La promenade [Archi]

Il y a maintenant deux ans, lors d’une promenade dans le Plateau (centre des affaires économique d’Abidjan) mes yeux butaient sur un édifice que je n’avais jusque-là jamais remarqué. Il tranchait avec les bâtiments de style international autour de lui. Fait de ciment imitant la pierre, et de petites ouvertures, sa massivité semblait dire beaucoup ; comme son nom : la Cité Financière. Depuis cet Echange visuel, je n’ai cessé d’être intrigué par son histoire.

Dans les années 50, la Côte d’Ivoire alors colonie Française, se prépare à entrer dans l’ère nouvelle des indépendances. A cet effet, la ville choisie comme capitale, Abidjan, se met au goût de la modernité. Commence alors de grands chantiers architecturaux sensés donner un visage moderne à la ville, et accueillir les futures institutions de la nouvelle République. Sorte ainsi de terre: ponts, grattes ciels et grands axes structurant. Pendant près de 30 ans, des années 50 aux années 80, les conjectures économiques semblent être à la faveur de la Côte d’Ivoire. Ce boom économique, le Miracle Ivoirien, permet de soutenir les politiques de développement du pays. On assiste alors à une urbanisation rapide et programmée de la capitale qui donne à la côte d’ivoire son surnom d’African Riviera.

C’est au cours de ce miracle ivoirien, entre 1973 et 1976 que l’architecte Henri Chomette conçoit  la Cité Financière, qui a pour but de réunir dans un même édifice la totalité des services financiers du pays. La Cité est située dans le centre-ville d’Abidjan: le Plateau. Elle regroupe sur une surface de 54 600 mètres carrés, trois volumes, dont une tour de vingt-et-un niveaux reliée par une passerelle à un immeuble de bureaux de douze étages. Au sol, on retrouve un volume hémisphérique chargé de motifs coloré qui sépare l’accueille d’un auditorium.

Une communication avec l’international

A la manière des immeubles modernes, le bâtiment conserve une forme conventionnelle. Il emploie pour cela les formes géométriques simples: rectangle, carré et cercle agencés en plan suivant le nombre d’or. Ces formes s’inscrivent dans une logique de fonctionnalité, maitres mot des aspirations modernes.

Sur l’ensemble de l’édifice, on peut aussi lire 4 des 5 points de l’architecture moderne :

Toit terrasse, les fenêtres en bandeau, la façade libre et les pilotis. L’usage de tel éléments pourrait paraitre trivial, vu qu’on a déjà mentionné la volonté résolument moderne dans laquelle s’inscrit l’édifice. Mais cela serait le cas si on ne mentionnait pas les ouvertures dans une des façades donnant sur le parking. Celles-ci apparaissent comme une communication directe avec la Chapel Notre-Dame-Du-Haut de Ronchamp conçut par Le Corbusier quelques années plus tôt. Tout en confirmant l’essence Corbuséen de cette cité, elle pourrait aussi être une manière de transposer le sens de l’édifice à une dimension supérieure.

Aussi, cette appartenance au mouvement moderne pourrait se faire avec d’autres édifices. Je pense notamment à la Johnson Wax Research Tower de Franck Lloyd Wright ou la New Zealand House à Londres qui jouent aussi sur les lignes horizontales pour faire valoir l’esthétique de leurs formes.

Enfin pour finir sur une note un peu plus poétique, je dirais même que la régularité des trames horizontales sur les façades pourrait servir d’analogie. Elles pourraient induire le dynamisme des fluctuations dans le monde des finances ou alors l’ordre qui ceinture tout ce dynamisme interne.

Une mini-ville

Comme dit plus haut, la forme sert à la fonction. Elle permet de pouvoir réguler, organiser les bureaux et véhicule l’idée d’organisation. Cette organisation, elle est essentielle tant dans le domaine des finances qu’au sein d’une cité qui regroupe des personnes de divers horizons.

Car comme le dit explicitement le nom, l’édifice est une cité. Et ce n’est peut-être pas pour rien qu’elle se pare d’éléments qui tendent à assoir ce statut.

Déjà l’organisation de l’ensemble. Le complexe de bureau lui-même s’organise somme une grande fourmilière. Les bâtiments posés suivant les tracés du nombre d’or tournent autour d’un dôme qui tend à rappeler une sorte de carrefour des axes de circulation du bâtiment. De plus, l’intérieur, aménager comme des galeries, temps à rappeler une idée de galerie interne, ce qui isole encore plus le bâtiment du monde qui l’entoure. Là où les architectes auraient pu jouer sur l’idée d’un atrium ouvert sur la rue, il préfère l’idée de l’intimiste et du privé. A cela viennent s’ajouter les multiples références aux travaux du Corbusier qui pourrait nous rappeler l’expérience de la Cité Radieuse de Marseille avec qui le complexe partage un objectif commun ; celui de faire vivre le plus de personne possible sur un même espace réduit.

En poussant la réflexion et la poésie plus loin, on pourrait voir dans les ouvertures nord (celles rappelant la chapelle Notre-Dame-du-Haut) la scénarisation d’une entrée dans un monastère pour tous les travailleurs qui deviennent alors des hommes d’église. Si on poursuit en ce sens, on constate aussi que cette entrée correspond à l’immeuble le moins haut des trois centraux. On voit alors apparaitre un mouvement giratoire croissant entre les tours de la cité, et ce tout autour de la rotonde au centre. Il apparait alors une idée d’élévation du parking à la grande tour qui en plus de dominer l’ensemble de la cité ferait à présent office de clocher.

Espaces de circulation de la cité financière à Abidjan (archives des BEHC).

Le Modernisme Africain

Mais l’ensemble des formes et le gigantisme de la cité ne sont pas là que pour mettre en avant la conformité de l’édifice avec les standards internationaux de l’époque.

Quand les Bureaux d’Etude Henry Chomette (BEHC) conçoivent la cité financière, on est à l’époque en plein mouvement moderne. Celui-ci est notamment marqué par l’emploi de formes simples, qui suivent la fonction du bâtiment, et par l’usage de matériaux tel que le verre, le béton et l’acier. Véritable vague internationale, le mouvement moderne connaitra des variations stylistiques selon les différentes régions mondes qui l’emploierons. En Afrique, les architectes des nouvelles républiques s’adonneront à plusieurs expérimentations afin de trouver un langage régional de l’architecture moderne. Sans renoncer aux principes du CIAM, les concepteurs des architectures des indépendances donneront une interprétation des dogmes architecturaux modernes qui se fondent dans une esthétique inspirée des culturelles Africaines.  De cette manière, le continent devient une vitrine de la construction moderne, et lance une nouvelle typologie architecturale pour les pays Africain basée sur une richesse des bâtiments tant dans la forme que dans la symbolique.

C’est surement pour cela que l’édifice garde cet aspect si particulier. Paré de pierres, l’édifice garde un aspect monolithique comme s’il sortait de terre. De même, ses intérieurs gardent cet aspect rustique voir vernacilaure. Dans ses galeris isolées du monde extérieurs, les rectangles arrondis, et le béton donnent l’impression de se retrouver à l’intérieur d’une maison en terre, ce qui pourrait peut être jsutifié cette basse entrée de lumière naturelle.

Enfin, en son sein, au centre de la composition spatiale, l’édifice conserve ce qu’il a de plus précieux, un dôme. Celui-ci est recouvert de pâte de verres coloré présentant des motifs géométriques qui viennent comme pour représenter eux aussi ce que les techniques de construction traditionnelles peuvent apportées dans la modernité de l’architecture. De cette manière, l’élément central n’est plus seulement l’économie ou la finance, mais la culture, la tradition qui se cache au milieu de la cité.

Dôme interne de la cité financière, 2018.

« SILENCE, COULEUR »

Barragan (1902 - 1988) sera tout au long de sa carrière un acteur majeur de l’architecture moderne qu’il revisite avec un œil et une âme de mexicain. Faisant avec le matériau et la plastique phare de l’époque (le béton et le fonctionnalisme), il se démarque en y ajoutant sa touche personnelle faite de couleurs chaudes et animée qui brisent d’emblée la rigidité et le rationalisme du mouvement moderne. C’est d’ailleurs peut-être grâce à cette approche sensible, et aussi pour son intérêt pour le vernaculaire que Luis Barragan devient officiellement de son vivant en 1980 un grand nom de l’architecture en recevant le Prix Pritzker.

Le sensible

C’est après l’obtention de son diplôme d’ingénieur en 1923 que le jeune Barragan quitte le Mexique et la petite ville de Guadalajara pour effectuer un Grand Tour en Europe. Là-bas, il découvre les écrits d’un certains Ferdinand Bac, Architecte et paysagiste français, qui se passionne pour les compositions picturales colorées et la recherche d’une harmonie entre l’intérieur et l’extérieur du bâti. Conquit par cette idée de complémentarité entre le bâtiment et ses jardins, Barragan visitera pendant son voyage les ouvrages de Ferdinand Bac sur les bords de la méditerranée notamment les jardins des Colombières qui lui serviront d’inspiration et d’exemple. 

  Jardins des Colombières, Ferdinand Bac, Photo DR

« Pour certains citadins la campagne est intolérable parce que son silence rejoint leur vide intérieur. » – Ferdinand Bac

De son séjour sur les berges de la Méditerranée, Luis Barragan retiendra visiblement une approche conceptuelle mettant en avant les couleurs et le paysage. Dans ses ouvrages datant de cette première période, comme la “Casa Gonzalez Luna”, on y voit l’influence directe des villas méditerranéennes avec leurs paysages bucoliques, mais aussi une transcription moderne des maisons traditionnelles Mexicaines qui ont toujours eu dans leur essence la couleur pour typologie. C’est d’ailleurs par ce langage très coloré que Barragan s’exprimera durant toute sa carrière, et par (quand il le peut) des jardins qui viennent en complément des formes et des couleurs. Par ce jeu de communication habile entre les espaces intérieurs et extérieurs, Barragan imprime des ambiances biens particulières aux pièces qui varient d’une zone à l’autre. Par une forte approche sensorielle, il donne à l’ouvrage  une identité qui se dévoile au fur et à mesure que l’on parcours les pièces et qu’on fait l’expérience de ces espaces, des couleurs qu’elles arborent, et de la lumière qui les baigne. De cette manière, Barragan invite dès le début de sa carrière à la contemplation de l’espace. Malgré la cohue de la ville, il développe de véritables mondes qui se révèlent par le silence.

Casa Gonsalez Luna, 1930.

« Il est essentiel pour un architecte de savoir comment voir d’une telle façon que la vision n’est pas entachée par l’analyse rationnelle » - Luis Barragán.

Le moderne

Lors d’un second voyage en Europe en 1931, Barragan se familiarisera cette fois avec le CIAM (Congrès International de l’Architecture Moderne) et les idées qui l’anime. Il faut dire que la rencontre avec Le Corbusier aura surement provoqué un vrai intérêt chez lui pour ce mouvement moderne pensé pour l’Homme et véhiculant des idéaux de paix et d’unité. Toutefois, bien qu’il ai eu à réaliser des ouvrages s’inscrivant dans une logique purement Corbuséenne, cela ne durera pas. Pour cause, surement le côté cartésien et froid portée par l’architecture du CIAM qui semble faire fit d’une certaine approche sensorielle chez l’homme. Mais il faut noter que, s’il s’en détourne, il ne supprime pas totalement ses acquis modernes. On remarquera d’ailleurs qu’après cette première approche moderne, Barragan alliera la rigueur fonctionnelle à la la douceur sensorielle afin de transcender le réel.

Casa para dos familias, 1937

La transecndance

Même si Barragan savait déjà l’importance de la lumière pour la couleur, on constate après 1930 que l’utilisation de l’élément change en même temps que sa manière d’organiser l’espace. Les espaces et les formes de Barragan entrent dans une géométrisation plus marquée. Aux toits en pentes et aux murs dynamiques de la Casa Gonsalez Luna (1929-1930) se succèdent les toits terrasses et les volumes purs et uniformes de la Casa Pietro-Lopez (1940). De même, les ouvertures changent en dimensions, et deviennent plus dynamiques en façade. On fait varié la lumière, la vision et les sens, ce qui marque une progression dans le style, et un affinement du processus conceptuel. Dans sa nouvelle approche, la fonction prend un tout autre sens. Elle ne répond plus aux simples besoins physiologiques humain, mais intègre une réalité psychologique qui transforme les espaces en scènes surréalistes. Une circulation devient un voyage spatial empli de couleur, quand un poteau se transforme en monument avec un espace dédié dans le but de souligner sa majesté. Les espaces de Barragan deviennent des compositions complexes qui agencent en harmonie couleur, minéralité, végétation pour susciter au fil de la promenade surprise et émotion.

Casa Gilardi, 1976

De la terre à la lune

J’ai toujours été intéressé par la mode et surtout par l’image que les vêtements te permettent de modeler. La mode pour moi, c’est l’idée même de pouvoir communiquer avec l’inconscient au travers de ce que Carl Jung appellerai la persona qui est le masque que nous portons en société et qui se façonne par un l’accord entre l’image qu’on se fait de nous, celle à laquelle on s’identifie, et les idées que véhicule la société vis-à-vis de cette image. Nous voulons qu'on soit vu pour quelques choses et nous voulons transmettre une idée au travers de notre style. En cela, les concepteurs de tout bord créent comme ils peuvent des objets qui véhiculent une idée, et qui nous servent à transmettre la nôtre. Aujourd'hui l’objet dont je veux parler est une chaussure qui pour moi véhicule beaucoup malgré son jeune âge. Aujourd’hui on va parler de la Balenciaga Speed Trainer.

Une histoire de Culture Populaire

Le développement de la société de consommation et parallèlement de la pop culture durant la guerre froide a amenée sur le devant de la scène de nouvelles tendances. Dans le domaine de la mode, la démocratisation du sport facilite la diffusion des vêtements de sport hors des terrains de sports. Durant cette période, on voit la création mais aussi la popularisation de plusieurs articles dites « sportwear » tel les Air Jordan (Nike), les Stan Smith (Adidas) ou encore les Chuck Taylor (Converse) qui habillent la jeunesse contestataire des années 70’ à 90’.

Cette période marque une véritable montée en puissance de la culture populaire dans la mode et une institutionnalisation dans les dressings des vêtements dits Streetwear qui se composent de pièces Casual tel des Jeans, des T-shirt et inévitablement de paires de Basket.

Mais la mode évolue, et les gens vieillissent jusqu’à ce que les Baby-boomers et leur descendants deviennent la norme et changent l’image « populaire » du Streetwear pour en faire une identité tendance, à la fois décontractée et élégante.

La rencontre de deux mondes

Commercialiser en 2016 Par la marque de luxe française d’origine espagnole, la Balenciaga Speed Trainer est incontestablement l’un des objets d’art appliqué qui fut les plus en vogues à la fin de la décennie précédente. A la fois chic et grossière, la chaussure est une icône du basculement de la mode des temps modernes ; un symbole du mariage entre le luxe la culture populaire.

En 2012,  la marque décide de faire peau neuve et de devenir plus populaire auprès de la jeune génération, tout en voulant conserver son image de marque de luxe. Pour cela elle fait appel à des créateurs en phase avec cette approche stylique : Alexander Wang puis Demna Gvasalian en 2016. Le pari est alors de faire coïncider élégance et provocation.

Pour cela, la chaussure mise entre un mélange entre la simplicité de sa courbure et les galbes ciselés de ses semelles. Dans un langage très  minimaliste, la chaussure laisse exprimer les courbes du corps à la manière d'un col roulé. Grâce à l'élasthanne qui compose sa peau, la chaussure épouse les lignes du corps. Se confondant ainsi avec la peau, elle se glisse facilement sous un pantalon pour laisser paraître l'ensemble de la tenue. Le sobre logo de la marque, est peut-être la seule véritable décoration de la chaussure qui bien qu'explicite en dit finalement peu, ce qui est suffisant pour créer un fin mystère et donc une forme de fascination. En dessous de l'ensemble, la chaussure est montée sur des semelles souvent blanches qui viennent contraster avec la sobriété et le silence de la partie ciselée. Avec ses formes dynamiques, elle emboîte les pas du promeneur urbain et l'encourage à mettre en avant cette fougue; celle de la jeunesse.

Une Chaussure fonctionnelle

A leur manière, les designers de chez Balenciaga créent une pièce qui colle à la marque, à l’usager et à son temps. Pour le respect de Cristobal Balenciaga, fondateur de la marque, on a peut-être voulu conserver l’idée de la finesse et de la courbure qui lui était chère, sans toutefois rester choquant. De cette manière, le produit reste dans une continuité du langage esthétique de la marque malgré le rajeunissement de celle-ci. De plus, pour l’usager cette paire est un véritable outil fonctionnel. Si la sobriété du produit mais surtout la communication autour de celui-ci permet de se projeter dans l’idée de l’élégance, le produit final offre la latitude des mélanges avec d’autres pièces du vestiaire Streetwear, ce qui en fait un vrai objet du quotidien, et donc une chaussure fonctionnelle. Ainsi, bien qu’on laisse bien visible l’image de marque, la chaussure est là avant tout pour s’adapter à la personne, donnant une allure supplémentaire au code du porteur sans l’obligé à se reconstruire entièrement.

Bonjour à tous Et bonne année ! J’espère que vous avez passé une belle année 2019 et que celle-ci s’annoncera plus belle encore. Il est vrai que je n’ai pas été très présent l’an dernier, mais je compte me rattraper avec de la régularité, et de nouveaux projets ! Pour commencer cette année en beauté, petit retour sur un événement heureux  auquel j’ai assisté :

LA SUNDAY ! Vous connaissez ? C’est un festival créé sur le bord de la lagune Ebrié il y a seulement 1 an. Depuis, l’événement a pris de l’ampleur d’édition en édition jusqu’à revendiquer à sa dernière édition de l’année 10 000 participants !

Dans un contexte où on a souvent le choix entre la boite de nuit ou le maquis afin de danser sur les musiques du moment, la Sunday arrive comme une véritable bouffée d’air dans le divertissement. Le concept ?  Un espace, de la musique, mais surtout un univers et cela toute la journée. Et qu’il s’agisse de la musique ou du décor, l’idée est de proposer aux festivaliers un univers inspiré d’une Afrique revisitée, dynamique, décomplexée et innovante. On retrouve aux platines des Dj issu de la diaspora africaine mixant principalement de la musique type afrobeat ou produite par cette même diaspora. Pour ce qui est des décors, on mise surtout sur de la récup’. Assises faites de palettes de bois, des échafaudages comme poteaux,  ou encore des nattes comme revêtement au sol.

 Mais bon, concrètement qu’est-ce que ça vaut ? Personnellement, je ne suis pas un très grand fan d’afrobeats ou plus généralement de musique Naija même s’il peut m’arriver d’en écouter. Mais, après une année de travail quasi non-stop, je n’ai qu’une seule envie : chasser le diable de mon corps !

 Un événement haut en couleur

J’arrive à 17h sur le lieu de rendez-vous. Pour ce dernier événement de l’année, l’équipe de La Sunday a vu les choses en grand. Le festival se déroule sur un espace d’environ 3,50 Ha, situé A la Riviera Golf, tout près du Pont Henry Konan Bédié, et surtout en bordure de lagune, ce qui donne une vue imprenable sur la partie Sud de la ville et du caractère à l’espace. A mon arrivée, la queue est monstrueuse ! Encore heureux que je n’ai pas pris mon ticket à l’avance, ce qui me permet de passer directement au péage sans m’attarder dans la file d’attente.

D’ailleurs en balayant  la file d’attente, je remarque que le public donne déjà le ton de l’événement. Ils sont nombreux à avoir joué le jeu vestimentaire, contrairement à moi qui me promène en Jogging/T-shirt Iron Maiden, même si les événements à venir donneront raison à mon choix. La plupart des gens sont sur leur 31 ou on profiter du moment pour alimenter leur profils Instagram de  « postbad ». Les Air Jordan se mélangent avec les tenues traditionnelles, sont confondus aux dernières créations du moment, dans une rare harmonie de couleur vives. La file d’attente elle-même donnerait presque l’impression d’être dans un défilé de mode, ou dans le casting du prochain Black Panther. La jeunesse est présente, et elle s’affirme.

 Deux podiums, deux mondes

L’immense terrain d’environ 3,50 Ha est scindé en deux. Avant de me poser dans un coin, je décide avec un ami rejoint sur place de tâter le terrain. On se balade ainsi de droite à gauche, croisant au passage des amis et connaissances.

On s’arrête d’abord près de la scène de droite. La musique y est à la fois douce et rythmée ; propice à la discussion. En face de la scène sont disposées plus loin des assises ou on s’alimente, des stands on achète nourritures et gadget, plusieurs installations toujours dans l’idée de la récupération qui scénarise l’espace en lui donnant un ton décalé et flashy. L’ensemble se place sur du sable coloré de rouge et de rose ce qui contraste avec le bleu du ciel et appuie le caractère très pop du lieu. Je croise aussi dans cet endroit plusieurs amateurs de la mode, qui profitent du lieu peu dense, de la vue sur la lagune  et du décor pour immortaliser l’instant. Comme quoi, la mode, ça se vit ; en soi, sur soi et dans l’espace. Si on esquisse quelques pas de danses, on y ne restera que pour prendre nos marques. On y reviendra toutefois plus tard afin de nous ressourcer.

A gauche, l’ambiance est beaucoup plus dynamique et le monde plus présent. Heureusement, une seconde sécurité filtre l’entrée, car réellement, cet espace, est un monde dans le monde. On est loin du lieu plus posé d’à côté. Ici, on profite de la fête. Le festival ayant débuté depuis 10h du matin, il n’y a logiquement plus de carré disponible. Les gens qui ne sont ni assis ni en train de chercher des connaissances comme nous, fument, discutent ou danse. Dans la foule, il est difficile de se déplacer, mais on y arrive tant bien que mal. En avançant vers la scène, on croise des jeunes de 16 à 30 ans, de nationalités diverses. Noirs, blanc métisses, ils viennent célébrer, rencontrer des gens comme eux et viennent écouter des musiques qui leur ressemblent. Pendant qu’on avance, la nuit se pointe, le monde grossit et le Dj mixe tubes sur tubes au fur et à mesure que le son se sature. Dans une chaleur entraînante, on s’évade du commun de la capitale.

  Un Moment d’évasion certain

On trouvera finalement une amie et son groupe avec qui on restera un bon moment et avec qui on profitera des talents de compositions de l’artiste aux platines. Rap : Ivoirien, Nigérian, Français ; coupé décalé, musique Naija… Tout est brassé pour communier avec l’énergie de la foule. Les heures passent et on ne se rend compte de rien. On danse on rit, on s’oublie le temps d’un instant. Toutefois, après quelques minutes le corps réclame du repos, et on doit laisser nos amis pour se rafraîchir. Retour dans la zone « posé » ou problème : il n’y a plus d’eau. On se débrouille comme on peut avec des boissons énergisantes avant de nous recueillir devant la scène ou le Dj nous rappelle les belles heures de la musique rouge jaune et verte. L’ambiance redescendu, il est temps de partir. Avant de clore mon dimanche, je fais un dernier détour à la scène principale ou le DJ a changé. La musique y est devenue plus calme à mon gout. La trap a laissée place à de la musique Naija.

Après avoir passé près de 4h, je rentre enfin chez moi, fatigué et satisfait. Il faut dire que l’expérience m’a épuisé, signe que j’ai bien dépensé mon énergie. Il faut se l’avouer, l’expérience valait le détour. Abordable financièrement, La Sunday offre indéniablement un changement dans le divertissement. Même si on n’est pas fan de musique urbaine, il faut reconnaître qu’il reste intéressant de voir une telle réinterprétation culturelle et un tel dynamisme de jeunesse.

C’est en 1932 que nait officiellement le « Style International » et ce grâce à l’exposition organisée par le tout jeune Museum of Modern Art de l’époque. Cette exposition co-présidée par Alfred Barr, Henry Hitchcock et Philip Johnson présente une architecture européenne d’avant-garde née dans les années 20 qui s’étant progressivement dans tout le monde occidental. Cette architecture, ils lui donnent un nom au travers de l’essai écrit par Henry Hitchcock et Philip Johnson : le Style international.

Le Style international se définit selon ses auteurs par trois points phares qui sont : l’effet des volumes, la régularité et le refus de l’ornement surajouté. Par ces trois points, Philip Johnson et Henry Hitchcock donnent une identité à un style qui semblait pour l’époque sortir d’une dimension étrangère, tant elle coupait avec le passé. Dans la forme, il ne s’agit plus de créer des volumes au travers de lourdes pierres ou de barres de fer extravagantes mais de laisser l’espace s’exprimer grâce à la légèreté et la simplicité offerte par la combinaison du verre, de l’acier et du béton. Aussi, la légèreté et la force donnée par ses alliages permettent une nouvelle conquête de l’espace architecturale qui caractérise bien des bâtiment « internationaux » : celle de la hauteur.

En effet, Si Hitchcock et Johnson faisaient essentiellement référence en 1932 à des immeubles de basse hauteur comme le Bauhaus ou l’immeuble Turun Sanomat, le qualificatif connait une digression durant les années suivantes qui finira par prendre en compte presque l’ensemble des constructions des années 50, marquées par d’immenses buildings aux façades vitrées, et aux nervures d’acier. Ses immeubles, dont la ressemblance esthétique semble frappante donnent raisons aux auteurs qui dans le terme Style international, voyaient une forme d’unification de l’Architecture face aux styles qui la divisait au siècle précédent.

Composition II en rouge, bleu et jaune, Piet Modrian, 1930

Construction, Georges Vantongerloo, 1931

Hôtel Particulier,  Cornelis van Eesteren et Theo van Doesburg, 1923