventa “personaggio” vivo nell'ultimo, molto criptico, film di Sokurov dove il maestro russo inventa, giocando con i generi a lui più congeniali, una riflessione sulle basi culturali europee. I musei sono il DNA delle società, il proprio cuore, l'essenza più profonda che costituiscono la struttura stessa di un Paese e la sua civiltà. Affascinato dalla storia dell'arte, in essa egli pretende di percepire come e perché, in fondo, i popoli europei siano fratelli, ognuno col proprio carattere, che malgrado i conflitti poi trovano un'intesa. In realtà i popoli europei questa fantomatica intesa non l'hanno trovata attraverso l'arte e mai la potranno trovare su quella strada. Una nave mercantile carica di opere d'arte prende il mare incurante delle impossibili condizioni meteorologiche, la nave non arriverà a destinazione e le opere andranno perdute come anche le vite dell'equipaggio: si può scegliere tra vita e arte? Oppure si può scegliere di sacrificare la vita per un ideale o per il proprio paese?

Purtroppo questo genere di film, così costruito, deve avere un senso chiaro e logico e a suon di metafore le cose si complicano e diventano materia per fanatici rabdomanti. Ma tant'è, proprio quando non ci si vuole affidare alla forma ma far prevalere il significato e il senso delle cose attraverso la chiarezza espositiva si rischia di produrre, sicuramente, un'opera d'arte che però risulterà dedicata ai pochi che vogliano sforzarsi di “studiarla”.  Per cui: rimaniamo colpiti e affascinati dall'arte rappresentata nel famoso museo e cerchiamo di cogliere le più misteriose sfumature dalle inquadrature perfette, poi divaghiamo da quello che è stata la Storia europea durante la metà del secolo scorso e da quello che sarebbe potuto essere se alcuni uomini non avessero scelto di privilegiare l'Arte piuttosto che disinteressarsene (in fondo una guerra ha altre priorità) e farne tesoro da trasmettere, anche se mi pare che questo tipo di lezione non serva proprio a niente.

_________________________________________

Francofonia

Francia, Germania, Paesi Bassi

drammatico

2015

colore

DCP

87'

Movimentata avventura di quattro operatori umanitari e un traduttore locale impegnati nei Balcani nel 1995, a guerra appena finita. La loro missione è rimuovere un cadavere da un pozzo, per evitare che contamini l’acqua della zona circostante. La squadra, guidata dal carismatico Mambrú, comprende Sophie, ingenua idealista appena arrivata dalla Francia, la bella e disinibita Katya e l’incontenibile B, volontario di lungo corso e allergico alle regole. Dopo una rocambolesca serie di eventi, i quattro capiranno che si tratta di un compito più difficile del previsto, in un paese in cui anche trovare una corda può diventare un’impresa impossibile.

Jugoslavia, Bosnia per la precisione, adattata altrove. Ambientazione in ogni modo congeniale al racconto di un gruppo di volontari e contingenti delle Nazioni Unite, operatori umanitari del tutto inutili inseriti in una guerra impossibile da metabolizzare.

Film necessario, come è necessario non dimenticare una guerra crudele e rozza fuori tempo massimo (quando è scoppiata e fatte scoppiare) dove le responsabilità vere non sono mai state volutamente appurate. Perché le responsabilità maggiori sono di “innominabili” fuori dai confini balcanici. In ogni modo, la visione di questo film e di tutti quei film ad esso paragonabile sulle guerre jugoslave hanno la forza di smuovere i sentimenti più profondi e malgrado, in questo caso, si faccia largo uso dell'ironia ciò avviene prepotentemente.  

_____________________________________________

A Perfect Day Spagna 2015 colore 105′

L’ex compagna del detective Doc Sportello si rifà viva all’improvviso con una storia sul suo attuale fidanzato miliardario, del quale, si da il caso, sia innamorata. Le trame della sua ex moglie e del suo ragazzo per rapire il miliardario, portano il detective sull’orlo della pazzia... Siamo alla fine degli psichedelici anni ’60, ‘paranoia’ è la parola più ricorrente ‘ e Doc sa che “love” è un’altra delle parole, come “trip” o “groovy”, che vengono usate a sproposito, solo che quest’ultima in genere porta guai.

C'è chi dice che ci vuole del fegato a trasporre per il cinema Thomas Pynchon. Chissà perché mai nessuno prima?

Felice intuizione cimentarsi dove nessuno ha osato, senza riferimenti altri è più comodo raggiungere il favore degli “analisti”, segnare una linea di partenza che consente di scrivere una storia attorno a se.

Questo film possiede le caratteristiche della genialità, intanto qualcuno si sentirà preso in giro e già questo è un risultato a suo favore, ovvero i più fantasiosi potranno costruirsi il proprio immaginifico viaggio. Immersione in soggettiva, viaggio ipnotico e allucinato nelle illusioni di un'epoca fatta di abbagli dai colori accesi e non accostabili come le trame all'uncinetto su corpi sporchi che emettono la sinistra luce del tanfo. L'illusione della libertà rivenduta come superficiale pratica viziosa, per personaggi immersi in fantasiosi contenitori costruiti da predecessori senza utopie ma ubriachi di ambizione e potere. Follie montate da quel particolare terrore di vivere che viene quando si ha (e si crede di avere) ma dove tutto può svanire e il proprio mondo può ridursi a quello da cui si rifugge. Scene deliranti, alcune delle quali conducono alla “salvezza interiore”, interpretate senza sconti da un cast di livello altissimo. Vizio di forma è un acido psichedelico impacchettato come medicina salva vita, senza bugiardino. Capolavoro.

_____________________________________________

Inherent Vice USA 2014 colore 148'

“La loro qualità si rivela spesso elevata” (sic!) Cinema amatoriale, terreno minato: in quanti si sono toccati i coglioni in senso di scongiuro quando quel tale amico, piccolo borghesuccio, tornava dalle vacanze in Riviera (una qualunque) dove si era recato dotato di  kit del ricordo ovvero cinepresa Super 8 e reflex caricata a diapo? In quanti hanno inventato misteriose malattie super-contagiose per evitare l’infausta serata post vacanziera dedicata alla proiezione delle “filmine”, diapositive e mazzi di fotografie assolutamente indecenti, noiose, insopportabili, orrende?  Ebbene non avevamo capito niente, quei film erano “proto” capolavori. La loro riabilitazione è paragonabile, più o meno, a quella dell’Ubalda..., niente meno. Qualcuno ha pensato bene di organizzare un vero e proprio archivio dove raccogliere e studiare l’importante quantità di materiale audiovisivo prodotto dai fanatici del ricordo impresso col/nel formato a passo ridotto (8 e Super 8, ovvero il Cinema amatoriale).

Vacanze al mare, ma anche ai monti; comunione del figliolo o il matrimonio della sorella oppure il compleanno dei nonni e ultimo ma non meno importante, il Carnevale di Venezia che in mancanza del quale ci si accontentava dell’allegra combriccola dei bimbi di condominio vestiti da Zorro o Cow boy con scarpe ortopediche (all’epoca “usavano” ancora).

Metri su metri di celluloide raccolto da HOME MOVIES – Archivio nazionale del film di famiglia di Bologna, materiale con il quale si è iniziata una serie di rielaborazioni che stanno producendo un vero e proprio nuovo genere, o magari sottogenere sperimentale, non sempre privo di interesse. È del 2012 il medio metraggio Formato ridotto – Libere riscritture del cinema amatoriale, film collettivo a episodi, creato da Home Movies (Antonio Bigini, Claudio Giapponesi, Paolo Simoni) con un gruppo di scrittori tra cui Enrico Brizzi, Wu Ming 2 ed altri, un film  in cui si sono sperimentate nuove tecniche narrative. Ermanno Cavazzoni autore di uno degli episodi, dedicato alla vita di spiaggia, avrà poi modo di ampliare e approfondire il discorso cominciato in Formato ridotto con il nuovo lavoroVacanze al mare sempre dedicato alla passione degli italiani per il mare e la spiaggia d’estate.

Vacanze al mare è un collage di questi “filmini”, sorta di documentari poveri, dove l’autore Cavazzoni pare non trovi risposte ma solo domande atte, a volte, a ridicolizzare quanti hanno trovato nella tintarella quel riscatto sociale conquistato grazie al fantomatico “boom” degli anni Sessanta. Poveracci e benestanti, idioti e "sboroni" cuociono insieme sotto lo stesso sole circondati da indomiti mocciosi e fanciulle con le zizze al vento.

________________________________________________________________

Vacanze al mare Italia 2013 b&n / colore 60'

Profondamente colpito dalla morte del padre, Turner vive con la sua storica e devota governante, da cui è amato ma verso la quale non mostra alcun interesse o riguardo, usandola solo per soddisfare i suoi appetiti sessuali. Nel frattempo, si lega a una vedova che gestisce una pensione sul mare, a Margate. Intanto viaggia, dipinge, è uno stimato ma anarchico membro della Royal Academy of the Arts ed è tanto celebrato quanto disprezzato, sia dal pubblico che dai reali. 

Si legge e si sente: «In questo periodo le biografie al cinema vanno di moda!» L'ennesimo “biopic” in questo caso è dedicato al  pittore, Romantico,  inglese William Turner. Uomo che ha dedicato tutta la vita alla pittura, alla ricerca dei segreti nascosti nella luce e nei colori i quali cambiano e si trasformano a seconda dei momenti e delle epoche. Mike Leigh, ha dimostrato ancora una volta, anzi ancora di più il suo valore, capace di trasmettere straordinarie impressioni, scovando circostanze utili al racconto e indugiando su ogni particolare  proprio come il protagonista del suo film. È onesto voler rimarcare, quindi, la perfetta ricostruzione storica di ambienti, costumi e personaggi e la maestria nel riproporre la stessa luce dei quadri di Turner, con una fotografia raffinatissima, azzeccata la tecnica di ripresa dove il punto di vista pare studiato meticolosamente, ogni inquadratura ricostruisce la pittura stessa. Inquadrature larghe sui pittoreschi paesaggi e col protagonista immerso al loro interno come Annibale e il suo elefante, o come nella prima scena meravigliosa ed efficace dove la macchina da presa indugia su due donne e all'improvviso spunta in un angolo Turner intento a “fotografare” un mulino a vento tra i polder olandesi, costruzione e scorcio per lui, straniero, di interesse speciale. Non mancano i virtuosismi come nel caso  dell'inquadratura dal basso dei tre amici pittori mentre contemplano il “San Sebastiano” appeso sulle pareti dell'accademia e come non rimanere affascinati e rapiti, oltre all'interpretazione di Spall, dei ruoli minori di alcune figure struggenti, vedi la damigella Hannah (Dorothy Atkinson) serva del pittore, o la intrigante bellezza di Miss Coggins (Karina Fernandez)? Non saprò mai quanto c'è di didascalico nel ripercorrere la personalità del pittore, esso viene sempre rappresentato come una personaggio piuttosto egocentrico: grugnisce, fa smorfie ma si commuove osservando le condizioni miserrime di alcuni suoi soggetti, vedi la modella prostituta in posa sul letto dove lavora o “La nave dei negrieri” (argomento tratto anche in un altro film di carattere biografico come La Ragazza del dipinto di Amma Asante). Piange e ride, e malgrado la serenità espressa, non sbandiera mai i sentimenti profondi, la disperazione, la depressione rimangono solo sul fondo sebbene non lascino mai totalmente il racconto: egli si accompagna con la vedova per condividere la solitudine dopo la perdita del padre ma non spreca neanche una stilla di sentimento per la serva innamorata di lui; continua a borbottare ma non reagisce quando ad un certo punto criticano malamente la sua opera, quando lo deridono perché rinuncia alla forma prediligendo strisciate di colore, macchie e sfumature. In fondo egli capisce che il fumo emesso da una ciminiera o da un moderno treno non si può rappresentare in forma distinta e geometrica. Si farà legare in cima all'albero maestro di una nave mentre la stessa affronta una tempesta, così da poter assaporare le emozioni in un'esperienza diretta con la sua luce e con i suoi colori. Ripercorrendo la sua biografia queste caratteristiche combaciano e mi piace immaginarlo così, Leigh ne umanizza l'idealizzazione sfruttando magistralmente le capacità mimetiche dell'attore protagonista.

________________________________________________________________

Mr. Turner Gran Bretagna / Francia / Germania 2014 colore 150'

Jimmy, costretto all'esilio in America dopo la Guerra civile, rientra dopo tanti anni nel proprio villaggio d'origine deluso dall'esperienza non proprio esaltante in quell'America devastata dalla miseria per il tracollo finanziario, sembra rassegnato alla vita semplice nella terra natia ma in quegli anni le idee riformatrici e progressiste fluttuavano nell'aria e raggiungono anche le brughiere irlandesi dove la gestione di una sala ricreativa, poco più che una capanna, destabilizza lo status quo. Presto questo luogo viene scambiato come un covo malvagio dove si propongono nuove musiche e ritmi “africani” provenienti da lontano, dove oltre alle nuove danze si insegnano arti e mestieri ma soprattutto dove si legge e si scrive in modo alternativo ai dettami clericali (unici considerati legittimi).

Per quasi tutto il film il sentimento preminente è stato quello della delusione, dell'avvilimento per quanto questo autore insista sui suoi temi, sempre quelli, alla sua maniera. Perché perseverare su quegli argomenti che non sembrano più attuali e oltretutto con un'ideologia uscita sconfitta dall'impatto con la Storia? Forse perché quei princìpi ideologici nonostante tutto sono sani princìpi? Loach, da valoroso mestierante del cinema mantiene fede ai propri ideali, uno degli ultimi orgogliosamente rimasti, e racconta una storia di contrapposizione dove il compromesso non trova spazio.  

Nella Georgia contemporanea una donna, madre di famiglia, piccola imprenditrice, non si vuole rassegnare alla vita semplice che il nuovo ordine post sovietico le ha imposto. Per mantenere lo stile di vita agiato dei tempi andati, per lo meno nelle apparenze, la donna ricorre alla richiesta smodata di prestiti e mutui incurante dei tassi d'interesse elevati. Questa pratica la fa sprofondare in un mare di debiti senza possibilità di recupero rimettendoci l'equilibrio familiare e la proprietà della vecchia casa ereditata dal padre, uomo d'affari benestante malgrado la sua epoca fosse quella sovietica.

Pare, si dice, che ogni Festival o Mostra di cinema, ma probabilmente non solo, hanno scritto nel proprio intimo un più o meno enunciato fil rouge “abusivo”, sotto testo sul quale si sviluppa un percorso. Questo intento se non dichiarato permette di giocare con i selezionatori, nello scoprire quale può essere l'argomento di riferimento. Giochino totalmente fine a se stesso eppure, anche quest'anno (Venezia 71), si è potuto seguire questo fantomatico percorso narrativo. Uno degli argomenti dipanatosi tra le varie sezioni della Mostra è sembrato il crollo del comunismo e la nostalgia che lo stesso ha procurato. Non solo vittime e non solo carnefici, il comunismo nelle sue varie sfaccettature ha accompagnato milioni di persone che di punto in bianco dopo il crollo dell'URSS si sono trovati proiettati in un mondo nuovo totalmente sconosciuto. Forse nell'immaginario di oltre cortina il capitalismo prima e la democrazia poi, ovvero la contrapposizione tra classi in un caso e quella costituzione politica che assegna la sovranità di una comunità al suo popolo nell'altro, ha consentito una sorta di fascinazione incantevole su quelle masse educate solo a propaganda. La realtà, come sempre, sta nel mezzo, anche il famigerato “sistema occidentale” ha i propri limiti ed evidentemente coloro che si sono introdotti, senza anticorpi, in questa nuova realtà hanno subito un traumatico disorientamento.  Troppi sono coloro che oggi si sono trovati in situazioni economico finanziarie difficili e gli stessi autori del film hanno cercato di spiegare questa situazione accusando per certi versi il periodo sovietico che non permetteva pratiche come quelle descritte nel film. Ciononostante la gente fatica ad adattarsi ad un tipo di povertà a cui non era abituata cercando di sopravvivere.

Il film scava all'interno della società georgiana con piglio realistico e pone le donne come il motore del paese in tutti i suoi livelli, capaci di mantenere un relativo equilibrio anche e soprattutto nei più semplici rapporti e conflitti familiari che dopo il passaggio di regime ha visto il ruolo di fatto maschile sottrarsi alle responsabilità: le vecchie generazioni istruite di padri o mariti, formate nei specifici ruoli non hanno ritenuto opportuno riadattarsi alle nuove necessità lavorative preferendo farsi mantenere pur di non sottomettersi alle nuove esigenze. Mentre le donne, anch'esse istruite e preparate, hanno affrontato la situazione con praticità, adattandosi anche ai lavori più umili.

La macchina da presa riprende di fatto quadri volutamente costruiti, ogni inquadratura è un vedere sempre perfetto, pulito, liscio, maniacale nel rappresentare i colori pastello dai contrasti realmente inverosimili, i personaggi come statue levigate allontanano forse quella sensazione che si dovrebbe assaporare quando si guarda una storia come questa, e la disperazione vera, malgrado tutto, non è mai palese. Quando si dice: bella fotografia...