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●応用ゼミ課題3｜アーティスト紹介文 ギヨーム・ド・マショー：「作曲家」というポジションの確立 文責：尾鷲瑞穂

　「作曲家」というものを職業の一つと考えるのであれば、曲を作ることで報酬を得ている人と定義される。しかし、インターネットで少し検索してみれば、自作の曲を演奏して、ホームページで公開している人も少なくないことがわかる。その多くは、学生や他の仕事をして生活している人達だ。彼らは報酬を得ていないだけで、作曲という活動を行っているという点では、報酬を得ている作曲家と違いはない。それでは作曲家とは、何をもって作曲家といえるのだろうか。そんな問いの答えを考えるきっかけとして、西洋音楽史の中で、作曲家というポジションの確立に重要な役割を果たした音楽家、ギヨーム・ド・マショー（Guillaume de Machaut, 1300年頃 - 1377年）を取り上げたい。

　14世紀にフランスの貴族の家に生まれ、高等教育を受ける機会に恵まれたマショーは、就学後は、政治家として活躍し、後に高位の聖職者となった。音楽を生業としていたわけではない。マショーの時代から、300年の年月を経た17世紀に活躍したヨハン・ゼバスティアン・バッハ（Johann Sebastian Bach, 1685年- 1750年）が、オルガニストとして生計を立て、家族を養いながら、数多くの曲を残し、後進の音楽家たちのロールモデルとなったのに対し、マショーは、音楽家というよりも知識人という印象を強く受ける。しかし、彼の作品は、現在も演奏され続けており、アルス・ノーヴァの代表的な作曲家と言われている。

それを可能にした理由の一つは、彼が自作品を集め、「マショー写本」として残したことである。それまで、作曲家が、自身の曲を作品集としてまとめて残すという行為は行われてこなかった。マショーは自らの詩によるヴィルレーやバラード、シャンソンなど、世俗曲を数多く残した。それらの詩は、文学史的にも重要な存在となっている。曲と詩の両方の創作は、マショーが「自ら作り出した作品」という意識を強く持つことになり、作品集として残す要因になったものと思われる。

二つ目の理由は、『ノートルダム・ミサ曲』（聖母のミサ曲）の存在である。マショーは、宗教曲は多く残していないが、このミサ曲は彼の最も有名な曲となっている。この時代のミサ曲は、個々の通常文を単独に作曲し、それらを集めて通作ミサとするのが通常であった。一人の作曲家が、6章のミサ通常文を通して作曲されたのはこの『ノートルダム・ミサ』が最初とされている。そのため、キリスト教文化の祈りの曲というよりも、マショーが作曲した作品としての位置付けが強くなったのではないだろうか。

マショーが生きた時代のフランスは、百年戦争や、ペストの大流行という非常に不安定な社会情勢にあった。戦争や疫病といった一人の聖職者の力ではなすすべのない環境の中で、自らが生み出したものを残したいという自己顕示だったのかもしれない。マショーという人物から、「作曲家」の定義を考えた場合、それは生業のための職業というよりも、自らの作品を自ら残そうとする意思を持った者だと言えるだろう。

●書き直しに対する筆者コメント 

・初稿では、バッハの経歴から始まり、そこからマショーの話題に入っていく構成でしたが、少し唐突な印象があると指摘を受けたため、冒頭に問題提起を導入として追加し、マショーとバッハのプロフィールを対比しながら読み進められる文章を意識してリライトしました。

・今回の課題で、他のゼミ生は、紹介する音楽家に直接会ったことがある、もしくは、知り合いから話を聞いたなど、生きた情報が上手く活用出来ていました。残念ながら、数百年も前の音楽家でそれはかなわないため、音楽史の教科書、学術論文、海外の図書館のアーカイブを参考にしましたが、代替手段で得た情報を生きた情報と同程度に生かすには、全体の構成やトピックの取り上げ方など、文章面で工夫が必要だと感じました。

●ULM2016の応用ゼミ「〈音楽〉を書く、〈音楽〉を読む」

　この応用ゼミでは、5回のゼミを通して、音楽を「語り直すこと」に迫りました。ゼミ生10名は、毎回異なるテーマに対して、実際に執筆をし、読みあい、リライトすることで、「語り直すこと」に向き合いました。 　ゼミでは、文学理論やポストモダンにおける音楽学の理論を参照しながら、音楽を語る言葉の文脈、その語りがもつ現在性、新しさ、中立さについて考えながら、ある一つの音楽作品がもつ意味、音楽実践に対する価値を問い直していきました。

●応用ゼミ課題3｜アーティスト紹介文 梓みちよ 文責：小宮知久

　『こんにちは赤ちゃん』という曲を知らない人はいないと思う。永六輔作詞、中村八大作曲によるこの曲は終始、母性にあふれる詞と曲調になっている。しかし、その声はどこか、無理矢理優しさに溢れる母を演じているように聞こえる。この曲を歌う梓みちよの声は、どちらかというとハスキーで年の割には落ち着きのある、ある意味母のような疲労感があるが、「わたしがママよ」の、声を引っ掛けるような赤ちゃんに媚びたような歌い方には、やはりどこか不自然さを感じてならない。事実、当時２０歳であった梓は、母でも無いのにこの曲を歌うことを苦労したと語る。そして、しばらくこの曲を歌うことを止めることとなる。

　しばらくの低迷期のあと、74年『二人でお酒を』で再ブレイク。そこには『こんにちは赤ちゃん』を歌う母性に溢れた温かい女性像は、跡形もなく無くなっていた。ベリーショートの髪をピッチリジェルで固め、あぐらをかきながら「恨みっこなしで別れましょうよ」と大人のさらりとした孤独を歌い上げる。 　そのあとの梓は、持ち前の独特なハスキーな声で、自由奔放に恋愛をする大人でマニッシュな女性像で売り出していく。 　例えば『モンテカルロの一夜』では、燃える一夜限りの恋愛を、また『よろしかったら』では、恋人のことを「just a lover today's partner」と言い放ち、「例えばあなたが男でも、例えばあなたが女でも、それはどうでもいいことなの」とさえ言う。さらに『ナラタージュ』という曲では、トランスジェンダーの女の壮絶な半生のモノローグという体裁をとる。 　そのマニッシュな風貌、呼気を吐き出すような生意気でセクシャルな歌い方、ハスキーでありながら力強い低音、そして透徹力のある伸びるような高音は、（それらにバイセクシュアル、もしくはトランスジェンダー的なイメージを付与するのはいささか安直ではあるが）作詞家や作曲家、そして私たちに、固定されたジェンダー観を越境するイメージを抱かせる。

　梓は、『こんにちは赤ちゃん』を歌わなくなった理由について、「歌いすぎてこの曲が嫌いになった」と語る。しかし、なにより嫌だったのは、この曲が押し付けてくる女性像なのではなかったのだろうか？固定的なジェンダー観において、「赤ちゃん」は絶対的な存在である。赤ちゃんを育てるために女は家庭に入らなければならないし、男は外で働かなければならない。赤ちゃんを授かることのない性のあり方は、自然に反したことである。「赤ちゃん」を産んで育てることは、人間としての本質であるのだ。『こんにちは赤ちゃん』にはそういったイデオロギーを思い起こさせる危うい一面がある。 　しかし、後年になり「こんな素晴らしい歌をずっと歌わなかったことを恥ずかしく思い、再び歌うようになった」と涙ながらに語る。（2015/3/20放送「徹子の部屋」より） 　再び歌うようになってからの梓の『こんにちは赤ちゃん』は、レコード発売当時の歌声とは確実に違うものであり、不自然な「媚び」がない。その声は、一般的に想像される「母のような温かい声」ではないが（実生活においても梓が母になることはなかった）、自然で、一語一語丁寧な歌い方である。後年の『こんにちは赤ちゃん』を歌う梓みちよの歌声は、実際の母による声ではないゆえに、固定的なジェンダー観とは異なる女性の声であるゆえに、逆説的に、「赤ちゃん」という用語を利用して押し付けられるジェンダー観を取っ払って、人の原的な「何かを慈しむ」という情動を感じさせる。

●書き直しに対する筆者コメント 

　このテキストを書くにあたって、梓みちよの容貌や曲の歌詞など、語りやすいところばかりを書いてしまい、肝心の「書きにくい」音（声）の言及がなかったので、声に関することを書き足した。梓みちよの変遷から読み解くジェンダー観をテーマに書きたかったので、果たして彼女の声もその変遷に沿っているか、疑問だった。しかし彼女の声の変遷を読み解くと、声も同じように語れるような気がした。でももしかしたら、「こう読み解きたい」という気持ちが大きくて、そう聞こえるだけかもしれない。

●ULM2016の応用ゼミ「〈音楽〉を書く、〈音楽〉を読む」

　この応用ゼミでは、5回のゼミを通して、音楽を「語り直すこと」に迫りました。ゼミ生10名は、毎回異なるテーマに対して、実際に執筆をし、読みあい、リライトすることで、「語り直すこと」に向き合いました。 　ゼミでは、文学理論やポストモダンにおける音楽学の理論を参照しながら、音楽を語る言葉の文脈、その語りがもつ現在性、新しさ、中立さについて考えながら、ある一つの音楽作品がもつ意味、音楽実践に対する価値を問い直していきました。

●応用ゼミ課題１｜曲目解説 ブラームス（1833～1897）弦楽六重奏第1番　変ロ長調　Op.18 文責：小室敬幸

ヨハネス・ブラームス (1833-97)：弦楽六重奏曲第１番 変ロ長調，Op. 18 (1859-60)

　ブラームスは20歳のとき、当時43歳だったロベルト・シューマンのもとを訪れた。この若き才能を心の底から讃えたシューマンであったが、それから半年も経たないうちにライン河へ身を投じてしまう。子だくさんのシューマン一家を助けるため、ブラームスは自身の就職活動を投げ打ってロベルトの妻クララを献身的にサポートしたのだが……次第に抱くようになったクララへの強い思慕は、ブラームスの将来に大きな影響を及ぼすことになる。

　それから数年後、ブラームスは若くて魅力的な女性アガーテと互いに惹かれ合い、結婚指輪を贈る。誰からみても明らかな婚約だ。しかしながら数カ月のうちに様々な言い訳を口にしてブラームスは一方的にご破算にしてしまう……クララのことが頭から離れなかったのだろうか。真相は誰にも分からないが、そんな悩み多き年に書かれ始めたのがこの弦楽六重奏曲第1番である。全４楽章で構成されているこの作品は、第２楽章がとりわけ名高い。まるで苦悩するブラームスの自画像のようにも聴くことのできるこの音楽は、後に「主題と変奏」というタイトルのピアノ曲に編み直され、ピアニストでもあったクララに捧げられた。この第2楽章に比べれば、他の３つの楽章は明るい響きをもっているように思われるかもしれない。だが、10代から20代に特有の不安や苛立ちといった不安定な情緒が、いずれの楽章からも感じられるのではないだろうか。

●応用ゼミ最終課題 クラシック音楽と〈わたし〉 文責：齊藤実雪

　クラシック音楽は「わたし」にとって提案するものである。それはワインバーで振舞うワインのようなものである。私の仕事はホールと言うワインバーに置くワインを選び、お客様へ提案し、享受していただき、感想を聞き、次に活かしていかなければならないからだ。必ず。提供する相手がいて、集客率と言う数字が付いて回る。好きなワインだけを置いたり、客の好みのワインだけ、いつも同じワインだけ、を置けば、一部の顧客以外の客足は遠のく。かと言って、変化を起こそうと悪戯に変わったフレーバーを急には提供しづらい。せっかくの固定客もいなくなってしまう。少しづつ新しい提案をしながら客の舌を鍛えて行かなけらば、供給過多で釣り合いが取れない。新しい客層の確保や少しづつの嗜好の変化を起こすために試飲会のようなエデュケーションプログラムも定期的に企画する。自分から興味を持って出かけてくる人を待つばかりでは、年と共に客足は減っていくだろう。残念ながら人間には寿命があり、外へ出る体力や気力は時を重ねれば落ちていくからだ。常に変わらないものなどない。また、コンサートホールには何百、何千と聴衆が押し寄せるが多くは個の集まりで友人同士や家族などのグループでの来場は少なくなりつつある。自分から誘わないと多くの人とは繋がれないのだ。このように提供する対象もやがて交代していくが、提供するワインも定番のワイン以外にも新しく創られるワインもある。「わたし」自身がワインに精通し、嗜好し、信頼されるソムリエとならなければ人ともワインとも繋がれない。常に探求心を持ち、多くの人たちにクラシック音楽と言うワインを堪能していただくために都内や地方に出かけて行き、テースティングをしながら新たな提案方法を模索していくのである。

齊藤実雪（音楽プロデューサー） 2005年NPO法人SEED OF ARTSを設立。アウトリーチ事業等のコーディネーターとして活動を始め、2010年東京舞台芸術活動支援センターのオープニングに関わり、多ジャンルのアーティストと交流し、ワークショップのプランニングを始める。2016年より横浜市神奈川区民文化センターかなっくホールプロデューサー。

●ULM2016の応用ゼミ「〈音楽〉を書く、〈音楽〉を読む」

　この応用ゼミでは、5回のゼミを通して、音楽を「語り直すこと」に迫りました。ゼミ生10名は、毎回異なるテーマに対して、実際に執筆をし、読みあい、リライトすることで、「語り直すこと」に向き合いました。 　ゼミでは、文学理論やポストモダンにおける音楽学の理論を参照しながら、音楽を語る言葉の文脈、その語りがもつ現在性、新しさ、中立さについて考えながら、ある一つの音楽作品がもつ意味、音楽実践に対する価値を問い直していきました。

●応用ゼミ最終課題 クラシック音楽と〈わたし〉 文責：小宮知久

　実は高校時代、弦楽合奏部でヴィオラを弾いていた。毎年4月に定期演奏会があり、高3生にとっては引退演奏会を兼ねていた。プログラムのメインはドヴォルザークの弦楽セレナーデ。3楽章中間部のヴィオラパートはディヴィジで平行３度の音形。まるで懐かしい散歩道を誰かと寄り添って歩くような、温かで切ない色彩の３度の動きは、ヴィオラパートみんなのお気に入りだった。決して上手ではないけど、確かにその時、私たちはぴったり寄り添って音楽をしていた。2011年のことであった。 　3月。音楽室が全て10階にあったうちの高校では、音楽室での練習ができなくなった。代わりの練習場は、3階にある備蓄品がおいてある部屋や、学外の市民ホール。テレビには火事や大津波の映像。それでも相変わらず平行３度の音形は愛おしかった。 　そしてなんとか定期演奏会は終演し、みんな本格的にそれぞれの進路に向けて受験勉強に入った。

　ドヴォルザークの弦楽セレナーデを聴くと、そんなあまりに個人的な思い出がまとわりつく。そこの演奏が上手いとか、曲中の和声の使い方とか、作曲したときのドヴォルザークの状況とか、そんなことどうでもよくて、わたしの中で弦楽セレナーデは、これらの思い出の中でしか存在し得ない。遠い国のドヴォルザークという人がこの曲を書いたこと、この作品が初演されたときのこと。確実にあったそれらの事実すら想像できない。

　強烈に心惹かれる曲ほど、個人的な体験や経験と結びつく。わたしの物語の中でしか語れなくなる。でももし自分が作曲した曲が、その曲と全く関係のない、誰かの体験や経験を結びつけて新しい物語を紡ぐなら、それは興味深いことでもあるし、彼らの物語を聞きたいと思う。関係しえなかった、彼らの個人的な物語に関われたことを嬉しく思うだろう。きっと音楽は意味を内包したオブジェではなく、意味を生成していくジェネレーターなのである。

小宮知久（作曲 / 東京芸術大学大学院音楽研究科作曲専攻在籍） 1993 年神奈川県生まれ。 東京藝術大学音楽学部作曲科を卒業後、同大学院音楽研究科作曲専攻に在籍中。近年の作品や活動に「NUL pour orchestre」(東京藝術大学奏楽堂モーニングコンサート 2015年) 「泳ぎ続けなければならない」(トーキョーワンダーサイト本郷 2016年)などがある。 web http://chikukomiya.com

●ULM2016の応用ゼミ「〈音楽〉を書く、〈音楽〉を読む」

　この応用ゼミでは、5回のゼミを通して、音楽を「語り直すこと」に迫りました。ゼミ生10名は、毎回異なるテーマに対して、実際に執筆をし、読みあい、リライトすることで、「語り直すこと」に向き合いました。 　ゼミでは、文学理論やポストモダンにおける音楽学の理論を参照しながら、音楽を語る言葉の文脈、その語りがもつ現在性、新しさ、中立さについて考えながら、ある一つの音楽作品がもつ意味、音楽実践に対する価値を問い直していきました。

●応用ゼミ最終課題 クラシック音楽と〈わたし〉 文責：漆畑奈月

　クラシック音楽に関わる仕事についているのだから、さぞお好きなのでしょう、と言われたら少し躊躇う。根本ともいうべきその質問にすぐにイエスと答えることが、残念ながらわたしには出来ない。

　小さい頃からクラシック音楽はいつも身近にあった。５歳から通ったピアノ教室、学校の授業、中学で入った吹奏楽部。しかしそのいずれにおいても、わたしはクラシック音楽に心動かされるまでには至らなかった。思春期には友達と同じようにJ-POPを聴き、歌詞に自分を投影していた。「勉強」として聴くものでは自分の感情は共感しないと、無意識に区別していたふしもある。そんな状態なのに大学進学の時点でクラシック音楽の道を目指したのは、その底の計り知れない深さが一生をかけるに値すると考えた結果だ。まだブラームスとチャイコフスキーしか知らなかった。今思えば大変な無鉄砲である。

　その後、自分の心が反応するいくつかのクラシック音楽と幸運にも出会うことができた。でも「好きな作品は」と訊かれた時、すぐにそれらを挙げはしなかった。感情に任せて聞いていると思われることへの恐怖があったからだ。ラシックを理解するためには分析できないといけない、構成を理解しないといけない、その意識が強くあった。しかしクラシック音楽の世界は広く果てしなく底が見えない。結果、疲労困憊したわたしはプライベートで全くクラシック音楽を聴かなくなってしまった。音楽を学んでいるのに。

　クラシック音楽について、わたしが今一番興味を持っているのは、音楽を聴く人々そのものの営みかもしれない。この仕事をはじめて、自分が関わるものの中で大勢のひとが音楽を聴き、それぞれの反応をみせる姿を目の当たりにしてきたからだ。そしてそのひとつひとつに、わたし自身が少しづつ救われてきた。ここに至ってようやく自分自身の聴き方を認めてやれたのは、クラシック音楽を愛するたくさんの人たちのおかげだと思っている。

漆畑奈月（コンサートホール職員） 1985年生まれ、静岡県出身。吹奏楽の強豪と言われる高校で人生経験を積んだのち、常葉音楽大学短期大学部、東京音楽大学および同大学院を経て音楽ホールで企画制作等を担当する。現在は神奈川県内のコンサートホールにて勤務。好きな作曲家はD.ミヨーとライヒと間宮芳生。[Twitter: @urunatsuki]

●ULM2016の応用ゼミ「〈音楽〉を書く、〈音楽〉を読む」

　この応用ゼミでは、5回のゼミを通して、音楽を「語り直すこと」に迫りました。ゼミ生10名は、毎回異なるテーマに対して、実際に執筆をし、読みあい、リライトすることで、「語り直すこと」に向き合いました。 　ゼミでは、文学理論やポストモダンにおける音楽学の理論を参照しながら、音楽を語る言葉の文脈、その語りがもつ現在性、新しさ、中立さについて考えながら、ある一つの音楽作品がもつ意味、音楽実践に対する価値を問い直していきました。

●応用ゼミ最終課題 クラシック音楽と〈わたし〉 文責：小室敬幸

　今からさかのぼること15年ほど前、中学校3年生だったわたしは将来に対して希望をもてなくなり、人生に絶望していました。そんな状況をかえてくれたのが、偶然に出会ったストラヴィンスキー作曲の《火の鳥》――わたしにとってのクラシック音楽は、それまで数ある音楽ジャンルのなかの「ワンオブゼム」でしかなかったにもかかわらず、この作品に出会ったことで突如として「希望」に満ちた未開拓のフロンティアとなったのです。

　そもそも物心がついた頃から専門的な英才教育を受けていたわけではないので、わたしにとってのクラシック音楽はアプリオリな存在ではありません。「絶望」に反抗するために自らの意思で学びだしたクラシック音楽と、わたしの関係を考える際には必然的に「生きるか死ぬか」という問題意識がセットになっているのです。いまから振り返ると少し気恥ずかしくもありますが、あの頃は芸術こそがこの軽薄な世界のなかで絶対的に信じられる唯一の存在だと思っていたからです。

　「クラシック音楽と〈わたし〉」の関係がこの15年間で深まり続ける一方、クラシック音楽との関係を築いていない大部分の人々とのギャップに苦しめられるようになります。〈わたし〉と〈この世〉を結び続けてくれるよすがとなったクラシック音楽の価値が認められないということは、自分がこの世に居続けることが否定されているかのようにわたしの目には映ったのです。

　「関係を築いていない人々」をルサンチマン的な感情で蔑まないためにも、一旦は「クラシック音楽と〈わたし〉」の関係を相対化する必要がありました。結果的にその行為は両者の関係を弱めることもなく、ルサンチマンの養分となる余計な執着心を削ぎ落とすことに寄与したのです。これにより〈わたし〉にとってのクラシック音楽は「全体重で寄りかかっていた“信仰対象”」ではなく、自らが「 “屋台骨”のひとつとなって支えていく対象」へとその意味を変え、現在に至るのです。

小室敬幸（作曲家／大学教員／音楽ライター／ラジオパーソナリティ） 作曲／音楽学／大学助手＆教員／室内楽の制作／レクチャー／レッスン／音楽ライター／OTTAVAプレゼンター／日本ファンドレイジング協会 アートチャプター運営メンバー／准認定ファンドレイザー／TBSラジオも好き https://twitter.com/takayukikomuro

●ULM2016の応用ゼミ「〈音楽〉を書く、〈音楽〉を読む」

　この応用ゼミでは、5回のゼミを通して、音楽を「語り直すこと」に迫りました。ゼミ生10名は、毎回異なるテーマに対して、実際に執筆をし、読みあい、リライトすることで、「語り直すこと」に向き合いました。 　ゼミでは、文学理論やポストモダンにおける音楽学の理論を参照しながら、音楽を語る言葉の文脈、その語りがもつ現在性、新しさ、中立さについて考えながら、ある一つの音楽作品がもつ意味、音楽実践に対する価値を問い直していきました。

●応用ゼミ最終課題 クラシック音楽と〈わたし〉 文責：坂下夏淑

　クラシック音楽と共に発展してきたヴァイオリンという楽器は、クラシックと共に現在の様式にまで確立される。クラシックは、発展を遂げる段階で、作曲者、演奏者、聴衆とのバランス関係が希薄となる。口頭伝承という形からスタートした音楽は、何時しか楽譜を読み取り直接的なコミニケーションがなくとも作品に触れられるように環境が変化していった。限られた内容しか伝える事が出来ない楽譜も、作曲家と社会とのコミニケーションが少なくなるにつれ、よりアカデミックに変化する。このズレによるクラシック音楽と社会の循環不良は楽器を演奏する上でも強く感じる。

　もう一点は、日本におけるクラシック音楽の環境である。楽器、クラシック音楽そのものが入ってきて２，３世代の交代で享受され続けているもので、その真価は判断を下すにしても難しい状況にもかかわらず概念を享受し続け、歳月が流れてきたのではないだろうか？海外に出てみると、日本でのクラシックは猿真似であったと感じる。国際化により音楽の世界もだんだんと情報がオープンとなり、この状況は打破へと繋がっていくかもしれない。

　音楽の持つ多様性により社会還元は多様な人材により可能になって来るかもしれないが、ジャンルをクラシックに限定した場合、伝える人間がクラシック音楽にどれだけの理解があるかにより、社会循環は改善もしくは循環不良を生み出すものとなる。循環に関わる教育現場はそれを踏まえなければならない。教育現場を訪れる演奏者は教育者と言う立場ではなく、あくまで演奏者だ。リクエストに応じ、アウトリーチといえば皆が知っているクラシック音楽、教科書にのっとり用意されたプログラムを演奏する。このままの作業を続ければ演奏者の居場所も失われるであろうし、そろそろクラシック音楽の演奏会のあり方が自体が変わらなければならないかもしれない。

坂下夏淑（ヴァイオリニスト）

4歳からヴァイオリンを始め、桐朋学園大学、同大学院を卒業後、独国立ヴュルツブルク音楽大学を卒業。現在オーケストラ、室内楽等の演奏活動、後進の指導、アウトリーチの方向性を模索し研修を積んでいる。

●ULM2016の応用ゼミ「〈音楽〉を書く、〈音楽〉を読む」

　この応用ゼミでは、5回のゼミを通して、音楽を「語り直すこと」に迫りました。ゼミ生10名は、毎回異なるテーマに対して、実際に執筆をし、読みあい、リライトすることで、「語り直すこと」に向き合いました。 　ゼミでは、文学理論やポストモダンにおける音楽学の理論を参照しながら、音楽を語る言葉の文脈、その語りがもつ現在性、新しさ、中立さについて考えながら、ある一つの音楽作品がもつ意味、音楽実践に対する価値を問い直していきました。