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[La mezzosoprano Lucía Caihuela (Madrid, 1989) / Claudia Herrán]

La mezzosoprano madrileña Lucía Caihuela deja, junto al conjunto L’Apothéose, un monográfico Haendel en IBS Classical

Lucía Caihuela acaba de pasar por el Espacio Turina de Sevilla, donde ha intervenido en la interpretación de Los elementos de Literes dirigida por Aarón Zapico a Forma Antiqva, uno de los recitales más formidables de la temporada. Hablo con ella por teléfono tres días después para preguntarle por su último álbum, un monográfico Haendel junto a L’Apothéose, un conjunto con el que lleva trabajando desde 2018. “Nos apetecía hacer un disco juntos, y como ellos tienen una relación especial con Haendel...”

–¿Las cinco arias las escogió usted?

–Yo hice mis propuestas, pero decidimos conjuntamente, y luego se decidió hacer arreglos de otras arias para que las tocara Laura [Quesada, fundadora del grupo] con su flauta, algo que era habitual en la época

–Usted ha evolucionado de los roles de soprano a los de mezzo. Aquí hace arias escritas originalmente para voces diferentes. ¿Dónde se siente ahora mismo más cómoda?

–Me formé como soprano en España y luego ya cuando fui a estudiar afuera empecé a trabajar como mezzo. Al final, la voz de mezzo tarda un poquito más de tiempo en desarrollarse. Y es muy común que muchas mezzos empiecen como sopranos. A la hora de elegir el repertorio para este disco yo quise jugar un poco también con esa flexibilidad. Son todo cosas que vocalmente puedo cantar, pero se aprecian diferencias de color, y quería mostrarlas. He alcanzado ya una madurez en un registro y he incorporado la zona más aguda tanto como la zona más grave, y me gusta jugar un poquito entre las dos. Senesino era un castrato alto y se movía más por ahí, pero tanto Carestini como Durastanti y Robinson empezaron como sopranos y acabaron como mezzos o como altos. Hicieron mi camino. Las arias son muy centrales, aunque bajen un poco más las de Orlando y Radamisto, que son las de Senesino. Una mezzosoprano donde más cómoda está es en el centro. Lo que pasa es que yo creo que en España hay mucha confusión con la voz de mezzo, y se nos ofrecen enseguida partes de alto, porque no hay muchas contraltos. Yo quería mostrar ambos colores. Sesto y Ariodante son un poco más brillantes. Y Dejanira también. Y luego Orlando y Radamisto son papeles más graves. Yo sigo trabajando con mi maestro, explorando ese registro. Si grabo esto dentro de diez años sonará también distinto, pero quería explorarlo y mostrar ese color ahora.

–Prefirió la versión de Radamisto hecha para Senesino en lugar de la primera, que era para Durastanti.

–Sí, como hacía también Orlando, pues preferí esa versión, más grave.

[Otra imagen promocional de Lucía Caihuela / Claudia Herrán]

–¿Qué tiene Haendel para atraer de esa forma tanto a los cantantes como al público de hoy?

–Para empezar, es muy cómodo de cantar. Haendel estuvo en contacto con grandes maestros del canto y escribía para ellos de una manera ideal... Bueno, yo creo que Haendel mismo entendía bien cómo funcionaba la voz. Todas sus líneas son cómodas, van bien para el aire. En segundo lugar, es un maestro de la emoción. Llevo varios años haciendo un trabajo de investigación personal sobre el canto y la emoción. Mi tesis del máster fue sobre ese tema, cómo desarrollar un método para que los cantantes líricos puedan utilizar la emoción, conocer todas las reacciones del cuerpo cada vez que hay una emoción en el canto para, digamos, mantener la técnica al servicio de la emoción sin descontrolarse. Así que eso es algo que a mí me interesa mucho. Y Haendel es uno de los grandes maestros a la hora de ponerle sonido a una emoción. Una ópera suya es –y pongo siempre el mismo ejemplo– como una caja de bombones: cada bombón que encuentras en la caja es una emoción muy determinada y muy bien retratada. Si tú estás en una ópera de Haendel puedes seguirlas: ahora viene el aria triste, ahora la heroica, ahora la de la esperanza, ahora la del amor... Él lo hace muy bien. Hay otros compositores que no retratan la emoción con la precisión con la que lo hace Haendel, y a mí eso me resulta muy atractivo, porque es siempre clarísima la manera en la que usa los ritmos, las melodías, la armonía. No hay duda de qué emoción está retratando y eso hace también muy fácil el canto. Haendel es el gran maestro de los afectos, y por eso su música ha llegado hasta hoy, porque seguimos empatizando con esa forma que él tuvo de hacerlo en mil setecientos y pico.

–La escuchamos el sábado en Los elementos. Canta mucho repertorio español. ¿Queda aún por hacer en ese terreno?

–Si miro mi agenda en España, el 90% de lo que hago es recuperación de patrimonio español. Aquí casi no hago repertorio extranjero. Eso ha ido creciendo en los últimos años y es algo que me preocupa a mí y a muchos compañeros. Me parecen loables las iniciativas por recuperar el patrimonio español, porque es verdad que en España hemos tenido muchos complejos. Pero eso es un arma de doble filo. Es cierto que hay compositores muy buenos que ya se han recuperado y que se empiezan a hacer como parte del repertorio (Nebra, Literes...). Yo ya los he hecho muchas veces en España. Pero luego también hay mucho patrimonio que puede tener un interés musicológico o histórico, pero no sé si tiene interés musical. Entonces si se habla de recuperar patrimonio, uno se encuentra de todo. Cuando te estás formando como cantante y buscas tus referentes piensas en los grandes, en Bach, en Haendel, y estudias para cantar música de los más grandes. Y ahora estamos llegando a un punto en el que nuestro patrimonio se ha convertido en esa arma de doble filo de la que le hablaba. Porque a veces siento que los intérpretes españoles estamos condenados a la recuperación y se pierden oportunidades de hacer otro tipo de repertorio para el que también estamos preparados y que al final cantas con grupos extranjeros o en festivales de fuera, porque aquí los programadores quieren a los grupos españoles haciendo música española. Y yo pienso que hay que promover el talento nacional haciendo también repertorio internacional.

[Diario de Sevilla. 26-01-2025]

La ficha ÓPERA VIVA Georg Friedrich Haendel (1685-1759): Agrippina HWV 6: Sinfonia Ariodante HWV 33: "Scherza infida" Rinaldo HWV 7: "Venti turbini" [instrumental] Hercules HWV 60: "Cease, ruler of the day, to rise" Imeneo HWV 41: Overture Orlando HWV 31: "Ah, stigie larve!" Rodelinda HWV 19: Overture - Menuet Radamisto HWV 12: "Ombra cara di mia sposa" Amadigi di Gaula HWV 11: "Ah! Spietato!" [instrumental] Giulio Cesare in Egitto HWV 17: "Svegliatevi nel core" Lucía Caihuela, mezzosoprano L'Apothéose Víctor Martínez (concertino), Roldán Bernabé, Adrián Linares, Marta Mayoral y Pablo Prieto, violines; Víctor Gil, viola; Carla Sanfélix, violonchelo; Pablo Fitzgerald, tiorba; Silvia Jiménez, contrabajo; Asís Márquez, órgano y clave; Laura Quesada, traverso; Nina Alcañiz, oboe; Joaquim Guerra, fagot. IBS Classical

ÓPERA VIVA EN SPOTIFY

[L’Apothéose: Carla Sanfélix, Asís Márquez, Laura Quesada y Víctor Martínez. La foto es de Jaime Massieu]

En un inicio de carrera fulgurante, el conjunto madrileño L’Apothéose publica su segundo disco, primero en el sello IBS Classical, un acercamiento a la música de cámara de Haendel

En poco más de dos años de existencia, L'Apothéose se ha convertido en uno de los grupos barrocos españoles más activos y populares del momento. Ganador de una docena de premios en concursos nacionales e internacionales, el grupo ha conseguido también en 2019 el primer Premio de la crítica que otorga la asociación GEMA (Grupos Españoles de Música Antigua) y para el curso 2019-2020 ha sido designado Grupo Residente del CNDM, el organismo dependiente del Ministerio de Cultura, a través del cual L'Apothéose hará una gira por Italia, participará en el Festival de Música Antigua de Londres y acaba de pasar justo la semana pasada por el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá. Unos días antes de salir para Colombia, tuve ocasión de hablar con Carla Sanfélix, la violonchelista del conjunto, cuyo CD de debut con el sello granadino IBS Classical ha comenzado también su distribución a mediados de septiembre.

-¿Cómo nace L'Apothéose? -Todo empieza porque Laura [Quesada] y yo estudiábamos juntas en el Conservatorio Superior de Música de Atocha. Durante dos años compartimos la asignatura de Música de Cámara. Nos sentíamos tan bien tocando juntas que decidimos empezar con un proyecto más en serio. En principio, la idea era conseguir conciertos en Madrid y si surgía la ocasión de hacer algo más grande, pues mejor todavía. La primera experiencia fue un concurso en Alemania en abril de 2016. Nos teníamos que poner un nombre, y después de darle muchas vueltas, decidimos ponernos el nombre de la primera obra que tocamos juntas, L’Apothéose de Corelli de François Couperin. Nos encantó esa obra y nos gustó el nombre. Hicimos el concurso en Alemania, en concreto en Saarbrücken, con una clavecinista japonesa que era compañera mía de estudios en Fránkfurt, y ganamos el segundo premio. Aquel fue nuestro primer evento importante. Como no era factible ensayar con la clavecinista, que residía en Alemania, nos pusimos en contacto con Asís [Márquez], pensando que iba a tener mucho trabajo y nos iba a decir que no. Pero él estuvo encantado, y además nos propuso a Víctor [Martínez]. Así empezamos a ensayar los cuatro juntos en enero de 2017.

-¿Le puedo decir que su insistencia con los concursos lo hacen un grupo español algo atípico? -Es posible. Llevamos 12 premios nacionales e internacionales en dos años y medio, que no está mal. El primero fue la Göttingen Händel Competition. Por eso el tributo a Haendel de este disco, aparte de que nos encanta su música, claro está.

-¿Tenían esta filosofía clara desde el principio? ¿Patearse media Europa de concurso en concurso para darse a conocer? -No fue algo premeditado. Fue surgiendo. Nos encanta tocar juntos. Creemos que tenemos una química especial entre los cuatro y podemos hacer cosas muy bonitas. Nos dimos cuenta nada más empezar a trabajar y pensamos en qué podíamos hacer para abrirnos paso en este mundo tan difícil y con tanta gente con tanto nivel, cómo hacernos un huequito ahí. Teníamos el ejemplo de Pablo Ferrández y otros compañeros de la clásica que han conseguido hacerse ver a través de estos recursos. Quedándote en casa a veces es difícil que te llamen. Así que miramos y vimos que el primer concurso que había en Europa era el de Gotinga. Empezamos a ensayar en enero y el concurso fue en mayo. Si trabajas bien, cinco meses dan para mucho, pero tampoco era tanto. Nos lo planteamos como meta. Independientemente del resultado, pensamos que nos serviría como experiencia, para conocer a otros compañeros y estar en contacto con lo que se hacía en Europa. Y parece ser que nos preparamos muy bien. Llegamos a la final del concurso con otros dos grupos. Y de los cuatro premios que se repartían, nos llevamos tres: el Primer Premio, el Premio Eeemerging, destinado a proyectos de jóvenes músicos europeos, y el Premio Bärenreiter. Nos quedamos un poco en shock, no nos lo creíamos.

[L’Apothéose. Foto de Sergio Albert]

-Y la vía del concurso no tenía que agotarse por el hecho de que la primera experiencia fuera tan exitosa... -Ya nos entró el gusanillo. Un mes después nos fuimos a Francia, al Concurso Internacional Val de Loire, en el que conseguimos el segundo premio, sólo por detrás de un conjunto francés. El presidente del tribunal era William Christie. Estábamos muy emocionados con que nos viera tocar. Alabó mucho la labor de los músicos históricos en España y nos felicitó y nos honró mucho. Quedamos muy contentos y nos dio mucho ánimo.

-Tampoco es demasiado habitual que un conjunto español se lance desde el principio sobre el gran repertorio internacional, incluso con un disco. -En realidad, este es nuestro segundo disco. Grabamos antes para un sello llamado DM&DM uno de recuperación de patrimonio español, Tesoros Musicales de la Biblioteca Nacional de España, en el que grabamos obras pertenecientes a la Biblioteca Real. Nos ayudaron mucho los musicólogos de Ars Hispana [Raúl Angulo y Antoni Pons], que hicieron la selección del repertorio…

-Pero Haendel y Telemann están muy presentes en sus programas desde el principio. -Para el primer concurso tuvimos que preparar mucho repertorio de Haendel, porque en cada ronda pedían al menos una obra del compositor. Así que nos preparamos tres o cuatro. Aunque en realidad, estábamos ya enamorados de esta música. Nos sentimos muy identificados con ella, porque las sonatas instrumentales se basan mucho en la Teoría de los Afectos y para nosotros es una parte muy creativa de nuestro trabajo, poder explotar todos estos recursos con la teoría de los afectos, las emociones, los colores. Nos gusta mucho explotar todo eso. En el videoclip que hicimos con música de Telemann se puede apreciar. Nos gusta jugar mucho con las emociones, la vida… Es lo que nos mueve.

-L'Apothéose tiene una formación con limitaciones y posibilidades. Es obvio que con dos violines y bajo podrían hacer todas las sonatas en trío de la historia; pero por otro lado, el color de la flauta le ofrece otro tipo de oportunidades, aunque en muchas casos tendrán que trabajar con transcripciones. ¿Cómo lo ven? -Sí, es así. Nos gusta ceñirnos al máximo a obras originales para nuestra formación. Aunque no hay muchísimas sí que las hay y ahí tenemos terreno suficiente para trabajar mucho tiempo. Sólo con los Cuartetos de París de Telemann, doce obras maravillosas, tenemos para meses de estudiar y tocar. Por otro lado, tenemos mucha ayuda de Ars Hispana, tanto localizando obras para nuestra formación como haciendo algunas transcripciones. Nosotros no somos musicólogos y tampoco tenemos mucho tiempo para ir por los archivos, aunque cuando hay oportunidad también lo hacemos y nos gusta.

-¿Su idea es la de un grupo cerrado, el cuarteto tal cual? -Somos un cuarteto cerrado. Lógicamente colaboramos en algunos proyectos con otros músicos. A Bogotá vamos con la soprano Lucía Caihuela, que canta con nosotros de forma frecuente. Y en este disco colabora el guitarrista Ramiro Morales. Pero la base de nuestro éxito es que somos los cuatro, entre los cuatro decidimos, aportamos ideas musicales, trabajamos de igual a igual. Tratamos de crear una base sólida para cubrir el repertorio de cuarteto con traverso, para luego poder ampliar un poco. Pero eso ya se verá.

-¿Son una democracia? -Absolutamente. Todo lo decidimos entre los cuatro.

-¿Y por qué este programa concreto de Haendel para el debut en IBS? ¿Con qué criterio seleccionaron las obras? -Al principio nos planteamos hacer algo con voz, pero miramos el repertorio y, aunque había algunas arias que nos apetecía hacer, no nos cuadraba del todo. Como queremos ser nosotros y Haendel es un compositor tan especial para los cuatro, decidimos plantear algo que fuera realmente música de cámara. Habíamos tocado las dos triosonatas del Opus 2, si menor y fa mayor. Las teníamos en repertorio. Investigamos las del Opus 5 y decidimos coger otras dos, la mayor y re mayor, que son preciosas, deliciosas. Cogimos sencillamente las triosonatas que más nos gustaban de todo Haendel. Lo normal es escucharlas hechas por dos violines, sobre todo las del Op.5; la de fa mayor del Op.2 suele tocarse con flauta de pico y es la de si menor la que se toca por norma con traverso.

-Y luego añadieron otras dos sonatas, pero con las instrumentaciones casi cambiadas. -Sí, es verdad. La Sonata en re mayor que toca Laura suele ser interpretada con violín, y de la que hace Víctor, aunque parece que originalmente también era para violín, hay una edición de la época para flauta. Pero bueno, nos lo planteamos, nos lanzamos así, e hicimos de todo el programa las versiones que nos gustaban a partir de nuestra instrumentación.

-¿Cómo fue la grabación? -Muy especial. El trabajo con Paco Moya fue estupendo, además en un sitio precioso, el Auditorio Manuel de Falla de Granada, una sala con una acústica muy buena. Hubo un pequeño problema con el primer clave que nos pusieron, pero lo cambiamos y todo funcionó fenomenal. Estamos muy contentos.

-Son un grupo muy joven, ¿cómo es su experiencia con los públicos?, ¿es verdad, como afirman muchos, que el público de la música clásica envejece sin parar? -En Madrid, donde más hemos tocado, la labor de Pepe Mompeán [asesor musical de la Comunidad] intentando acercar la música antigua a todo tipo de gente, ha hecho que la media de edad de los conciertos baje bastante. Es esperanzador. A nosotros nos ha hecho sentir muy felices. Cuando vas a festivales más institucionales y con más tradición la media de edad es más elevada.

-Participaron este año en el Femás sevillano, ¿qué tal? -Muy bien, había bastante gente joven, pero era un domingo por la mañana y es complicado llenar. La acogida fue muy buena.

-¿Puede contarme algo de sus proyectos más inmediatos? -De momento, seguir adelante con todo lo que tenemos entre manos con el CNDM. Estamos muy ilusionados y nos sentimos muy honrados. Es un sueño haber conseguido todo esto. La verdad es que trabajamos muy duro, apostamos mucho por el proyecto, le dedicamos mucha energía, y mucho dinero no, porque no lo tenemos. Pero lo estamos poniendo todo, y tener esta recompensa nos hace sentir muy halagados. Así que tenemos muchas ganas de abordar todos esos programas. También queremos seguir haciendo vídeos, que nos parece la plataforma más eficaz de difusión. Youtube es un medio para llegar a un público más joven y ser más accesibles. No queremos estar sólo en Spotify o en iTunes, sino que la gente pueda entrar también y ver un vídeo bonito, creativo.

-¿Algún nuevo disco ya en trámite? -Sí. Es un proyecto muy importante. En julio de 2020 grabamos un CD con el sello inglés Linn Records. El director del sello estuvo en el tribunal del concurso de York que ganamos en el mes de julio pasado. El primer premio incluía la grabación del disco.

-¿Con qué repertorio? -Estamos probando. Al sello le interesa que sea música poco tocada. Seguramente será un monográfico de algún compositor, pero estamos barajando varias posibilidades y aún no nos hemos decidido.

[Diario de Sevilla. 30-09-2019]

The alternative soundtrack. Buenos días, os comparto un impresionante e inspirador vídeo de TEDxMadrid. Feliz Sábado!

Laura Quesada toca la flauta travesera y ha tocado en orquestas de todo el mundo. Manu Carrasco es especialista en guitarra eléctrica y ha tocado en varios grupos y en más de 300 actuaciones en vivo. Juntos, crean la banda sonora del video "Nature By Numbers" de Cristóbal Vila. Un acontecimiento en vivo único, creado especialmente para TEDxMadrid 2011.