#iris azquinezer

𝗖𝗼𝗻𝗰𝗶𝗲𝗿𝘁𝗼 𝗰𝗼𝗺𝗲𝗻𝘁𝗮𝗱𝗼 𝗴𝗿𝗮𝘁𝘂𝗶𝘁𝗼 (previa reserva de entrada) 𝗱𝗲 𝗜𝗿𝗶𝘀 𝗔𝘇𝗾𝘂𝗶𝗻𝗲𝘇𝗲𝗿 en la Sala White Lab de #Madrid "Historia de la Música a través del Chelo" el 7 de marzo de 2024 a las 19:30h.

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[Iris Azquinezer y Rainer Seiferth son desde 2015 Zaruk. / PABLO NEUSTADT]

Zaruk presenta su segundo álbum, un recorrido por música de resonancias acuáticas

Agua para tiempos de sequía. Zaruk, es decir, el dúo que desde 2015 forman la violonchelista madrileña Iris Azquinezer y el guitarrista alemán residente en la capital española Rainer Seiferth, se sumerge en un recorrido por músicas de diversos contextos a las que dan su toque personal.

"Nos gusta el mestizaje, coger de aquí y de allá, de muchas fuentes, países, culturas... Pero no se trata de escribir arreglos como tales. Nos juntamos y nos ponemos a improvisar, a probar cosas, y nos sale de forma natural y espontánea. Eso es muy de Zaruk. Tenemos muy buena química. Es una forma preciosa de trabajar, al menos para mí", comenta Seiferth. Y su compañera añade: "Si la mar era de leche servía de enlace entre el repertorio del primer disco y el de este segundo, que lo quisimos diferente, partiendo de un tema inspirador que pudiera unir a todas las culturas (en este caso, el agua) para luego llevarlo a nuestro estilo".

Cada uno ha seguido un camino diferente en la música. "Yo vengo del clásico, de la contemporánea y la música popular, porque siempre me ha gustado cantar. El recorrido de Rainer es más rico en música antigua, en jazz. Todo eso se va mezclando. Tratamos de buscar en las canciones todo aquello que también son. Encontrar ese mundo. A cada una la llevamos a un sitio. Trabajamos por ejemplo a partir de un tema de Schubert (que no está en el disco) y nos salió un tango. En su segunda parte, Lágrima de Tárrega parece Shostakóvich, pero eso está ahí, lo sugiere la obra". Y el guitarrista continúa: "Es puro juego. Por supuesto que todo tiene una parte seria, musical, intelectual si quiere, porque hace falta conocimiento, pero también es un acto intuitivo y espontáneo. Mi mayor influencia es la del jazz europeo, esa mezcla de hace 50 años, que partiendo de la tradición jazzística americana busca las raíces europeas para la improvisación, lo que desde hace mucho se hace en Noruega, Francia, Italia... Me inspira coger fuentes tradicionales, antiguas y traerlas al presente. Un guitarrista como Ralph Towner es desde hace muchísimos años una gran influencia para mí, o Gianluigi Trovesi, el clarinetista italiano. En realidad todo el entorno ECM, que es un sello que me lleva acompañando toda la vida".

No es fácil etiquetar el trabajo de Zaruk. Hay quien hablaría de crossover, de músicas del mundo, incluso de new age. "A mí me encanta lo que dijo Carlos Santos en la radio: Músicas de otro mundo", comenta la violonchelista madrileña. El problema no es sólo nominalista, porque afecta al tipo de eventos para el que son contratados. "Es nuestro hándicap, sí –continúa Iris–. Lo suyo es tener una personalidad asociada al nombre, pero antes nos tienen que conocer. Es cierto que el nombre empieza a sonarle ya a muchos programadores, pero creo que tienen que conocer más profundamente nuestro trabajo. Hay muchos que si nos escucharan una vez nos programarían. El directo de Zaruk es muy bueno." "Nuestros dos últimos conciertos han sido en el Festival Tres Culturas de Frigiliana, con un programa sefardí, y en un ciclo de música clásica en Los Molinos, Madrid. Cabemos en los dos perfectamente".

Ese directo incluye también improvisaciones, como las registradas en Agua. "En el disco hay diferentes formas de improvisación –comenta Seiferth–. Las que aparecen con esa etiqueta las grabamos el mismo día y son improvisaciones completamente libres, hechas por primera vez en el estudio. Nos decíamos palabras que tenían que ver con agua: botijo, pozo, aguardiente... y empezamos a tocar sin pensar". "La improvisación libre nos gusta mucho a los dos. Partimos del vacío. Es como un juego. Nos lo pasamos muy bien ese día, porque grabamos esas improvisaciones por el puro gusto, aún no sabíamos ni siquiera si las íbamos a meter en el disco. Cuando lo llevamos a concierto es diferente. Les hemos puesto títulos y ya en el concierto, aunque siga habiendo improvisación, hay un recuerdo, partimos del tema, con lo cual ya salen cosas parecidas. Pero nacen de la improvisación absolutamente libre. Y en las canciones hay parte del original que sea, parte de arreglo previo, pero también improvisación. Rainer en general es mucho más libre que yo. Yo tengo un punto clásico, y a mí me pasa que alguna cosa improvisada me gusta tanto que luego siempre la hago igual, pero es que me gusta, no lo puedo evitar."

El dúo se ha ampliado en este álbum hasta el quinteto. "David Mayoral y María Berasarte ya colaboraron en nuestro primer disco. Formamos un equipo bastante estable. Es un gusto ver cómo disfruta David Mayoral con el nuevo repertorio de Agua. Se lleva un barreño, le pone micros, es como un niño. Y otro juguetón es Andreas Prittwitz, juega con cualquier tema que le des, toca, improvisa de forma maravillosa. Es el nuevo fichaje", comenta Rainer, e Iris completa el comentario sobre los colaboradores hablando de María, que "es de las voces más inspiradoras que hay hoy en España, tiene ese punto capaz de crear alquimia. De Zaruk me gustan los discos que hemos hecho, pero me encantan sobre todo los directos. Ahí todo se transforma y María forma parte de eso, porque tiene una energía muy potente, muy poderosa".

Aún es pronto para pensar en un nuevo disco. "Estamos en proceso de elección de temas. Como esto lo hacemos completamente entre los dos, estamos buscando nuevo repertorio, nuevas ideas, pero es algo que nos tiene que convencer a los dos. Hay ideas circulando, pero no ha llegado el momento de cristalización", dice Rainer, y la cellista añade: "A menudo nos lanzamos. Surgen cosas, y decimos guay, esto, esto, pero pasan dos horas, y no, no… Podríamos hacer esto otro, y a los dos días, no, no… Así funcionamos. Estamos todavía dándole vueltas a cosas que podrían ser, alguna incluso más para un cuarto trabajo que para el tercero. Hay que afinar un poco."

Pese al entorno tecnológico los dos siguen pensando en términos de disco. Seiferth piensa que "siempre va a haber una minoría de aficionados tanto para el vinilo como para el CD, y también jóvenes, no sólo gente de nuestra generación. Gente que necesita lo tangible, ver algo, tocar algo y está un poco harta de lo virtual. Con un CD, con un vinilo aprecias más lo que es el contexto del disco, no tienes esa sensación de pasar de un tema a otro, sino que te centras en ese disco concreto, en ese producto. Siempre habrá gente que apreciará esto. Pero es verdad que se nota una bajada brutal en las ventas. Sobre todo en España, cuando vamos de gira por Alemania vendemos más discos". Porque los discos hoy se venden sobre todo en los conciertos: "Eso es cierto, pero me gustaría puntualizar algo: siempre habrá gente que te compre el disco, pero hay en ello un punto de caridad, de apoyo. Yo lo hago. Yo compro el disco de compañeros porque me gusta su concierto, pero luego lo escucho en Spotify. Aprovecho el libreto, lo leo, pero para escucharlo lo pongo en Spotify. Creo que el CD y el vinilo se van a quedar como artículos de recuerdo. Voy a un museo y me compro la bolsa o la taza… Pues en los conciertos lo mismo".

De las improvisaciones a las canciones

Aparte las cuatro improvisaciones, que sirven de hilo conductor y argamasa con sus sugerentes títulos acuáticos (Lluvia en la ciudad, El lago, Copos de nieve, Botijo), este segundo álbum de Zaruk incluye otros diez temas que se pasean por distintas tradiciones musicales. Arranca, como puente de Hagadá (el primer CD del grupo), con una canción sefardí (Si la mar era de leche), se acerca luego a una composición del propio Rainer Seiferth (Aguas arriba), en la que participan ya dos de los tres colaboradores que se unen al dúo en este álbum, el percusionista David Mayoral, un habitual, y el clarinetista y saxofonista Andreas Prittwitz, un músico que se mueve con absoluta flexibilidad entre el jazz, el clásico y la música antigua. Sigue después Lela, una pieza original de Rosendo Mato Hermida sobre versos de Castelao, en la que es la primera de las tres piezas grabadas con la voz de María Berasarte. Lágrima de Tárrega y la Danza de las Náyades que Sibelius incluyó en su música incidental para La tempestad de Shakespeare pueden considerarse las dos contribuciones más clásicas del álbum, que luego recorre diferentes tradiciones populares: la aragonesa, con una jota (Fuentecilla) que canta Berasarte, pero transformada en otra cosa, por el cambio de compás; la portuguesa (Dame una gotinha d’agua); la búlgara (Protekla e mutna voda) y la murciana (la nana A la mar, que canta también Berasarte). Entre medias, el Vals Amniótico de Iris Azquinezer que, en sus propias palabras, “inicia vida y teje sueños”.

[Diario de Sevilla. 13-09-2022]

AGUA EN SPOTIFY

[María Parra debuta en Warner Music con un álbum de música propia. La foto es de Michal Novak]

Después de dos discos como pianista clásica, la soriana María Parra debuta en el sello Warner con un álbum dedicado a su propia música, un ecléctico crossover de trece piezas

Tras publicar un par de discos en sellos independientes, María Parra, compositora y pianista nacida en Soria, criada en Tarragona y radicada en Madrid, debuta en una gran multinacional con un álbum de música propia.

–Rêverie, Mouvement y ahora Vision. De la música de otros a la suya propia. ¿Cómo ha sido este proceso? –Entre Mouvement y Vision pasa tiempo. Podría haber seguido en la misma línea y sacar otro disco en el ámbito de la clásica. Ya había metido algún guiño en forma de bonus track en los dos primeros cedés, como dejando entrever una faceta como compositora aún tímida, no muy afianzada, como no queriéndola mostrar al mundo. A partir de un determinado momento empiezo a encadenar conciertos en los que, de forma sistemática, uso mi música en los bises. Y fue el público el que unánimemente se molestó en venirme a ver, porque notaban en mí una especie de pudor en hacerlo así, casi pedía excusas por tocar mi música, y no hubo nadie que cuando se me acercara no me dijera que estaba muy bien lo que había interpretado a nivel clásico, pero que eso estaba ya muy oído, y le hablo de un público variopinto, de ciudades, procedencias, formación musical o sensibilidades diferente, y unánimemente vinieron a decir que lo que más les había gustado eran mis bises, que eran más actuales y que dejaban entrever cómo era yo y esa sensibilidad más cercana les había llegado más.  Eso fue haciendo mella en mí y dándome más confianza para una actividad que yo dejaba muy al final de mi día a día. Y de repente en 2018 me encuentro con un tiempo como para poderlo invertir en componer, y empiezo a hacerlo desaforadamente, a borbotones. Empezó a salir música y música y más música, y me encontré liberada, muy feliz. Nunca había tenido esa sensación. La felicidad de tocar la tuve siempre, pero hay una especie de espada de Damocles en el imaginario colectivo de la Clásica, como que no te puedes salir del canon, del cliché, y en ese canon hay músicos que tienen ya el beneplácito del público como grandes artistas, y tú, como españolita, dentro de esta abundancia de buenos pianistas que hay por todas partes, no aportas nada, eres como una gota más... y de repente me surgió la necesidad, por fin, y gracias a ese ánimo del público, de dar rienda suelta a todo lo que había estado acumulando y que salió en esos dos meses dedicados casi exclusivamente a componer a finales de 2018. En ese proceso me llaman de San Sebastián para tocar. Yo estaba desconectada del mundo clásico, pues me había hecho a la idea de que no iba a volver hasta 2019. Le digo que sí al organizador, pero con la condición de que la mitad del programa fuera con mi propia obra. Me dice que sí. Fui a San Sebastián, y toqué medio programa con repertorio clásico y la segunda parte, todo mío. Me hice un autoexamen. Y el público me lo dijo clarísimamente: esa segunda parte les había emocionado más, al ser música nueva y transmitirla yo con toda la convicción del mundo, era lo que más les había llegado. Entonces tuve claro que quizás mi siguiente disco tenía que ser con obra propia. Me tomé mi tiempo para madurar un poco el estilo, tener un buen volumen de obra, que me permitiera hacer una selección, y encontrar la discográfica que entendiera que yo era intérprete de clásica, con una especialización en música española pero que además tenía esta faceta personal. Y tenía muy claro que tenía que ser una de las tres majors, Universal, Sony o Warner. Porque estas compañías tienen muchos departamentos de diferentes ámbitos y yo podría encajar como artista bisagra, como intérprete y creadora.

[María Parra en Warner]

–¿Y cómo fue llegar a Warner? –Sabía que de alguna manera me tenía que sentir protegida. Un cambio tan radical no podría hacerlo con un sello pequeño, independiente. Habría pasado sin pena ni gloria y no con el respeto que yo consideraba que merecía este volantazo que iba a dar. Llegar a Warner fue en buena medida por casualidades. Delia Agúndez trabaja para Warner y ella me presentó a su jefe de Clásica, Juan Bauluz, diciéndole que estaría muy bien que en el futuro me ficharan, y eso quedó ahí, como en una nube. Fue en 2017. Yo acababa de sacar Mouvement y, bueno, pensé que quizás en el futuro habría alguna opción, pero pensando siempre en un trabajo clásico. Al mismo tiempo, Jesús Trujillo, que fue mi ingeniero de sonido, viendo la magnitud del disco que estaba preparando, y conociendo mis temores y dudas, también me habló de Bauluz. Además, hubo otra persona del ámbito pop que me dijo que conocía al presidente de Warner y podía hablarle. Así que un día me presenté en Warner. Ellos eran muy escépticos a la hora de acoger a una pianista clásica, porque el Clásico no vende discos, y no querían un disco más, que era un poco la sensación que yo tenía con los dos anteriores: haces un enorme esfuerzo económico, pones todo tu amor en el proyecto, y acaba suponiendo una gota más en el océano. Para tu trayectoria personal son buenos reclamos, sin duda, pero son discos que pasan sin pena ni gloria. Y lo puedo entender. Yo misma, si quiero oír los Preludios de Debussy voy a escuchar los de Michelangeli, si quiero la Suite Iberia me voy a ir a Alicia de Larrocha, a no ser que fuera una supererudita que quisiera contrastar las 300 versiones o tenerlo todo... Yo tenía esa sensación de esfuerzo, no inútil, porque si lo haces desde tu verdad tiene su razón de ser, pero sí como de un grito en el desierto, con un eco muy relativo. En un primer momento, yo tenía clarísimo seguir en el mundo de la interpretación. Mi siguiente disco habría sido Rajmáninov con Études-Tableaux y la Sonata nº2. Pero en la misma discográfica, me dicen que eso está muy oído. Y en realidad, todo está muy oído. Así que en 2018 me dije, juégatela, que tu obra es tuya y sabes lo feliz que te hace crear. Voy a Warner con la maqueta ya hecha, explicando mi situación, que yo podía componer no sólo para mí, sino en otro estilo, para cantautores o para el pop. Esto es lo que los convenció. Una empresa de ese tipo no es una ONG que acoja a cualquiera.

–¿Es el acto de componer más creativo que el de interpretar? –Muchísimo más. Eso sí, ocupa mucho tiempo. El terror que yo tenía era que me quitara tiempo para la interpretación, que tiene una parte gimnástica, muy de practicar horas para buscar la perfección. Y si para componer algo necesitaba una semana imbuida totalmente en ese proceso creativo... Tenía la sensación de estar apartándome poco a poco del puerto y necesitaba volver. Eso me creó angustia durante mucho tiempo. Me sentía tironeada por un lado y por el otro. Resonaba en mis oídos la voz de mi padre, pintor, cuando me decía que eso de tocar música de otro no estaba mal, pero que lo importante era crear tu propia obra. Yo tenía unos 16 años, y escuchaba muchas música además de clásica: Dire Straits, Pink Floyd, los Beatles, Supertramp, no podías hacer oídos sordos a todo eso. Con esa edad me metí en un curso en Tarragona y fue allí donde me dijeron que en Barcelona existía el Taller de músicos, donde se estudiaba toda esa música moderna. Cuando acabo COU comienzo dos caminos en paralelo, el clásico y lo más moderno, el jazz y el pop. Yo iba loca. Eran dieciséis horas al día de música. Lo que hace que me decida por la clásica fue una casualidad. Yo había pedido una beca para irme a Nueva York a estudiar en la New School toda la parte más moderna. Pero no me dan la beca. Me quedo en España y me sale la posibilidad de irme a París y entonces sigo ya la senda de la clásica. Por casualidad topo luego con Alicia de Larrocha. No iba a desaprovechar algo así. Estuve 7-8 años trabajando música española con Alicia. Al final, toda esa formación sólida a nivel clásico, que me ha hecho feliz y me ha permitido dominar el instrumento, es lo que me da hoy la absoluta libertad para hacer lo que quiera, tanto creando como interpretando.

–¿El pudor a la hora de mostrar su música era temor a ser encasillada dentro del ámbito clásico en música ligera, a lo new age? –Claro. Si yo hubiera sido una compositora que siguiera la línea académica de la contemporánea no habría tenido ningún reparo en haber introducido mi música en la línea de tantos pianistas que mezclan con absoluta alegría a Beethoven con Ligeti. Y es bueno que se haga. Es necesario que convivan diversas tendencias y se haga la bola más grande con la música de nueva creación. Pero yo no estaba en esa línea de la evolución de la música académica más actual. Yo seguía en la línea de los pianistas crossover modernos que interpretan su propia música. No es una tendencia muy significativa en España, pero sí fuera. Y lo cierto es que de repente mi música ha hecho un boom en Spotify, una cosa exagerada. ¿Quién escucha mi música? Los países anglosajones son los más atraídos por esta tendencia. En España lo que yo hago podría no ser muy bien entendido, aunque quizás sí bien recibido por quien lo escucha. Y ese era un poco el temor. Pero decidí asumir el riesgo y que mi música despegue donde tenga que despegar. Warner me ha dicho que gusta sobre todo en Inglaterra, EEUU, Canadá, Australia y un poco en Centroeuropa. España, no, Pero no me preocupa. Necesito crear. Es mucho más gratificante crear que reinterpretar lo de otro.

[María Parra en una foto promocional de su disco. La foto es de Zabet Photo]

–¿Cuáles son las influencias principales de su estilo como compositora? –Por supuesto mi formación clásica es importante, y dentro de ella todo lo que es Romanticismo o Impresionismo. Pero igualmente Paco de Lucía cuando empieza a transgredir el flamenco junto con Camarón y se juntan con Carlos Benavente o Jorge Pardo. Este tipo de fusiones, hechas con buen gusto y no quedándose clavados, sino evolucionando hacia una dirección personal pero con la tradición como sustrato, todo eso es muy inspirador. También muchas cosas del pop y del rock; desde los 50 hasta hoy hay tantísimas cosas, que ese mundo te impregna. Y luego todos estos crossover que tocan su propia música, en la que hay cosas interesantísimas. Ese universo en el que tú eres creador ahora mismo es muchísimo más satisfactorio para mí.

–¿Ha pensado en algún momento en hacer su música disponible a otros intérpretes? –Yo la he escrito para interpretarla yo, porque es como un hijo. Se parece a mí y tiene rasgos míos. Pero por qué no. Si mi música tiene éxito puedo hacer lo mismo que hacen otros. Hay músicos que tienen millones de seguidores y han hecho el librito de partituras de sus obras. Si hay volumen de escuchantes suficientes y veo que mi música fuera susceptible de ser tocada no tendría ningún reparo de que salieran las partituras, por discos, para ser interpretadas por otros. Quizás sea prematuro pensar que eso pueda pasar en breve, pero no descarto que pueda salir un libro de partituras o que de algunas de las obras pueda salir una película, como es ya el caso de una de ellas: Avalon será un corto, en el que soy protagonista. Hay elementos cinematográficos también en mi música.

–¿Necesita una imagen externa para componer? –Como compositora soy muy intuitiva. Parto de la improvisación, pero lo primero que plasmo es el título. Evoco mucho el aspecto cinematográfico. Lo respiro. Mi música no tiene letras, no hay canciones que cuenten historias. Así que aspiro a crear una impresión mental, una película que puedas desarrollar en base a la evocación. El título funciona como una invitación para que el oyente se sitúe en un contexto determinado. Es como cuando lees un libro, una novela, que cada cual se monta su película, y con mi música intento lo mismo, que trascienda ese aspecto más intelectual de la música escolástico-académico-contemporánea, que se basa en los propios motivos musicales. Yo soy más plástica, necesito imágenes para componer y hacer que los espectadores puedan recrear imágenes. Por eso veo que puedo llegar a hacer música para películas o a trabajar de algún modo con imágenes, como hizo Yann Tiersen o hizo Einaudi con esa película francesa que tuvo tanto éxito, Intouchables. Intuyo que hay ahí todo un mundo al que me puedo abrir. Y me hace tanta ilusión.... No me importaría tomar una bifurcación de mi carrera que me llevase hacia ese universo. Siempre que mi música sea aceptada o guste, claro está.

–Habla de improvisación como punto de partida para escribir. ¿En directo improvisa? –Tengo dos tipos de composiciones: uno, en el que la pieza está escrita para que se toque tal cual, y otro con piezas que están hechas como un standard de jazz, en el que se expone el tema y luego hay margen para improvisar a partir de él. Por ejemplo, en mi primer disco metí Il pleut sur Paris, pero está solo expuesto el tema, por eso dura poquito. Cuando lo he tocado en directo, ese tema lo desarrollo con una improvisación. Hay composiciones pensadas así: unos pocos compases de exposición y el resto, improvisación.

–¿Seguirá compaginando en el futuro su faceta de intérprete clásica con la composición? –Ahora mismo estoy entre dos aguas, pero quiero pensar que voy a afianzarme más en el segundo terreno. Y la prueba ha sido durante el confinamiento. En principio pensé aprovecharlo para profundizar en Rajmáninov, pero no pude. En cambio, me puse otra vez a componer desaforadamente. En lugar de preocuparme, me dije, venga, tira millas y que salga el sol por donde tenga que salir.

–¿Habrá más discos para Warner? –Tengo firmado el compromiso de un mínimo de tres en cinco años.

–¿La idea es seguir por este camino o piensa en componer algo que no sea sólo para piano? –Sí, de hecho ya está. Con Warner se habló de un disco a piano solo y otro con colaboraciones, algo muy ecléctico, para romper las barreras. He compuesto para Isabel Villanueva [violista], para Iris Azquinezer, pero también para Javier Ruibal y algunos otros grandes nombres del pop español. Ya veremos si todo este material va para el segundo o el tercer disco. Si este primer disco tiene algún tipo de repercusión importante tengo ya uno segundo en la recámara con mis cosas. El volumen de música ya está listo. Pero también podría ser publicar primero el de colaboraciones, aunque eso es mucho más costoso. Pero ya está casi compuesto todo, sólo necesito juntarme con alguna gente. A Isabel Villanueva, por ejemplo, le encanta el flamenco, y le compuse una obra que tiene mezcla entre clásico, flamenco y rock. Le encantó. Estrenamos la obra en la Biblioteca Nacional en el Ellas crean. Así que eso está ahí ya en marcha, como un proyecto que me hace mucha ilusión, porque significa reunir a gente de mis diversos universos musicales. Aparte, el Rajmáninov sigue también en espera, como objetivo. Lo voy posponiendo, porque ahora mismo me hace mucho más feliz lo otro.

[Diario de Sevilla. 3-08-2020]

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[La violonchelista madrileña Iris Azquinezer. La foto es de Carmen Hache]

La violonchelista madrileña Iris Azquinezer publica el segundo volumen de su trilogía de colores en la que a las suites de Bach para su instrumento una obras de composición propia

Nació en Madrid, pero se siente de Ávila, pues sus padres residían por entonces en Arenas de San Pedro, y allí vivió Iris Azquinezer hasta los 14 años. Empezó a estudiar en la Escuela de Música de Arenas y luego siguió en Madrid, aunque a la que reconoce como su profesora la conoció después, cuando a los 20 pudo marcharse a Alemania: "Se llama Xenia Jankovic y fue alumna de Rostropovich, Navarra y Fournier. En principio pensé en quedarme dos años con ella y luego buscar otro sitio, porque normalmente al tercer año ya sabes lo que el profesor te va a decir, pero me enamoré completamente de su forma de trabajar; ella está en continuo cambio, cada clase era un descubrimiento. Seguimos teniendo una excelente relación personal y artísticamente es de las personas más conmovedoras que he conocido".

–Este que se publica ahora es el segundo álbum de una trilogía que inició hace unos años y que conjuga las suites de Bach con su propia obra. –Eso es. Azul y Jade fue el primero de la trilogía. Luego publiqué un disco con Zaruk, el grupo que tengo junto al guitarrista Rainer Seiferth, un CD que se titula Hagadá, y ahora Blanco y Oro. El proyecto consiste en unir el lenguaje que creó Bach, que ha sido con el que he crecido, porque mi primera suite la toqué con 9 años, y el mío propio de ahora mismo. Por eso mezclo obras mías con las suites de Bach.

–¿Y los colores de los títulos? –Tienen que ver con las tonalidades de las suites de Bach. Do mayor para mí es el blanco. Mi bemol mayor es amarillo, piedra, también es el oro.

–¿Y el tercero qué color será? –Negro por la 5ª suite, que está en do menor.

–¿Es sinestésica? –No visualmente, pero lo siento. Desde pequeña para mí los sonidos tienen colores. Aquí me muevo con tonalidades que al final están compuestas de varios sonidos y por tanto de varios colores. No los veo en realidad pero siento los colores cada vez que los toco.

–Ha decidido grabar Bach con un instrumento moderno. –Sí. Hubo un momento en que me planteé pasarme a uno barroco, pero el cello moderno me daba más posibilidades de repertorio. Lo que sí he estudiado mucho es el estilo, así que si quiere me puede encuadrar en la tercera vía interpretativa: toco con cello moderno y cuerdas metálicas pero sonido, articulación, tempo, vibrato ajustados a la época.

–¿Y con qué instrumento tiene pensado grabar la 6ª suite? –El mismo. Cuatro cuerdas. Estuve dándole vueltas. Pero hay una tradición violonchelística detrás de hacerlo así. Y para mí tiene también un punto de instrumentista enfrentado al instrumento; es más difícil, pero tiene algo bello. Así que tengo claro que lo voy a grabar con las cuatro cuerdas.

–¿Cuáles son sus referentes como violonchelistas en el repertorio bachiano? –Me gusta mucho Anner Bylsma y también Boris Pergamenschikov. Las suyas son grabaciones a las que siempre vuelvo. No para hacer lo que hacían ellos. Porque la interpretación para mí tiene que ser una búsqueda con la partitura y las notas solo. Pero son grabaciones a las que vuelvo para estudiar o disfrutar.

–¿Cuál de las de Bylsma prefiere, porque son muy distintas las dos que dejó? –La segunda. Bylsma a lo mejor las toca muy rápidas, yo las bourrées por ejemplo no las hago tan rápidas, pero investigar por ahí sí que me gusta. La de Pergamenschikov es muy diferente, pero incorpora cosas muy interesantes. Hace más adornos. No lo haría yo así nunca, pero me encanta volver a ellas y estudiarlas.

–El CD se abre con una composición suya, Bereshit, ¿puede hablarme de ella? –Bereshit es la primera palabra de la Torá. Significa por eso el principio. Es el blanco y es do mayor. Hay un do modal todo el rato con un pizzicato, y los doce semitonos se relacionan. Hay también llamadas a Bach con el si bemol - la - do - si natural [letras BACH en la notación germánica]. Además el primer compás está en 7/8, por los siete días de la creación. Es el Génesis. Hay Big Bang, pero hay también creación, dos visiones muy distintas de un comienzo, pero que en mí se unen. La obra termina con una tercera mayor (Mi – Do) y entonces arranca ya la 3ª suite de Bach con el do mayor.

–¿Esta relación con la Torá le viene de su apellido judío? –En mí están las tres grandes religiones. En Bereshit está la familia de mi padre y lo judío, por supuesto. Pero en el final, en la última obra del CD, está Santa Teresa. Yo soy de Ávila, y ese, el Nada te turbe es un poema que adoro.

–¿Qué hay de ese poema en la música? –Hay una búsqueda, está la tranquilidad. A veces escribes para algo o para alguien, pero esta obra está escrita para mí. Buscaba una sensación de calma, por eso los armónicos, el mantener la calma aunque haya movimiento. También hay una parte escrita con quintas y cuartas, que me llevan mucho a Santa Teresa.

–Como bisagra entre las dos suites de Bach están las Tres danzas a la luna... –La primera, Invocación, está inspirada en una danza sufí. Por eso están las tres grandes religiones. Para mí son inspiraciones, caminos para llegar a entender el mundo.

–Durante un tiempo tocó en un cuarteto de cuerda, ¿por qué lo dejó? –Dediqué cuatro años de vida al cuarteto de cuerdas, estudiamos con Günter Pichler [violinista del Cuarteto Alban Berg] viviendo entre Alemania y España. Nos dieron una beca para la Escuela Reina Sofía. Después de ocho años en Alemania empecé a pasar más tiempo en España y decidí que quería venirme a vivir aquí. La música de cámara, y el cuarteto de cuerda en particular, me parece lo más grande que hay en la música clásica. Es muy exigente, pero es precioso, maravilloso. Y para organizar tu vida es complicado. Éramos cuatro mujeres, cada una de un país diferente, y se hacía cada vez más difícil. Sé que en algún momento de mi vida voy a volver a la música de cámara, no sé si a full time, pero volveré. Pero ahora necesito unos años de cierta libertad, de tocar como solista y de un proyecto como Zaruk, en el que se improvisa mucho. Me encanta la clásica, el estudio, pero también necesito crear, cambiar.

–¿Cuáles son sus proyectos más cercanos? –El 14 de marzo estreno nuevo proyecto con Zaruk en el Museo del Prado dentro del Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid. Se llama Agua, el agua como conductora, como unión de todas las culturas. Vamos a coger canciones clásicas, populares, modernas, junto a composiciones propias y vamos a llevarlas a nuestro mundo, con arreglos para cello y guitarra.

–¿Por qué seguir haciendo discos? ¿Son necesarios para dar conciertos? –Siempre son una carta de presentación. Pero además me sigue gustando la idea de crear un hijo, plasmar una idea. Se venden poco, y especialmente se venden en los conciertos. Yo escucho discos en Spotify, pero luego voy a un concierto y a la salida me compro el disco porque quiero apoyar.

–Deme una razón para comprar sus discos y no sólo escucharlos en Spotify. –Pues porque yo me curro mucho los libretos. Hay discos que te vienen con una biografía corta y ya está. En este disco tienes un texto de José Ramón Ripoll, otro de Stefano Russomanno, otro mío, y luego una definición de lo que yo pienso acerca de cada una de las obras. A mí esto me parece más interesante que escuchar simplemente la música.

[Diario de Sevilla. 3-02-2020]