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Die kleine Genrefibel Teil 9: Miniaturism

Das Genre Fantasy kann kompliziert sein. Ist STAR WARS Fantasy oder Science-Fiction? Fantasy ist ein schwammiger Begriff. Die meisten verbinden ihn mit Tolkien, Drachen, Rittersleuten, Barbaren oder Fabelwesen. Im Bereich Fantasy trifft man einerseits auf geschichtliche Mythologie wie auf vollkommen neue Welten. Ob das nun ganze Planeten wie Pandora oder Tattoine sind, Mittelerde oder der Hades, erscheint ebenso zweitrangig wie die Lebewesen, die diese Welten bevölkern.

Das Erschaffen einer eigenen Welt kann für einen Autor das Größte sein. Doch nicht immer ist das auch das Cleverste für die Geschichte. Fremde, neue Welten eröffnen einem Autor nahezu grenzenlose Freiheiten. Man kann, mal unflätig ausgedrückt, auf Dinge wie Gravitation, Biophysik und manchmal auch Logik scheißen. In neuen Welten ist alles möglich. Doch genau das nimmt einer Geschichte nicht selten Spannungs-potential. Denn je differenter die Gesetzmäßigkeiten fremder Welten gegenüber der Unseren sind, umso schwerer kann man Handlungen und Entscheidungen der Figuren darin verstehen und nachvollziehen.

Ein anderer Ansatz, sich neuen Welten zu öffnen, ist die Möglichkeit, bekannte Szenarien aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten, einen dramaturgischen Umstand kurzer Hand umzudrehen. Nicht wie Welt um die Figuren wird neu kreiert, die Figuren werden in eine andere Position in ihrer bekannten Welt gebracht. Man versetze sich in die Lage einer Laus. Wenn aus Stühlen und Tischen unüberwindbare Hindernisse, Wespen zu tödlichen Feinden und Frühstücksflocken zu Rettungsbotten werden, dann befindet man sich meist im wundersamen Kosmos von Miniaturwelten.

Zwischen Liliput und Brobdingnag

Wir sind wieder mal bei einem Subgenre angekommen, welche so eigentlich gar keins ist. Jedenfalls habe ich bei der Recherche nirgendwo einen Beitrag á la “Die besten Miniaturfilme” gefunden. Auch der Begriff Miniatur ist widerborstig, denn was groß und was klein ist, hängt vom jeweiligen Standpunkt ab. Wenn man selbst nur noch 10 Milimeter groß ist, dann wird aus einem Wäschehaufen schnell mal der Kilimandscharo. Sollte man da nicht eher von Riesenwelten sprechen? Wenn es um Welten geht, die man mit der Lupe suchen muss, kommt es viel mehr auf Unterschied zwischen Held und Hindernis an. Als Figur normaler Statur und Größe ist man im Land der Riesen genauso aufgeschmissen wie ein Winzling im Vorgarten. Geschichten um Groß und Klein spielen also immer irgendwo zwischen Liliput und Brobdingnag?

Es war um 1726 und ein Roman des irischen Schriftstellers Jonathan Swift mit dem schnittigem TitelTravels into Several Remote Nations of the World in Four Parts By Lemuel Gulliver, first a Surgeon, and then a Captain of Several Ships erschien. Heute ist er, nicht ganz so einprägsamen, als Gullivers Reisenbekannt. In den ersten beiden Kapiteln gelangt Held Gulliver einerseits in das Land der Winzlinge Liliput sowie in das Land der Riesen Brobdingnag. Während Gulliver in Liliput per Bindfäden gefesselt und von Heerscharen an Minisoldaten mit niedlichen, kleinen Lanzen drangsaliert wird, wird er im Land der Riesen beinahe zertreten oder in Creme ersäuft. Sind also Gullivers Reisen letztendlich die literarischen Vorreiter von LIEBLING, ICH HABE DIE KINDER GESCHRUMPFT? Vielleicht. Genausogut könnte es das Märchen vom Kleinen Däumling sein. Und auch Alice im Wunderland konnte per eat me, drink me über Groß und Klein bestimmen. GULLIVERS REISEN von 1939 jedenfalls war der Beginn einer Hand voll Verfilmungen des Swift-Romans, die sich bis GULLIVERS REISEN 2010 mit Jack Black mehr oder weniger werkgetreu mit Miniaturwelten beschäftigen.

Todeszone Vorgarten

Dennoch reist der Held Gulliver eigentlich in ein fremdes, fernes Land. Doch man muss nicht so weit weggehen, um einen Schauplatz für ein Miniaturabenteuer zu finden. Meist reicht schon der Vorgarten oder ein Blumenbeet. Ich sprach davon, dass das Erschaffen neuer Welten für den Autor Freiheit bedeuten kann. Aber auch ein Vorgarten kann eine völlig neue Welt voller nachvollziehbarer Gefahren und Hindernisse darstellen. Man muss nur genau hinschauen. Regentropfen werden zu tödlichen Wasserbomben, Ameisen zu Reittieren und eine Blechdose kann eine tückischere Barriere darstellen als der Caradhras für die Gefährten. Warum gerade der Garten oder die Wiese so faszinierend ist, dass sich Filme von LIEBLING, ICH HABE DIE KINDER GESCHRUMPFT bis EPIC damit beschäftigen, ist leicht zu erklären. Wer hat als Kind nicht kleine Städtchen aus Zweigen und Moos für Krabbelviecher jedweder Art im Wald gebaut? Wahrscheinlich wieder mal nur ich alleine. Besonders Ameisen sind beliebte Winzlinge. Ein Ameisenhaufen ist eine Stadt, das emsige Treiben der Formicidae nicht groß anders als Hektik im Kopierzimmer der Chefetage. DAS GROßE KRABBELN von 1998 beschränkt seinen Fokus zwar nur auf eine kleine Ameisenkolonie, aber auch die hat mit den Widrigkeiten zu kämpfen, die eine überschaubare Körpergröße so mit sich bringen. Gute Miniaturfilme zeichnen sich darin aus, dass sie konsequent mit bekannten Bezugsgrößen spielen, mit Groß und Klein. So basteln die Bugs rund um Flik eine Vogelattrappe in Lebensgröße, während Dot, die kleine Schwester der Kronprinzessin, auf einem Pusteblumenstengel davonfliegt. Es macht einfach Spaß dabei zuzuschauen, wie Winzlinge gegen ganz gewöhnliche Dinge wie Wäscheleinen und Regenwürmer antreten. Das kann spannender sein als der Kampf gegen einen Rancor oder einen Balrog.

Auch ANTZ oder EPIC beschäftigen sich mit Minivölkern in heimischer Umgebung. Während JAMES UND DER RIESENPFIRSICH ins Meer plumpsen, treiben ARTHUR UND DIE MINIMOYS in einer Nussschale durch Pfützen. Der Mikrokosmos Garten bietet unglaublich viele Möglichkeiten der Gefahrengenerierung. Ebeneso gefährlich kann das Innere eines jeden Wohnhauses sein. Selbst, wenn die Figuren nicht ganz so winzig sind, vielleicht sogar aus Stoff oder Hartplaste bestehen, kann es passieren, dass ein Kinderzimmer oder ein Kindergarten ein Ort des Schreckens wird. Im weitestgehenden Sinne sind auch die TOY STORY Filme interessante Miniaturwelten mit Gesetzen und schwer zu meisternden Hürden. Spielzeug wird oft in Fantasyminiwelten thematisiert. Das reicht vom herzerwärmenden INDIANER IM KÜCHENSCHRANK bis zu SMALL SOLDIERS. Insekten, Spielzeuge, es macht einfach Spaß, sich in bekannte Szenarien hineinzudenken und mit der Beschaffenheit der Welt zu spielen, in der jene Geschichten handeln. Wenn man so will, sind die besten Miniaturwelten jene, die sich mikroskopisch auf die jeweilige Location konzentrieren. Somit wird die Welt zu einer eigenen Filmfigur.

Die Tuck-Pendleton-Maschine – null Defekte!

Denn was man aus Garten und Kinderzimmer lernen kann, kann man auch auf andere Miniwelten in unserer Hemisphäre anwenden. Während Rick Moranis´ Kinder nur durch Zufall geschrumpft sind, gab es auch so manche gewollte Miniaturisierung. Ein Kleinod meiner Kindheit war die tschechische Fernsehserie EIN HAMSTER IM NACHTHEMD, in der es um eine Schrumpfmaschine ging. Zwar nur im Traum, dennoch. Um in das Gehirn seines Großvaters zu reisen, kriecht Held Karl über die Hörmuschel eines Telefons in die Windungen eines Ohres. Der menschliche Körper ist eine dieser Mikrokosmen, in die sich bislang wenige Verfilmungen gewagt haben. Zwei davon allerdings sind absolute Klassiker. DIE PHANTASTISCHE REISE von 1966 erzählt von Wissenschaftlern, die sich mit einem U-Boot aufmachen, im Körper eines Patienten ein Blutgerinsel zu entfernen. Die Reise wird zu einem phantastischen Trip in eine Welt, wie sie atemberaubender nicht sein kann. Blutbahnen, Fresszellen, Antikörper, davon handelt auch DIE REISE INS ICH von Joe Dante. Um den Arsch eines Hypochonders zu retten wird Tuck Pendelton in selbigen injiziert, notwendigerweise. Auch AUF DER JAGD NACH DEM NIERENSTEIN spielt im Inneren eines menschlichen Körpers. Es ist erstaunlich, dass bislang kein Remake jener Klassiker realisiert wurde. Gerüchteweise hatte James Cameron eine Neuverfilmung von DIE PHANTASTISCHE REISE in Planung, in 3D, was in diesem Falle sogar wünschenswert wäre. Geht es um Miniaturisierungsmaschinen, dann sind die Grenzen zur Science-Fiction fließend. Doch da es in Filmen wie DIE REISE INS ICH stärker um die Wirkung der neuen Welt geht als um die Funktionsweise einer Maschine, gehören auch diese Filme ins Genre Fantasy.

Wie verhält es sich dann mit TRON? Der Klassiker von 1982 nimmt sich einer interessanten Miniwelt an, dem Inneren eines Computers. Statt Riesenbienen oder Killerviren muss man sich dort mit Bits, Bytes und…verdammt, Killerviren herumschlagen. TRON ist tricktechnisch und retrospektiv betrachtet ein ungemein beeindruckendes Erlebnis gewesen und ist es immer noch. Doch die Gesetze der Computerinnenwelt sind lasch und nicht übermäßig originell. Zwar gibt es Datenautobahnen, Schaltkreiskreuzungen und witzige Ein-Bit-Programme, die nur Ja und Nein sagen können, aber ganz konsequent wurde diese Miniaturwelt nicht zu Ende gedacht. Das macht RALPH REICHTS besser, obwohl es hier hauptsächlich um Videospielfiguren geht. Doch funktionieren deren digitale Fantasywelten stimmiger. Auch die Fortsetzung TRON LEGACY wirkt eher verkopft und abstrakt. Miniwelten in Festplatten oder der Arbeitsalltag auf dem Motherboard, das klingt eigentlich nach einem Fall für Pixar? Eine interessante Miniwelt steckt auch in dem Film MENSCH, DAVE! mit Eddie Murphy. Dort landen Außerirdische Winzlinge mit ihrem Raumschiff auf der Erde. Das Raumschiff allerdings hat die Größe und Statur eines gewöhnlichen Menschen, naja, nennen wir das Kind beim Namen, das Raumschiff sieht aus wie Eddie Murphy. Für die winzige Crew um den Kapitän, der ebenfalls von Eddie Murphy gespielt wird, ist der Umgang mit dem Lebensraumschiff sehr strapaziös. Obwohl der Film verrissen wurde wie nix, finde ich, macht er seine Sache mit dem konsequenten Umgang einer Miniaturwelt gar nicht so schlecht.

Das Stecknadel-Massaker

Doch Miniaturisierung kann nicht nur das Genre Science-Fiction schrammen, auch Fantasyhorror spiegelt, wenn auch selten, Liliputaspekte in Geschichten wieder. Ebenfalls ein Klassiker ist THE INCREDIBLE SHRINKING MAN von Jack Arnold, der diesmal nicht Riesenspinnen wie TARANTULA thematisiert, sondern das seltsame Schrumpfen des Mr. Scott Carey, der in einem Puppenhaus wohnt und der mit einer Spinne um ein Stück Brot kämpft. Auch in ATTACK OF THE PUPPET PEOPLE kommt es zur Begegnung der mikroskopischen Art, darüber hinaus sind Fantasyhorrorfilme um Miniwelten Mangelware. Horror funktioniert wohl eher im anderen Extrem, wie oft wurden riesige Ameisen, Spinnen und Urzeitechsen auf wehrlose Charaktere losgelassen? Aber auch ein Garten kann für jemanden in Fingerhutgröße eine Horrorvorstellung sein, mit tödlichen Gefahren. Doch dürfte man Filme wie EARTH MINUS ZERO oder LIEBLING, ICH HABE DIE KINDER GESCHRUMPFT kaum als Fantasyhorror bezeichnen. Einen schaurigen Ort findet man in der gewöhnlichen Welt wohl schneller als eine Miniwelt mit Horrorbezug. Schade eigentlich, eine Horrorversion von DIE REISE INS ICH wäre gar nicht so uninteressant. Der Begriff Ausweiden bekommt da eine völlig neue Bedeutung.

Sind zwischen Vorgarten, Spielzeugtruhe, Wurmfortsatz und Ramriegel schon alle Miniaturwelten ausgeschöpft? Wer wurde denn gleich von einem Walfisch verschluckt? Gibt es eine Welt, die einfach so daliegt und noch filmisches Brachland ist? Wie wäre es mit der Welt der Physik, Atome, Neutronen, Quarkse oder ein Held namens Higgs Boson? Was gibt es denn sonst noch für Miniwelten? Im Motorraum eines Traktors zum Beispiel? Kühlschrank? Die unendlichen Weiten einer Damenhandtasche? Vielleicht sind Miniaturfilme so selten, weil es ein riesiger Aufwand ist, eine authentische Kulisse zu erschaffen. Denn ein Realfilm um Winzlinge, die über einen Hosenknopf stolpern, ist immer aufregender als ein Animationsfilm, bei dem die Miniwelt am Computer generiert wird. Doch die Zeiten von Großkulissen sind leider vorüber. Aber vielleicht gibt es sie noch, die geheimnisvolle Welt, irgendwo da Draußen, dessen Potential noch unentdeckt ist. Augen offen halten und langsam laufen. Wir wollen doch keine Borger zertreten.

Der Beitrag erschien bereits auf Christians Blog: Traumfalter Filmwerkstatt.

In der Reihe DIE KLEINE GENREFIBEL hat es sich Christian Hempel zur Aufgabe gemacht, sämtliche Genre, Subgenre, Mikro- und Nanogenre des Genrefilms vorzustellen. Eine Aufgabe, die ihn bis weit nach seinem Lebensende beschäftigen wird. Er legt insbesondere den Fokus auf Dramaturgie und Buch, wird sich aber auch mit der Inszenierung sowie den jeweils besten Vertretern befassen.

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DIE KLEINE GENREFIBEL TEIL 8: ECHTZEITFILME

In diesem Teil der kleinen Genrefibel ticken die Uhren mal ein wenig anders. In der Vorbereitung dieses Artikels fiel mir auf, dass ich ja auch im Bereich Script Development den Begriff Zeit als dramaturgisches Element eines Filmstoffes behandeln wollte. Zum anderen sind Echtzeitfilme selten und weniger Subgenre oder Filmsparte, sondern die letzte Konsequenz eines sehr klaren und nachvollziehbaren Einsatzes von Zeitabläufen innerhalb der Filmhandlung. Weil sich Filme von COCKTAIL FÜR EINE LEICHE bis SILENT HOUSE in Sachen Zeitstruktur gleichen, etablierte sich irgendwann der Begriff Echtzeitfilme. Ein wirkliches Subgenre stellen sie meiner Meinung nach nicht dar, es gibt keine übergeordnete Klassifizierung. Denn das Element Zeit liegt jeder Geschichte, jeder Handlung, Story oder jedem Plot inne und ist dramaturgisch unverzichtbar für den Stoffentwicklungs-prozess jeglichen Genres. Aus diesem Grunde gibt es erstmalig ein Crossover der Rubriken Script Development und der Kleinen Genrefibel, in dem es darum geht, wie die Zeit filmisches Erzählen beeinflusst.

Zeit als Konzept – Im Fokus der Dramaturgie.

Was ist Zeit?

Im ersten Script Development Artikel NIEMANDSLAND ging es um die Behandlung des Ortes im filmischen Kontext. Der Ort ist einerseits geographischer Bezug wie auch Location oder Motiv. Wenn man von Zeit in Zusammenhang einer Filmstory spricht, meint man in erster Linie die zeitliche Struktur der Handlung, den Rahmen der Story, in gewisser Weise eine Reise von A nach E – Anfang und Ende. In diesem Gefüge ist die Spielzeit, also wann die Handlung spielt, eher nebensächlich. Das Jahr 1799, 1841 oder 2012, wie auch Frühling, Sommer, Herbst und Winter sind statische Zeitpfeiler, eindimensionale Marker, die vielleicht Auswirkungen auf das Wesen und Handeln der Charaktere, des Settings oder der Konstruktion der Welt haben, in der die Geschichte spielt. Wenn von Zeit im filmischen Kontext die Rede ist, geht es viel mehr um das Überbrücken von Zeitspannen, Zeiträumen oder Zeitabschnitten. Eine Geschichte wird immer durch Anfang und Ende definiert, egal, wie man das Ziel vom Startpunkt aus erreicht. Wann im Entwicklungsprozess stellt sich aber dann die Frage, welchen Rhythmus eine Geschichte einnimmt, um von A nach E zu kommen? Wie bereits erwähnt, stellen sich bei mir im Stoffentwicklungsprozess mehrere Fragen an einen Stoff: Figuren, die Welt in der sie leben (Reale Welt, Reale Parallelwelt, Irreale Welt), die Story, das Genre, der Ort und die Zeit. Was wie eine Reihenfolge klingt, trifft nicht unbedingt auf die Zeit zu. Es gibt unterschiedliche Herangehensweisen, damit sich eine Geschichte vor dem inneren Auge eines Autors aufbaut. Der eine hat die Vision einer neuen Gesellschaftsform, eine Stadt oder einen Staat in der Zukunft und richtet danach seine Figuren aus. Ein anderer hat eine Figur im Kopf und lässt die Welt um diese herum entstehen. Es gibt keine Regeln, jeder Prozess, der Fragen aufwirft und beantwortet, ist richtig. Nur ist es leider häufig so, dass dem Faktor Zeit nicht die gleiche Aufmerksamkeit und Hingabe gewidmet wird wie den Figuren oder der Science-Fiction-Story. Gerade junge Autoren nehmen Ort als auch Zeit eher als Baukastensteine wahr, die nur benötigt werden, um etwas in den Szenenheader schreiben zu können. “INGEBORGS WOHNUNG, INNEN/NACHT”. Zeit oder Zeiträume werden sehr häufig auf TAG oder NACHT reduziert, sind die einzigen Marksteine im Storyverlauf und werden lieber dazu eingesetzt, Stimmungen anzupassen oder Zeiträume, in denen nichts passiert, zu überbrücken. Über solche Fragen wird nicht selten erst nachgedacht, wenn man die erste Drehbuchseite beginnt, denn da muss schließlich irgendwas rein da oben in die Zeile, und ein AUßEN/TAG erscheint im Entwicklungsprozess oft als eine Selbstverständlichkeit. Gedanken um Zeitliches Erzählen sollte man sich aber schon weit, weit früher machen. Das ist weniger schwierig, als es erscheint, denn in jeder Geschichte, sei es auch nur eine erste Grundidee, ist meist schon der zeitliche Rhythmus verborgen. Man muss ihn nur finden und ihn beim Entwickeln und Schreiben nicht aus den Augen verlieren.

Vom Hundertsten ins Tausendste

Es mag banal klingen, aber jeder Kern einer Geschichte, jedem Plot wohnen Informationen über Zeiterzählen inne wie DNA. Dazu braucht es keine Story, kein exaktes Wissen über deren Verlauf. Die Geschichte über den Fall eines Imperiums wird sich nicht an einem Tag erzählen lassen, ein Survivalthriller erstreckt sich gewöhnlicherweise nicht über Monate. Die Suche nach einem Schatz auf hoher See dauert gewöhnlich länger als 90 Minuten, ein Stoff mit dem Arbeitstitel DIE HORRORNACHT gibt ebenfalls zeitliche Dramaturgie vor. Das kann man bereits in den ersten Stadien der Entwicklung erkennen und weiter ausbauen. Denn damit ist es nicht getan, die Erkenntnis, mein Horrorfilm spielt, wie so viele, in einer einzigen Nacht. Wichtiger noch als der Faktor, wann meine Geschichte spielt und in welchen Zeiträumen, ist die Frage nach dem richtigen Rhythmus, diese Zeitabschnitte zu überbrücken. Rhythmus ist alles. Nicht selten wird innerhalb von Regiebewerbungen nach Rhythmusgefühl gefragt und ich selbst kann als Schlagzeuger bestätigen, dass Rhythmus, Takt und Notation bei mir entscheidenden Einfluss auf filmisches Erzählen gehabt haben und es auch immer tun werden. Wer Rhythmus im Blut hat, dem wird rhythmisches Erzählen weniger schwer fallen. Es stellt sich allerdings die Frage, ob Pacing, Rhythmus und Fluss überhaupt Handwerkzeuge eines Autoren sind oder das eher die Regie oder den Schnitt tangiert. Da würde ich entschieden dagegen votieren. Denn es ist Aufgabe des Autors, der Geschichte einen Fluss zu geben. Regie und Schnitt können das mit ihren Werkzeugen lediglich feiner herausarbeiten oder stilisieren. Zeit ist ein unverzichtbares Element einer jeden Geschichte und gestaltet sich immer wieder anders. Ein Fantasy-Epos, eine Geschichte über den amerikanischen Bürgerkrieg, eine Biopic über Martin Luther King, all diesen Geschichten liegt eine epische Erzählweise inne, die sich über Monate, gar Jahre erstrecken kann. Diese Zeitabschnitte in richtigem Rhythmus zu erzählen, heißt letztendlich dem Zuschauer eine nachvollziehbare Absteckung der Schritte zwischen A und E zu geben. Es gibt da gute und schlechte Beispiele. Die meisten geschichtlichen Themen greifen auf Jahreszahlen und Daten zurück, um Zeitverläufe und Sprünge zu visualisieren. Wichtiger aber ist, nicht aus dem Rhythmus zu kommen. Eine Liebesgeschichte eines Paares und ihr erstes, gemeinsames Jahr ist aus dem Rhythmus, wenn 70% der Geschichte im Januar spielen, und das Ende im Dezember. Das Jahr ist in dem Falle eine feste Zeitgröße, die es zeitlich geschickt zu tranchieren gilt. Da ein Jahr 4 Jahreszeiten hat, 12 Monate, 52 Wochen und 365 Tage, ist hier eine Stückelung nicht so schwierig abzuleiten. Das funktioniert beispielsweise nicht in der Komödie EIN JAHR VOGELFREI, der die Zeitspanne eines Jahres während eines Vogelbeobachtungswettbewerbs erzählt. Im Film gibt es kaum Anhaltspunkte, welche Zeiträume überbrückt werden und wirkt deswegen konfus erzählt und unspannend. Denn ein Spiel mit der Zeit oder einer Zeitziellinie generiert auch immer Spannung, wenn man sie richtig integriert. Dass man große Zeiträume auch unchronologisch einen Rhythmus geben kann, zeigt wiederum der Film 500 DAYS OF SUMMER. Zeitspannen werden hier durch Marker verdeutlicht, die Bezugsgröße ist die Liebesbeziehung zweier Menschen, dessen Counter bei einer Trennung immer wieder auf Null zurückgesetzt wird.

Epische Zeit-Konzepte.

Sieben Jahre in Tibet

Lange Zeiträume sind eher schwieriger zu behandeln, weil eine solche Bezugsgröße meist fehlt. Für die Dramaturgie hat das aber nicht nur Nachteile. Ich bin mir beispielsweise nicht sicher, welchen Zeitraum die HERR DER RINGE Trilogie behandelt. Die Wanderung der Gefährten oder Frodo nimmt eine immense Zeitspanne ohne nachvollziehbaren Rhythmus ein, doch deswegen ist der Film trotzdem zeitlich nachvollziehbar. Im Weltall zudem scheint die Zeit völlig aus den Fugen. Für die Erde ist immer die Sonne, also TAG und NACHT jene Bezugsgröße, die szenische Trennungen und Sprünge visualisiert. Im Weltall hört dich nicht nur keiner schreien, auch Mittag, früher Abend oder Nacht sind für die Handlung völlig zweitrangig. Welche zeitliche Struktur hat eigentlich STAR TREK? Hat jemand mal den Satz gehört: “Morgen früh werden wir Vulkan erreichen?” Eher nicht. Zeit ist an die Reale Welt gekoppelt, an die Gegebenheiten unseres Planeten. Doch Rhythmus und Fluss sind darüber hinaus auch bei einem Science-Fiction-Film von Bedeutung. Die größte Zeitspanne, die ich aus einem Film kenne, liegt in Darren Aronofskys THE FOUNTAIN vor. Sie behandelt einen Zeitraum von 1000 Jahren, vom Jahr 1535 bis ins Jahr 2500. Trotz dieser Zeitspanne wurde der Film dramaturgisch gekonnt aufgespalten, wir erleben 3 verschiedenen Zeitachsen parallel mit den gleichen Figuren. Epische Werke werden größer, wenn man große Zeitspannen dazu benutzt, um Ewigkeit und Vergänglichkeit zu erzählen. Gehen wir von THE FOUNTAIN als Beispiel extremer Zeitspannen vom Hundertsten ins Tausendstel.

Sweet November or A Week With Marilyn?

365 Tage, 52 Wochen, 12 Monate, diese Zeiträume muss man selbstredend stärker komprimieren . Nicht wenige Filme spielen im Laufe einer Woche. Die Woche wiederum besteht aus Sieben Tagen und darin liegt bereits dramaturgisches Schießpulver. Sei es der Serienkillerthriller SEVEN von David Fincher, der den Stoff in 7 Teile gliedert, die letzen 7 Tage vor der Pension von William Somerset. In MY WEEK WITH MARILYN verbringt ein Regieassistent eine aufregende Woche mit Marilyn Monroe. Es gibt eine Unzahl an Filmen, die dramaturgisches Zeiterzählen bereits im Filmtitel tragen (28 DAYS LATER, FRIDAY, WIE WERD ICH IHN LOS IN 10 TAGEN). Obgleich im Genre und Struktur völlig verschieden, sieht man an diesen Beispielen die Wichtigkeit des Faktors Zeit bereits im Titel. Ist man bei SEVEN erstmal in diesem Rhythmus drin, was spätestens mit der Einblendung des dritten Tages erfolgt, hilft einem zeitliche Struktur beim Zuspitzen der Spannung. Jedem ist klar, dass es für die Protagonisten nicht einfacher wird, je näher man dem Ziel, dem E, dem letzten Tag der Stückelung kommt. Ein Monat (ohne Sex) oder eine Woche voller Wunder, von diesem Konzept aus kann man tolle Geschichten mit Rhythmus und Fluss konstruieren. Dramaturgische Hilfsmittel wie Schrifttafeln, auf denen Datum oder Tag angezeigt werden, sind dort teilweise unumgänglich. Wo einem im der Strukturierung von 360 Tagen die Jahreszeiten behilflich sein können, muss man sich für Filme, die innerhalb eines Monats oder einer Woche spielen, etwas anderes ausdenken. Wiederholungen, immer gleiche Dinge wie das Betreten des Arbeitsplatzes oder die Feierabendglocke können da schon helfen, der umjubelte Start ins Wochenende oder die Trägheit des Sonntags ebenso.

Tage, Wochen & Monate.

From Dusk Till Dawn

Wenn man von der Epik eines fiktiven Jahrzehnts zeitliche Aspekte immer weiter verdichtet, vergrößert sich auch das Spannungspotential, vor allem aber die logische Nachvollziehbarkeit für den Zuschauer, obwohl das mit Logik streng genommen gar nichts zu tun hat. Man fühlt es, wenn ein Film sperrig erzählt ist, kein Fluss vorhanden ist, die Story wilde Sprünge macht und man das Zeitgefühl verliert. Je dichter Zeit gebündelt und erzählt ist, desto mehr kann man diesen Faktor unbewusst fühlen und stärkere Konzentration auf Figuren und Handlungsabläufe legen. Epische Stoffe, Geschichten, die sich über lange Zeiträume erstrecken, sind häufig geschichtliche Stoffe, Biographien, Fantasyabenteuer oder lange Reisen. Wenn man sich Horror- oder Thrillerstoffe anschaut, fällt auf, dass in diesen Genre die Zeiträume eher kürzer sind. Es gibt einen direkten Zusammenhang mit den Figuren. Eine Figur, die sucht, hinterfragt, aufdeckt, macht einen Mysteriestoff, eine Geistergeschichte oder einen okkulten Stoff meist zu einer Story mit gedehnter Zeitspanne. Geht es um Gefahr, Verfolgung, Entkommen und Überleben, wird die Story erst durch Verdichtung wirklich spannend. Es gibt viele Filme, die an einem Tag spielen (TRAINING DAY, INDEPENDENCE DAY, GROUNDHOG DAY), aber so richtig spannend wird das erst in der NACHT DER LEBENDEN TOTEN, FREITAG, DER 13. oder an HALLOWEEN. Für den Horrorfilm ist die Nacht ein entscheidendes Element. Nicht wenige Filme handeln in einer einzigen Nacht, denn dramaturgisch bedeutet das, wer bei Morgengrauen noch lebt, der…ja…überlebt. Klingt eigentlich ganz logisch. Trotzdem sind Filme, die in einer Nacht spielen, häufig inkonsequenter als Geschichten an einem Tag. Warum ist das so? Wieder ist das eine Rhythmusfrage, eine Frage der Aufteilung. Eine gewöhnliche Herbstnacht á la HALLOWEEN bietet der Story rund 12 Stunden Sonnenabwesenheit. Nicht wenige Filme machen es zwar dahingehend richtig, große Teile in direktem Zeitbezug, nämlich in Echtzeit zu erählen, scheitern aber an einer nachvollziehbaren Struktur. Meist ist Mitternacht, wenn das muntere Zerhacken beginnt, sequenziell wird Zeit erzählt, in der Teeniegruppen dahingemetzelt werden, um der letzten Überlebenden den Ausweg zum Sonnenaufgang zu ebnen. Die Vorgabe NACHT wird hier häufig auf Szenen in Dunkelheit reduziert. Es gibt sogar Fälle, in denen letztendlich einfach auf das Morgengrauen gewartet wird (THE PURGE). Warten jedoch ist das Gegenteil von Spannung. Besonders beim Vampirfilm, wo der Sonnenaufgang nicht selten die letzte Rettung ist, könnte damit konsequenter gespielt werden. Gelungen hingegen ist die Dramaturgie bei ASSAULT – ANSCHLAG BEI NACHT, INSIDE oder THE STRANGERS. Auch 12 Stunden Dunkelheit verlangen eine gut überlegte rhythmische Teilung. Wie bereits erwähnt, sind Filme, die in einer Nacht spielen, sehr häufig mit Echtzeitelementen bestückt. Nähert man sich von THE FOUNTAIN bis zu THE SILENT HOUSE, verdichtet man also Zeit von großen Spannen hin zur kleinsten Einheit, der Szene, erhält man einen guten Eindruck, wie Echtzeit funktioniert. Denn die kleinste Einheit, die man filmisch erzählen kann, ist die Szene, in der für Figur und Zuschauer die gleiche Zeit vergeht. Kann man schneller als Echtzeit erzählen? Eine Szene in Zeitraffer wäre denkbar, auch Zeitexperimente a´la INCEPTION. Doch der Zuschauer kann die Schwelle zu noch komprimierterem Erzählen häufig schwer nachvollziehen. Die Szene, die direkt Handlungsabläufe in Echtzeit erzählt, ist die dichteste Komprimierung, die man anlegen kann.

Zeit-Konzept: Ein Tag

Cléo from 5 to 7

Eine Figur, nennen wir sie schlicht Frau Slowdkolnikov, ist auf der Flucht, hinter ihr der Dolchthorsten. Frau Slowdkolnikov versteckt sich, rennt vor dem Killer davon, zwickt ihn in die Unterarme. Solche Handlungen sind generell in Echtzeit erzählt. Wenn der ganze Film in diesem Rhythmus, ohne Sprünge von Minuten oder Stunden, in einer Zeitspanne von 90 Minuten oder wie lang auch immer, erzählt wird, spricht man von einem Echtzeitfilm. Es gibt allerdings kaum einen Film, der sich bedingungslos daran hält. Die ultimative Maßnahme zur Verdichtung von Zeitgeschehen ist die Entscheidung, eine Geschichte in einer Einstellung zu erzählen (COCKTAIL FÜR EINE LEICHE, RUSSIAN ARK, THE SILENT HOUSE). Dabei kommt es weniger auf den sportlichen Charakter des Filmemachers an, der beweisen will, wie gut er Technik und Dramaturgie beherrscht. Das Ziel ist das Ziel, aus diesem Grund wird bei Filmen mit wenigen oder keinen Schnitten häufig getrickst. Das ist aber weder schlimm noch Thema. Mehr, als immer an der Figur dranzubleiben, sie 80 Minuten lang am Stück zu beobachten, ihr zu folgen und mitzuleiden, kann man dramaturgisch auch gar nicht tun. Der Film 88 MINUTES beispielsweise gerät erst nach 22 Minuten in Echtzeitfahrwasser, auch SPEED hat eine andere Positionierung und stiegt erst mit Beginnen des Plots, dem Losfahren des Busses, in diese Form der Erzählweise. Es stellt sich die Frage, ob ein Schauplatzwechsel in einem Echtzeitfilm überhaupt funktioniert. Ist es immer noch Echtzeit, wenn eine Rückblende innerhalb der Echtzeithandlung eingefügt wird? Es spricht eigentlich nichts dagegen. Eine Unterhaltung während einer Busfahrt beispielsweise, in der eine Rückblende erfolgt, die aber die selbe lineare Zeitspanne erzählt, zerstört die Zeitdramaturgie streng genommen nicht, wohl aber den Fluss. Ein Echtzeitfilm will aber bestenfalls die Punkte der Entspannung vermeiden. Liegen in einem Horrorfilm zwischen zwei (Echtzeit)szenen ein szenischer Zeitraum der Ruhe, kann das ein Durchhaltepunkt sein, der von wichtiger Bedeutung ist. Ein solcher Punkt existiert in Echtzeitfilmen kaum, die Spannung wird bestenfalls 90 Minuten auf einem Level gehalten. Man kann Spannung fühlen, denn der Körper reagiert auf solche Brüche. Beobachtet Euch mal selbst beim Filmschauen. In spannenden Szene, vielleicht Echtzeitszenen, fällt einem das nicht auf, wohl aber, wenn diese Szene oder die Echtzeit verlassen wird. Meist reagieren die Muskeln, vorrangig in den Schultern, auf Spannung. Ich habe oft erlebt, wie sich die Schultern nach einer Verfolgung “entkrampft” haben und sanken, wie nach einer Reizstrommassage. Gehen die Schultern runter, befindet man sich meist in einem szenischen Rettungsring, ein Zimmer mit verriegelbarer Tür oder in einem schützenden Fluchtauto. Diese Anspannung ist bei Filmen wie THE SILENT HOUSE oder GEGEN DIE ZEIT fast durchgehend spürbar und ein Indiz für gute Dramaturgie.

Echtzeit-Konzept

Die tickende Uhr als dramaturgischer Faden: 24

Es gab eigentlich keine wirkliche Ära für Echtzeitfilme, aber durch den Erfolg der Serie 24 hat sich schon etwas geändert. Serie und Kinofilme sind, was zeitliche Aspekte betrifft, immer komplexer geworden. Das hängt auch mit dem Sehverhalten und der Aufnahmefähigkeit des Zuschauers zusammen. Vor 20 Jahren hätten Serien wie 24 oder LOST, die in Sachen Zeiterzählen und großen Figurenkonstellationen unglaublich komplex sind, so nicht gegeben oder sie wären gefloppt, Filme wie INCEPTION hätten nicht solch hohe Besucherzahlen. Es erscheint unlogisch, dass ein Echtzeitfilm größere Aufmerksamkeit benötigt als ein episches Werk, was zwei Jahrhunderte überbrückt. Man muss dranbleiben bei Echtzeitstrukturen, man kann in einer Minute 11:14 mehr verpassen als in einer halben Stunde 1492. Wenn man Zeit in der Entwicklung eines Stoffes ernst nimmt, hat man Spannungspotentiale bereits auf seiner Seite, ohne auch nur ein Wort verfasst zu haben. Einen Film in Echtzeit zu realisieren, ist nicht die letzte Hürde, die man als Filmemacher zu überspringen hat. Echtzeitfilme sind Experimente, Filme wie THE SILENT HOUSE für meinen Geschmack zu sehr Mittel zum Zweck, was nicht heißt, dass ich Echtzeitdramaturgie nicht für ein fantastisches Element halte. Aber wie ich bereits erwähnte, wichtiger als die Zeitspanne, die es zu erzählen gilt, ist Rhythmus. Und 90 Minuten Echtzeit sind nicht das, was man filmisch immer anstreben muss, um höchstmögliche Spannung zu erzeugen. Ein Film wie SEVEN unterscheidet sich von LOLA RENNT in seiner Zeitstruktur, nur bedeutet dichter nicht immer spannender. Man sollte zeitliche Dichte anstreben, ganz klar, aber auch ein Innehalten oder ein Ruhepunkt innerhalb der Geschichte kann eine nachfolgende Szene an Spannung bereichern. Ruhe für den Protagonisten bedeutet Sicherheit für den Zuschauer. Und man kann Sicherheit erst zerstören, wenn man sie vorher etabliert hat.

Die Tickende Uhr als dramatischer Faden.

Im Grunde ändert sich dramaturgisch nicht wirklich essentielles, wenn man die wenigen Filme betrachtet, die noch unkonventioneller mit Zeit umgehen. MEMENTO, FÜNF MAL ZWEI oder IRREVERSIBLE erzählen die Story rückwärts, szenisch allerdings ebenfalls nach vorn, ob in Echtzeit oder Raffung der Ereignisse. Filme wie MEMENTO laufen eben nicht rückwärts, sondern werden rückwärts erzählt. So ist streng genommen IRREVERSIBLE auch kein Echtzeitfilm, wenn man die Szenen chronologisch ordnet. Es ist die Geschichte einer Nacht, nur eben vom Ende zum Anfang erzählt. INCEPTION hingegen erzählt zwar eine Story in 4 verschiedenen Traumebenen, die aber auch Zeitebenen und gekonnt miteinander verknüpft sind. Die Auswirkungen der verschiedenen Ebenen aufeinander wurden in einem Fanvideo in Zeitraffer und per Split Screen ziemlich cool visualisiert. Der Faktor Zeit bedarf der gleichen Aufmerksamkeit wie Figuren, Plot und Story. Sie sind voneinander abhängig, mal stärker, mal weniger stark. Ich lese viele Drehbücher, die zeitlich sehr unstrukturiert erscheinen. Dabei ist Zeit kein schwieriges Element. Jahr, Monat, Woche, Nacht, 96 HOURS, das ist streng genommen egal, diese Gegebenheiten zu strukturieren, einen Fluss und Rhythmus zu finden, ist die dramaturgische Kunst. Ich habe einmal zwei schöne Begriffe gelesen, Zeit-Großaufnahmen und Zeit-Totalen. So finde ich Betrachtung von Zeit im filmischen Kontext sehr treffend. Sie machen Zeitaspekte zu greifbaren Werkzeugen der Dramaturgie. Betrachtet ein Drehbuch weniger artifiziell, es ist ein Arbeitswerkzeug. Vermesst es, skizziert, zersägt es in gleiche Teile, stückelt 90 Minuten in Euren Zeitkontext. Macht Zeit, die vergeht, sichtbar. Es bereichert die Geschichte nicht nur, es macht sie erst nachvollziehbar, kompakt, letzten Endes spannend. Die Zeit ist wie ein Ball, vielseitig einsetzbar, dehnbar, stauchbar, der Ball kann rollen oder mit straffem Fuß geschossen werden. Und sollte nach Möglichkeit niemals zum Stillstand kommen.

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Die kleine Genrefibel Teil 7: Böse Kinder

Der Begriff Genre wird oft mit Horror gleichgesetzt. Ein Blick in die Statistik der kleinen Genrefibel aber zeigt, von sieben Folgen beschäftigten sich bislang nur zwei mit Horrorthemen. Doch die haben es in sich. Da muss ich fast schmunzeln, denn damit sind auch gleich zwei der schauerlichsten Themen abgefrühstückt: Tiere und Kinder. Das hab ich mir nicht ausgedacht. Man muss sich allerdings fragen, warum das Wort “Plagen” für Heuschrecken und minderjährige Kleinknirpse gleichermaßen zutreffend ist. Lausbuben und Kratzbürsten, Windelkacker, Schreihälse und Klugscheißer – nicht nur für werdende Väter ist die Vorstellung an heranwachsenden Nachwuchs aus eigenem Anbau Horror pur. Doch geht es hier nicht um 3 MÄNNER UND EIN BABY. Es geht auch nicht darum, dass trotz stringenter Erziehung der Balg oder die Belgin in der Pubertät in ein Unwesen aus Sandkastenprügelwahn und Schminkkofferfanatismus mutiert, Stimmbruch schlimmer als Genickbruch ist und die Weigerung des Papas, der hochnäsigen Tochter ein Pony zu schenken, üble Rachegelüste in heranwachsenden Ladys hervorrufen kann. Hier geht es um richtig böse Kinder, eure Hoheit, furchtbar, furchtbar tückisch!

The kids aren’t alright

Der Fibeltreue wird feststellen, aha, Horror mit Kindern, da bestimmt wieder das Thema das Subgenre. Naja, schauen wir mal genauer hin. Wenn Kinder zu einer Horrorvorstellung werden, hilft vielleicht ein Blick ins Jugendschutzgesetz. Mit 18 Jahren ist man aus dieser Gruppe raus und volljährige Schlitzer, Beißer, Hosenscheißer müssen dann das Elternhaus verlassen und in andere Subgenre umziehen. Zum Thema Böse Kinder gehören allerdings bereits das ungeborene Leben im Schutz des Mutterleibs. Zählt zum Thema Horrorkinder also alles, was maximal 18 Jahre und 9 Monate ist?

Viele Eltern melden sich und sagen: JA! Aber so ein Horrorkid muss schon ein wenig mehr vorweisen als ab und zu mal das Geschirr aus dem Schrank zu schmeißen oder Papas Pornosammlung unter Schulfreunden zu verscherbeln. Ich richtiges Böses Kind hat mehr auf dem Kerbholz. Wenn man sich mal grob durch den Subgenrespielplatz Böse Kinder ackert, stellt man fest, dass sich so gut wie jeder Kinderfilm aus der Verbindung zwischen Kind und Eltern definiert. Dort liegt der größte, dramaturgische Zündstoff, der bestimmender ist als das Alter des Kindes. So gibt es ein Beispiel für ein richtig böses Mädchen, was eigentlich gar keins ist. Ich muss das jetzt spoilern und bitte um Vergebung. Der Film ORPHAN – DAS WAISENKIND ist eine Blaupause für einen gelungenen Horrorfilm um böse Kids, obwohl Hauptfigur Esther gar kein Kind mehr ist. Fällt er aus Altersgründen aus dieser Kategorie heraus? Mit Nichten! Denn gerade ORPHAN zeigt die wichtigsten Facetten von Horrorfilmen um böse Kinder: Kinderwunsch, Fürsorge, Beschützerinstinkt, Erziehungsprobleme, Elternteile gegeneinander ausspielen, Kassandra Komplex, das zweite Gesicht.

Filme um böse Kinder sind dramaturgisch komplex und beziehen ihre Spannung nicht daraus, dass der Balg irgendwie anders ist als seine Mitschüler, sondern im Konflikt mit den Erziehungsberechtigten. Besonders in Sachen Charakterentwicklung und Motivation sind Filme um Kinder meist packend und fesseln den Zuschauer an die Figuren. Mutter – Vater – Bruder – Schwester – Böses Stief-, Waisen- oder Heimkind – in dieser Konstellation steckt unglaublich viel Potential für Adrenalingeschwängerte Spannung und pure Verzweiflung.

Die Schlange am Busen genährt!

In jeder Altersgruppe haben böse Kinder ihre fiesen Finessen, um Eltern, Großeltern oder Geschwister in den Wahnsinn zu treiben. Los geht das bereits in der Schwangerschaft. Das besondere an Filmen wie beispielsweise ROSEMARYS BABY ist, dass man hier noch mit der Unsicherheit und Ungewissheit spielen kann, ob der Spross im Mutterleib nun wirklich des Teufels ist oder nur Symptomen einer kräftezehrenden Schwangerschaft darstellen. Die Mutter ist in dem Fall das eigentliche Leidenswesen, welches nicht selten an ihren Mitmenschen verzweifelt. Der Schutz ungeborenen Lebens ist heilig und nicht selten wird der Mutter alles zwischen Wahnvorstellungen und schiefem Hormonhaushalt attestiert, als das zu vermuten, was naheliegend erscheint: der Braten in der Röhre ist des Teufels. Doch in den seltensten Fällen beendet die Geburt das Leiden der Mutter. Ist der Sprössling erstmal auf der Erde, sieht bei geschundenen Eltern die Welt gleich wieder rosarot aus. Für einen Moment zumindest. Horrorbabys gibt es einige und das sind alles andere als Wunschkinder. Eltern, die solche Racker gebären müssen sich dann im Babygeschäft zwischen einer WIEGE DES BÖSEN, WIEGE DES SATANS oder WIEGE DES SCHRECKENS entscheiden. Der Markt für hyperaktive Teufelskinder ist allerdings noch zu klein, so muss der stolze Papa letztendlich seinen Kinderwagen selbst mit Stacheldraht umwickeln, damit der kleine Wicht bloß kein Blutbad auf dem Kinderspielplatz anrichtet. Nicht immer ist es so eindeutig, dass mit dem eigenen Baby etwas nicht stimmt. Im Film GRACE entpuppt sich der Nachwuchs als untoter Blutsauger, in BABY BLOOD verändert ein Parasit die Entwicklung des Babys zum Nachteil. Wer glaubt, in dieser Phase hätten die Eltern noch die Möglichkeit, sich des bösen Nachkommens zu entledigen, der irrt. Genau in diesen Fällen wird sehr häufig damit gespielt, das Neugeborene als unschuldig, unverdorben und rein anzusehen und es nötigenfalls vor der überforderten Mutter fernzuhalten. Einer Mutter, die in ihrem Spross eine Art Evil Offspring sieht, ist nicht mehr zu helfen. Denn so ein kleines Ding kann ja unmöglich etwas böses wollen. Spannung beziehen Filme dieser Art meist daraus, dass der Mutter nicht geglaubt wird (Kassandra Komplex) oder sich alles nach dem Wohl des Kindes richtet. Aber die meisten Kinder sind als Windelkacker noch ganz harmlos. Die Probleme fangen an, sobald sie laufen und sprechen können. Spätestens zu diesem Zeitpunkt muss man sich als Eltern fragen, was es denn genau ist, was den Balg oder die Zimtzicke so unausstehlich macht. Im Falle Böser Kinder hat das überschaubare Ursachen. Die häufigste ist wohl jene, in der die Brut vom Teufel selbst abstammt. Der neugeborene Antichrist ist eins der häufigsten Themenkomplexe des okkulten Films. Wenn der Balg nicht direkt von Satan abstammen (DAS OMEN), so können sich Kinder leicht mit Masern, Windpocken oder Dämonen anstecken (DER EXORZIST). Auch spezielle Fähigkeiten wie mentale Kräfte (FIRESTARTER, CARRIE), Experimente (THE BROOD) oder außerirdische Beeinflussung (VILLAGE OF THE DAMNED) können einem einen Strich durch den Erziehungsratgeber machen. Denn eins steht häufig fest, wenn der Nachwuchs grünen Schleim erbricht oder rückwärts die Treppe runter kraxelt: Klassensprecher werden solche Kinder selten.

Eine Woche Stubenarrest!

Böse Kinder werden entweder böse geboren, von Dämonen oder Geistern übernommen, bereits mit dem Wahnsinn im Nacken adoptiert oder kommen als vorbelastete Waisen in neue Elternhäuser. Sind Mädchen fieser als Knaben? Zumindest werden weibliche Plagegeister häufiger in Genrefilmen thematisiert. Was ist es generell, was böse Kinder so interessant macht im Schreibprozess. Kinder gelten im Allgemeinen als Unschuldig und wecken Beschützerinstinkte. Zudem sehen sie machmal so harmlos und süß aus, dass man ihnen nichts Böses unterstellen möchte. Genau deshalb ist es so spannend, wenn ein argloses Kind zum Berserker mutiert und der Schrecken der Nachbarschaft wird. Eine Ohrfeige vom Herrn Vater oder der Frau Mutter wird hier nicht geduldet, auch wenn der Balg vorher die kleine Schwester die Treppe heruntergestoßen hat. Bis zum Punkt der Erkenntnis, dass doch das eigene Kind hinter den seltsamen Ereignissen steckt, kann man Spannung in vielen Bereichen sehr hochhalten. Der Klimax eines jeden Horrorfilms um böse Kinder ist jedoch die Unausweichlichkeit, den Zögling am Ende umzubringen. Klappt das nicht, weil die Polizei dazwischen geht und den Kindsvater um die Ecke bringt, rauf man sich als Horrorfan nicht selten die Haare.

Böse Kinder malen keine schönen Bilder!

Trotzdem muss man sagen, als Autor hat man in diesem Subgenre nur begrenzt Möglichkeiten der Gestaltung. Wenn man Spannung lange aufrecht erhält und schürt, Eltern verzweifeln lässt, sie gegeneinander ausspielt, um das Wohl des Kindes, dann ja, da kann ein Autor durchaus dramaturgische Akzente setzen. Aber die Inszenierung hat letztendlich größeren Einfluss auf den Film. Das ist zum einen die Wahl des Schauspielers, der das böse Kind mit Abgründen und Charisma darstellen muss. Keine leichte Aufgabe, denn Dreharbeiten mit Kindern sind bekanntermaßen schwierig und zeitraubend. Doch nicht nur das, auch inhaltlich ist es mitunter heikel, kleine Kids mit Blut, Gewalt und Dirty Talk zu konfrontieren. So wird bei Dreharbeiten deshalb sehr auf die Einhaltung der Jugendschutzbestimmungen geachtete, sowie darauf, die schwierige Szene leicht, locker und spielerisch zu bewältigen. Trotz allem ist es schwer vorstellbar, mit Kindern Szenen á la THE CHILDREN zu drehen. Als Autor muss man sich hier klar die Frage stellen, ob ein Blutbad durch eine Vierjährige auch wirklich realisierbar ist.

Kinder in Filmen, besonders in Horrorfilmen, sind dennoch ein beliebtes Motiv, trotz aller Schwierigkeiten der Realisierung. Manchmal jedoch wird zu oft auf Plattitüden herumgeritten. Das beste Beispiel dafür ist der Umstand, dass böse Kinder immer düstere Bilder malen müssen. Nicht nur das, sie schildern mit ihren Kritzeleien auch immer treffend genau Plot und Story, was nicht selten zu konstruiert erscheint. Es sind auch immer die gleichen Dinge, die Kinder zu Papier bringen. Muss das immer sein? Kann ein Kind nicht mal den Plot töpfern oder mit aus dem Chemiebaukasten brauen? Warum müssen es immer die gleichen Bilder sein, Mama, Papa, Tochter, Geist, schwarze Flächen mit roten Augen in der Ecke, blutige Messer? Mittlerweile ringt mir dieses Element nur noch ein verschlafenes Gähnen ab. Lasst die fiesen Rotzlöffel doch mal zeitgemäß Gruselbilder per Photoshop erstellen oder Texter für eine Death Metall Schülerband werden!

 New Evil Kids On The Block

Auch wenn es vor lauter Teeniehorror nicht leicht ist, richtige böse Kinder zu entdecken, auch Jugendliche und Kids kurz vor der Abiturprüfung dürfen noch in der kleinen Gruppe bleiben. Denn böse Kinder gibt es nicht nur im phantastischem Horrorbereich. In den letzten Jahren haben auch stark Psychothriller mit Tendenz zu Sozialdramen diesen Bereich bevölkert. In Zeiten von Pisa-Studien, Schulhofgewalt, Handyvideos und Eimerrauchen braucht es keinen Teufel mehr oder den Baal. Kinder aus sozial heruntergekommenen Regionen können auch so ganz schön biestig sein. Ein herausragender Film aus dieser Ecke ist EDEN LAKE von James Watkins. Der englische Streifen bereichert die dramaturgischen Elemente um die der Folgschaft, der Hierarchie unter Jugendbanden und der Hörigkeit der Jüngeren zu den Älteren. Besonders der englische Genrefilm hat in den letzten Jahren einige Beiträge aus dem Bereich sozialer Randgruppen, brutaler Vororte und gewaltbereiter Jugendlicher hervorgebracht. Der Film F beispielsweise stilisiert jene Jugendgruppen zu Symbolen heraus, Kapuzenpulli tragende, gesichtslose Schlägerkids, die Angst und Terror verbreiten. Warum sie das tun, erfährt man in dem Film nicht. Was wie ein dramaturgischer Makel klingt, ist eigentlich die Stärke des Films.

 Denn Filme um böse Kinder sind so lange spannend, bis der Autor einen Grund für das seltsame Verhalten der Knirpse finden muss. Solange Zuschauer wie Elternteile noch grübeln müssen, warum der Sohnemann seine Mitschüler malträtiert oder die Tochter beginnt, mit Kruzifixen statt Barbiepuppen zu spielen, ist alles in Ordnung. Doch steht und fällt bei dererlei Filmen die Spannung und die Glaubwürdigkeit mit der Erklärung des Ganzem (wir Dramaturgen sagen dazu: “Der Erklärbär kommt um die Ecke”). Eine Auflösung á la ORPHAN hat sogar Genrefans eher verschreckt. Ich dagegen messe Willkürlichkeit und Handlungen ohne Übererklärungen wesentlich spannungsreicher. Aus diesem Grund sind Filme wie EIN KIND ZU TÖTEN oder THE CHILDREN auch weitaus beklemmender, weil sie klare Aussagen der Deutung vermeiden. Zu guter Letzt wurden böse Kinder auch maßgeblich von der Japan-Horror-Welle und dem asiatischem Horrorfilm geprägt. Kleine Mädchen mit langen schwarzen Haaren sind mittlerweile Symbole des Schreckens wie Messerschlitzer und Puppen auf Dreirädern. Die Faszination liegt hier auch in der Diskrepanz zwischen einem süßen Kinderlachen und einem urplötzlichen fiesen Grinsen und Kichern. Kinder können ganz schön gruselig sein, auch ohne Fratze, Maske oder Struwelpeterlook. Vielen Kids kann durch Stubenarrest oder Exorzismus ein wenig Benehmen beigebracht werden, andere Bälger kriegen auch im Erwachsenenalter die Kurve nicht mehr (Michael Myers). Doch zu Aktion Sorgenkind sollte man erst gehen, wenn der Sohnemann in der Fußballmannschaft nicht aufgenommen wird, weil er einen Pferdefuß hat und die vegane Tochter der Schule verwiesen wurde, weil sie mittels Gedanken die Mensa in Brand gesteckt. Aber nicht jeder Schreikrampf an der Supermarktkasse (Stichwort: Knängelware) ist gleich der Beweis für die Übernahme der Pummelfee durch einen alten Dämon. Tipps für den Umgang mit bösen Kindern aller Altersgruppen kann man dem reichhaltigen Repertoire des Subgenres entnehmen. Keine Angst, Kinder werden später äußerst selten Antichristen oder Messerstecher. Ob das allerdings besser als Börsenmakler oder Schuhverkäufer ist, muss der Papa und die Mama am Ende selbst entscheiden.

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Die kleine Genrefibel – Teil 5: Wave-Gothic

Hallo, hier spricht Traumfalter Filmwerkstatt. Bevor der Fünfte Teil der Kleinen Genrefibel durch den Äther schwingt und schwillt, eine kurze Anmerkung. Zeitreisen, Tierhorror, Drogen und Drachen waren die letzten Stationen auf der großen Genrereise. Doch um was in der Unterwelt soll sich jetzt hinter dem Begriff Wave & Gothic verbergen?

Nun, die bisherigen Subgenres definierten sich entweder aus ihrer Thematik heraus oder in der Art der Inszenierung. Man kann Genre und Subgenre aber auch als Erfassung von Zielgruppen betrachten, insbesondere, wenn Filme bestimmte subkulturelle Strömungen widerspiegeln. Die Begriffe Wave & Gothic treffen das aber nur zu einem Bruchteil, denn Wave und Gothic sind nur zwei Richtungen der schwarzen Szene, alternativen Szene, Gruftiszene oder welch anderes Wort man dafür auch immer verwenden mag. Die kleine Genrefibel Teil 5 wird demzufolge auch etwas Besonderes werden. Denn ich möchte mich nicht mit Grufties oder Gothics in Filmen beschäftigen, das wäre ob des Themas viel zu langweilig und einseitig. Viel spannender ist der Blick auf eine Szene oder subkulturelle Strömung, in der sich Musik, Film, Mode und Lebensgefühl gegenseitig inspiriert und angeschoben haben.

An diesem Pfingstwochenende findet in Leipzig das 22. WAVE GOTIK TREFFEN statt. Ich selbst besuche das Festival seit 1996 bereits zum 16. Mal. Ich mag das gesamte musikalische Spektrum der Szene, von Folk, Mittelalter und Dark Wave (Kirlian Camera, Deine Lakaien), Industrial, EBM und Elektro (Velvet Acid Christ, Hocico, Haujobb, Feindflug) bis zu Futurepop und Weiberelektro (Covenant, VNV Nation). Dabei finde ich den Mikrokosmos musikalischer Subgenre mindestens genauso aufregend wie beim Film. Schon als kleiner Bub hab ich viel DIE ÄRZTE gehört und bin darüber auch zu The Cure, Depeche Mode, Philip Boa und etwas später Project Pitchfork gekommen. Allerdings würde ich mich nicht als Anhänger der schwarzen Szene bezeichnen. Denn wie beim Film war auch meine Begeisterung für Musik breit gefächert. Abgesehen von ein paar Verkleidungsirrtümern in frühster Jugend habe ich auch nie viel von Szenekonventionen oder Dresscodes gehalten. Ich liebe die Musik, laufe aber auch beim WGT mit Jeans und meinem BIG LEBOWSKI T-Shirt herum. Was hat das aber jetzt mit Film, mit Subgenres oder dergleichen zu tun?

Die schwarze Szene und der Film, diese Verbindung ist vielschichtiger als beispielsweise die Behandlung subkultureller Strömungen in der KIFFERKOMÖDIE. Gruftis, Gothic oder Emos tauchen zwar in allerlei Genrefilmen auf, werden aber nur selten thematisch verarbeitet. Es ist eher so, dass das Medium Film die schwarze Szene als solche beeinflusst hat, nach der Musik natürlich. Denn die Themenfelder, die diese Szene inhaltlich berühren, findet man vor allem im Fantasy-, Horror- oder Science-Fictionbereich: Die Frage nach Leben und Tod, das Leben nach dem Tod, Ethik, Moral, Religion oder die Abkehrung von Religion, Geschichte, Schwarzromantik, Lyrik, Literatur. Man könnte sagen, dass die schwarze Szene ein Faible für den Horrorfilm, Fantasyfilm oder für Science-Fiction hat. Trotzdem kristallisieren sich aus diesen riesigen Feldern spezielle Werke heraus, die thematisch in der Musik, der Mode oder dem Lebensgefühl der Szene immer wieder aufgegriffen werden.

Goth Movie Classics

Dass es bestimmte Filme gibt, die die Szene definieren, zeigt sich beispielsweise daran, dass im Zuge des WAVE GOTIK TREFFENS neben Konzerten und Veranstaltungen auch Filmvorführungen stattfinden, bei denen Jahr um Jahr dieselben Streifen laufen. Besonders im Bereich Dark Wave und Gothic sind es die Klassiker NOSFERATU, DAS CABINETT DES DR.CALIGARI oder DAS PHANTOM DER OPER, aber auch THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW oder BRAM STOKERS DRACULA. Es sind Themen wie Tod und Vergänglichkeit, Liebe, Einsamkeit und Anderssein. Der Begriff Gothic kommt von gotisch, also düster oder schaurig. Auch im Bereich Filmgenre hat sich dieser Begriff schon weit vor der schwarzen Szene etabliert – Gothic Horror umfasst klassischen Horror aus dem Hause HAMMER, Filme nach Geschichten von Edgar Allen Poe, Mary Shelley oder Bram Stoker. Generell geht von Vampiren eine hohe Anziehungskraft innerhalb der schwarzen Szene aus, viele Bands beschäftigen sich textlich, aber auch durch Maskerade und Outfit mit dem Thema Vampirismus oder Horror allgemein. Einige Bands haben demzufolge auch Namen bekannter Filmhighlights oder Figuren wie London After Midnight, Siouxsie and the Banshees, Dracul oder The House of Usher. Einer der bekanntesten Szenehits ist beispielsweise BELA LUGOSI´S DEAD von Bauhaus, nach dem wohl bekanntesten Dracula-Darsteller der dreißiger Jahre.

Goths in Movies

Als sich später aus dem klassischem EBM á la KRUPPS, DAF oder FRONT 242 andere elektronische Sparten wie Industrial, Harsh, Noise oder Cyber Electro bildeten, waren deren Themenfelder noch die Arbeiterschaft und Industrie. Doch nach und nach fanden sich auch technische und ethische Themen der Science-Fiction in Musik und Mode wieder. Sieht man heute auf dem WGT Gasmasken, Neonschläuche oder Lack & Lederoutfits, sind diese zum Teil von Filmen wie MATRIX, BLADE oder EQUILIBRIUM inspiriert, aber auch von UNDERWORLD oder DARK CITY. Generell ist die Mode das am meisten zitierte Element in dieser Musikrichtung. So haben sich in die Mode der schwarzen Szene gewieft bestimmte Filme eingeschlichen. Wenn es den Kultfilm der Szene gibt, dann ist es THE CROW von 1994. Er ist wohl deshalb so markant, weil neben dem Soundtrack von The Cure und Nine Inch Nails und dem Make Up und Kostüm der Figur Eric Draven vor allem der tragische Tod von Hauptdarsteller Brandon Lee eine geradezu morbide, schwarze Ironie ist. Neben Merchandisingartikeln rund um THE CROW und Schmuck & Kostüme aus HERR DER RINGE ist ebenfalls ganz vorn dabei: Jack Skellington aus NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS, dessen Grinsen auf allerlei Taschen, Shirts und Accessoires zu finden ist.

Electro Fashion Classics

Generell ist es bemerkenswert, wie stark die Filme von Tim Burton von der Szene rezipiert werden. Natürlich sind Burtons Werke düster, schwarzromantisch und auch voller Melancholie. Ob Burton selbst ein Grufti ist, wage ich zu bezweifeln (er hört auch gern Westernhagen). Trotzdem sind die Figuren Lydia aus Beetlejuice, Edward mit den Scherenhänden oder Sweeney Todd heute Blaupausen für Goths in Filmen. Auch THE CORPSE BRIDE oder SLEEPY HOLLOW werden gern während des Wave Gotik Treffens aufgeführt. Einige Jahre lang hing Jörg Buttgereit auf dem Festival herum, um Filme zu verkaufen. Ich denke, auch sein bekanntestes Werk NEKROMANTIK ist ein beliebter Underground-Klassiker. Daneben gibt es aber auch Filme, die direkten musikalischen Bezug zur Szene haben. Einer der Kultfilme in diesem Bereich ist THE HUNGER (Begierde) mit David Bowie, Catherine Deneuve und Susan Saradon, in dessen ersten Szene bereits Peter Murphy von Bauhaus eben jenen Waveklassiker Bela Lugosi´s Dead in einer Disco zum Besten gibt. Zudem haben es einige Bands oder Musiker auch in den Bereich Filmmusik geschafft. Lisa Gerard (GLADIATOR, INSIDER) war bis 1998 Sängerin der Band Dead Can Dance. Nine Inch Nails  haben bereits für David Finchers SIEBEN Songs beigesteuert, bevor Trent Reznor für THE SOCIAL NETWORK oder THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO auch den Score komponierten und einen OSCAR gewann. Auch LAIBACH haben sich musikalisch an IRON SKY vergangen und in THE COLLECTOR wird immerhin Combichrist gespielt. Für WIR SIND DIE NACHT von Dennis Gansel haben Covenant einen gleichnamigen Song beigesteuert. Teile der Filmmusik zu BRAM STOKERS DRACULA von Wojciech Kilar wurden in “Battlefield” von Panzer AG verwurstet, die Logline des Vampirschinkens ist auch Titel eines Klassikers von Apoptygma Berzerk (“Love never dies”). Wojciech Kilar kann zudem stolz behaupten, dass der Titeltrack des Soundtracks “König der letzten Tage” zum gleichnamigen ZDF-Zweiteiler langezeit in dunklen Clubs gespielt wurde. Das ist natürlich kein Zufall, denn inhaltlich stehen sich jene Bands und Filme natürlich näher, als es Blümchen oder die Oberkrainer Heimatbuben tun. Natürlich hat die Musik Einflüsse auf den Film gehabt. Aber ich möchte die Chance dieses Artikels einmal nutzen, um aufzuzeigen, wie stark auch der Film die Musik der schwarzen Szene beeinflusst hat.

Tim Burton Characters[/caption]

Als ich Anfang der Neunziger Jahre in die Gefilde von EBM und Dark Wave eintrat und in diversen alternativen Schuppen abhing, stachelte das ein oder andere Musikwerk auch meine inzwischen große Filmleidenschaft an. Woran lags? Besonders im Elektrobereich wurden früher wie heute Filmsamples benutzt, um neben dem Text eine weitere Ebene in einem Song zu etablieren oder Text oder Musik ironisch zu brechen. Oder einfach nur, weil´s geil ist! Es gibt Künstler, die haben aus dem Samplen von Filmonlinern, Voice Overs oder Dialogfetzen grandiose Klangkonstrukte erschaffen. Eine Band, die das perfektioniert hat, ist VELVET ACID CHRIST aus den USA, die in einzigartiger Perfektion Film und Musik vereinen. Doch ich möchte ein anderes musikalisches Projekt näher beleuchten, welches diese hohe Kunst kongenial beherrscht. In einem verquarztem Dark Room kroch es in meine Ohren, ein Song mit markanten Zitaten, die mich nicht mehr losließen. Ein Lied, in dem es um Soylent Rot und Soylent Gelb ging, zwei Vollkraftnahrungsmittel. Und das neue, köstliche Soylent Grün, die Wunderkost aus energiereichem Plankton. Ich hörte nur diverse Sample, um Rindfleisch, Züchtung, Ernährung und den Schrei der Verzweiflung am Ende: „Soylent Grün ist Menschenfleisch“. Das war aus einem Film, nur aus welchem, das wusste ich nicht, da war ich noch nicht hin vorgedrungen.

[caption id=”attachment_2821″ align=”aligncenter” width=”690″> Meisterwerke der Samplekunst: WUMPSCUT: MFAST – EMBRYODEAD – BUNKERTOR 7 – DRIED BLOOD OF GOMORRHA, VELVET ACID CHRIST: FUN WITH KNIVES, CALLING OV THE DEAD, AUTO AGGRESSION: GERÄUSCHINFORMATIK

Der Song hieß “Soylent Green” und das Projekt hinter diesem Brachialwerk, welches seine eigene Struktur hatte, eine versessene Verspieltheit und das tatsächlich eine Geschichte erzählte, stammte aus der Feder eines gewissen Rudy Ratzinger, Kopf des Elektro-EBM-Projektes WUMPSCUT. “Soylent Green” war aber keine Einzelerscheinung. Rudy verarbeitete in Songs unter andere Zitatzeilen aus DIE BLECHTROMMEL („…aber der Weihnachtsmann war in Wirklichkeit der Gasmann!“), 12 MONKEYS („Vielleicht gibt es mich nur in deinem Kopf!“) oder DAS SCHWEIGEN DER LÄMMER („They slaugerting these spring lambs? And you run away?“). Neben brachialer Rhythmik, eingängigen Melodien und verzerrten Vocals waren es vor allem die Filmsamples, die WUMPSCUT so faszinierend machten. In Zeiten ohne Internet auch eine Herausforderung, solche Samples oder Filme zu erkennen. Bis heute ist sich Rudy treu geblieben und in seinen Stücken finden noch häufig Zitate aus ganz unterschiedlichen Filmen Platz, das zum Teil höchst filigran arrangiert (ganze Refrains werden zum Teil gesampelt). Doch nicht nur das Verwenden von Samplen macht das Projekt WUMPSCUT einzigartig in seiner Verquickung von Film und Musik. Klar ist “Soylent Green” einer der EBM-Klassiker schlechthin und durch die Verwendung der Samples aus dem gleichnamigen Film auch ein hervorragendes Beispiel für musikalisches Storytelling. Ein Fanvideo allerdings bringt die Symbiose von Visuals, Samples und Konzept noch treffender auf den Punkt: DYING CULTURE vom 1995er Album BUNKERTOR 7. Zum einen spiegelt das gesamte Artwork der Platte Szenen aus dem Film LE BUNKER DE LA DERNIÈRE RAFALE von Jean Piere Jeunet wieder, zum anderen findet das markante Geräuschsample der Sirene als Basis in dem Song Platz.

Rudy, der Künstler hinter Wumpscut (gerade weil es sich um ein reines Studioprojekt handelt), ist für mich eher ein Geschichtenerzähler mit unanständig viel Humor für die Szene. Früher habe ich mich gefragt, wann mal wieder ein richtiges Konzeptalbum á la Böses Junges Fleisch oder Cannibal Anthems erscheint. Die Wahrheit ist, die neuen Scheiben von Schrekk & Grauss bis Madman Szpital sind Konzeptalben, nur ist ihr Konzept nicht so eindimensional plakativ wie früher Embryodead. Was Rudy Jahr für Jahr mit ironischen und mehrdeutigen Alben auf die Beine stellt und wie er dabei auch gewitzt die Szene hinterfragt (“Homo Gotikus Industrialis”, “You Are A Goth”), ist weit mehr als rhytmisches Stampfen und blechernes Krächzen. Mittlerweile ist es eine schöne Tradition geworden, jährlich im März/April das neue Album zu hören, Klangstrukturen oder Filmsamples zu entdecken oder wieder zu entdecken („Of Course is something wrong with him…“). Ich höre ein Album, speziell ein Konzeptalbum von WUMPSCUT, nicht anders als ich einen Film schaue. Das Samplen von Audiofilmfetzen ist eine kleine Kunstform für sich. Doch es gibt auch Bands oder Künstler, die filmisch noch einen Schritt weiter gehen. Go Film! Die Minimal-Electro-Kultband WELLE:ERDBALL als solche ist ja schon ein Gesamtkunstwerk, ein eigenes, musikalisches Genre irgendwo zwischen frühem NDW, Schlager, Kraftwerk, GEHIRN, 50er Jahre Romantik meets C64, Weltenzahl & Cobaltblaster. Ihre Funksendungen waren schon immer filmisch geprägt, bis hin zu einer Huldigung an die SUPER 8 Kamera und Kintop im Hausgebrauch…für den Wohnkomplex! 2008 veröffentlichten Welle:Erdball ihren ersten 80-minütigen Spielfilm OPERATION ZEITSTURM, eine wilde Zeitreisefarce von und mit Honey von Welle:Erdball und natürlich fantastischer Musik. Es gibt einige Bands in diesem Sektor, die sich auch abseits von immer aufwändiger werdenden Musikvideos und Live-DVDs filmisch versucht haben. Neben Goethes Erben oder der Zusammenarbeit von Hubertus Siegert und Einstürzende Neubauten in BERLIN BABYLON gibt es auch wilde Horror-Fantasyschinken wie DARK FLOORS von Lordi oder aktuell IMAGINAERUM von Nightwish. Letzterer ist allerdings patchoulistinkend langweilig, man möge mir verzeihen.

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