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Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas de Carmen Oquendo-Villar. Su película Camil, que codirigió junto a José Correa-Vigier y es una de las 8 puertorriqueñas en la programación, será proyectada el martes 26 de agosto de 2014 a las 8:30pm en El Departamento de la Comida.

foto de Carmen Oquendo-Villar y José Correa-Vigier

Pregunta #1: ¿Cómo llegaron al tema o al personaje?

He trabajado retratos de personas transgénero en distintos países. José Correa y yo conocimos a Camil (también conocida como Kamelie) durante el rodaje de un proyecto documental en Puerto Rico titulado La aguja. Camil originalmente iba a ser un “personaje” de La aguja, pero en el montaje/edición nos dimos cuenta que no permitía el flujo de la historia que decidimos contar con el pietaje que teníamos. A la misma vez, sentíamos que lo que habíamos grabado con Camil era preciado y tenía su propio arco narrativo. Por tanto, decidimos hacer un retrato sólo de Camil.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraron contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supieron que sería documental?

Este proyecto en particular siempre fue concebido como documental. Hay reseñas de La aguja que la leen como ficción, en una acepción muy particular. Es un modo interpretativo que yo respeto, pero el ánimo fue siempre documental. Ahora sí estoy explorando un tema similar desde la ficción. Es un corto titulado Carmelo, que está en post-producción. Igualmente, estoy trabajando dos proyectos documentales en Colombia. Es posible que de ahí también salga una tercera versión de ficción.

Pregunta #3: ¿Qué decisiones estéticas tomaron y por qué?

Con Camil pudimos hacer lo que no logramos en La aguja: estilo cine directo completamente. En La aguja, incluimos una narración del “personaje” principal, lo cual no es un recurso estrictamente de cine directo.

Pregunta #4: ¿Qué descubrieron sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

La realidad puede ser tan alucinante como la ficción. Una vez tomé un curso de montaje con una de las editoras de Grey Gardens, de los hermanos Maysles, y recuerdo claramente sus ideas sobre la diferencia entre ambos. Decía, muy a grosso modo, que en la ficción se comienza con algo “falso” (un guión) y tratas de hacerlo verosímil, creíble. En el documental comienzas con algo “verdadero” y lo ficcionalizas al editarlo y otorgarle un arco narrativo. Entonces siempre van de la mano el documental y la ficción.

Pregunta #5: ¿Tienen algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Este es un proyecto que hicimos con mucho cariño y que logramos sacar “a pulmón.” Espero que lo disfruten.

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del venezolano Henrry Ramírez. Su película La Marsha de los elefantes será proyectada el lunes 25 de agosto de 2014 a las 7:00pm en La Beckett - Café, Teatro y Cine.

foto de Henrry Ramírez

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje?

La Marsha de los elefantes nace de la relación que establecí con Stephen Marsh, amigo, músico y cantante, quien tocaba en un bar donde yo grababa conciertos. Él era uno de los artistas que se presentaban. Steve toca con una pasión única. Cada vez que lo veía tocar le decía que debíamos hacer una película juntos, él se reía. Con el tiempo, profundizamos nuestra relación y las conversaciones se tornaron personales. Entonces había un tema recurrente: su origen. Steve siempre contaba que había nacido en una base militar norteamericana en Trinidad y Tobago, que su madre era una músico trinitaria y su padre, un Marín estadounidense, pero que se vinieron a Venezuela y él nunca más supo de su padre.

Todo eso me parecía una historia que guardaba muchas paradojas: su madre, artista; él, artista; y su padre, militar. También el hecho identitario: nacer en un país dentro de otro y nunca vivir en ninguno de esos dos. Entonces le pregunté a Steve si le interesaba saber dónde estaba su padre, a lo que él me respondió: “puede ser, sí, quizá”. Entonces le propuse que hiciéramos un documental sobre él buscando a su padre.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Siempre pensé que La Marsha de los Elefantes se trataba de un documental, lo vi desde el principio como un documental donde la poesía y el arte eran los vehículos en los que viajaríamos por esas historias profundas, por esas sensaciones que guarda la memoria, La Marsha de los Elefantes es una metáfora de ese viaje que emprenden los elefantes a su lugar de origen, en este caso en busca de las raíces, de escuchar el eco de ese lugar que vio nacer a Stevie donde tal vez podíamos hallar el retrato de un padre.

Pregunta #3: ¿Qué decisiones estéticas tomaste y por qué?

La decisión estética fue quizá, buscar narrar la intimidad de un hombre visto desde la distancia, enmarcado en grandes paisajes, incorporando esa belleza topográfica como metáfora de su interioridad. Esto se fue dando, ya que encontramos que la mejor manera de Steve exteriorizar sus sentimientos y emociones era en la soledad.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Con esta película logré descubrir cuanto de mi historia había en común a la de Stevie, reconocí el vínculo que tengo con su historia familiar y su búsqueda, entendí cuanto amo el arte, la música, la poesía y la libertad de crear. Durante la realización del documental sucedieron cosas que superaron en todo momento nuestras expectativas, nos mantuvieron en constante tensión, cuestionando siempre la manera y los elementos que queríamos narrar en el documental.

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Espero que puedan disfrutar de la película y ojalá que este viaje les deje un buen sabor. ¡Salud, que viva la vida y que viva el cine!