#fernandofoglino

Nuestra segunda visita del ciclo de charlas fue la de Fernando Foglino, poeta y artista visual formado en la Facultad de Arquitectura de la UDELAR.

https://www.google.com.uy/search?biw=1366&bih=662&tbm=isch&sa=1&q=fernando+foglino&oq=fernando+foglino&gs_l=psy-ab.3..0j0i30k1j0i24k1l2.81302.83058.0.83270.16.9.0.0.0.0.333.934.2-1j2.3.0....0...1.1.64.psy-ab..13.3.931.A9EEN3_ZERI#imgrc=hi1MBCj2cueROM:

Fernando nos hace un pasaje por varias de sus obras, además de contarnos y destacar una importante etapa del arte hoy en día: el arte post-internet.  Éste, surge luego de la aparición del Internet y en lugar de utilizar el Internet como un medio, se lo utiliza como un hecho de vida. Es aquí donde la realidad y la ficción se mezclan; y ésto es un poco lo que sucede en el arte de Foglino.

“El arte post-internet también es algo mucho más grande. En lugar de utilizar internet como un medio, se lo toma como un hecho de vida, algo que se da por hecho, se incorpora a la vida incluso como algo común y corriente, y se parte de allí.”   

“La tecnología empieza a enlazar el arte con el mundo real.”

Los monumentos que él reconstruye y también los que crea en el proyecto del Archivo Nacional del Patrimonio 3D, de cierta forma son versiones. Sus trabajos tienen la  voluntad de contar una historia, poesía pero con el uso de la tecnología. Tal vez y mayoritariamente, con un acercamiento al pasado. A través del escaneo tridimensional, por ejemplo, se busca generar un acervo digital de gran valor patrimonial, cultural y educativo. 

Hace uso de herramientas tecnológicas como son: arduinos, esculturas digitales, 3D printer, scanner 3D, cortadora láser CNC, impresión digital, Kinect. Esto hace e hizo que en sus primeras exposiciones, mucha gente le pregunte y se pregunte: ¿cómo lo hizo?.

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La aparición de esta nueva era en el arte hizo que se generen muchas versiones y que los artistas vayan dejando de generar imágenes y vayan a las pre-existentes.

“Los artistas dejan de centrarse en la generación de imágenes originales y adquieren mayor compromiso con imágenes pre-existentes. Los artistas tratan de obtener una comprensión del mundo de la abstracción, en lugar de una comprensión de abstracción del mundo.”

Ejemplos de artistas:

Jon Rafman - desarrolla un software para hacer esculturas digitalmente.

https://www.google.com.uy/search?q=jon+rafman&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwjnhencwpHWAhUY9mMKHVSMAY0Q_AUICigB&biw=1366&bih=662#imgrc=H6sRAuUI-YkTKM:

Bunny Rogers - hizo arte a partir del juego Second Life.

https://www.google.com.uy/search?biw=1366&bih=662&tbm=isch&sa=1&q=bunny+rogers+second+life&oq=bunny+rogers+second+life&gs_l=psy-ab.3...11098.12726.0.12836.12.8.0.0.0.0.345.642.2-1j1.2.0....0...1.1.64.psy-ab..10.0.0.LxZmIFMeNWk#imgrc=9vzNpsq1-10LsM:

Josh Kline - “cada persona es la celebración de una herramienta”.

https://www.google.com.uy/search?biw=1366&bih=662&tbm=isch&sa=1&q=Josh+Kline&oq=Josh+Kline&gs_l=psy-ab.3...110186.110186.0.110466.1.1.0.0.0.0.0.0..0.0....0...1.1.64.psy-ab..1.0.0.EHx3sOHSaBE#imgrc=C8MK-vHYb6ieSM:

Richard Prince - “apropiacionismo” (EEUU, 1949): movimiento artístico en el que el artista usa para elaborar su obra elementos de otras ajenas. Se aplica a la pintura, escultura o incluso poesía y literatura.

https://www.google.com.uy/search?tbm=isch&q=richard+prince&spell=1&sa=X&ved=0ahUKEwiIpL29xJHWAhUQwGMKHbWPB1MQvwUINSgA&biw=1366&bih=662&dpr=1#imgrc=HtAa_CjTkdC8LM:

En el último proyecto (2017) realizado por Fernando: “Infraestructuras para el amor”, se construye en el extremo más boreal del histórico muelle salitrero, una capilla contemporánea, capaz de albergar cualquier creencia. Un refugio, un faro, una glorieta, una pirámide, un espacio de contemplación, un reloj de sol. Las mantas de emergencia servirán para reflejar el sol (cara plateada) y crear cobijo (cara dorada). Si bien fue montado, no fue como estaba planeado ya que interfirieron algunas cuestiones climáticas. A pesar de esto, gracias a la investigación y al concepto firme que tenía el proyecto, se pudo llegar a reflejarlo de otra manera.

http://www.foglino.me/infraestructuras/

De este escenario que se nos plantea, podemos sacar varias conclusiones. Primero, lo importante que es el proceso de investigación en esta era del arte, donde lo que hacemos debe tener un detrás, una investigación, un proceso y un trabajo sostenido y en profundidad. Como diseñadores buscamos soluciones a problemas, entonces más nadie deberíamos entender, analizar, cuestionar y saber acerca de nuestro cliente, de la sociedad.

Foglino hace un gran trabajo de observación, de detalle y como nos enseñó él: Tinker. (Tinker es lo que sucede cuando intentas algo que aún no sabes muy bien cómo hacerlo, guiado por capricho, la imaginación y la curiosidad. Cuando juegues, no hay instrucciones, ni tampoco hay fracasos, ninguna forma correcta o equivocada de hacer las cosas. Tinkering es, en su forma más básica, un proceso que se casa con el juego y la investigación. Salió de la electrónica y ha inundado el arte. Las herramientas que se usan son: arduino, 3d printer, scanner 3D, cortadora laser, impresión digital, Kinect).

Éste blog habla de 4 seminarios presentados por profesionales uruguayos del diseño. Los seminarios son en base al concepto de “virtualidad” actual tendencia fuerte dentro de lo que es el mundo, y no solo desde el diseño. Mi nombre es Bruno Sosa, y soy estudiante de Diseño Gráfico, soy un tipo que prefiere trabajar con tecnología a que con manualidades, por lo que al principio cuando se planteó el tema supe que me iban a parecer interesantes los seminarios. Todavía no encontre mi perfil dentro del diseño gráfico, pero me gusta mucho trabajar con la fotografía, sobre todo los fotomontajes.

    Afiche sobre calentamiento global de mi autoría. (Fotomontaje)

Los invitados fueron, Andres Roppa (diseñador industrial), Carolina Curbelo(diseñadora gráfica), Fernando Foglino(poeta y artista) y María Eugenia Pérez Burger (diseñadora gráfica). Los cuatro seminarios abarcaron distintas áreas donde se aplica el concepto virtualidad, Andrés nos mostró lo fuerte que es la presencia de las comunicaciones virtuales, Caro nos introdujo el tema de que colaboración y virtualidad van de la mano hablandonos de sus emprendimientos y plataformas virtuales, Fernando nos habló de la virtualidad en el arte y como está de moda el reciclar para generar nuevo contenido y Maria Eugenia nos mostró como se aplica la virtualidad en otros lados del mundo con su experiencia en Corea.

    Modelado y escaneo 3D de Fernando Foglino.

La verdad que todos los seminarios me resultaron interesantes, pero los que me parecieron más atractivos y generaron un interés por el tema, fueron los seminarios de Fernando y Maria Eugenia. En el caso de Fernando, me sentí identificado con el tema de “Remix” ya que me encantan los fotomontajes, y el fotomontaje se basa en juntar cosas no importa si viejas o nuevas, pero básicamente mediante un fotomontaje estamos generando una escena virtual, e inexistente, sin embargo lo estamos viendo. Por otro lado, cuando Maria Eugenia nos habló de la sociedad en Corea, sinceramente me descolocó, más alla de que se nota la presencia de virtualidad en el día a día, me desconcertó por el tema de que yo idolatro la cultura y disciplina oriental, pero me llevé la gran sorpresa de que viven “esclavos” de sus propios prejuicios y sus conceptos “virtuales” de como deberìan ser.

En otras palabras, noto que lo que presentó Fernando ayudó a entender que la virtualidad no es solo de herramientas, si no que también es un concepto que se aplica al arte, estamos representando algo pero en verdad no está ahí, como por ejemplo la vaca hecha de vaquitas, vemos la silueta pero en verdad no hay una vaca, pero sin embargo, la vemos. Sin duda fue la charla que más aportó a lo que es mi idea de diseño, no solo brindándome herramientas si no que también abriéndome la cabeza a nuevos conceptos. En el caso de Maria Eugenia, siento que fue más una enseñanza de vida, donde los coreanos jóvenes apuntan a americanizarse y a perder toda la cultura y tradición (que bastante rica es) que tienen, por un mero de hecho de querer parecerse a ellos (no solo mediante cirugías, si no que también mediante conductas) dando así un concepto de virtualidad, los coreanos quieren parecer americanos, pero siguen siendo coreanos. “Estoy pero no estoy”. Por más de que destaque lo que habló de la sociedad coreana en el seminario Maria Eugenia, también me aportó a mi “yo profesional” porque mostró estilos de arte que no conocía, como el Bio-Art, que mezcla biotecnología y arte.

Para concluir, siento que este blog puede ser de gran utilidad para quienes quieren saber un poco de como la virtualidad está presente en en el diseño, el arte y en la vida misma. ¡Aunque para tener una mejor experiencia es mejor poder vivir los seminarios!

Gracias!

Poeta y artista visual, en 2004 publicó su primer libro de poemas Kate 500. Actualmente realiza exposiciones para distintos museos del país y el exterior. En su charla nos habló de varios temas y nos mostró muchas obras que me dejaron impresionado y que tenían que ver con el tema de virtualidad. Primero nos habló un poco de sus influencias, como Oliver Laric, después nos mostró trabajos que hizo el, como una vaca hecha de vacas pequeñas en China, “Un aplauso para José, un hombre de acción”, y una obra para la 3ra. Bienal de Montevideo, entre otros.

http://www.foglino.me/

Al hablar de Oliver Laric, nos mostró varios trabajos, pero el trabajo “Versions” fue el que más llamó mi atención (por mi enfermedad por las películas de Disney) y por su cercanía al concepto de virtualidad. La pieza constaba de varias escenas de distintas películas (gran mayoría animadas) donde los personajes hacían las mismas acciones, hasta el mismo recorrido. Esto Fernando no los ontridujo como “Remix”, reutilizar la escencia algo viejo que funcionó para algo nuevo. Lo vinculo a virtualidad, porque cuando vemos estas escenas, sentimos la misma escencia, sentimos que es algo “clásico” u original pero en verdad es una vieja escena reutilizada con distintos personajes, otra vez aportando al concepto base de virtualidad de algo que está pero en verdad no está, como es la originalidad en las escenas.

        Video explicativo de Versions de Oliver Laric

Después de hablarnos un poco más de sus influencias, nos contó un poco de sus trabajos, que la verdad están geniales y tienen mucho que ver con la virtualidad. Estas obras introdujeron en mi persona a la virtualidad como una herramienta para el arte. Primero voy a hablar de la obra que hizo en China, donde generó la forma de una vaca con vacas más pequeñas. Acá el concepto de virtualidad es muy fuerte, nosotros vemos una silueta de una vaca, pero en verdad no está la vaca ahí, son muchas vacas generando la forma.

Nos mostró también la obra “Un aplauso para José, un hombre de acción”, que constaba de pararse frente a una pantalla y hacer lo que uno quiera. La sorpresa es que en esa pantalla estaba José Gervasio Artigas modelado 3D (lo hizo Fernando a través de escaneo 3D) y el iba a imitar lo que nosotros hiciéramos en frente a la pantalla. Para las personas mayores, una sorpresa, capaz que hasta un insulto, pero maravilló a toda la población joven que visitó la obra. Esto abarca también la virtualidad, no solo por las herramientas utilizadas, sino también por el hecho de sentir que el prócer nos estaba copiando, pero en verdad es un modelo 3D.

Por último, pero no por eso menos importante, voy a hablar de la obra para la 3era. Bienal de Montevideo. Esta obra consta de dos planos simultáneos, uno se ubica en el salón de los pasos perdidos donde se encuentran esculturas de los Blandengues del Batallón Florida custodian el Libro de Actas que en realidad es una pantalla que transmite lo que está sucediendo en el segundo plano. Una maqueta del Palacio Legislativo (situada en el atilio del Palacio mismo) con esculturas de misma escala (1:10) representando fotos de los años de la dictadura. Se nota un fuerte vínculo con el concepto de Remix planteado anteriormente, ya que están tomando escenas anteriores para generar una nueva pieza de arte y generar ese vínculo virtual de “esto me recuerda a algo”. También es claramente un ejemplo de virtualidad, el espectador es “llevado” virtualmente a un hecho histórico, pero que en verdad no está pasando.

En Fernando Foglino convergen varias ramas de la creación como disciplina: formado en arquitectura en la UDELAR, hoy en día se lo conoce por ser poeta y artista visual. Nacido en Uruguay en 1976, presenció el crecimiento a pasos agigantados de la tecnología, y para cuando sale de la universidad, se encuentra con un mundo digital hiper-poblado de imágenes y contenidos listos para ser (re)utilizados. Es así que nos introduce a una corriente artística surgida en los últimos años: el arte post-internet. O como a mí me gustó llamarlo, el arte digital por apropiación.

Fernando Foglino es un poeta y artista visual uruguayo formado en la Facultad de Arquitectura UDELAR. A sus 40 años de edad nos cuenta a partir de su experiencia los cambios que trae la aparición del internet y como afecta a esa generación de transición. Fernando se destaca por sus exposiciones personales y colectivas las cuales siguen la estructura de la “Cultura del Remix”. Además, nuestro invitado es reconocido, entre otros, por su proyecto de virtualización de las esculturas en Uruguay, muestra clara de las nuevas tecnologías como herramientas de creación artística. Estos nuevos conceptos que nos introduce Fernando nos hacen reflexionar y darnos cuenta que son muchos los artistas del medio local que siguen una línea de trabajo similar.

La creación del internet es un acontecimiento que marca un antes y un después en todos los aspectos. La visión de las cosas cambia y todo empieza a estar a nuestro alcance. Como diseñadores podemos seguir de cerca el trabajo de profesionales de todo el mundo; beneficiarnos con nuevos programas y softwares; consultar tutoriales o foros que tratan inquietudes en común, y todo tipo de contenidos en enormes cantidades. Antes, las creaciones de los artistas se quedaban en el mundo terrenal: museos y galerías. Más adelante, el arte post-Internet se amplifica. En lugar de usar Internet como un medio se lo incorpora en la vida como algo común y corriente y se parte de allí. Internet se mete en la coteidanidad y todo se mezcla: realidad y ficción empiezan a convivir. Un claro ejemplo al que estamos expuestos día a día es el contenido artístico muy creativo y particular que generan los anónimos en la web a partir de las noticias.

Contenido generado luego de la mordida de Suárez a Chiellini

El arte solía asociarse a la originalidad y se reconocía principalmente la destreza de dibujo del artista. Hoy en día, ¿una obra de arte sigue siendo valiosa por ser única? En la era post-Internet, el artista adquiere mayor compromiso con imágenes preexistentes. Se habla de La cultura del Remix: tomar algo que ya estaba, transformarlo y volverlo a sacar. Lo interesante ahora es la reinterpretación y resignificación de los objetos o tecnologías de otras épocas, a partir de lo que tenemos hoy a disposición.

Este fenómeno del remix también se puede apreciar en la música. Bajofondo es un colectivo de músicos uruguayos y argentinos de “tango electrónico” o como ellos prefieren definirlo: “música contemporánea del Río de la Plata”. Esta banda mezcla rítmos locales de todos los tiempos: tango, folclore, milonga, hip hop, electrónica, entre otros. La virtud de su música no es exclusivamente la originalidad de sus melodías. Lo que realmente les da valor es la astucia de combinar de forma tan acertada ritmos muy diferentes pero con una raíz en común.  Bajofondo realiza un salto quebrando la linealidad temporal. 

Pide Piso - Bajofondo

El Action Painting del siglo XX, en el cual Pollock jugaba con el azar en sus obras arrojando pintura sobre el lienzo de manera aleatoria podría compararse hoy en día con en el Glitch Art. Esta nueva estética se define como “la pasión por la distorsión en el desierto de lo real”. Surge con la falla de los sistemas digitales, un error de código que altera la representación de las imágenes “rompiéndolas”. Este error originalmente indeseado comienza a ser apreciado y dominado por artistas digitales de la actualidad como es el caso del uruguayo Guido Iafigliola, conocido como “Glitchdo”. Glitchdo explora la belleza del error esperando lo inesperado. Genera nuevas imágenes distorcionando otras. El Glitch Art es un claro ejemplo de arte contemporáneo que vuelve a afirmar que se pueden realizar obras de arte con nuevas herramientas.

http://glitchdo.tumblr.com

El glitch art es un tipo de tinkering, un proceso que se casa con el juego y la investigación. Es una invitación a lanzarse a la creación.

Tinker es lo que sucede cuando intentas algo que aún no sabés muy bien cómo hacerlo, guiado por caprichos, la imaginación y la curiosidad. Cuando juegues no hay instrucciones, ni tampoco fracasos, ninguna forma correcta o equivocada de hacer las cosas.

Sería erroneo asociar a los artistas contemporáneos exclusivamente con herramientas de trabajo como el pincel y el cincel. Las obras creativas son hoy en día llevadas a cabo con herramientas como la tableta Arduino, programas 3d, impresoras 3d, escaners, impresoras laser, entre otras infinitas posibilidades. En 2011, por ejemplo, Fernando realizó una escultura de Artigas de forma totalmente digital. Para esta instalación, escaneó la escultura de Artigas realizada originalmente por Blanes con un tomógrafo de dentista y lo puso en un cuadro para darle vida de una manera nunca antes vista. Además, la instalación contó con una parte interactiva en la cual el prócer se veía proyectado en una pared y quien se parara enfrente podía realizar cualquier movimiento y ver al personaje moverse de igual manera. Este “juego” genera una interacción en la cual el visitante se vuelve el prócer y el prócer se vuelve el visitante, realizando movimientos de karate o pasos de reggaeton. Cosas que nunca hubiesen sido posibles de otra forma.

Ver más: http://www.foglino.me/aplauso/ 

En 1895 fallece Juan Luis Blanes, hijo del “pintor de la patria”, Juan Manuel Blanes, sin poder terminar la escultura de Artigas en bronce encargada por el Estado como la primer representación tridimensional del prócer. Frente a esta trágica situación, el pintor asume el encargo de la obra inconclusa con la condición de que el Estado realice el mayor número de réplicas de la escultura. La misma es entonces acabada por Juan Manuel Blanes, quien firma bajo el nombre de su hijo, haciendole así, un regalo postumo que trasciende en la historia que cuenta que la primer escultura de Artigas la hizo Juan Luis Blanes. Fernando se da cuenta que el proyecto que él había comenzado unos años atrás comenzaba a tener otro significado. Con los medios de tecnología actuales de impresión 3D, aquella escultura podía realmente seguir siendo reproducida, ya no en bronce pero si de otras miles de maneras. Gracias a Fernando, la escultura de Artigas sigue pudiendo ser reproducida y se encuentra al alcance de todos de forma gratuita y para cualquier uso.

Herencia Blanes: http://www.foglino.me/herencia/

Descargar Artigas en http://herenciablanes.net

Recientemente Fernando participó en la Bienal de Arte de Uruguay que tuvo como sede el Palacio Legislativo. Para esta ocasión, escaneó a los cinco presidentes post-dictadura y les realizó entrevistas informales durante el proceso. Además, recreó en 3D escenas icónicas sucedidas en el Palacio Legislativo que hasta entonces solo habían estado registradas en fotografías, y las imprimió a escala, ubicándolas en el interior de la maqueta del Palacio. Esta última se encuentra en un sector inaccesible del edificio, pero a través de cámaras que filman y muestran en vivo lo que sucede, Fernando la acercó a los visitantes del Palacio.