Only Black Music Review To You

Apesar de notar os diversos carros raros que são mencionados no vídeo de For Harriet e notar também a complexidade da coreografia e das referencias ao afrofuturismo lançados pelos artistas pretos dos anos dois mil, o filme passa pouca coesão histórica pelas cenas. Temos muito do conceito da circularidade, conceito que é inerente do continente africano e da filosofia que inclusive rege o Lion King e The Gift de Beyoncé.

Fora isso temos a música que faz o serviço de mostrar tudo aquilo é utilizado em massa por pessoas brancas na tentativa de expropriar essas coisas da cultura preta, no caso ela é bem literal ao clamar que essas coisas são coisas de preto. Outro ponto interessante da letra que a cantora canta é sobre a fé preta que não pode ser lavada nem por Agua Florida, que é uma versão de alfazema que é vendida nos estados unidos como colônia, mas que as populações que cultuam e exercem práticas não cristãs é uma forma de fé. A plataforma Genius fala da possibilidade da frase “Blackberry the masses” no caso como sendo uma referência ao ditado que fala que quanto mais preta a fruta, mais doce o suco. Creio que seja verdade, mas interpretei como Solange dizendo que a cultura preta se sobressai a toda a cultura de massa americana branca.

O trecho de rap soa como uma criança falando porque é o estilo do próprio rapper e muito de sua música é referência a bens materiais mostrando a riqueza do povo preto e acontecimentos com outras estrelas.

Okay, passou pela minha cabeça que talvez eu escreva textos enormes para coisas simples e como esse interlúdio tem vinte e quatro segundos acho que posso fazer isso ser curto. Primeiro ponto: assistam o vídeo do canal INSIDER para algumas visões diferentes sobre significados dentro do filme e as diversas inspirações para Solange (https://www.youtube.com/watch?v=Hjpl8td_sVk). Segundo ponto: insisto em recomendar que vocês assistam o vídeo da maravilhosa   For Harriet(https://www.youtube.com/watch?v=SXtaAWU_AZg). Terceiro Ponto: Inexistente, vamos para a interpretação. Primeira cena que você vai ver depois daquela cena meio caleidoscópica com um homem narrando seus sonhos ao fundo, é a dupla Solange e sua amiga de longa data, fotógrafa e diretora visual, Amber Venerable. O que ela diz não necessariamente acrescenta ou retira do filme ou do interlúdio, porque não é a qualidade do som ou da letra que integra essa faixa, mas sim o sentimento de estar cem por cento a vontade em casa. Amber Venerable diz em sua pagina do instagram que pensou que tinham gravado aquilo em privado e que depois veio ver seu freestyle despretensioso no curta do álbum. Mais uma vez, Solange transmitiu uma sensação que ultrapassa o que se vê e o que se ouve, mas sim transcende os sentidos para alcançar o sentimento de casualidade e intimidade. Certo passamos a primeira parte e vemos a cena das mulheres de peruca loira dançando ao som de “work it work it”. A peruca loira faz referencia ao interlúdio Can I hold the mic, onde temos Princess e Diamond, ambas usando cabelo loiro e brincado amigavelmente e mostrando intimidade.  Entendeu? É como se ela quisesse trazer de novo o sentimento da amizade e ligasse aquilo à cena que acabamos de ver entre Solange e Amber que por sinal são amigas desde antes de 2014 (eu andei stalkeando o instagram da Amber).

Okay, por último temos um trecho do vídeo do canal Omi Lola (Goddes Lula Belle) e nesse vídeo ela explica toda a história e a tradição por trás do uso de Florida Water. Assim como nós usamos alfazema para nos perfumar e proteger contra energias negativas, é possível compreender que Florida Water é usado ritualmente para selagem espiritual, proteção e limpeza energética.  No entanto, Omi Lola fala sobre a intenção no final do vídeo de cinco minutos, então o que se pode compreender é que não somente Solange usou aquilo para dizer que nada apareceria em seu álbum sem uma intenção por trás, mas também instruindo a gente os passos que guiariam a compreensão de Almeda, no caso, a próxima música.

Espero ter sido mais concisa sem prejudicar o entendimento. Acreditem na intenção e no esforço energético das suas ações e tenham atenção às energias que você emana e absorve.

Sou só eu ou todo mundo que escuta essa música lembra dos discursos de Dr. King?

De cara, eu me apaixonei por essa faixa e a referência veio à minha mente de uma maneira que fez tudo se encaixar. A luta afro-americana vem de fato, de um longo caminho e pensar nisso me traz conexão com a frase que ela vai repetir ao longo da música e que será repetida com bastante veemência. A youtuber For Harriet, inclusive gravou um longo vídeo sobre toda a sua percepção geral desse álbum e realmente vale a pena assistir e ouvir o que ela tem a dizer. O principal de sua fala para mim foi como ela entendeu as repetições de Solange, de maneira um pouco diferente de todos os outros que tinham analisado o álbum. Ela diz que Solange deposita pouco tempo nas letras e se dedica a essas repetições que funcionam como mantras.

Foi aí que eu me toquei, que embora o mantra possa ser cantado em coletivo, ele é vivido individualmente e na verdade essa música pode ser uma referência a isso. Nos fazer repetir que os sonhos vem de longos tempos e caminhos para que se realizem, é nos trazer à consciência o fato de que as conquistas que nós vemos os outros alcançarem principalmente no âmbito da rede social e outros veículos de informação não mostram a luta do indivíduo para chegar até ali, então fazem parecer que aquilo é fácil de se alcançar e nos fazem sentir mal por não termos alcançado ainda. No entanto muitas vezes, (embora a sociedade oportunize as pessoas de maneira diferenciada) nós estamos ainda andando nosso caminho sem mostrar para ninguém que estamos lutando para atingir certo objetivo. A youtuber Evelyn From The Internets lançou recentemente um vídeo comemorando seu aniversário dizendo que ela, como muitas outras pessoas, precisava perder o medo, não só de tentar coisas novas, mas também de serem vistas tentando coisas novas. Dessa forma, esse mantra seria uma estratégia de Coping para mim e para você para que a gente possa compreender os processos de como as coisas acontecem. Omi Lola, lançou um vídeo, posteriormente ao álbum ter sido lançado, dizendo como ela recebeu comentários que diminuíam suas conquistas até ali como Youtuber. Ela recita a letra de Dreams e usa a música de Solange para dizer que ela faz um trabalho consistente e que o caminho para ser usada como referência nesse álbum foi longo e não de um só dia. Mesmo que apenas um vídeo tenha sido usado e recebido notoriedade, todo o caminho percorrido até ali foi instrumental para que Solange soubesse da existência dela e escolhesse aquele exato trecho como fonte de inspiração. Como a própria música diz: “sonhos vem de um longo caminho, não de hoje”.

No filme você vai ver uma mulher limpando sua casa tentando impedi-la de virar uma planta, quando ela olha para o lado oposto e vê uma família que está unida sorrindo e brincando e isso parece afetá-la como se estivesse incomodada com a cena. Em outra parte, ela está pegando coisas no correio, mas dessa vez seus pés já começaram a ser tomados pela grama e mais uma vez, a mulher olha o lado oposto e tem uma família unida, não mais tão feliz. As crianças pararam de brincar e se encontram escondidas embaixo da piscina de plástico onde brincavam, as mulheres conversam em tom sério e o idoso, que antes se sentava no banco, está saindo da casa com uma garrafa de bebida alcoólica. A cena roda mais uma vez e a mulher está enchendo uma piscina de ar para colocar no seu jardim, mas suas pernas estão cobertas de plantas já. A diferença desse momento é que a expressão da mulher mostra um certo vigor e fé na possibilidade de montar a piscina com rapidez, como se tivesse uma oportunidade de ultrapassar seus vizinhos. Quando vemos o gramado do vizinho, temos um homem morto, crianças em oração dentro da piscina e mulheres em oração em frente à casa. Na cena seguinte vemos a mulher sozinha já tomada até a metade pelo gramado e ainda sim fitando o gramado vizinho. A cena roda mais uma vez a vizinha está com os amigos varrendo seu quintal até que vê que sua vizinha virou planta e vai para lá e se senta em sua piscina de plástico. A leitura pode ser confusa, mas continue comigo. A intenção era dizer que a grama do vizinho é sempre mais verde e que isso pode te distrair de cuidar da sua grama. No início do vídeo, a mulher está cuidando de sua fachada quando se distrai com o modo de vida de sua vizinha e a partir desse momento começa a ser tomada pela grama, que é verde e em inglês existe uma expressão popular que faz alusão a cor verde como sendo a cor da inveja. Então essa mulher começa a invejar seus vizinhos focando nos pontos errados da vida deles, sem reparar que apesar de ela desejar a vida deles, eles também tinham momentos ruins e que seus momentos bons não estavam nas coisas que eles tinham, mas sim nas pessoas que estavam lá, visto que mesmo tendo uma piscina como a de seu vizinho ela não fica feliz e o próximo passo que sucede ela notar que não vai alcançar a felicidade com coisas, mas sim construindo relações em longas caminhadas com outras pessoas, é o fato de que quando sua vizinha vai até sua piscina e se senta, ela pode se mexer novamente.

Eu sei que tem uma ferida ou uma tatuagem na mão dela quando esse trecho chega ao fim, mas eu não consegui entender bem o que aquilo seria, então não interpretei essa parte.

O recorte do filme que corresponde à essa música é muito inteligente e é organizado quase que para enviar uma única mensagem:

A mulher negra carrega e opera a máquina da sociedade, ou sistema.

Como a gente consegue chegar a essa compreensão? Muito simples, a idealização afrofuturística que é prenunciada no interlúdio anterior nos mostra o que posteriormente se revela como uma mulher vestida com trajes tradicionalmente utilizados por personalidades marcantes dos guetos americanos, as strippers. Então, essa mulher preta está operando o maquinário como se o estivesse regulando e ela aparece fazendo isso, tanto em pé, quanto agachada, uma posição que remete novamente a profissão. Dessa maneira vemos uma mulher que estereotípicamente corresponderia a uma stripper sendo a responsável por fazer a máquina funcionar e mesmo estando por trás dela você conseguia enxergar ela pela janelinha, por exemplo.

Dessa maneira, é possível compreender que a intenção dessas cenas era meio que dar o crédito as mulheres pretas que fazem tudo que está a seu poder para se manterem vivas, as vezes apelando para a profissão de stripper e mostrando como ao fazer isso essas mulheres movimentam a economia e dão lucro para outras pessoas enquanto dão alívio sexual para homens que geram lucro para  a economia, ou seja, essas mulheres estão nesse momento , exatamente na base da sociedade, pois todos a exploram e seu lucro é o único que não é visado na relação.

Logo em seguida, você vê essa única mulher carregando esse maquinário pelo deserto por uma longa estrada e chegando ao final, diversas outras mulheres pretas a encontram, como se ela tivesse trazido todas as mulheres pretas ao lugar onde chegaram, de maneira bastante metafórica.

Agora sobre a música, temos uma participação do produtor Metro Boomin falando “Hold Up” o que vai ser a base da batida da música. A letra começa falando sobre alcoolismo na comunidade, depois ela fala sobre a questão das mulheres trabalhando no chão ou na pista fora da cidade, dando a entender a questão da vida de stripper e eventualmente ela fala sobre a maneira como recebe o criticismo das pessoas. Essa última parte tem uma conotação que algumas plataformas descrevem como uma vingança física, mas eu interpretei pelo lado da comunidade. Isso porque o álbum inteiro é sobre a relação dela com a sua comunidade, logo não faria sentido ela mudar o propósito da sua argumentação para direcionar para uma pessoa, sua violência física.

Eu entendi que as críticas que são feitas contra ela retornariam como uma crítica feita a própria comunidade ou ao próprio estilo de vida da pessoa. No caso, sendo uma pessoa preta, ao criticar alguém que faz um trabalho que celebra a essência da população preta no país, você critica a si mesmo. Beyoncé que teve a mesma criação de Solange diz em diversas músicas como lida com críticas e ofensas pessoais:

“Always stay gracious best revenge is your paper”

“My sister taugh me how to love my haters”

“When you hurt me you hurt yourself”

Isso me levou a crer, que apesar de serem muito diferentes, talvez compartilhem essa compreensão de mundo.

Então essa música, eu compreendo como falando do ciclo vicioso da comunidade: Os homens estão cansados e estressados pois são explorados e vão aliviar a tensão com a mulher preta trabalhando na boate de stripper. Depois esses mesmos homens saem de lá e criticam outras mulheres por se comportarem ou se vestirem como as mulheres que aliviam ele a noite.  Logo em seguida, passam o dia sentindo o peso da exploração novamente para retornar à boate e seguirem o ciclo.

A primeira coisa que você vai ouvir e ver nesse momento tanto do curta quanto no álbum é esse trecho de uma filmagem amadora do grupo Crime Mob, com duas de suas vocalistas Princess e Diamond. Elas estão meio que brincando de entrevista dentro desse carro a caminho de algum lugar que a filmagem não revela, mas que faz todo sentido que seja para o trabalho delas depois de Way to the Show. A origem do grupo não é relevante pois tudo indica que eles são de Atlanta e não de Houston como outras referências que Solange tem utilizado até agora para suas samples. O que vai acontecer nesse vídeo é justamente essa brincadeira entre garotas, em que elas duas fingem não se gostar e fazem perguntas indiscretas umas para as outras e é aqui que você vai ver Solange cruzando novamente o feminismo pulsante do álbum com o black power inerente a sua condição no país.

- Então você está saindo com alguém? (Princess)

-Posso segurar o microfone... (Diamond)

Diamond não fala de sua vida romântica, ao contrário ela faz um anúncio acerca de sua carreira e lançamento de disco e finaliza dizendo que isso é tudo que ela vai dizer. Isso é muito interessante porque apesar das mulheres na indústria se provarem mais capazes que os homens e serem as menos envolvidas em escândalos sexuais e românticos - Solange inclusa por conta de seus problemas familiares com o cunhado, filho e divórcio – sempre parecem ser reduzidas à suas vidas amorosas e escolhas de figurino sendo as mais cobradas e criticadas quando homens brancos passam com qualquer comportamento e tem defensores vindo de todos os cantos. É isso que ela quer questionar quando ela costura o interlúdio com seu pequeno monologo, ou seja, quando as pessoas perguntam sobre pequenos pontos de sua vida pessoal resumindo ela a essas expressões de sua vida.

“Muitas partes, muitos espaços, muitas manifestações, muitas linhas, muitas curvas, muitos problemas, muitas jornadas, muitas montanhas, muitos rios, muito.”

Dessa maneira, Solange fala que não é apenas cantora, não é apenas escândalo, não é apenas sua doença e seus problemas e com montanhas e rios ela mostra que tem seus desafios pessoais e seus objetivos, finalizando com esse “muito”, para expressar o inexpressável como sua subjetividade, da qual, como mulher negra ela foi privada de expressar livremente. Ela deixa bem simples de se entender, o porquê desse álbum ser tão rico de manifestações artísticas englobando tudo o que a inspira, tudo que ela imagina em fotografia, arquitetura, falas, músicas, sons diversos e tempos próprios dela.

Dadas as outras maneiras que eu escolhi interpretar as diversas obras desse álbum, talvez essa seja a mais decepcionante de todas, mas fique comigo para ver se você consegue compreender essa simplicidade de maneira a entender também o nível revolucionário que ela guarda.

A letra da música em si, tem pouquíssimas referencias específicas, mas tem algumas frases que tem um aprofundamento interpretativo que eu vou me debruçar assim que as referencias forem explanadas. De acordo com a letra constante na plataforma Genius, Solange está fazendo referência a essa técnica que é bem popular em Houston e que nada mais é que a metalização da pintura dos carros. Não é uma mera tinta com aspecto metalizado, mas uma capa que se coloca acima de qualquer cor, como se fosse uma cobertura de glitter no esmalte do carro e que meio que se mistura com a cor anterior dando esse efeito metalizado bem bonito, para ser sincera. Eles deram um nome para os carros com essa customização associada a outros acessórios como “swangas” (acessório na calota, que projeta astes de metal em paralelo ao chão) são os SLABs (Slow Loud And Bangin). Essa pintura é associada à tradição hip hop de Houston e é referência ao longo da música inteira quase que de maneira erótica.

Note que ela fala sobre a pintura estar até o chão, dizendo logo em seguida que as portas estão abertas. Ela também fala que quando chegar a hora seu interlocutor pode lamber o chão, fazer falar e ser conhecido por fazer chover como um deus. Solange convida quem quer que seja para entregar tudo para o carro, e as frases seguintes dão a entender que quando a coisa bater ela não vai se importar (I’ma ball). Seja lá o que for essa coisa, ela repete na letra da música e isso é realmente difícil de decifrar, mas tudo indica que ela está falando de um orgasmo. Nesse contexto a sexualidade que ela explora de maneira casual, no caminho para o show que no caso dela é o trabalho, nada mais rotineiro não é mesmo? Já o carro customizado se mostra uma metáfora para ela mesma. A pintura candy paint reforça suas raízes de Houston e as portas abertas são insinuações para sua vida sexual despreocupada e casual. A parte revolucionária disso é justamente observar como ela vai inserir um tema profundo do debate feminista em geral, que é a liberdade sexual da mulher, e a maneira dela retratar isso sem se desgarrar da raíz do álbum, que todos nós já estamos carecas de saber que é Houston.

O que acontece no filme a essa altura, é apenas uma reafirmação dessa sexualidade, com cenas seminuas dela com um cabelo bem longo, outras cenas em que ela está de lingerie em cima de uma cela de cavalo (cavalgando) e mais a cena em que ela está de bota de cobra com as pernas abertas juntamente com suas companheiras todas dançando de maneira sensual. O que tudo isso quer dizer? Solange está manifestando a liberação sexual da mulher preta e nesse manifesto ela equipara a discussão feminista com a discussão racial. Tópico que os movimentos interseccionais e mulherista desenvolvem com maestria.

Você conhece a história de Aaliyah? Não? Pois deveria, porque o título dessa faixa de When I Get Home é uma referência direta à falecida cantora, visto que é a única música no mundo R&B e POP com exatamente o mesmo título e exata grafia. Repare também como não existe essa frase na música e como não é a primeira vez que Solange nomeia uma faixa desse álbum com um título pouco condizente com o que é dito na música. De maneira geral e de acordo com a plataforma Genius, essa música chama atenção para os cidadãos de Houston que ficaram ricos e esqueceram de suas origens, dizendo coisas como; a gente estava “colado contigo” - em uma tradução bizarra e improvisada. A música segue no sentido de diversos questionamentos e cobranças rememoradas do passado. É possível notar que ela vai caminhar devagar, no sentido verbal, valorizando a repetição do refrão “down with ya”. Observe que desde a primeira estrofe ela inicia com essa rememoração, mostrando que ela e seus irmãos afundavam e se deliciavam em sua jornada. Na terceira estrofe ela evoca tempos de uma diversão conjunta, uma conexão de destinos, que logo em seguida ela direciona para sua cobrança, trazendo a discussão pro nível da cor da pele(etnicamente falando) “Brown and brown”, como se estivesse fazendo a cobrança de retornar pra sua comunidade porque o seu sucesso é fruto da cooperação entre pretos. Ela finaliza a estrofe com dois questionamentos; o primeiro deles é algo próximo de “quais partes de quem você é foram construídos nessa comunidade?”  e o segundo questionamento é se você vai conseguir enxergar essas partes.

Existe uma citação de  Bas'Ilele Malomalo sobre a filosofia Ubuntu (palavra derivada de três dialetos Bantu, Zulu e Xhona) que diz que “eu sou, porque nós somos”.

Nesse momento o filme é quase que absoluto para essa compreensão visto que a coreografia é extremamente literal no que concerne a letra. Você vê blocos de pessoas pretas andando em conjunto como se estivessem marchando em um mesmo batalhão, tudo isso com um prédio de escritórios enorme como pano de fundo, muito provavelmente fazendo a cobrança In Loco. É no fim dessa cena e transição para a próxima faixa que ela retorna para a marca registrada do cd, os cowboys pretos. Eles são majestosos, andam pelas ruas de casas em paralelo com os carros, rodeiam o perímetro em que as coreografias são executadas, aparecem parados e encarando a câmera de uma penumbra, são seres que habitam a cena de maneira a pouco afetar o sentido da cena, mas se mostram como protetores ancestrais da população preta, o que faz todo sentido após uma música que cobra ações de retorno à comunidade preta de Houston.

Okay, e o que tem a ver Aaliyah com todo o resto? Bom, com pouca pesquisa você pode encontrar no Urban Dictionary o significado de “Clique”. Ao contrário do que parece, essa palavra significa o equivalente a panelinha. Só que não exatamente uma panelinha por si só, é algo com identidade coletiva ligada a estética e arte consumida, que evoca estereótipos, muitas vezes negativos (emos, punks, patricinhas e atletas). Na música de Aaliyah ela deixa muito explicito a quem ela deve a lealdade dela, sendo o clipe composto apenas por pretos e com estética HipHop bastante presente. Note que o clipe de Aaliyah se passa em quadras de basquete e com bandanas o que pode ter ou não referência à uma lealdade similar à de um membro de gang. Outro ponto interessante, é que o lema de Aaliyah era “Sweet but Street”, o que mostra essa devoção às suas origens. Aaliyah foi um sucesso infantil como Solange e as Destiny’s Child, aos 15 anos de idade se destacava na cena R&B e Hip Hop, entra em um relacionamento controverso com o cantor R.Kelly (Sendo a primeira esposa menor idade do cantor) e morrendo ainda muito jovem (aos 22 anos) em acidente de avião nas Bahamas. Babygirl, como era apelidada pela indústria, era de NY, então não existe aqui uma conexão geográfica com Solange, apenas ideológica e de trajetória.

A segunda faixa é um interlúdio e a essa altura você já deve ter notado que o álbum inteiro é recheado de interlúdios e isso vem desde a produção anterior então isso não é novidade para Solange. Também chamados de “Samples” ou amostras,  em A seat at the Table nós tinhamos albuns fabricados pela própria Solange, o que não existe nesse album. Os interlúdios não são fabricados,  trazem referencias sutis à origem, passado e infância da cantora. Essa segunda faixa está remixando um trecho da poesia “On Status” do livro de versos, Spice Of Dawns, escrito por Vivian Ayers Allen (com nominação para o prêmio Pulitzer) interpretada por suas duas filhas Debbie Allen e Phylicia Rashad. Na poesia, Vivian fala de uma garota que sai de sua cidade natal porque achava que era caipira, na poesia ela embarca um trem dando adeus a essa realidade. Na sequencia ela fala que se emociona pois estava indo para uma idade onde os prédios, as vidas e os corações eram maiores, enquanto o povo de sua cidade permanece trabalhando e com a única chance de crescimento vinda do solo. A poesia segue e a garota por muito tempo, conseguia acreditar nos motivos que se dava para se afastar de sua cidade, nesse momento não conhecia estresse e  ousou a escrever menos para o seu povo. De que te servia esse povo ultrapassado?

 É em um dia quieto que ela se encontra confusa, com muitos problemas e ninguém para conversar. Seus dilemas eram só seus, seu pai não te aconselharia e ninguém te mostraria gentileza. É assim que ela descobre seu status, ela era uma barata(socialmente falando, lembrando hoje nos estados unidos eles chamam imigrantes latinos de baratas). Nesse momento entra a segunda fala da amostra que Solange explora no interlúdio, Vivian escreve que agora seu coração não conhece nenhum deleite.E daí se sua cidade natal não tinha prédios, arranha céus e baladas, era sua casa? o povo era quente (warm) e o mais importante, ela pertence.

“It’s home, the folk are warm, and most of all,I belong”

É impossível, passar por todo o poema sem enxergar a intenção da cantora com a utilização dele especificamente. Senso de Lar e Pertencimento permeiam a obra audiovisual de Solange e ela aborda isso de maneira essencialmente preta e irrevogavelmente intelectual. É compreensível agora, o recorte que Solange faz?

“And now my heart knows no delight/I boarded a train/Kissed all goodbye”

Ela quebra a linearidade dessa poesia e mostra como a escrita inspirou a obra do álbum, talvez ainda essas três frases, contando como sua trajetória ocorreu. Na mesma entrevista já citada aqui, Solange conta para Trevor Noah que ela era backup dancer para as Destinys Child e que isso causou nela uma noção de ausencia de Lar(Home) e ,mais uma vez, a jornada do álbum cruza com a jornada de Homecoming de Beyoncé. Ambas tratam da experiencia com as Destinys child, quando questionadas sobre a fundamentação inspiracional das construções artísticas e ambas falam que essa experiencia trouxe privações tanto quanto ensinamentos. O trecho apresentado em si, é trazido de um especial de TV de 1987, “Superstars and Their Moms” onde as filhas de Vivian surpreendem sua mãe com essa poesia interpretada por ambas, em conjunto com a música de fundo que está sendo tocada pelo filho de Vivian. Apesar de terem versões mais longas e lineares dessa performance, normalmente apenas por uma das filhas da escritora, Solange faz questão de utilizar a única que se passa na narrativa da maternidade preta, dentro de um museu e isso retorna para o esforço artístico do álbum mesmo que não intencionalmente. O nome do interlúdio é uma referência a uma rua de casas em Houston, Saint Mc Gregor Way, não é aonde ela cresceu, mas é a rua onde as filhas de Vivian Allen cresceram, segundo a plataforma Genius. 

É muito importante iniciar a análise com o fato de que Solange lança o álbum no dia 28 de Fevereiro de 2019 no último dia do mês Black History Month. (Sensei Aishitemasu). Além disso, seria uma coincidência ou um paralelo entre When I get Home e Homecoming (Beyoncé)?

*Things I imagined

A primeira frase é repetida diversas vezes, mostrando que todo o álbum é algo que ela vê e a versão que ela imaginou do que ela viu, no caso todo o álbum vai ser trabalhado na visão dela das cenas, lembranças e sons que ela expressa. A progressão da faixa flui como uma introdução do álbum e nota-se a adição gradual de novos sons ao longo da repetição da primeira frase, crescendo até mudar. A segunda frase que ela vai repetir na música é Taking On the Light (assumindo a luz) tem duas maneiras de compreender isso, por um lado esse é o primeiro álbum em que Solange mergulha intensamente no experimentalismo e no sentido ambíguo de suas letras e imagens, apesar de “A seat at the Table” ter marcado essa mudança de tom na obra da cantora, “When I get home” é muito menos literal do que o álbum anterior, ou seja, é muito mais figurativo e muito mais experimental, como se o álbum anterior fosse uma fase transitória testando o território para esse álbum atual. Outra maneira de interpretar isso, é casar isso com a experiencia fílmica do álbum, onde é possível ver diversos indivíduos pretos adentrando uma estrutura de rodeio e ocupando o centro ou seja ocupando a luz da cena, o holofote da cena. E é muito importante ressaltar a cor da pele dessas pessoas pois intencionalmente ela vestiu essas pessoas com roupas que combinam quase que majoritariamente com seus tons de pele em contraste com a estrutura branca do espaço em que entram. Um ponto que vai ser conceito principal na obra é a repetição com acréscimo de efeitos sonoros como herança própria da cantora que pode ser notada no vídeo que ela liberou sobre seu processo criativo para o álbum anterior ao atual.

Beginning Stages - A look into Solange’s songwriting process & jam sessions that shaped ASATT

Nesse Vídeo muitos dos sons que são mostrados não adentram as faixas, mas no álbum atual temos a utilização da progressão criativa da cantora nas faixas o que inclusive a descrição do vídeo no canal da cantora confirma.

“A Seat At The Table, Beginning Stages" is a look at the early days of Solange's songwriting, jam sessions, experimentation, collaboration, and the exploring of sounds and ideas for the album. While some of the jam sessions featured did not make the album, they helped to create and identify the sonic tone, and the early lyrics and concepts Solange wrote for the project. Filmed between Long Island, New Orleans, and New Iberia...take a peek of the journey above.”

Solange Knowles - Expressing a Sense of Belonging on “When I Get Home” | The Daily Show