#juancaloca

Solo como comentario, hablaré solo de las piezas que se quedaron en mi cabeza, ya que  cuando fui no tenía ni la menor idea de que iba a escribir sobre de esto. Hasta semanas después las chicas me ofrecen esta oportunidad. Entonces no esperen descripciones largas, hermanos.

Al entrar lo primero que vi fue una de las pinturas de nuestro querido Néstor Jiménez. Una pintura con sus muy irremediables e imposibles perspectivas. Creo nunca había visto nada de Néstor en persona. Pasar del imaginario a la realidad no alteró mi gusto por su pintura lo cual siempre te deja tranquila cuando le tienes estima personal al artista. Me encantaría ver esas perspectivas en cuadros aún más grandes, pensé. Luego recuerdo las pinturas de Elsa-Louise Manceaux las cuales me parecieron muy bellas sin contar en este gusto a los volúmenes alrededor. Recuerdo haber hecho un comentado sobre mi muy personal desagrado por los pintores tratando de viajar muy desafortunadamente hacia el volumen. Después se llega muy orgánicamente por las proximidades del espacio a la pantalla de proyección de Erik Tlaseca con una pieza visual (no digo audio porque no recuerdo escuchar nada) de unos 2 por 2.40 M. Verde, cielos azules, tierra y demás bellezas que proporciona la fauna mexa. En la pantalla, dentro de esta selva, la graciosa aparición de un personaje salido de su propia y muy específica ficción. Paloma hace unas anotaciones a su praxis, ya que compartieron espacios en el FONCA. Compartimos el gusto por las piezas expuestas en el suelo, que paloma me comenta son props. Pero Paloma no dejaba de mencionar otras piezas mas adelante, entonces camine un poco más y fue ahí donde me encontré una de las 3 piezas de Víctor del (M)Oral Rivera. De pronto lo recordé todo. Tuve un flashback a la cocina de Juan Caloca la noche de su cumpleaños.

Mi flashback: Yo muy adulterada en la cocina de Juan a las 5:00 de la mañana abrazando a Yollotl con los ojos cerrados escuchando a Víctor, Yollotl y Gamaliel hablando de cómo es que iban a tirar las piezas. Sobre qué cámaras iban a utilizar, del tiempo, del aire, de la producción en general. Yo me imaginaba la pieza y lo único que me daba miedo era que en el primer intento no fueran a estar lo suficientemente organizados para captar bien el instante. A mi parecer el nervio venía de escuchar una buena idea salir de la boca de dos borrachos. Abrí los ojos y les dije que lo que necesitaban eran varias cámaras. Que lo grabaran con 3 puntos de vista. Tengo la impresión de que me dieron una muy ligera razón y siguieron con el tema. Luego cambiamos de tema porque Gama tenía hambre y despuesito llegó Juan a preparar unas quesadillas de flor de calabaza bastante insípidas o para después regañarnos que debíamos de tener una pool party en la azotea en ese preciso momento, pero Yollotl y Victor estaban hipnotizados hablando de la pieza y bajaron al estudio de Victor a seguir con el tema sin nuestras intromisiones. A mi lo que me impresionó de todo esto es cómo alguien podía hablar y hablar hasta las 5:00 de la mañana de algo tan técnico. Yo lo único que pienso en la fiesta a las 5:00 de la mañana es sobre si voy a coger o no, o cómo voy a regresar a casa.

La verdad me impresiono la pieza ya que la vi viva en el espacio. Me pareció genial el formato de las pantallas. Primero ves la pieza donde la letra A camina en una toma top del estacionamiento de la Torre Banobras. (Como comentario, los números del estacionamiento no coinciden con el orden numérico que esperas)  Luego otra pantalla de igual tamaño con varios detalles de texturas y formas del edificio donde se cuelan imágenes de la Ciudad de México. La calidad de foco y la corrección de color es perfecta. Da mucho gusto verle las arrugas al edificio con tomas bien perspectivadas. Después te encuentras con la pieza central del trabajo de Víctor que es el momento en el que se tira la letra A de lo más alto de la torre en una pantalla vertical de unos 3.50 X 1.20 proporcional a la torre.

Casi lloro a decir verdad. Ver cosas rompiéndose es de mis más grandes pasiones. Fue de verdad grato pensar en el esfuerzo tan grande que debió haber sido llegar hasta ese momento. Con el aire a todo volumen. El sonido de este rompiendo contra tus orejas. Traz. La pieza choca contra el suelo. Es como si vieras escuchar un grito en el vacío. Choca y la toma termina con el vuelo en ascenso de un pájaro justo atravesando el cuadro. Todo es una cámara lenta. Volteo a ver a Paloma y le digo -Verga-. Me quedo otro rato ahí parada viendo de nuevo la acción.

Poco antes de llegar a esta pantalla, existe otro muy afortunado momento de la exposición. La obra de Rolando Jacob que es la creación de un espacio interior que nos lleva a 1972 según el calendario en la pared. Sillones, libreros, un tapete, la mesa las sillas, la consola, y una radio prendida. La pieza es el esfuerzo de recrear una típica sala-comedor de alguna familia promedio del norte del país. Estas piezas me fascinan porque entiendo el esfuerzo que es ambientar algo. Quien sea que tenga las fuerzas para conseguir un total de 50 objetos con el mismo lenguaje histórico se merece un pastel. Ni sé ni me importa qué quería decir el artista pero me parece que se merece un pastel, y uno chido hecho el mismo día.

Si Rolando Jacob merece un pastel, que alguien se la chupe a Víctor. Estaría interesante que así se le diera retroalimentación al artista, pero la sociedad es tan aburrida que prefiere pagar con dinero. Vaya falla.

De esta exposición PARASITAGE, RUIDOS NEGROS y en especial de este piso también quiero destacar la participación de Tania Ximena con sus piezas gigantes de tomas al volcán y a lo que creo es la prístina documentación de una de sus expediciones. Close ups de carámbanos de 4 x 2.40 metros siempre va a ser una estrategia ganadora. La verdad es que no recuerdo otra pieza en el espacio que se haya impreso en mi memoria con la misma fuerza que las piezas que acabo de relatar. Un saludo a los demás participantes.

La siguiente sala: ABUSOS DE LAS FORMAS.

Lo primero que viene a mi recuerdo es la pieza de Thomas Glassford de quien tengo un recuerdo muy cómico en la boda de unos amigos en Oaxaca en donde prácticamente le dije que se veía demasiado heterosexual y viejo para pertenecer al lanzamiento del ramo. Al respecto de esto mi tía Mariangel me diría algo como “Por este tipo de cosas no podrás figurar en sociedad”. En fin, la pieza son unos muy nacionales guajes montados en una dinámica física de fierro cromado en alusión a una máquina absurda con mangueras hacia sí misma. La relación entre materiales hace de la pieza una de mis favoritas de la sala.

De esta exposición lo que más se escucha es una voz susurrando lentamente -Identidad Nacional- y a lo que me refiero, es al tono general de la exposición el cual gira sobre ideas como lo prehispánico, la artesanía y la relación entre artista y artesano. Artista y cultura. El susurro regresa -Identidaaaaad Nacionaaaaaal- Y pues bueno, adivinen quien estaba exponiendo… ¡Claro! ahí andaba una pieza del Juan Caloca.

A continuación algunas piezas de los vestuarios del video de Ulrik López. Todo tiene tonos cafés. Es interesante como hay temas de investigación que ya tienen una paleta de color preestablecida. Las técnicas nos sujetan a una apariencia, por supuesto. La investigación de la artesanía o el archivo también nos sujetan a una veracidad, a contar las cosas bien. A utilizar tierra donde la tierra sepultó todo.

Aun así, ahí estaba una escultura de herrería con formas que nos llevan a pensar rápidamente en el trabajo de los zaguanes típicos de la vivienda mexicana. Solo que pintado en colores estridentes como el tornasol.  Y me refiero a estas soleras roladas en espiral que aluden a flores y espirales decorativos los cuales siempre me han parecido una cosa rarísima salida directamente de un pensar típico del biedermeier o el arts and crafts. O sea, la voz de la primera revolución industrial perdida en colonias como La Industrial en Lindavista. Una pieza sobre arquitectura vernacular, muy a la orden del día. Después recuerdo unas pinturas muy monas de dos platos de cerámica color terracota. Un trabajo en conjunto de Jonathan Miralda con Andrés Villalobos. A lado, unas pinturas del muy genio de Francis Alÿs. Muy Francis, no sé. Es de esas cosas que ves y sabes quien es, y te dices “Ah vaya. Sí. Qué genio” pero enseguida sigues caminando.

Seguimos en el recorrido y en una esquina tenemos a Abraham Cruzvillegas con un tapete de mosaicos cocinados con esta técnica artesanal de barnizado color verde obscuro. Y la verdad es hoy en día es una opción asertiva utilizar este terminado. Es exactamente aquí, en esta parte del texto, donde me pregunto -Bueno pero, pues hoy en día ¿qué diablos puede salir mal de los procesos y piezas con técnicas artesanas? Y este, chavos, es un tema al cual no me pienso meter en este momento, les regalo mi duda. (Espero de sobremanera entiendan la ironía)

En este mismo cachito de sala también existen dos piezas salidas del horno de Parque Galería. Un video de María Sosa donde se tiene a ella misma jugando a las barbies con diferentes “vestidos” que quiero pensar son conceptos vistiendo u oprimiendola en una búsqueda deconstructiva y constructiva de su persona y de la imagen femenina antepuesta a una ficción cultural. Llamenme loca, pero eso fue lo que entendí.

Luego la gran pieza de Juan Caloca. Tal vez lo quiero mucho y como buena madre mexicana no puedo hablar mal de él. Agradezco y agradeceré siempre que se me sorprenda. Y la verdad me gustó su pieza. Una Coca Cola sujeta por la tensión de unas cuerdas de yute que utilizan la banda que carga en los mercados o centrales de abastos cuando no se tiene diablito. También me gusto que resolviera con manerales de acero inox  sujetarse de ahí. No sé amigos. Muy Juan.

Después estaba esta pieza que no vi de quien era, pero eran unos tepetates con piedras de agua. Y el letrero decía ‘para disfrutar la pieza quítese los zapatos’. Y es que a mi las dinámicas del ‘toca, juega y aprende’ me gustan mucho, pero Paloma ya iba rápido en esta sección, y pues no me quería quedar atrás. Después pasamos a la parte en donde casi todo era archivo. De ahí estos textos que hablaban sobre cómo habían creado varias piezas para el museo de antropología. Y me dieron celos no haber pertenecido a ese momento en México. Ya me imagino las pláticas en los cafés de la zona rosa al respecto de lo que todos los artistas se esperaban del museo de antropología, que si los que tenían las manos dentro lo estaba haciendo bien o mal, que si el dinero, que si la dirección, que si yo también quiero.

Y pues, pasamos a la tercera y última exposición. EL NEGRO SOL DE LA MELANCOLÍA curada por Luis Felipe Fabre. A veces, cuando entras a una exposición entiendes el tono en el que se arma el show. A veces es muy poco personal, a veces el artista o los artistas resaltan sobre el espacio y no puedes más que escuchar sus voces. A veces solo escuchas al espacio triste y blanco esperar por algo más. Y otras veces, como en este caso, escuchas al curador completamente volcado dentro de su investigación. Me identifique mucho con él, así como él se identificó con esos fragmentos expuestos. Alguien que obviamente lee y escribe. Es un espacio de un color casi negro. El negro que se logra solo de pigmentos naturales. Las piezas en su mayoría pinturas y grabados y algunas esculturas medio ochenteras con unos fetos de animales en forma de círculo. Paloma me cuenta que cree son piezas de la colección del museo. Mi parte favorita son las fotocopias de libros, carteles y frases. Una pena porque para ese entonces ya estaba cansada y si daban ganas de leerlo todo. Pero bueno, he aquí un pedazo que me llamó mucho la atención:

y no roca si hubiese roca y también agua y agua un manantial un charco entre las rocas si hubiese solo el sonido del agua no la cigarra y el canto seco de la hierba sino el sonido del agua sobre la roca donde canta el zorzal entre los pinos clin clon clin clon clon clon pero no hay agua

Juan juega consigo mismo y se vuelve un bufón, y se vuelve un extraño, tanto para sí mismo como para la pintura, porque juega con ella como registro del performance de ser bufón y de ser artista. Construye la metáfora de ser él mismo el lienzo cuando hace performance –por lo tanto cuando es artista– a través de lienzos enmarcados que cargan con la pintura que estuvo alguna vez sobre su rostro. Esos trapos de microfibra tensados y montados a la pared pudieron ser los trapos con los que se habría limpiado la cara después de vomitar pigmento verde, blanco y rojo. Podría decir que toda la pintura es una colección de trapos con los que sus autorxs se han limpiado la cara. Como cuando Nietzsche dijo que se volvió claro para él que, aquello en lo que toda gran filosofía había consistido, era una confesión de su autor y una especie de autobiografía involuntaria e inconsciente. Como cuando Juan mismo me dijo que hablar de una nación es hablar de uno mismo o cuando Oscar Wilde dijo, dale a un hombre una máscara y te dirá la verdad. Desde luego, las paredes también pueden ser aquel trapo, como Katharina Grosse nos ha estado recordando a través de su Instagram toda la cuarentena, y parece que pueden ser también la propia piel y portar el propio maquillaje.

El día que visité su expo, Juan me contó que le interesa la figura del bufón por su rol de excepción, por su rol intermediario entre el rey y el pueblo y por sus libertades de acción y enunciación, sus libertades de ser un poco héroe y un poco villano, y de ser un extraño para dios, para la policía y para sus amigos. Días después, Youtube me llevó a teorías sobre lo paradigmática que ha sido la figura del Joker, para la actuación en la industria cinematográfica.

Hay algo especial en el Joker y parece que se ha vuelto tradición entre los actores tomarse el rol particularmente en serio. El Joker es esa persona que juega demasiado en serio y, tal vez por eso, ser el Joker se tiene que jugar tan en serio que la actuación no puede parecer una actuación de cine sino un performance inevitable. Actuar al Joker tiene que ser una entrega al entorno cultural, ya sea el set de filmación, la cultura pop o la ciudad Gótica. El Joker, cuando menos el de Joaquin Phoenix, adoptó su apodo como un estigma y en el estigma hizo su teatro. Ese Joker se dejó poseer por su sociedad, se permitió jugar en serio el juego impuesto por ella, y luego le dijo deal with it. El Joker acepta jugar con su entorno el juego que su entorno juega con él: dice va, juguemos a esa segregación, juguemos a esa alienación forzada y a ese intercambio de violencia. Juega a ser ese otro, a estar sólo y alejado, y en esa lejanía, en ese aislamiento y en esa otredad, funda sin querer una sociedad donde caben otras otredades, otras extrañezas, otros mundos. Paradójicamente, el Joker es quien tiene poder sobre sí mismo. Lo tiene, no por resistirse a las alienaciones de un sistema profundamente desterritorializante, sino por resistir el paso por esa desterritorialización profunda. la escena cúspide del arrastre de la subjetividad en Joker es justo el momento en el que Arthur se convierte en el Joker; es decir, como me recordó Nerdstalgic en Youtube, esos 4 minutos en los que Joaquin Phoenix tiene la enorme habilidad para articular cada pedacito de la personalidad de Arthur, en los que es al mismo tiempo inseguro, enojado, emocionado, alegre, indeciso y malvado, con suficientes rostros para quitárselos con microfibra y montar una exposición en la Santa María, finalmente permitiéndose disfrutar lo que su sociedad le ha obligado a ser, siendo el Joker por voluntad propia.

Atravesando los pasos que se dan al recorrer la exposición de Juan, había globos inflados que parecían no desear otra cosa que ser pateados y desorganizados –como las vísceras del cuerpo sin órganos del que habla Deleuze– y había también un tanque de gas con el que podías inflar y arrojar aún más globos sobre la piel del espacio. Me di cuenta, cuando vivimos juntos, de que Juan disfruta de ser con otras personas todo el tiempo, pero conversando ese día entre sus caras me compartió que también vive de ser por otras personas, por lo que otras personas le ofrecen para ser, y creo que ese poder ser, ese pintarle el rostro o ese permitirle –o incluso reconocerle– el rostro pintado, es una de las cosas que agradece a sus amigxs entre los textos que depositó a mano sobre algunos rincones de Estudio Marte. Me da gusto untarle un poco más de maquillaje.