Je passe trop de temps sur Internet

Les informations mineures

Déjà, avant d’entrer dans le vif du sujet, les « petites » news, que je vais commenter rapidement.

La première chose que j’ai remarquée en parcourant en diagonale le communiqué de presse, c’est le passage mentionnant Pokémon Soleil et Lune (Pokémon SEL, comme j’aime l’appeler) ; rien de particulier, si ce n’est cette mention : « For Nintendo 3DS, we will release Pokémon Sun/Pokémon Moon globally in winter of 2016 (holiday 2016 in the U.S. and late 2016 in Europe). » Ça a l’air de rien, mais le simple fait qu’ils différencient « holiday 2016 » et « late 2016 » me donne l’impression que la « sortie mondiale » de Pokémon SEL se fera probablement à quelques semaines d’intervalle… Et je dois dire que ça me fait un peu chier. J’espère qu’on n’aura pas à passer un mois à esquiver les spoilers sur le net.

On a aussi eu la confirmation de deux nouveaux jeux sur mobile : un Animal Crossing et un Fire Emblem. Ça, je pense que tout le monde est au courant, vu comme Nintendo France a tweeté l’info quatre fois depuis ce matin. La seule incertitude reste si les jeux sortiront sur mobiles et tablettes ou sur appareils intelligents. Blague à part, ce ne sont que des noms, et un Animal Crossing et un Fire Emblem sur mobile peuvent ressembler à virtuellement n’importe quoi. On jugera quand on y arrivera, mais personnellement j’accueille ça avec un esprit ouvert ! Chose intéressante à noter, le jeu Animal Crossing semble aller de pair avec un jeu dédié sur console. Donc, nouveau Animal Crossing sur 3DS ? Sur Wii U peut-être ? Ou bien ça arrivera sur NX plus tard ? Et puis, épisode classique, spin-off ? Ça peut être cool comme ça peut être décevant (cf les deux derniers spin-offs qui ont beaucoup déplu), mais tant qu’on n’en saura pas plus je ne me prononce pas. J’attends d’en savoir plus !

Bien, maintenant que c’est mis de côté, passons à la vraie grosse info de la journée, mais que je case quand même dans cette introduction « petites infos », car il n’y a paradoxalement pas grand-chose à dire dessus : la NX. C’est confirmé, elle sortira en mars 2017. Les nombreuses rumeurs indiquaient une sortie en grande pompe cette fin d’année, ça sera finalement pour plus tard. Sans doute pour se constituer un line-up de lancement plus conséquent. Est-ce que ça discrédite pour autant ces rumeurs dans leur totalité ? Impossible de le dire. En attendant, ça ne change pas grand-chose pour nous, les joueurs ; que la console sorte en novembre ou en mars, au final, vu qu’on ne sait absolument rien dessus, il n’y a pas vraiment de raison d’être impatient. Et puis, la Wii U a encore de beaux jours devant elle, avec Tokyo Mirage Sessions (<3), et, euh, Paper Mario… et… mh.

Le nouveau Zelda

Il y avait un jeu que j’attendais particulièrement, c’était le nouveau Zelda. Contrairement à certains fans en colère que j’ai pu voir ce matin, je n’ai pas acheté ma Wii U pour ce jeu (je l’avais achetée pour Hyrule Warriors, et je ne regrette pas <3), mais malgré tout c’était le jeu que j’attendais le plus cette année sur Wii U, même devant Tokyo Mirage Sessions. J’ai été intrigué par les premières images à l’E3 2014, j’ai été impressionné et conquis par les images montrées aux Game Awards, … et puis plus rien. Le silence total. Une annonce d’un report. Bon, ça sera pas pour 2015, pas grave, l’an prochain alors. Un nouvel extrait de 10 secondes lors d’un Nintendo Direct avec une confirmation que cette fois c’était bon, ça serait pour 2016, pour les 30 ans. Cool. Puis plus rien pendant des mois.

Au début, ce mystère, cette absence d’information me plaisait bien. Je m’intéressais aux analyses, aux théories, aux idées des fans qui s’imaginaient à plusieurs comment pourrait être le nouveau Zelda idéal. Les dernières rumeurs sur le jeu, et en particulier la possibilité qu’on puisse choisir de jouer un Link garçon ou une Link fille dans cet épisode m’enchantaient. J’avais même fini par accepter ce qui était devenu une évidence, que le jeu sortirait sur Wii U et NX simultanément, alors que je n’y croyais pas du tout au départ.

Et maintenant que le jeu s’est fait reporter une nouvelle fois, et que la sortie sur NX a été confirmée dans la foulée ? Ça ne me fait presque rien, en fait. Je n’irai pas jusqu’à dire que j’ai perdu toute ma hype pour ce jeu, mais on a tellement été habitué à ce manque d’informations que le jeu est un peu devenu comme un fantôme. On sait qu’il existe. On sait qu’il réapparaîtra au détour d’un Nintendo Direct dans X mois ou bien à l’E3. C’est d’ailleurs ce qui va se passer, il sera à l’E3. Et comment qu’il va y être, ça sera même le seul jeu ! Mais je reviendrai là-dessus plus tard.

En fait, je m’en rends compte maintenant, je n’étais même pas impatient pour le jeu en lui-même : j’étais tout simplement impatient d’avoir des infos sur le jeu. Des détails. Des images. Un titre. Quelque chose qui, ensuite, me permettrait d’être réellement impatient pour le jeu en lui-même. Donc au final, que le jeu sorte quatre mois plus tard, ça ne change rien. Ce qui importe, c’est qu’on découvrira le jeu lors de l’E3 comme prévu. J’attends cette découverte avec autant d’impatience et d’excitation qu’avant, aucun changement de ce côté.

Ce que je n’apprécie pas, en revanche, c’est la justification de ce report. Pour soi-disant améliorer le jeu, le peaufiner. Pour permettre une sortie simultanée avec la version NX, oui. Lors du premier report du jeu, aucune date n’avait été donnée. Ça allait juste être « pour plus tard », clairement pas en 2015. Puis quelques mois après, ils reviennent et annoncent en grande pompe que le jeu arrivera en 2016, que ça fêtera les 30 ans de la série, qu’il y a déjà un amiibo de compatible. Et finalement, aujourd’hui, fin avril, il se rendent compte qu’en fait non, ils ne seront pas prêts pour la fin d’année ?

Ça me semble évident que le jeu aurait parfaitement pu sortir cette année sur Wii U. La seule raison pour laquelle ils le repoussent, c’est pour pouvoir le sortir en même temps sur NX — parce qu’honnêtement, si le jeu sortait sur Wii U cet hiver, qui irait le racheter sur NX en mars ? Je comprends la logique derrière cette décision, mais ça me fait chier de me dire qu’un jeu potentiellement sortable cette année va devoir attendre dans un placard le temps que la NX soit dans les rayons.

Un autre point que je trouve dommage, c’est qu’on se retrouve du coup sans jeu pour le 30ème anniversaire. Cette année, on aura juste eu Twilight Princess HD, un jeu déjà sorti sur les deux précédentes générations de console, et un portage sur 3DS de Hyrule Warriors… qui, en y réfléchissant, fait un assez bon « épisode anniversaire », avec tous ses personnages, clins d’œil, et les DLC qui sont prévus tout le long de l’année et qui revisiteront d’anciens classiques comme Link’s Awakening. Dommage que cela se fasse sur 3DS, dans un spin-off sur 3DS, dans un portage d’un spin-off sur 3DS.

Du coup, il ne reste qu’une chose à faire maintenant, c’est attendre le Digital Event de l’E3… ou plutôt le Zelda Event, vu que Zelda Wii U sera le seul et unique jeu jouable lors du salon. J’ai encore du mal à y croire.

L’E3 2016

En plus de n’emporter dans ses valises que le nouveau Zelda, Nintendo a également décidé de ne pas dévoiler la NX lors de l’E3. Soit. On aura vite fait de critiquer « le marketing » de Nintendo, mais je suis certain qu’ils savent ce qu’ils font pour ce qui est de la NX. S’ils estiment que la console ne devrait pas être dévoilée à ce moment, c’est qu’il y a une raison. Peut-être qu’elle ne sera pas tout à fait prête. Peut-être qu’ils ont autre chose de prévu de ce côté. On n’en sait rien, donc je ne critiquerai pas cette décision.

La seule partie que je n’arrive vraiment pas à avaler, c’est que Zelda sera le seul jeu. Lors des deux derniers E3, la plupart des jeux annoncés lors du Digital Event étaient en démonstration sur place, et les visiteurs pouvaient s’y essayer. L’équipe du Treehouse était également présente toute la durée du salon et jouait, en live, du matin au soir, à tous ces jeux, avec parfois quelques infos croustillantes et des exclusivités. On avait même droit à des annonces en dehors du Digital Event, par exemple avec Smash (annonce de Pac-Man en plein milieu du salon en 2014, présentation avant le début de l’E3 en 2015) ou Code Name S.T.E.A.M. qui avait été dévoilé lors d’une conférence de presse privée, avant d’être montré le lendemain lors du Treehouse Live.

Cette année, on va avoir quoi ? S’il n’y a qu’un jeu en démo, qu’est-ce que Nintendo va pouvoir montrer pour assurer le spectacle ? Essayons d’imaginer l’E3 2016, en se calquant sur les deux précédents.

Premièrement, le show d’introduction. Ils pourraient relancer l’idée des World Championships de l’an dernier. Ça avait eu un franc succès, j’avais passé un excellent moment à le suivre et à le commenter avec d’autres fans sur Twitter. Mais sur quels jeux faire s’affronter les participants ? Mario Kart 8 est tombé dans l’oubli, Smash et même Splatoon, bien que toujours populaires, ne sont plus vraiment d’actualité, et on ne pourra pas avoir une finale digne de celle de l’an dernier sur Super Mario Maker. Et quand on regarde les jeux sortis sur Wii U et 3DS depuis le dernier E3, il n’y a pas grand-chose pour faire un championnat. Pokkén Tournament pour remplacer Smash ? StarFox Zero pour remplacer Splatoon ? Encore un match de Blast Ball, si les participants ne décident pas de boycotter le championnat à la simple évocation du jeu ?

À moins qu’ils nous sortent une énorme surprise de leur chapeau dans les semaines à venir, ça semble mal parti pour avoir un gros spectacle « pré-E3 », comme le tournoi Smash de 2014 ou les Championships de 2015. On part déjà sur un gros truc en moins.

On arrive ensuite au cœur du truc, le Digital Event. Un gros Nintendo Direct avec les principales annonces de jeux à venir. Quels jeux pourraient-ils montrer ? Il y en a un qu’on connaît déjà, la star de cet E3, le nouveau Zelda. Bande-annonce, images, explication des nouveautés, date de sortie, la totale. Ils nous doivent bien ça. Et après ? Quels jeux prévus cette année connaît-on ? Paper Mario Color Splash. Peut-être qu’on nous resservira du Federation Force entre deux interviews de développeurs à genoux pour nous supplier de les laisser faire ce jeu. Deux Dragon Quest que je vois difficilement apparaître, et puis le fameux Pokémon SEL.

Mais, vous vous souvenez peut-être d’une rumeur parue courant février, une personne qui avait mis la main sur le line-up complet de Nintendo of America pour 2016. Une rumeur qui semble être réelle, car elle indiquait la sortie pour cet été de Disney Art Academy bien avant qu’on n’apprenne son existence, et le nom de code du nouveau Pokémon était « Niji », un nom de code qui a été confirmé avec l’annonce de Pokémon SEL. Le souci, c’est que la rumeur annonçait une sortie fin 2016 pour la NX, ce qui est maintenant faux. La NX était-elle prévue pour 2016 à une époque avant d’être repoussée à 2017 (pour lui laisser le temps d’avoir plus de jeux prêts pour le lancement par exemple) ? Je pense personnellement que cette rumeur est suffisamment solide pour être crue, ne serait-ce que pour le line-up des jeux à venir.

Qu’est-ce que ce line-up nous apprenait ? Un unique nouveau jeu sur Wii U (qu’on connaît désormais : Paper Mario Color Splash), et plusieurs nouveaux jeux 3DS dont on n’a que les noms de code :

Caviar F (tous âges, petit budget)

Torte City (gros budget, tous types de joueurs et tous âges)

Cadillac (tous âges, petit budget, sortie en fin d’été)

N-Stars (gros budget, tous âges)

DMW2 (qu’on suppose être Disney Magical World 2)

Est-ce que Kirby: Planet Robobot est Caviar F ? Est-ce que Rhythm Paradise: Megamix se trouve là-dedans ? La 3DS semble avoir encore un peu de temps devant elle, donc de nouveaux jeux, cachés derrière ces noms de code, pourraient être annoncés lors de l’E3.

Mais quel est l’intérêt d’annoncer de nouveaux jeux… pour ne pas les montrer lors du salon ? Le fait que Zelda soit le seul jeu en démo est vraiment perturbant. D’un côté, je les vois mal faire une présentation vidéo dédiée uniquement au nouveau Zelda, d’un autre côté, je les vois tout aussi mal présenter plusieurs jeux et rentrer chez eux sans laisser personne les essayer. Ou alors, c’est qu’ils ont prévu de mettre toutes les démos sur l’eShop pour qu’on puisse les essayer partout dans le monde, comme avec les Nindies@Home l’an dernier. Ça n’arrivera sans doute que dans mes rêves les plus fous, mais qui sait.

Et vient enfin la troisième partie de l’E3, le Treehouse Live. Le problème est le même : à quoi vont-ils bien pouvoir jouer pendant 3 jours d’affilée ? Je doute que la seule démo de Zelda leur suffira pour tenir aussi longtemps. Est-ce qu’ils vont ressortir de vieux jeux comme Smash, Splatoon, Mario Maker ? Est-ce qu’ils vont montrer en exclusivité les nouveaux jeux annoncés lors du Digital Event et laisser les visiteurs se demander pourquoi cette console-là a toutes les démos et pas les modèles d’exposition sur le stand ? J’ai du mal à imaginer comment se déroulerait le Treehouse Live. Parmi comme c’est, soit il n’y aura pas de Treehouse Live, soit il n’y sera pas sous la forme que l’on connaît.

L’annonce de la NX

Pas de show pré-E3. Probablement pas beaucoup d’annonces dans la présentation principale, au mieux quelques jeux 3DS, le clair des nouveautés étant évidemment prévu pour la NX qui se profile à l’horizon. Et enfin, pas de Treehouse Live. Autant dire qu’il n’y aura pas d’E3, et que ce sera juste un « Zelda Direct » glorifié.

Du coup, je me demande si ce n’est pas intentionnel. Profiter de l’E3 pour se débarrasser du Zelda, des dates de sorties restant à annoncer, et éventuellement des deux-trois jeux 3DS qu’il leur reste sous le coude, et seulement après balancer l’artillerie lourde avec la NX. En clair, se servir de l’E3 comme un banal Nintendo Direct avec des annonces en vidéo et basta. La démo de Zelda serait uniquement là parce que, bah, c’est l’E3, et il faut bien qu’ils soient présents là-bas d’une façon ou d’une autre. Et après, seulement après, annoncer la NX, et les titres de lancement, en bonne et due forme.

On peut se demander, pourquoi ne pas avoir simplement fait un Nintendo Direct au mois de mai, et balancer la sauce avec la NX à l’E3 (ce qui aurait été bien plus kiffant de notre point de vue, je pense) ; mais encore une fois : on ne sait pas ce qui a poussé Nintendo à faire cette décision. Peut-être que la NX n’est juste pas totalement prête. Peut-être qu’ils ont pensé à autre chose. Peut-être que l'E3 c'est trop tôt pour une console qui sort en mars. On peut critiquer leurs décisions en termes de communication et de marketing, mais ils ne sont pas totalement incompétents non plus. Si l’annonce de la NX arrive après l’E3, il y a une raison réfléchie derrière cette décision.

Du coup, sous quelle forme se fera l’annonce ? C’est là que ça devient intéressant.

Déjà, on sait que la NX aura un nouveau concept. Je veux dire, c’est Nintendo, évidemment que la console aura un nouveau concept, ils ne peuvent pas faire une « simple » console de jeu. Un nouveau concept ne se montre pas, ne se vend pas uniquement en vidéo avec un Nintendo Direct. Il faudra que les gens puissent mettre la main dessus. Il faudra que ça soit physique.

Une idée que je vois revenir ce matin, et à laquelle j’adhère totalement, c’est simplement que Nintendo organise son propre salon, où ils dévoileraient leur nouvelle console, les nouveaux jeux, et où tout plein de démos seraient présentes. Ce n’est pas quelque chose de nouveau, ils faisaient déjà ça dans les années 90 et au début des années 2000 : le Nintendo Space World, où ont été dévoilées la Nintendo 64, la GameCube, ou encore la Game Boy Advance ; et même si Nintendo s’est concentré sur l’E3 à partir de 2002 pour dévoiler ses machines, ils ont refait des évènements similaires : le Nintendo World en novembre 2006, où la Wii était à l’honneur, avec des démos de jeux et des bandes-annonces, et un autre Nintendo World en janvier 2011 pour présenter la 3DS.

Donc, au fond, et si Nintendo n’allait tout simplement pas remettre le couvert et dévoiler la NX lors d’un Nintendo World 2016 ? La date tomberait bien, maintenant que j’y pense : 2006 -> 2011 -> 2016. La seule différence, c’est qu’au lieu de dévoiler la console à l’E3, puis lui consacrer un évènement quelques mois plus tard, ils dévoileraient directement la NX lors du Nintendo World. Et je les vois mal faire autrement : une nouvelle console, avec de nouveaux jeux pour son lancement (qui seraient déjà nombreux selon les rumeurs), ça doit être fait en live.

Peut-être bien qu’à ce moment, on aura un tournoi/championnat quelconque pour chauffer la foule avant les festivités, peut-être qu’on aura une vraie grosse présentation à suivre simultanément en ligne, et peut-être qu’on pourra retrouver les visages connus du Treehouse pour des journées entières de live sur les nouveaux jeux à venir sur NX en 2017. Si c’est ça, l’E3 serait alors juste décalé de quelques mois ; notre E3 privé à nous, pour les fans de Nintendo.

En conclusion

Zelda repoussé ? Ça fait chier de se dire que c’est pour ne pas marcher sur les plates-bandes de la version NX, mais au fond, j’attends plus les infos sur le jeu que le jeu lui-même, donc tant que la présentation du jeu à l’E3 est maintenue, ils peuvent repousser le jeu à 2020 et le sortir sur quatre consoles différentes, ça ne me fait pas grand-chose.

Rien d’autre que Zelda à l’E3 ? Je pense qu’on peut les prendre au mot, Zelda sera le seul jeu présent sur leur stand lors du salon, et il n’y aura qu’un petit Nintendo Direct avec les jeux 3DS de fin d‘année à suivre en ligne. Ils se réservent pour la suite.

L’annonce de la NX ? Dans le cadre d’un salon rien qu’à eux, un nouveau Nintendo World, avec la console, les nouveaux jeux en démo, et pourquoi pas avec la possibilité de suivre l’évènement en direct sur Internet.

Puzzle & Dragons (iOS/Android)

J'ai découvert l'excellent Puzzle & Dragons sur mobile en début d'année. Cela faisait des mois que ma petite amie Kay y jouait et m'en parlait, mais ce n'est qu'en février que je me suis lancé dans l'aventure. Un jeu auquel j'ai joué chaque jour depuis, et qui est certainement le jeu sur lequel j'ai passé le plus de temps ! Excellent mélange entre les match-3 à la Bejeweled et les RPG, au gameplay simple à prendre en main mais incroyablement complexe sur le long terme, Puzzle & Dragons déborde de contenu et propose tous les jours quelque chose de nouveau à faire, le tout en restant gratuit et sans qu'à aucun moment on ne ressente la moindre pression pour passer à la caisse. Un véritable modèle dont la majorité des free-to-play actuels devraient tirer des leçons.

The Legend of Zelda: Majora's Mask 3D (3DS)

Mon Zelda préféré, et ironiquement le moins "Zelda" de la série, Majora's Mask est un jeu inoubliable. Émotionnellement fort, aussi mystérieux et captivant qu'effrayant et déprimant, je me suis rarement autant investi dans un jeu et son univers, ses personnages, ses mythes. Ce remake sur 3DS, j'en rêvais depuis la sortie d'Ocarina of Time 3D, et il a dépassé mes espérances. Pour la première fois, j'ai pu finir le jeu à 100%, et découvrir des secrets qui m'avaient échappé il y a des années de ça, en partie grâce à un système d'indices très bien conçu, suggérant simplement une quête à résoudre parmi les dizaines de quêtes possibles, et aiguillant le joueur dans la bonne direction sans jamais dévoiler ce qui l'y attend. La gestion des sauvegardes, moins exigeante que dans l'original, et rendant les voyages dans le temps moins importants, est sans doute la seule chose qui m'aura déplu ; autrement, il s'agit là de la version ultime, la meilleure façon de vivre cette expérience unique qu'est Majora's Mask.

Azure Striker Gunvolt (3DS/PC)

Un jeu que j'ai d'abord pu tester dans sa version japonaise, et même sans comprendre l'histoire, j'ai tout de suite été conquis par ce jeu, qu'on aura vite fait de comparer à un Mega Man Zero, mais qui se démarque et innove avec un système d'attaque et de défense ingénieux reposant sur le principal pouvoir du héros : l'électricité. Invitant constamment le joueur à prendre des risques et relever des défis, on peut profiter de l'aventure en ligne droite ou augmenter la difficulté soi-même, ce qui est d'ailleurs nécessaire si on veut atteindre la vraie fin du jeu, qui demande de se séparer de l'objet (facultatif dès le départ) qui protège Gunvolt et de se rendre volontairement sans défense. Et à cela s'ajoute un univers, des personnages et une histoires captivants, qui m'ont tout de suite donné envie d'en connaître plus, et qui me font désespérément attendre la suite (déjà annoncée !) de ce petit chef d'œuvre. Keiji Inafune fait peut-être n'importe quoi avec Mighty No.9, mais avec Gunvolt, au moins, il ne s'est pas trompé.

Xenoblade Chronicles 3D (N3DS)

Le seul jeu exclusif de la New 3DS, et qui ne suffit malheureusement pas à justifier son existence. Je l'ai malgré tout acheté, histoire de découvrir enfin ce grand RPG dont tout le monde vante les mérites, et avec un format portable me convenant davantage que l'original sur console de salon. J'ai tout de suite été conquis par l'univers de ce jeu, en particulier sa grandeur. Les premiers pas à travers la colonie 9, avec sa musique dont chaque note appelle à l'aventure, m'ont immédiatement fait tomber amoureux de cette aventure futuriste au scénario qui s'annonce plein de surprises... Car oui, encore à ce jour, je n'ai pas fini le jeu, je ne dois même pas avoir atteint le quart de son histoire ; et même ainsi, si je devais arrêter d'y jouer définitivement, je serais satisfait de mon expérience. Car pas une seule minute de ce jeu n'a été ennuyeuse, chaque action effectuée dans ce Xenoblade étant une récompense en soi : outre les classiques (et très nombreuses !) quêtes apportant richesses et équipements utiles, l'exploration est grandement récompensée, les personnages gagnant de l'expérience pour chaque nouvelle zone de la carte découverte. Un système qui encourage l'exploration et donne une raison supplémentaire de voyager à travers ces interminables paysages majestueux et surréels, situés sur les corps de deux titans dont l'un d'eux est constamment visible dans le ciel, nous dominant et nous rappelant à quel point nous sommes insignifiants face à la grandeur de l'univers.

Shantae and the Pirate's Curse (3DS/Wii U/PC)

La série Shantae me faisait de l'œil depuis quelque temps déjà, mais ce n'est qu'avec la sortie de ce troisième épisode que j'ai pu m'y mettre. Différent de ses prédécesseurs car Shantae perd sa capacité à se transformer en animaux et utiliser leurs pouvoirs, The Pirate's Curse reste toutefois fidèle à la formule, remplaçant les pouvoirs magiques par des équipements de pirates, permettant de résoudre les énigmes de donjons n'ayant rien à envier à ceux des Zelda et accéder à de nouvelles zones dans des niveaux de plate-forme regorgeant de secrets et d'endroits à explorer. Tout est là pour donner un excellent Metroidvania, et assurément le meilleur jeu de la série, dont j'ai pu découvrir ensuite les autres volets, charmé par ses personnages hauts en couleurs et son humour irrésistible. Une très bonne série, dont j'attends le prochain jeu avec grande impatience.

Fire Emblem: Awakening (3DS)

Bien que je possède le jeu à peu près depuis sa sortie en France, ce n'est que cet été que j'y ai enfin joué sérieusement, en commençant une nouvelle partie (pour la troisième fois !), mais cette fois-ci en jouant en mode casual, afin que les personnages morts au combat ne meurent pas définitivement comme c'est la tradition dans les Fire Emblem. Les puristes me détesteront pour ce choix, mais cela m'a permis de profiter du jeu sans prise de tête et l'apprécier de bout en bout ! Longtemps effrayé par l'aspect tactical-RPG, j'ai malgré tout réussi à trouver mes marques rapidement, car Awakening possède un système de jeu accessible et simple à prendre en main. L'histoire est sympathique, sans pour autant être excellente, avec un énorme creux durant le second tiers du jeu que j'ai trouvé ennuyeux à mourir, mais réserve malgré tout quelques bonnes surprises, et se laisse suivre grâce à ses personnages attachants. Je me suis lancé dans ce jeu pour mieux découvrir Lucina, mon personnage de prédilection dans Smash Bros, et j'en ressors au final avec plein d'autres favoris, mon plus grand coup de cœur étant Tharja, que je regrette amèrement de ne pas avoir pu épouser avec mon avatar féminin. Du coup, j'attends avec impatience la sortie de Fire Emblem: Fates, où il sera possible d'épouser un sosie de Tharja tout en étant une fille, le combo parfait. Ah, et, euh, pour le scénario et le gameplay, aussi, bien entendu. Hem.

Shovel Knight (3DS/Wii U/PC/...)

Gros retour en arrière avec ce jeu qui aurait pu sortir dans les années 90 et passer quasiment inaperçu, mais qui s'est illustré dans le paysage du jeu indépendant avec une réalisation soignée, un gameplay maîtrisé, une difficulté dosée à la perfection, et un univers charmant plein d'humour. Shovel Knight est aussi bon que les gens le disent, et y jouer a été un régal de bout en bout. Je n'ai pas encore joué à l'extension Plague of Shadows, offerte gratuitement dans une mise à jour du jeu et permettant de refaire le jeu avec un autre personnage, et un gameplay totalement différent, mais il me tarde de m'y mettre ! Assez court si on le finit en ligne droite, le finir à 100% et découvrir tous ses secrets prend du temps, et ces mises à jour gratuites qui vont encore durer un moment, grâce aux nombreux "stretch goals" atteints lors de sa campagne Kickstarter, promettent d'avoir à terme un jeu au contenu conséquent, digne d'une grande production (des années 90), et pour un prix plus qu'honnête.

Super Mario Maker (Wii U)

J'ai longuement hésité à mettre ce jeu dans la liste, ne le considérant pas vraiment comme un "jeu", et la partie "jeu", justement, m'ayant terriblement déçu. Car oui, 99% des stages créés par la communauté sont terriblement mauvais, ne font preuve d'aucune créativité ni originalité, et quand il ne s'agit pas de niveaux automatiques sans saveur, il s'agit suivant que l'on joue en facile/normal ou en expert soit des niveaux sans structure où le seul semblant d'amusement se limite à foncer dans un tas de centaines d'ennemis en étant alimenté de dizaines d'étoiles d'invincibilité, soit des niveaux à la difficulté monstrueusement injuste, infestés d'ennemis, de pièges sadiques, et demandant des actions d'une précision surhumaine, des niveaux dont le seul but est d'enrager celui qui a le malheur d'y poser les pieds. Mais au fond, ce sont des niveaux que l'on aime détester, et je mentirais si je disais que je n'éprouve pas à certains plaisir à pester contre l'incompétence des game designers en herbe dont on croise les créations calamiteuses 99% du temps. Le dernier pourcent étant heureusement composé de bonnes surprises, de niveaux créatifs, qui font sourire, font passer un agréable moment le temps de quelques minutes, et inspirent à créer soi-même des stages de qualité dans l'éditeur, où j'ai passé le clair de mon temps avec l'espoir de donner naissance à des créations dont je serais fier. Si Mario Maker n'est pas un bon "jeu", ni même un jeu tout court, il permet de laisser libre court à son imagination et créer (presque) sans limite, et a marqué pour moi cette fin d'année 2015, à sa façon.

The Legend of Dark Witch (3DS/PC)

Un "vrai" jeu indépendant, dans le sens où il n'est pas créé par une équipe de vétérans de l'industrie rassemblés sous un nouveau nom. The Legend of Dark Witch est créé par une petite équipe qui jusque là n'avait développé que des doujin games Touhou, et on sent cet héritage dans ce jeu, sans grande ambition, pas aussi bien poli qu'un jeu à grand budget, au final assez simpliste, mais qui sent à plein nez la passion de ses créateurs. Dark Witch est un Mega Man-like, avec quelques légers soupçons de shoot'em up/bullet hell qui trahit ses premières inspirations, et un système de power-up diablement bien pensé qui fait tout le sel de ce jeu. Les monstres comme les personnages, tous féminins, sont irrésistiblement choupi-kawaii, mais cela cache un jeu impitoyable à la difficulté élevée, même en mode normal qui supprime tous les objets de soin ! Chaque erreur peut être fatale, et on finit par apprendre l'arrangement des niveaux et le pattern des boss coriaces qui nous attendent à la fin de ceux-ci, et la victoire n'en est que plus appréciable. Ce petit jeu n'est pas exempt de défauts, mais cet esprit doujin game le démarque des gros jeux indé kickstartés qui ont pu s'illustrer cette année, et ça a suffi à me conquérir. Ses développeurs sont des personnes adorables, la suite déjà sortie au Japon corrige la plupart des défauts du jeu et le sublime, et tout cela m'inspire bien plus que tout autre jeu indépendant du marché.

Undertale (PC)

Évidemment qu'il est dans cette liste. Entre ses fans les plus fervents pour qui le jeu est devenu une véritable obsession, et les haters chaque jour de plus en plus virulents, notamment depuis un certain sondage sur GameFAQs, impossible de passer à côté du phénomène Undertale, et je me devais d'y jouer pour savoir si tout cela, aussi bien la hype que la haine, était vraiment justifié. Résulte qu'au final, j'ai bien apprécié ce petit jeu, peu impressionnant à première vue, mais qui fait preuve d'une grande ambition. Le principal intérêt ludique d'Undertale repose dans son système de combat, qui est autant un RPG au tour par tour qu'un bullet hell, et certains combats de boss laissent totalement tomber le premier aspect pour devenir de véritables shoot'em up endiablés. Que l'on décide de mener le combat jusqu'au bout ou d'opter pour la voie de la gentillesse en épargnant l'ennemi, chaque combat est intéressant, car chaque monstre possède un pattern d'attaque unique, et une façon unique d'être épargnée demandant un minimum de réflexion. En dehors de cela, le jeu est assez banal, pour ne pas dire ennuyeux, avec une succession d'énigmes sans grand intérêt, quand on n'est pas simplement pris par la main pour en venir à bout sans effort, et qui semblent n'être là que pour meubler entre deux dialogues, parfois pénibles, très souvent drôles et mis en scène de façon surprenante avec les personnages clés de l'histoire, plus ou moins attachants quand on fait l'effort de les connaître. Mais ce qui fait la force d'Undertale, c'est son final, qu'il s'agisse de la fin standard ou de la vraie fin, qui rattrape un déroulement parfois lent et agaçant en apportant une conclusion satisfaisante à l'histoire et ses enjeux, et se permettant même de briser le quatrième mur de façon intelligente et justifiée par le scénario. Un jeu au final très intéressant, avec une grande rejouabilité (mention spéciale au mode "Genocide" qui transforme littéralement le jeu en mauvaise creepypasta) ; un jeu certainement imparfait et qui n'a rien inventé, mais qui n'a pas volé sa réputation et mérite qu'on y joue.

Voilà pour les 10 jeux qui ont marqué cette année 2015, chacun à sa façon, pour des raisons différentes. Plutôt que de parler de jeux que vous retrouverez dans absolument n'importe quelle liste, comme The Witcher 3, Bloodborne ou Rocket League, j'ai préféré parler de mon ressenti personnel, de la façon dont j'ai vécu cette année, un peu en décalage avec le reste des joueurs, mais en passant du bon temps avec des jeux de qualité. Il y a d'autres jeux dont je n'ai pas parlé mais qui auraient mérité une mention, comme l'excellent Splatoon, Little Battlers eXperience que j'attendais désespérément depuis des années, ou encore... Oh, allez, je peux bien parler de ce jeu.

Bonus : Sonic Adventure DX

The Legend of Zelda: Majora’s Mask, sorti en 2000 sur Nintendo 64, suite directe d’Ocarina of Time, et l’ultime jeu de ce calendrier. Que de chemin parcouru pour en arriver là ! Ce n’est pas forcément mon jeu préféré, le “numéro 1″ (j’aurais plutôt tendance à donner ce titre à Kid Icarus Uprising), aussi le fait qu’il se trouve à la toute fin de ce calendrier n’indique rien.

Majora’s Mask est un Zelda assez particulier. En fait, si vous vous souvenez de mon article sur son prédécesseur, Ocarina of Time, j‘ai utilisé deux termes bien différents pour qualifier les épisodes de la série : le meilleur épisode, et mon épisode préféré. Deux notions qui s’entrecoupent souvent, mais qui sont bel et bien différentes. Le meilleur Zelda, celui que j’ai le plus aimé, qui a apporté la meilleure expérience de jeu Zelda, c’est soit The Wind Waker, soit A Link Between Worlds (voire tout simplement les deux à la fois, tant les Zelda 3D et les Zelda 2D peuvent être différents) ; mais mon Zelda préféré, le jeu qui m’a le plus marqué, qui occupe la place la plus importante dans mon cœur de joueur, c’est celui-ci. Majora’s Mask.

Dans cet article, je ne vais pas vous présenter le jeu — comme pour Ocarina of Time, je pense que vous le connaissez déjà, et si ce n’est pas le cas, je vous l’explique en une phrase : un Zelda où il faut sauver le monde en moins de trois jours, au bout desquels la lune s’écrase sur la terre, avec la possibilité de remonter le temps à volonté en cas de besoin. Plutôt que de vous présenter le jeu, je vais plutôt vous expliquer pourquoi Majora’s Mask m’a autant marqué.

Cet article contiendra donc quelques légers spoilers sur l’histoire, mais ce seront sûrement des choses que vous connaissez déjà sur le jeu ou aurez vaguement entendu parler. Au pire, je pense pouvoir me permettre de spoiler un jeu vieux de 15 ans, surtout qu’entre l’original sur Nintendo 64, les portages sur GameCube, Wii, Wii U, et le remake sur 3DS sorti en début d’année, vous n’avez aucune excuse pour n’avoir jamais fait ce classique !

S’il y a bien une chose que l’on connaît de Majora’s Mask, c’est sa lune. La célèbre lune de Majora’s Mask, cet énorme astre doté d’un visage effrayant, qui flotte au-dessus de Termina et menace de s’écraser à l’issue du compte à rebours de 72 heures qui vous suit tout au long du jeu. Aube du premier jour - 72 heures restantes. Aube du deuxième jour - 48 heures restantes. Aube du dernier jour - 24 heures restantes. On connaît tous la chanson. Mais au début du jeu, les choses sont différentes...

Quand j’ai découvert Majora’s Mask, c’était comme pour Ocarina of Time par le biais de la compilation Collector’s Edition. Tout ce que j’avais, c’était un menu de sélection pour lancer le jeu. Je n'avais vu aucune bande-annonce, lu aucune information sur le jeu (pas même le mode d'emploi !), je me suis lancé à l'aveugle simplement parce que j'avais vaguement apprécié ma première partie sur Ocarina et qu'il semblait être similaire. Alors à quoi ça ressemble, Majora's Mask, quand on n'est pas au courant pour la lune ?

Link se fait dérober son Ocarina du Temps par Skull Kid, l'antagoniste du jeu, avant d'être transformé en peste Mojo par ce dernier. Accompagné de la fée Taya, il arrive dans la ville de Bourg-Clocher, et rencontre l'énigmatique vendeur de masques, qui lui propose un marché : s'il parvient à récupérer son ocarina et qu'il le lui apporte, le vendeur pourra lui redonner sa forme humaine. Mais il doit faire vite : dans trois jours, le vendeur aura quitté la ville. C'est à ce moment que l'inoubliable compte à rebours commence. Aube du premier jour - 72 heures restantes.

Quand on commence à jouer, on ne nous balance pas tout de suite à la figure que la lune va s'écraser, qu'il faut réunir quatre géants, et qu'on a trois jours pour finir le jeu. Il y a tout un premier acte, où la seule mission que l'on a est de retrouver l'ocarina pour redevenir humain avant que le vendeur ne parte. On ne nous explique pas tout de suite à quoi correspond le compte à rebours, ni pourquoi il sera trop tard le 4ème jour à 06:00. On sait juste que notre seul espoir est ce vendeur de masques, et qu'après 72 heures, il aura disparu.

Alors bien sûr, en se baladant dans les rues de Bourg-Clocher, on ne manquera pas de remarquer la lune (un truc aussi gris et aussi improbable, difficile de la manquer !), on aura par moments l'impression qu'elle a bougé, et on entendra peut-être les villageois avoir des discussions au sujet de cet astre qui confirmeront nos suspicions. "Elle a encore grossi..." Quelque chose se trame avec cette lune, et si on est resté jusqu'à la fin de l'animation de l'écran-titre, on a pu voir Skull Kid l'observer avec insistance. Il va donc, à un moment ou un autre du scénario, se passer quelque chose autour de la lune. Mais quoi ?

Peu importe. Notre priorité, c'est de retrouver Skull Kid. Commence alors une chasse à travers la ville, rythmée par les rappels incessants de Taya qui nous tient au courant du temps restant, et la piste nous mène finalement au sommet du clocher, après avoir vu dans un télescope le lutin se dandiner là-haut. Comment y accéder ? Après enquête, on apprend que le sommet du clocher n'est accessible aux visiteurs que le dernier jour à minuit. Génial.

Alors on attend désespérément le bon moment, on passe le temps. Le dernier jour arrive. La ville est étrangement vide, où sont-ils tous passés ? La musique est la même que celle du premier jour, mais un peu plus rapide et un peu plus inquiétante... mais c'est simplement parce que le temps presse, hein ? Par moments le sol se met à trembler. On regarde autour de nous, tout semble pourtant normal. À part peut-être la lune. Est-ce qu'elle était vraiment aussi grosse quand on est arrivé ici le premier jour ? Qu'importe, le soir est déjà là. On jette un œil au télescope. Skull Kid est toujours là-haut, ouf. Mais il ne danse plus pour narguer comme avant, il est maintenant... immobile. Il tremble un peu. Il regarde dans notre direction.

On commence à se sentir un peu mal à l'aise.

Et si à ce moment, vous ne réalisez toujours pas ce qui est sur le point de se produire, arrivé minuit, le clocher s'ouvre et vous grimpez au sommet. L'horloge en bas de l'écran a changé et affiche maintenant le temps restant à la seconde près. Plus que 6 heures avant le départ du vendeur de masques. Mais est-ce vraiment la seule chose qui va se produire une fois que le compteur atteindra zéro ? La réponse nous attend là-haut. Alors qu'il ne nous reste que quelques minutes, Skull Kid se déchaîne, et la lune se met alors en mouvement. Le compte à rebours reprend. Nos craintes sont confirmées. Le vendeur de masques n'a pas choisi la date au hasard. Le 4ème jour à 06:00, la lune s'écrase sur la terre, et c'est la fin du monde.

Cette révélation est tellement bien amenée, de façon si intelligente, qu'en réalisant cela j'ai tout de suite su que j'allais adorer ce jeu. C'est un assez long prologue, mais c'est à mon sens la meilleure introduction jamais mise en scène dans un jeu vidéo. On a des doutes tout le long, dès la première fois où la lune croise notre regard, et plus on avance et plus ces doutes, ces craintes se confirment, deviennent une évidence, et arrivé aux derniers instants, on est envahi de désespoir.

Jusqu'à, bien sûr, avoir arraché l'ocarina du temps des mains de Skull Kid et obtenu le pouvoir de remonter le temps. On est alors de retour au premier jour, la lune est de retour à sa place, et le compte à rebours est réinitialisé. Sauf que cette fois-ci, il n'est plus question de retrouver le vendeur en moins de 3 jours. Dans 3 jours, le monde sera détruit, et il faut le sauver à temps. Le vrai jeu commence. Aube du premier jour - 72 heures restantes.

À partir de là, le jeu devient assez classique. On explore le monde, on résout des énigmes, on accède à des donjons, et on continue jusqu'à la fin du jeu. C'est, dans un sens, la partie la moins intéressante du jeu — la moins marquante, disons. Certes, le monde de Termina est unique en son genre, étant de loin le monde le plus étrange de la série Zelda, le plus sombre également. Les personnages sont aussi loufoques que déprimants, le ton alterne entre la comédie et le drame, les gags succèdent aux morts, les villages vivants et peuplés se trouvent au milieu de contrées désolées et dérangeantes c’est un curieux mélange entre folie et désespoir qui anime chaque recoin et chaque habitant de Termina.

Mais ce qui marque le plus, et c’est là où Majora's Mask se démarque des autres Zelda, c'est dans ses quêtes annexes. En effet, en plus d’explorer les donjons et avancer dans la quête principale, on pourra aider les différents villageois de Bourg-Clocher et autres habitants de Termina dans leurs malheurs, avec à la clé des fragments de cœur, des masques ou d’autres objets. Cela constitue la majeure partie du jeu, et l’aspect le plus marquant de cette aventure.

Link est un héros. Il sauve le monde, c’est son rôle. Mais pour la première fois, on ne se contente pas de juste sauver le monde — on sauve tout le monde. Ce peut-être le facteur, tellement dévoué à son métier qu’il n’arrive pas à fuir la ville le dernier jour, ou le chef d’une troupe d’artistes, aigri par le monde du spectacle, qui a perdu de vue son rêve d’enfant. Je n’irai pas jusqu’à dire que tous les personnages sont attachants (cinq mots : la main dans le grenier), mais rendre service à tous ces gens désespérés et voir leurs problèmes résolus fait chaud au cœur. Mieux, cela nous fait relativiser. Les petits tracas du quotidien de ces inconnus ont plus d’importance et d’impact que l’apocalypse qui se profile à l’horizon.

Le meilleur exemple, c’est la quête d’Anju et Kafei. Ceux qui ont joué au jeu savent de quoi je parle, et devaient s’attendre à la voir mentionnée ici. Kafei et Anju sont deux fiancés, qui allaient se marier le jour où la lune est censée s’écraser. Mais à cause d’un sort jeté par Skull Kid, le grand et beau Kafei s’est retrouvé changé en enfant, et son masque de mariage, l’équivalent de nos alliances, s’est fait voler par un bandit. Par honte, il a préféré fuir sans laisser de trace, et ne revenir que lorsqu’il aura retrouvé son masque. En attendant, il se cache près du lavoir de Bourg-Clocher, et on peut dès le matin du premier jour le voir en sortir pour poster une lettre.

Kafe est tourmenté et n’ose pas revenir, Anju est convaincue que son fiancé l’a abandonnée pour une autre, les parents de Kafei se font un sang d’encre ; plusieurs personnages se retrouvent affectés par cette histoire, et cette quête pour réunir les deux amoureux, la plus longue du jeu, englobe également d’autres quêtes concernant leurs proches.

Je vous épargne les détails, et je vous amène directement à la conclusion. Le dernier jour, Kafei récupère enfin son masque. Mais la nuit tombe, et il tient à tout prix à rejoindre Anju avant le lever du soleil, le jour de leur mariage. Il se met alors à courir jusqu’à Bourg-Clocher avec ses petits gambettes d’enfant. Link, lui, peut se téléporter à l’envi, et pourra donc rejoindre Anju dans sa chambre. Toute sa famille a quitté la ville pour se réfugier dans la campagne. Mais elle, elle a préféré rester. Kafei lui a promis qu’il viendrait cette nuit. Elle a foi en lui. Et Link aussi doit avoir foi en Kafei, à mesure que les heures passent, qu’on approche dangereusement de l’heure fatidique où la lune détruira toute vie dans les flammes.

La terre tremble. Le compteur tourne. On se demande si on n’a pas oublié quelque chose dans le déroulement de la quête. Peut-être que Kafei n’arrivera pas. La tentation de sortir son ocarina, remonter le temps et abandonner Anju à son triste sort est grande. Et c’est alors que, dans les dernières minutes, on entend la porte s’ouvrir. Kafei est arrivé. Les amoureux sont réunis, et peu importe que Kafei soit toujours un enfant. Ils s’aiment. Ils vont se marier. Main dans la main, ils restent là, dans cette chambre, décidés à attendre le lever du jour.

“Viens avec nous. C’est un bon refuge ici. On y est bien. Attendons le matin ensemble.”

Qu’ils soient conscients qu'il n’y aura pas de matin, ou qu’ils aient encore foi en l’avenir et ne réalisent pas ce qui est en train de se produire dehors, ces quelques lignes de dialogue qui concluent cette longue quête sur trois jours m’ont fait comme un picotement au cœur la première fois. Cette scène est sans doute la plus poignante du jeu. On aimerait pouvoir rester, mais on ne peut pas se le permettre. Seule la mort nous attend dans cette chambre. La seule chose que l’on peut faire, c’est remonter le temps, et se donner un nouveau cycle de trois jours pour sauver le monde.

Aube du premier jour - 72 heures restantes.

On est de retour sur la place centrale de Bourg-Clocher. Tout est de nouveau comme au premier jour. Et on n’a pas fait un seul pas que la réalité, triste réalisation que tout cela n’a servi à rien, nous frappe en plein visage. Droit devant nous, un petit garçon descend les escaliers venant du lavoir, et se dirige à toute allure vers une boîte aux lettres...

Kafei est un personnage très spécial pour le joueur, même juste inconsciemment. Il est le premier vrai personnage que l’on rencontre dans Bourg-Clocher. Quand on arrive pour la première fois sur cette place, on est transformé en peste Mojo. Les humains nous prennent de haut, les chiens de rue nous attaquent, et on n’a pas encore fini de comprendre ce qui nous est arrivé qu’un étrange vendeur de masques nous a déjà donné une quête à finir en un temps limité.

Et là, on le voit. On voit Kafei, et tout, absolument tout chez ce personnage est conçu pour attirer l’attention du joueur. Déjà, il est le seul personnage à se déplacer. Tous les autres personnages sur la place sont des NPC classiques, soit immobiles, soit en train de tourner en rond. Kafei, lui, est un personnage avec un emploi du temps. À 06:00, il sort du lavoir. À 06:10, il poste une lettre. À 06:20, il est de retour au lavoir. C’est le premier NPC “vivant” que l’on rencontre dans le jeu. Il est également le seul enfant dans le quartier, seule figure à laquelle notre petit Link, et nous autre jeune joueur pouvons nous identifier. Et puis, il attire le regard, entre sa chevelure violette étincelante, et surtout son masque de renard, utilisé pour cacher sa véritable identité, qui interpellera forcément le joueur, a fortiori s’il a joué à Ocarina of Time où le masque apparaissait déjà.

On peut essayer de le suivre, mais impossible de lui parler ou d’entrer chez lui. On ne sait pas qui il est, mais il retient notre attention. On va alors chercher à en apprendre plus. On va découvrir Anju, on va découvrir ses parents, on va peu à peu comprendre qui il est. Et ce n’est que très tard dans le jeu, quasiment à la fin, que l’on aura enfin les clés en main pour compléter la quête et réunir les deux amoureux.

Kafei est le premier personnage important que l’on rencontre à Termina. Il est ce premier mystère qui nous est proposé, un mystère qui nous a accompagné pendant tout le jeu. Il était la première chose que l’on pouvait voir en arrivant à Bourg-Clocher la première fois, et forcément, il est la première chose que l’on voit après avoir remonté le temps. Kafei est toujours un enfant. Son masque est toujours volé. Anju est toujours désespérée. La lune va toujours s’écraser. Le matin n’arrivera jamais.

Quand vous réalisez ça, que quoi que vous fassiez, vous n’arriverez pas à sauver tout le monde, que vous ne pourrez même pas aider tout le monde, la quête d’Anju et Kafei englobant comme expliqué plusieurs autres quêtes mais qui ne peuvent pas être toutes résolues en même temps ; quand vous réalisez qu’à chaque fois, tous vos efforts sont réduits à néant, et que la seule trace de vos actions qui reste est un simple masque de récompense dans votre inventaire, vous vous demandez à quoi tout cela sert.

Mais peut-être que vous pouvez revenir une seconde fois dans cette chambre avec Anju et Kafei, en ayant cette fois-ci accompli la quête principale. Et à ce moment, où la raison voudrait que vous utilisiez votre ocarina et remontiez à nouveau le temps, peut-être qu’une deuxième option s’offrira à vous. Peut-être que les quelques minutes qui vous séparent de la fin du monde seront suffisantes pour courir jusqu’à la tour du clocher et monter au sommet. Peut-être que cette fois, vous pourrez arrêter la lune pour de bon. Peut-être que cette fois, ça n’aura pas servi à rien.

Peut-être que vous pourrez enfin leur offrir le matin qu’ils attendent.

Et quand vous y parvenez enfin, que vous arrêtez enfin la lune, et éradiquez le mal pour toujours, alors enfin l’histoire change. Aube d’un nouveau jour. Le monde est sauvé. Et tout ce que vous avez fait jusque là sert enfin à quelque chose. Pas seulement ce que vous avez accompli dans ce cycle de trois jours. Ce que vous avez accompli dans les précédents également. Toutes ces itérations de l’histoire, où vous avez changé même ne serait-ce qu’un petit détail, fusionnent pour ne donner qu’un seul lendemain, un lendemain où toutes vos actions ont servi à quelque chose.

La foi est un thème central dans Majora’s Mask. “Tu dois croire en tes compétences... Tu dois croire...”. Ce sont les mots que le vendeur de masques nous dit avant de nous quitter et nous lâcher dans cette longue et épuisante aventure. Parfois, on se met à douter. On se demande à quoi servent toutes ces quêtes en dehors d’obtenir quelques objets. On se demande si tous nos efforts auront vraiment des conséquences.

Mais comme lorsque l’on doutait de la venue de Kafei dans cette petite chambre au beau milieu de la nuit, on y a cru, et c’est arrivé. Tous nos efforts sont enfin récompensés. Et alors que Link part vers d’autres aventures et retourne à Hyrule, on reste à Termina le temps du générique de fin pour voir comment chacun vit ce nouveau jour.

Oui, “on”. Link ne reste pas, mais nous, le joueur, restons sur place. Ce générique de fin, mettant en scène tous les personnages du jeu, ce happy end, il n’est pas là pour Link. Il est là pour nous, le joueur. Link a eu des masques et des bouteilles en guise de récompense ; notre récompense à nous, c’est le bonheur de tous ces gens, c’est de pouvoir voir tous ces gens que l’on a aidés, et voir que tout cela a servi à quelque chose.

Majora’s Mask est un jeu court, avec seulement 4 donjons principaux. L’histoire peut paraître moins épique que les aventures se déroulant à Hyrule. Et puis, dans le fond, c’est quand même un jeu vachement bizarre. Mais il est puissant. Émotionnellement puissant. Il n’atteindra jamais la qualité d’un Wind Waker ou d’un Link Between Worlds, certains fans n’arriveront peut-être même jamais à le considérer comme un vrai Zelda.

Ce qui compte réellement, ce n’est pas la trace qu’il laissera dans la franchise Zelda : c’est la trace qu’il laissera dans le cœur des joueurs. Et dans mon cas, il s’agit d’une trace qui ne s’effacera jamais.

Puzzle & Dragons, sorti en 2012 au Japon et en Amérique, puis en 2013 en Europe, sur iOS et Android. À noter que pour nous autres européens, seule la version iOS a eu la chance de traverser l’océan, ce qui fait que les détenteurs de téléphones Android comme moi doivent jouer sur la version nord-américaine du jeu... Ce n’est pas toujours évident, mais c’est ça ou rien.

Ce choix de jeu pour mon calendrier de l’avent vous surprendra peut-être. Un jeu mobile, au milieu de tous ces jeux Nintendo et de quelques jeux Sony. Pourtant, c’est bien le cas : un des jeux auxquels j’ai le plus joué cette année, si ce n’est pas tout simplement le jeu auquel j’ai le plus joué cette année, est un puzzle game en free-to-play sur mobile. Mais avant que vous ne hurliez au scandale, laissez-moi vous parler plus en détail de Puzzle & Dragons, ce jeu qu’on aurait vite envie de qualifier de clone de Candy Crush pour “casual gamer”, mais qui cache en réalité une complexité et une densité de contenu digne d’un jeu pour “hardcore gamer” — si ces mots, casual et hardcore gamer, ont seulement un jour eu un sens.

À son cœur, Puzzle & Dragons, ou PAD, est un match-3, encore un jeu où il faut arranger des orbes de couleur afin d’en aligner au moins trois pour les faire disparaître. La différence, c’est qu’effacer des orbes ne nous fait pas gagner des points, mais fait attaquer les monstres de notre équipe pour éliminer ceux qui se dressent face à nous lors de l’exploration de donjons. Hm ? Ah, oui, j’ai oublié de préciser : Puzzle & Dragons est un RPG.

On peut former une équipe de 6 monstres, composée d’un leader, de quatre monstres complémentaires, et d’un helper (appartenant à un autre joueur, j’y reviendrai plus tard). Chaque monstre possède un ou deux éléments (feu, eau, bois, lumière, ténèbres), ainsi que les classiques stats d’attaque, points de vie et skills. Une fois notre équipe formée, on peut alors explorer des donjons, qui sont simplement des successions de combats contre d’autres monstres, que l’on pourra dans certains cas capturer avec un peu de chance.

C’est là que la dimension “Puzzle” entre en jeu : si on aligne des orbes d’une couleur, les monstres de l’élément correspondant attaqueront. La force de l’attaque dépendra de la statistique d’attaque du monstre, mais aussi de la statistique de défense de l’ennemi visé, de son élément (le bois étant vulnérable au feu, ... Vous connaissez la chanson), mais aussi du nombre de combos effectués, qui gonfle les dégâts infligés, ainsi que d’éventuels skills.

“Donc concrètement, c’est un mélange de match-3 et de RPG. C’est Pokémon Shuffle, quoi.” C’est peut-être ce que vous pensez, et vous ne seriez pas les premiers à faire la comparaison avec ce free-to-play Pokémon sorti plus tôt cette année (ou avec Pokémon tout court, ce jeu vous demandant dès le départ de faire le choix entre un monstre de feu, eau ou plante...). Et pourtant, vous seriez on ne peut plus loin du compte.

Le genre du “puzzle game” est immensément varié. Il y a Tetris, Puyo Puyo, Puzzle Bobble — mais depuis quelques années, dans l’inconscient collectif, tout est un clone de Candy Crush Saga, et est ainsi nécessairement mauvais, conçu pour cette frange de joueurs “casual” qui n’a aucune idée de ce qu’est un “vrai jeu”. Pourtant, Tetris a fait partie de ces jeux qui ont façonné le jeu vidéo tel qu’on le connaît aujourd’hui, en étant le fer de lance de la Game Boy ; et des jeux comme Magical Drop, dont je vous parlais il y a quelques jours, est la preuve que les puzzle games peuvent être intenses, complexes, et taillés pour le versus et la compétition — en un mot, des jeux pour les joueurs “hardcore”.

Donc non, un puzzle game n’est pas forcément un clone de Candy Crush. Concrètement, Candy Crush Saga, le visage du mal, est déjà lui-même un clone du classique Bejeweled, dont il reprend le principe : un plateau avec des objets fixes (joyaux pour Bejeweled, bonbons pour Candy Crush), et on peut intervertir la position de deux objets adjacents, afin de former une ligne de trois objets identiques, les effacer, et peut-être effectuer une réaction en chaîne. Ce principe est également repris à l’identique dans Pokémon Shuffle, avec les éléments de RPG ajoutés à la formule pour justifier l’utilisation de la marque Pokémon.

Et bien Puzzle & Dragons... ce n’est absolument pas ça. Il y a une différence notable dans le gameplay, qui change radicalement le jeu et le place aux antipodes des jeux Bejeweled-like. Quand on s’empare d’un orbe pour le déplacer, on n'échange pas sa position avec l’orbe d’à côté : on peut le déplacer librement sur tout le plateau. On peut ainsi le balader dans toutes les directions, pendant une durée limitée, et lorsqu’il se déplace, il pousse avec lui les autres orbes.

Du coup, si lors des premières parties vous n’oserez peut-être pas tout de suite trop bouger votre orbe, et que vous vous contenterez de le déplacer dans la colonne d’à côté, ce n’est qu’une fois que vous aurez saisi l’étendue des possibilités qu’offre un tel système que le véritable jeu commencera. Il ne s’agira pas juste de placer cet unique orbe à un endroit permettant de faire une ligne de trois : il faudra s’en servir pour déplacer tous les autres orbes, afin de former un maximum de lignes de trois avant la fin du temps imparti, afin de faire attaquer plus de monstres et de gonfler vos attaques avec un plus grand combo. L’exact opposé d’un Candy Crush.

J’ai été surpris par la complexité de Puzzle & Dragons en y jouant. Les premiers donjons s’enchaînent assez rapidement, on affronte des monstres tout ce qu’il y a de plus basiques (des slimes, des gobelins) avec des monstres tout ce qu’il y a de plus basiques (des slimes, des gobelins...). Mais arrivé à un certain niveau, les donjons deviennent plus ardus, et demandent de planifier ses coups avec précision et de les mettre en place rapidement. PAD devient rapidement très technique, et il faut s’accrocher pour survivre dans certains donjons.

Il faudra également utiliser à bon escient les skills de ses monstres, qui existent sous différentes formes. Il y a les skills passifs, utilisables uniquement par le monstre placé en tête d’équipe, les skills actifs, utilisables par chaque monstre une fois chargés après un certain nombre de tours, et un jeu supplémentaire de skills passifs propre à chaque monstre appelés “awoken skills”, pouvant être débloqués selon certaines conditions... Pour peu qu’on ait le courage de s’y coller, les combinaisons pour former des équipes puissantes sont immenses, et il est très difficile voire impossible de venir à bout de certains donjons sans une bonne stratégie.

En plus de cela, il faudra prendre en compte le helper que l’on emmènera avec nous en combat, qui occupera la 6ème et dernière place de l’équipe et jouera un rôle crucial, car son skill de leader sera également utilisable ! Il ne suffit donc pas de penser aux skills de ses propres monstres, il faut également penser à celui du helper, et le choisir de manière à ce qu’il complète bien celui de notre leader. Les helpers sont à choisir parmi les monstres d’une liste d’amis, ou de joueurs proposés aléatoirement au moment d’entrer dans un donjon, ce qui ajoute une dimension “social gaming” au jeu, sans que cela soit envahissant pour autant.

On passera donc beaucoup de temps à former son équipe et à s’entraîner, et on aura l’embarras du choix avec un bestiaire de plus de 2500 monstres, régulièrement mis à jour avec de nouvelles créatures, de nouvelles évolutions pour les monstres déjà existants, et des évènements spéciaux, à l’occasion de moments importants dans l’année (des versions spéciales Noël, Halloween ou vacances d’été de monstres déjà existants) ou en collaboration avec d’autres univers : il est ainsi possible d’avoir dans son équipe des personnages tels que Kenshiro de Hokuto no Ken, Shinji Ikari d’Evangelion, Yuna de Final Fantasy, Harley Quinn des comics Batman, ou encore Hello Kitty de, euh, Hello Kitty.

Donc oui, malgré le titre, il n’y a pas que des dragons dans Puzzle & Dragons ! En fait, à partir d’un certain niveau, vous n’utiliserez quasiment plus que des monstres dits “divins”, la plupart ayant une forme humaine. Le jeu devient alors un festival de persos badass et de waifus en tout genre, dont vous pouvez voir un tout petit échantillon dans la vignette de cet article.

Pour obtenir ces monstres, très rares, il y a plusieurs façons, comme des donjons spéciaux à terminer pour espérer pouvoir en capturer le boss, mais la façon la plus directe et la plus courante est de passer par la “Rare Egg Machine”, une roulette permettant d’obtenir un œuf de monstre rare... moyennant une monnaie premium, les Magic Stones.

C’est là que l’aspect free-to-play de PAD entre en jeu. Car après tout, les développeurs de GungHo Online Entertainment ont beau paraître généreux en nous permettant de jouer gratuitement à leur jeu, ils n’en restent pas moins une entreprise qui a besoin de gagner des sous. Ces pierres magiques, qui peuvent s’acheter à un dollar l’unité (je ne connais pas les prix de la version européenne, mais ce doit être similaire), ou par pack de 6, 12, 30 et plus encore à prix réduit, servent à plein de choses dans le jeu : utiliser la machine à œufs une fois coûte cinq pierres, et une pierre permet en outre de continuer à jouer après un game over, agrandir la boîte de stockage pour nos monstres, ou encore remplir la barre d’endurance, chaque donjon joué la réduisant de façon plus ou moins importante, et nous forçant à patienter pour qu’elle recharge (5 minutes pour un point d’endurance).

Je vous vois déjà faire la grimace. On a déjà vu des dizaines d’exemples de free-to-play où la gratuité n’est qu’un leurre et où le passage en caisse est inévitable. Si vous me suivez sur Twitter, vous avez par exemple récemment pu me voir me plaindre du tout nouveau Pokémon Picross, avec ses dépenses en monnaie premium largement supérieures à ce que l’on peut gagner en jouant, et sa barre d’endurance qui se vide à chaque case remplie sur les grilles de jeu. Mais rassurez-vous, PAD est un des rares free-to-play à être honnête, et où on peut réellement jouer sans débourser le moindre centime.

Déjà, écartons le problème de la barre d’endurance : étant un jeu mobile, vous allez vraisemblablement y jouer de façon sporadique pendant la journée, lorsque vous ferez une pause ou pendant un trajet de bus. Le temps de recharge de 5 minutes par point d’endurance est parfaitement équilibré, étant dans la pratique ni trop long ni trop court, et les coûts en endurance des donjons principaux sont suffisamment bas pour vous permettre de jouer un bon moment avant de devoir laisser votre téléphone — il est même probable que vous ayez à le laisser avant même d’avoir pu vider votre barre d’endurance.

Quant à la monnaie premium, les fameuses Magic Stones, vous pourrez très bien vous passer d’en acheter... car le jeu vous en offre déjà très généreusement ! Vous pouvez en obtenir une la première fois que vous terminez un donjon, et il y en a suffisamment pour vous permettre d'amasser un petit pactole.

Mais en plus de cela, GungHo en offre régulièrement aux joueurs, notamment à l’approche d’évènements spéciaux ou de collaborations : pendant les quelques jours qui précèdent leur arrivée, vous recevrez chaque jour une pierre, ce qui vous permettra d’obtenir au minimum un ou deux monstres rares. En fait, ils sont tellement généreux avec ces pierres qu’ils en offrent parfois pour des raisons banales, du genre “Il y avait une maintenance hier et vous n’avez pas pu jouer pendant une heure, voici une pierre”, ou “On a fait un stream sur Twitch hier et on s’est bien amusé, voici une pierre”.

Autant dire que vous ne manquerez jamais de pierres, et vous pouvez parfaitement profiter du jeu, obtenir des monstres très rares et puissants, et aller loin, très loin dans l’aventure sans débourser le moindre centime, et sans que cela génère d’attente interminable ou de la frustration. PAD est un véritable exemple en matière de free-to-play, n’oubliant ni le “free” ni le “play”.

Et ce qui fait aussi la force de ce jeu, c’est ses évènements réguliers. J’ai déjà parlé des collaborations, des évènements spéciaux, mais ça ne s’arrête pas là. Des donjons rares n’apparaissant que le temps de quelques jours et abritant les monstres les plus coriaces du jeu, des donjons hebdomadaires abritant des monstres spéciaux pour faire évoluer vos monstres, des défis pouvant vous apporter des récompenses très utiles... Il ne passe pas une journée sans que quelque chose de nouveau n’arrive dans le jeu.

Il existe peu de jeux mobiles aussi riches que Puzzle & Dragons. Je me suis lancé dedans avec l’image d’un jeu casual qui m’occuperait le temps d’un trajet en transport en commun, et je me retrouve aujourd’hui, après près de onze mois passés dessus, ayant fraîchement atteint le niveau 139 et possédant 215 monstres dont 40 divins, totalement conquis par ce jeu.

J’y joue tous les jours, à plusieurs moments de la journée, je joue également au jeu 3DS Puzzle & Dragons Z (sorti dans une cartouche combo avec le crossover Puzzle & Dragons: Super Mario Bros. Edition, que j’aime moins, mais qui prouve bien à quel point ce jeu s’est fat une place dans le paysage vidéoludique), j’attends avec impatience le prochain jeu sur cette même console, Puzzle & Dragons X, et je possède même des cartes à jouer importées du Japon.

Si j’ai choisi de parler de Puzzle & Dragons aujourd’hui, c’est pour une raison. Ou plutôt, deux raisons, car une deuxième m’est venue ce midi, lorsque je suis parvenu pour la première fois à finir un de ces fameux donjons difficiles abritant un monstre divin ; c’était la première fois que j’osais relever le défi, et après des batailles intenses où j’ai failli perdre à plusieurs reprises, j’en suis venu à bout, et ai réussi à obtenir le monstre tant convoité. Avec cette victoire, j'entre enfin, après 324 jours, dans la cour des grands !

Mais la raison première, qui m’a poussé à mettre ce jeu à cette date et non à une autre, c’est qu’aujourd’hui, ma petite amie Kay fête son anniversaire, et qu'en plus d’être un de ses jeux préférés, c’est elle qui m’a fait découvrir PAD, m’a appris à y jouer, m’a constamment accompagné par le biais de ses helpers, et m’a aidé à construire des équipes invincibles avec ses connaissances quasi-infinies sur ce jeu, parce que je suis tout simplement incapable de concevoir des stratégies et gérer les skills de tous ces monstres (si ça ne tenait qu’à moi, je ne prendrais que les monstres cool et les filles mignonnes).

Kay est une excellente joueuse (de PAD comme des RPG en général), et c’est grâce à elle que j’ai pu progresser et que je suis aujourd’hui capable me défendre dans les donjons les plus difficiles. Je suis infiniment reconnaissant d’avoir pu grâce à elle découvrir cet excellent jeu, véritablement taillé sur le long terme pour les joueurs “hardcore” (comme tout bon puzzle game qui se respecte, disons-le !), et je suis on ne peut plus heureux de pouvoir partager cette passion avec la fille que j’aime <3

Kid Icarus: Uprising (vous l’avez attendu, celui-là !), sorti en 2012 sur Nintendo 3DS, troisième volet de la série Kid Icarus, qui s’en éloigne radicalement, au point de ne quasiment rien conserver de ce qui faisait de Kid Icarus... et bien, Kid Icarus.

Petit retour en arrière. En 1987 sortait sur NES le jeu Kid Icarus. Il s’agissait d’un jeu de plate-formes assez particulier, incorporant des éléments de différents genres, mais qui se résumait dans les grandes lignes à sauter de plate-forme en plate-forme (car Pit, bien qu’il soit doté d’ailes, ne sait pas voler !) et tirer des flèches sur ses ennemis. Les niveaux principaux se traversaient en ligne droite, soit dans un immense niveau vertical dont il fallait atteindre le sommet, soit dans un parcours horizontal plus classique.

La difficulté résidait surtout dans l’Underworld, le tout premier niveau du jeu, vertical, où Pit était très faible, et où le moindre saut manqué pouvait mettre un terme à la partie : en effet, à mesure que l’on monte dans le niveau, les parties inférieures disparaissent et l’écran ne redescend plus, ainsi une chute au-delà des limites de l’écran est fatale. De nombreux joueurs sont restés bloqués sur ce niveau et n’ont jamais pu aller plus loin ; il m’a moi-même fallu plusieurs mois pour réussir à en venir à bout ! Le reste du jeu, paradoxalement, est assez simple.

Car au-delà de cet enfer vertical, on atteint comme à chaque fin de niveau une forteresse, sorte de donjon labyrinthique à mi-chemin entre un Zelda et un Metroid, et où se trouve un boss à affronter ; puis on passe ensuite au deuxième niveau, horizontal et donc nettement plus simple ; et d’ici qu’on atteigne le troisième niveau, lui aussi vertical, on a suffisamment obtenu d’améliorations d’attaque et de barre de vie qu’on ne ressent même plus la difficulté.

Malgré son début difficile, donc, Kid Icarus se révèle être un jeu marrant, avec beaucoup de choses à offrir, et est ainsi devenu un grand classique. Classique qui est ensuite tombé dans l’oubli pendant de longues, très longues années. Si on excepte Kid Icarus: Of Myths and Monsters, une suite sortie sur Game Boy en 1991 uniquement en occident, et la tentative avortée d’un reboot plus adulte sur Wii par Factor 5, la série Kid Icarus était restée sans vrai nouvel épisode depuis 1987.

Mais en 2008 est sorti un certain Super Smash Bros. Brawl, avec parmi son casting de combattants un petit angelot que beaucoup de fans, dont moi, n’avaient jamais entendu parler. À la manière des Ice Climbers que Melee avait ressuscités, Pit, le héros de Kid Icarus, était enfin de retour, avec un tout nouveau look, plus adolescent, plus moderne, plus cool, et ce retour a pu préparer le terrain pour la suite tant attendue du vieux classique des années 80...

Et c’est Masahiro Sakurai, génial créateur de Kirby et de la série Smash Bros., qui 25 ans après les premières aventures de Pit s’est chargé de la réalisation de cette suite improbable. Kid Icarus: Uprising. Et, comme je le disais en introduction... le changement a été radical.

En termes de gameplay, Kid Icarus: Uprising alterne entre du shoot’em up et du third-person shooter mélangé à du beat’em all. Exit la 2D et la plate-forme, on entre dans l’ère du gaming moderne, et on ne le fait pas à moitié !

Concrètement, le jeu est né de l’idée toute bête d’un jeu en deux temps : dans un premier temps, une phase de shoot’em up sur rails se passant dans les airs, puis dans un second temps une phase de combat et d’action se passant sur terre. D’abord envisagé comme un Star Fox, ce n’est qu’après que le personnage de Pit leur est apparu comme une évidence, et qu’ils ont construit le jeu autour de cet univers. Ainsi, chaque chapitre du jeu et découpé comme dit plus haut : une phase dans les airs (shoot’em up), et une phase sur terre (third-person shooter/beat’em all), qui représente la part la plus importante du chapitre, avec de longues zones à explorer et regorgant de secrets.

Mais de quoi ça parle, Kid Icarus: Uprising ? Le jeu se passe 25 ans après les évènements (et la sortie sur NES) du premier Kid Icarus, dont je vous résume l’histoire en une phrase : Pit a vaincu la maléfique Medusa et son armée de monstres venus de l’enfer. Dès le premier chapitre d’Uprising, la déesse Palutena, qui guide Pit et lui permet de voler pendant une durée limitée lors des phases aériennes, nous explique rapidement la situation : Medusa est revenue à la vie, et elle attaque les humains parce que c’est une méchante. C’est reparti pour un tour !

À première vue, on peut croire que l’histoire s’inspire de la mythologie grecque — et vous auriez raison, entre la présence de tout un panthéon de dieux et déesses, des monstres inspirées de créatures mythiques, ou encore l’architecture des niveaux explorés au fil du jeu. Ouaip, Kid Icarus: Uprising est un jeu qui respire bon la mythologie grecque, l’ambiance antique, un bon bol d’Histoire tout ce qu’il y a de plus rafraichissant.

Sinon il y a aussi des canons, des fusils snipers, des pistolets laser, des voitures, des robots géants, des pirates de l’espace (avec un Kraken de l’espace pour faire bonne mesure), et des envahisseurs extra-terrestres. Entre autres choses.

Le premier Kid Icarus sur NES était assez délirant, avec un ennemi qui transformait Pit en aubergine, ou la possibilité de payer dans les boutiques avec une carte de crédit ; mais Uprising va beaucoup, beaucoup plus loin, et donne naissance à un univers totalement délirant où tout est possible. Si vous vous attendiez à une réécriture des mythes de Thésée ou Hercule, attendez-vous à être surpris.

Il se passe tellement de choses dans ce jeu qu’il est difficile d’en faire un résumé. Si tout commence par une guerre entre Palutena et Medusa, cela évolue très vite en un immense conflit entre plusieurs divinités ayant chacun leur propre motivation et leur propre armée. Pit va même se trouver un double maléfique, qui porte le doux nom de... Pit Maléfique, et est en fait une vaste caricature des doubles maléfiques dans les jeux vidéo, insistant sur le fait qu’il n’est pas une copie de Pit et qu’il est quelqu’un d’indépendant qui n’a pas à travailler pour les méchants, mais qui en même temps insiste pour qu’on l’appelle “Pit Maléfique”, qu’il considère comme son vrai nom. Un régal.

Vous l’aurez certainement compris, l’humour est de mise dans ce jeu. Si Pit Maléfique (surnommé “Pittoo” par à peu près tout le casting du jeu, à son grand désespoir) est une caricature, les autres personnages sont loin d’être sérieux pour autant. En fait, si vous connaissez Kid Icarus uniquement de loin, par le biais de Smash Bros., par exemple, vous risquez d’être surpris en découvrant la véritable nature de certains personnages, comme Palutena qui derrière ses airs de déesse sage et pure, se cache en fait une femme sadique, prétentieuse, goinfre, perverse, et d’une manière générale un véritable troll.

L’humour du jeu passe avant tout par ses personnages, et les nombreux, très nombreux dialogues qui rythment l’aventure. En fait, c’est bien simple : attendez-vous à entendre tout le monde parler tout le temps. Parfois, il s’agira de conseils donnés par Palutena, vous indiquant où aller ou comment progresser. Puis, les 90% du temps restants, il s’agira de blagues, de commentaires ridicules sur la situation, ou des dialogues servant uniquement à briser le peu de 4ème mur qu’il resterait à ce jeu, avec des références à d’autres jeux Nintendo, des commentaires sur le design des personnages qui a changé par rapport à leur sprite 8-bit, ou encore des perles comme “Je le sais parce que je l’ai lu sur Divinipedia”.

Rarement un jeu ne m’aura autant fait rire, c’est en fait le seul à m’avoir réellement fait rire aux éclats, à voix haute (le seul à y être parvenu depuis étant Undertale ; voilà, j’ai parlé d’Undertale dans ce calendrier de l’avent, j’espère que vous êtes contents), et ce tout le long de l’aventure. L’humour est de plus servi par un excellent doublage, rendant cet univers frappadingue encore plus vivant et convaincant.

Mais Kid Icarus: Uprising ne se limite pas qu’à l’humour. Derrière cette vaste comédie se cache un scénario épique, bourré de rebondissements, qui continue de surprendre de chapitre en chapitre, jusqu’à son final mémorable. Il se permet même quelques scènes dramatiques qui au mieux font frissonner, au pire mettent les larmes aux yeux — c’est mon cas à chaque fois que j’écoute certains morceaux de la bande-son et que je me remémore les scènes les plus puissantes.

Ah, la bande-son de Kid Icarus: Uprising. Réunissant des grands noms de la musique de jeu vidéo tels que Motoi Sakuraba, Noriyuki Iwadare, et arrangée et orchestrée par les génialissimes Yasunori Mitsuda et Natsumi Kameoka, cette bande-son est phénoménale, tenant sur 3 CD, et est à mes yeux (et mes oreilles !) la meilleure bande-son de jeu vidéo jamais réalisée, apportant énormément à l’ambiance et à la mise en scène du jeu, et étant un régal à écouter même en dehors de celui-ci.

Kid Icarus: Uprising a été réalisé par Masahiro Sakurai, et ça se sent. On retrouve en effet deux choses qui lui ont toujours tenu à cœur quand il s’agit de concevoir des jeux vidéo. La première : l’accessibilité. Bien que les commandes du jeu demandent un certain temps d’adaptation (la caméra se contrôlant à l’aide de l’écran tactile), le principe du jeu reste simple, et propose des aides à la visée pour faciliter la tâche aux joueurs les moins habiles.

Mais là où Sakurai va le plus loin dans sa volonté de rendre le jeu accessible et appréciable par tous, c’est dans son ingénieuse gestion de la difficulté, reprise à l’identique dans le mode classique du dernier Smash Bros. : au début de chaque chapitre, il est possible de régler la difficulté, sur une échelle allant de 0.0 à 9.0, au dixième près. Oui, cela fait bien au total 91 niveaux de difficulté.

Le niveau par défaut est 2.0, et là où le système devient intéressant, c’est qu’il faut payer si on souhaite aller en-dessous ou au-delà. Si on veut rendre le jeu plus simple, il faut dépenser de l’argent, ce qui incite le joueur à tenter au moins la difficulté 2.0 ; et si on veut augmenter la difficulté, cela prend une autre tournure, on mise de l’argent et on fait le pari de finir le niveau à cette difficulté. Et bien entendu, une plus grande difficulté signifie également de meilleures récompenses. Ainsi, avec ce système, Kid Icarus: Uprising permet à n’importe qui de jouer à son rythme, à la difficulté qui lui convient, tout en l’incitant, sans jamais le forcer, à essayer de se surpasser et tenter des difficultés plus élevées ; et je trouve ce système absolument ingénieux.

La deuxième chose qui tient à cœur à notre cher Sakurai, et qui est présente dans toute sa splendeur dans ce jeu, c’est sa manie de proposer une tonne de contenu. C’était déjà vrai dans les Smash Bros., et c’est également le cas dans ce Kid Icarus: Uprising, qui propose un total de 108 armes réparties en 9 types différents, 61 pouvoirs spéciaux, 407 figurines à collectionner, 360 défis à relever... Et je ne parle même pas des cartes réalité augmentée à collectionner ! Bref, finir ce jeu à 100% demande beaucoup, beaucoup de temps... Je n’y suis toujours pas parvenu moi-même !

Et en plus de toutes ces choses, le jeu possède un mode multijoueur, disponible à la fois en local et en ligne, jusqu’à six joueurs, et proposant deux modes de jeu différents, soit en équipe, soit chacun pour soi. Ce qui peut ajouter de nombreuses heures de jeu au compteur, déjà bien gonflé avec tout le contenu offert par le jeu en solo.

Ce n’est pas pour rien que je considère Kid Icarus: Uprising comme mon jeu préféré tout court. À mes yeux, tout dans ce jeu est parfait. L’univers est délirant, les personnages attachants, l’histoire captivante et hilarante. Le gameplay en deux temps est une réussite, les combats sont bourrés d’action et d’adrénaline, les niveaux font preuve d’un excellent level design et de graphismes époustouflants, et la gestion de la difficulté est une idée de génie. Le jeu est plein à craquer de contenu, ce qui le dote d’une rejouabilité immense une fois la campagne terminée. Et puis, la cerise sur le gâteau, cette bande-son où pas un seul morceau n’est mauvais ni faible.

Kid Icarus: Uprising est un jeu qui est un peu passé inaperçu, sans doute parce qu’il s’agissait d’une série disparue depuis 25 ans. Et c’est véritablement dommage, tant ce jeu a à offrir. J’ai encore du mal à croire qu’un tel jeu existe sur une console portable. Mon rêve est de pouvoir un jour créer un jeu aussi ambitieux que celui-ci ; mais d’ici que j’y arrive, je continuerai à jouer et rejouer à ce Kid Icarus: Uprising. Il faut que j’obtienne ce 100%, après tout !

The World Ends With You, sorti en 2008 sur Nintendo DS, et que je vais dès à présent appeler “TWEWY” parce que c’est franchement plus commode. Une autre alternative aurait été de l’appeler “SubaSeka”, diminutif de son titre original, Subarashiki Kono Sekai, “It’s a Wonderful World”.

Un monde magnifique, même si ce n’est pas vraiment l’avis de notre protagoniste, Neku Sakuraba, qui porte toujours par-dessus sa touffe orange un casque audio pour se couper du monde qui l’entoure et ne pas devoir supporter le vacarme de ses congénères. Bref, un adolescent en colère qui rejette la société, vit en solitaire et refuse toute forme d’amitié... mais qui va, par la force des choses, devoir faire équipe avec une jeune fille du nom de Shiki pour espérer survivre dans un jeu sadique où la mort les guettera constamment : le Reaper’s Game.

Je tiens à préciser que dans cet article, j’utliserai les termes anglais, le jeu n’existant que dans cette langue en Europe et en Amérique — une honte, tant TWEWY est une perle qui mérite d’être joué par tous les fans d’action-RPG, et pas seulement les anglophones.

Ainsi, ce jeu mortel dans lequel notre ado rebelle se retrouve est organisé par les Reapers, sortes de dieux de la mort vivant dans l’Underground (ou UG), une dimension parallèle à la nôtre, au sens littéral : il s’agit d’une dimension qui existe parallèlement au monde des vivants, “par-dessus”, ce qui permet à tous ses occupants de se déplacer sans être vu par les vivants (à l’exception des commerçants, il faut bien pouvoir faire les boutiques !) ni pouvoir interagir avec quoi que ce soit de réel. Comme des fantômes, en quelque sorte.

En fait, c’est même exactement ça. Neku, Shiki, et tous les participants de ce jeu sont des fantômes, car ils sont... morts. Le but de ce jeu est de leur donner une seconde chance : s’ils en sortent vainqueur, ils pourront revenir à la vie ou devenir eux-mêmes des Reapers, sinon, leur âme disparaîtra à jamais. Ce qui est plutôt sympa de la part des dieux de l’UG, au final, tous ces humains étant donc à la base déjà morts et n’ayant rien à perdre. Ou presque, car pour pouvoir participer au jeu, ils doivent payer un prix (qu’ils pourront récupérer à l’issue du jeu) : la chose à laquelle ils tiennent le plus au monde. Et manque de bol pour Neku, le prix qu’il a payé était sa mémoire. Il ne se souvient plus de la façon dont il est mort, ni même qu’il est mort, et va passer tout le jeu à essayer de découvrir la vérité...

TWEWY est découpé en chapitres, chaque chapitre correspondant à une journée passée dans le jeu des Reapers, qui s’étale sur une semaine. À chaque début de journée, les joueurs reçoivent sur leur téléphone portable une mission à accomplir, dans un temps limite indiqué par un compteur magique apparaissant sur leur main. Ces missions sont généralement assez cryptiques, et les joueurs devront souvent coopérer pour trouver la solution de l’énigme.

En effet, la coopération est indispensable dans ce jeu, et dès le début de la semaine il faudra former un “pacte” avec un autre joueur pour former une équipe de deux — c’est ainsi que Neku rencontrera Shiki. Outre le côté pratique de travailler à plusieurs, il est nécessaire d’avoir un coéquipier pour éliminer les monstres qui peuplent l’UG : les Noise, des créatures multi-dimensionnelles qui existent dans deux dimensions à la fois. Ainsi, à chaque combat, Neku et son partenaire sont transportés dans deux dimensions parallèles, et doivent éliminer le même monstre dans ces deux dimensions pour en venir à bout.

C’est là qu’on entre dans le point le plus intéressant de TWEWY, après son univers : le système de combat. TWEWY est un jeu qui a été conçu pour exploiter au maximum les capacités et le design de la Nintendo DS. Les deux dimensions parallèles sont chacun représentées sur un écran : Neku est sur l’écran tactile, tandis que l’autre personnage est sur l’écran supérieur. Oui, c’est bien ce que vous pensez : durant les combats, il faut contrôler deux personnages à la fois, sur deux écrans différents. 

Ça paraît un peu dingue quand on y pense, mais dans les faits, c’est assez simple. Le personnage du haut reste fixe, et se contrôle simplement à l’aide de la croix directionnelle. Gauche pour attaquer à gauche, droite pour attaquer à droite. Il y a également une sorte de mini-jeu avec des cartes qui se met en place durant le combat, qui consiste au moment de l’attaque à sélectionner les bonnes cartes indiquées à l’écran, et permettant à terme d’utiliser des attaques spéciales combinées.

Neku, quand à lui, se contrôle directement sur l’écran tactile, et utilise des pin’s pour combattre. Oui, vous avez bien lu. Des pin’s. Pour être exact, les pin’s renferment de l’énergie psychique, permettant d’effectuer des attaques : trancher les ennemis comme avec une épée, invoquer des flammes... C’est là que les combats deviennent réellement intéressants, chaque pin et attaque venant avec un mode de contrôle propre : tracer des traits rapides sur l’écran pour trancher, maintenir le stylet et le faire glisser pour faire apparaître des traînées de flammes, ou encore souffler dans le micro en continu pour envoyer des ondes sonores ! C’est au joueur de choisir le style de combat qui lui convient, et équiper les pin’s qui lui plaisent le plus.

En plus de ça, il y a plein d’éléments en plus comme une sphère lumineuse qu’on peut faire passer d’un écran à l’autre en alternant les attaques, le fait que les personnages et ennemis partagent une barre de vie commune, ou encore le fait que l’on puisse abaisser soi-même le niveau des personnages pour augmenter la difficulté du combat et obtenir de meilleurs objets. C’est un des systèmes de combat les plus tordus, alambiqués, et fun que vous trouverez dans un action-RPG, et qui demandera un certain temps d’adaptation et d’entraînement. Mais tant qu’on ne se laisse pas impressionner, on finit par comprendre les rouages du système, avoir les bons réflexes, et on est alors capable d’enchaîner les combats et venir à bout des boss les plus coriaces.

Mais comme dit plus haut, ce qui fait surtout la force du jeu, en plus de son gameplay unique et pensé spécifiquement pour cette console, c’est son univers. Le concept de jeu des Reapers, simple de prime abord, est régi par un grand nombre de règles qui se dessinent peu à peu au fil de l’aventure. Le déroulement du jeu, la hiérarchie des Reapers, tout est travaillé de façon à rendre l’aventure captivante. Et, en marge de ce jeu de la mort, se trame un scénario bien plus complexe qu’il n’y paraît, avec plein de petits détails anodins et indépendants à première vue qui prennent progressivement de l’importance et se connectent entre eux pour dévoiler une vérité surprenante.

Et puis il y a toute l’ambiance du jeu, cette esthétique particulière qu’on ne trouve dans aucun autre RPG. TWEWY se passe à Shibuya, le quartier le plus actif et le plus tendance de Tokyo recréé quasiment à l’identique, et cette notion de mode et de tendance se retrouve tout au long du jeu, que ce soit avec les boutiques de fringues, le scénario qui fera intervenir des stars comme des musiciens ou un blogueur, ou la possibilité de lire les pensées des vivants et leur en suggérer de nouvelles, permettant de lancer de nouvelles modes de façon subliminale.

La mode se retrouve au niveau des vêtements, qui servent d’équipement pour les personnages, des pin’s, mais aussi et surtout au niveau de la musique. La musique est en effet un thème central de TWEWY, que ce soit au niveau du lexique — le jeu est créé par un “compositeur” (The Composer), et organisé par un “orchestre” (The Conductor), les ennemis sont littéralement du bruit (Noise) — mais aussi au niveau de la bande-son du jeu elle-même, qui occupe à elle seule un quart de la cartouche, et qui propose une qualité sonore rarement égalée sur cette console portable grâce à un algorithme de compression maison. Les musiques vont du rap au hip-hop, en passant par l’électro et le rock, proposant une quarantaine de morceaux tous agréables à écouter et entrant parfaitement dans l’ambiance de Shibuya.

The World Ends With You (c’est la conclusion, je fais donc l’effort de remettre le titre complet) n’est pas qu’un excellent jeu, il est avant tout un jeu unique. Unique dans son gameplay, tellement élaboré et complexe qu’on croirait que la DS a été inventée pour ce jeu ; unique dans son esthétique, troquant le style habituel des RPG de Square Enix pour une ambiance résolument plus moderne, avec des visuels évoquant le street art et des musiques qui brassent tous les genres musicaux ; et enfin unique dans son univers, partant d’un concept somme toute assez simple, mais l’élaborant, le développant afin de former un univers cohérent et bien plus complexe qu’il n’y paraît. Car il y a beaucoup, beaucoup de choses au-delà de ce petit jeu de pistes dans l’Underground, et le tout prend une dimension assez inattendue arrivé à la fin du jeu.

J’ai adoré ce jeu, pour son gameplay diablement fun et bourré de bonnes idées, pour sa bande-son que j’ai écouté des heures durant, et qui m’a fait découvrir l’excellent groupe Sixpin, et surtout pour son scénario, qui m’a passionné pendant des jours et des jours, qui m’a retourné le cerveau avec ses nombreuses surprises, et qui m’a indirectement inspiré un des projets qui me tient le plus à cœur, un jeu vidéo intitulé “[corrupted]”, et que je rêve de pouvoir concrétiser un jour. Et puis, je l’ai adoré pour son message, sa morale, tellement simple, mais tellement vraie.

“The World Ends With You”. Cette phrase n’a pas le sens que vous pensez, et si vous jouez au jeu vous la comprendrez différemment. En attendant, l’autre message en VO est tout aussi valable : “It’s a Wonderful World”, et ce jeu n’aura de cesse de nous le rappeler.

Magical Drop, sorti en 1995 sur les bornes d'arcade Neo Geo, d'abord sorti sous le titre "Chain Reaction", avant de reprendre le titre original japonais pour ses suites Magical Drop II en 1996 et Magical Drop III en 1997, à partir desquelles la série a défini son concept, a vraiment pu décoller et devenir connue.

Enfin, "connue". J'ai l'impression que personne ne connait lorsque j'en parle autour de moi. Peut-être que la série s'est surtout fait connaître au Japon et en Amérique, ou peut-être simplement que ce succès n'était que temporaire — après tout, la série a presque totalement disparu après les années 90. Il n'empêche qu'en son temps, Magical Drop a eu sa petite heure de gloire, et était une référence dans les salles d'arcade, et du genre des puzzle games.

C'est dans une salle d'arcade que j'ai découvert ce jeu pour la première fois, il y a un peu plus d'un an, par pur hasard. Nous étions avec des amis à Arcade Street, une salle d'arcade à Paris, et après plusieurs parties de versus fighting, de shoot'em up et autres jeux bourrés d'action, j'avais voulu faire une partie de Puzzle Bobble avec l'un d'eux. Hélas, à notre arrivée la borne était déjà occupée par deux joueurs, et ils semblaient prêts à rester un long moment. C'est alors que j'ai aperçu, deux rangées plus loin, une autre borne, et la démo affichée à l'écran ressemblait grandement à Puzzle Bobble, avec des lignes de billes de couleur descendant du sommet de l'écran, et un personnage en bas qui devait lancer une bille en l'air pour la coller aux autres, et en aligner trois pour les éliminer. Sauf qu'en arrivant devant la borne, alors que je posais mon sac au sol et m'apprêtais à m'installer, je réalisais qu'il ne s'agissait pas de Puzzle Bobble...

Magical Drop a beau y ressembler et reprendre dans les grandes lignes la même formule, les deux jeux sont en fait radicalement différents. Le principe reste le même : des rangées de billes qui descendent et des combos à faire pour les éliminer. Mais dès que l'on regarde de plus près, on remarque que le fonctionnement diffère : plutôt que d'être placées en diagonale, les billes forment des colonnes verticales. Et plutôt que de choisir l'angle du lancer, on ne peut lancer ses billes qu'à la verticale, en se déplaçant d'une colonne à l'autre. Par ailleurs, là où Puzzle Bobble met à notre disposition les billes à lancer, dans Magical Drop il faut aller chercher les billes dans les colonnes du haut de l'écran pour les renvoyer sur d'autres colonnes ! On contrôle ainsi un petit lutin qui se déplace de gauche à droite, peut attraper la dernière bille d'une colonne, puis se déplacer pour la renvoyer en l'air et peut-être aligner trois billes de couleur similaire. Mieux : tant qu'il s'agit de billes de la même couleur, il peut en ramasser plusieurs à la suite, et les renvoyer toutes d'un coup !

Ça doit peut-être vous sembler compliqué (probablement parce que j'explique très mal !), aussi je vous suggère de visionner quelques secondes de cette vidéo où je joue au jeu, afin d'avoir une idée plus précise ou vous assurer que vous avez bien compris mes explications approximatives.

Si vous avez jeté un œil à la vidéo, vous devez avoir remarqué deux choses. La première, la plus évidente : le jeu se joue en versus. Tout le temps. Il y a bien un mode "endless", où on joue seul sur un panneau occupant toute la largeur de l'écran jusqu'à ce que les billes descendent trop vite pour que l'on puisse suivre, ainsi que d'autres modes de jeu divers et variés, mais le cœur du jeu, le mode principal, vous fait affronter plusieurs personnages à la suite, ce qui est la principale différence avec Puzzle Bobble où le jeu se joue seul, et le versus se limitant aux affrontement avec un deuxième joueur.

Pour triompher des adversaires du mode histoire de Magical Drop, il faut remplir une des deux conditions suivantes : soit faire perdre l'adversaire en faisant descendre ses billes jusqu'à la limite, sachant que plus le nombre de combos que l'on fait est élevé, plus il recevra de lignes de billes d'un seul coup ; soit atteindre le quota de billes à eliminer en premier, le premier à effacer 200 billes emporte la victoire. Il faut donc choisir entre préparer intelligemment ses combos pour attaquer l'adversaire, ou se concentrer sur la survie et éliminer un maximum de billes. Dans les deux cas, les parties vont vite, très vite. Magical Drop est de loin le puzzle game le plus intense qui existe.

Les combos sont cruciaux dans ce jeu. En fait, cela va même plus loin que la simple réaction en chaîne "j'efface des billes, qui font tomber d'autres billes, qui s'effacent et font tomber d'autres billes..." ; si on est assez rapide, on peut forcer les combos soi-même. En effet, il se passe une courte seconde entre le moment où on envoie la bille et le moment où la ligne formée disparaît : c'est amplement suffisant pour se déplacer, choper une autre bille et former une autre ligne ailleurs. La clé, c'est d'arranger son plateau de sorte à pouvoir enchaîner plusieurs alignements, une technique qui n'est certes pas évidente au début, mais qui vient avec le temps, et est indispensable pour pouvoir venir à bout des boss les plus coriaces du mode histoire, et espérer survivre face à des joueurs de haut niveau.

L'autre composante principale du jeu, ce sont les personnages. Inspirés des cartes du jeu de tarot, chaque personnage est une allégorie (la Justice étant ma grande favorite), et chacun apparaît en arrière-plan lors du jeu, réagissant suivant la situation avec des animations de toute beauté. Mais leur rôle n'est pas que cosmétique : chaque personnage posséde un pattern, qui définit sur quelles colonnes et dans quel ordre vont apparaître les billes sur la grille de l'adversaire. Ainsi, certains personnages attaquent plus au centre, d'autres plus sur les côtés... Chaque personnage a son avantage et ses inconvénients, ce qui ajoute une dimension supplémentaire au gameplay. Et histoire de rajouter â l'aspect technique, il y a tout un tas de billes spéciales pouvant apparaître, et dont les effets varient, comme par exemple faire disparaître toutes les billes d'une même couleur. Sous ses apparences de puzzle game classique et simpliste, Magical Drop cache une grande complexité. Apprendre à maîtriser le jeu demande du temps et de l'entraînement, mais une fois que c'est rentré, tout s'enchaîne de manière naturelle et c'est l'éclate totale.

Si je devais vous recommander un épisode en particulier, ce serait soit le II (avec lequel j'ai découvert la série et le premier "vrai" Magical Drop) ou le III (le plus complet et certainement le meilleur épisode), idéalement sur borne d'arcade : rien ne remplace un bon vieux stick pour se déplacer à toute vitesse entre les colonnes et enchaîner les combos. Il existe également un 4ème épisode, Magical Drop F, sorti exclusivement au Japon sur Playstation, qui déborde de bonnes idées et de nouvelles fonctionnalités comme un mode aventure se jouant comme un RPG, ou des attaques spéciales propres à chaque personnage pouvant infliger des malus à l'adversaire. Et puis il y a le 5ème épisode, Magical Drop V, développé par les français de Golgoth Studio et qui... n'est pas vraiment à la hauteur, disons, son seul avantage étant qu'on peut l'acheter pour une bouchée de pain (99 centimes !) sur Steam, et peut-être aussi son mode multijoueur en ligne, si vous êtes chanceux et qu'il fonctionne correctement.

Je n'ai pas eu la chance de connaître les salles d'arcade dans ma jeunesse, et ce n'est que récemment que j'ai pu en profiter. De tous les classiques des années 90, les Metal Slug, les Street Fighter et les DoDonPachi, Magical Drop est de loin la découverte donc je suis le plus heureux. Si vous avez la chance de trouver une salle d'arcade qui en possède une borne, laissez donc les normies jouer à Puyo Puyo et Puzzle Bobble, et allez plutôt jouer à Magical Drop, le jeu des vrais.

(Non, en fait, jouez aux trois.)

Hotel Dusk: Room 215, sorti en 2007 sur Nintendo DS, création phare du regretté studio Cing, à qui l’on doit également Another Code : Mémoires Doubles sur cette même console (un jeu excellent mais dont je n’ai quasiment pas le moindre souvenir, ironique vu le titre !).

Hotel Dusk est un point-and-click, un genre de jeux que j’affectionne comme vous devez commencer à le savoir, entre les enquêtes des Ace Attorney et mes mésaventures sur la version GBA des Chevaliers de Baphomet. La Nintendo DS, avec son écran tactile, était la console idéale pour ce genre de jeux : plutôt que de déplacer un curseur jusqu’à un élément du décor à inspecter, il suffit de le toucher directement avec son stylet. Le tactile est le moyen idéal pour jouer aux point-and-clicks, et les développeurs de Cinq l’ont très bien compris en concevant ce jeu pensé spécifiquement pour la console de Nintendo.

En effet, Hotel Dusk aurait difficilement pu fonctionner ailleurs que sur une console à deux écrans, dont l’un tactile : à l’image des jeux de la série “Dr. Kawashima”, ce jeu se joue en tenant sa DS à l’horizontale, comme s’il s’agissait d’un livre. Un choix très pertinent car Hotel Dusk est présenté comme un roman policier, aussi bien dans l’esthétique, avec des personnages dessinés au crayon en noir et blanc, que dans l’ambiance et l’univers.

L’histoire se déroule à la fin des années 70. Kyle Hyde, un ancien flic qui a abandonné son travail après avoir abattu son partenaire lors d’une enquête, travaille désormais dans la vente de produits ménagers... et exécute quelques missions secrètes pour son patron, consistant à récupérer des objets perdus pour des clients. Son nouveau job l’emmène dans un vieil hôtel au beau milieu de nulle part, l’hôtel Dusk, où il va séjourner le temps de sa mission. À son arrivée, on lui donne les clés de la chambre 215, qui d’après la légende serait capable d’exaucer les souhaits de ses occupants...

Très vite, Kyle va découvrir que cet hôtel cache plein de secrets, tout comme son personnel et ses clients, et en fin limier qu’il est il va se lancer dans une longue enquête afin de percer à jour tous ces mystères... et peut-être découvrir des vérités sur cette mystérieuse jeune fille aux cheveux blonds qu’il a rencontré sur sa route, ou Bradley, son ancien partenaire mort, qui serait déjà venu dans cet hôtel...

Le jeu nous propose d’explorer l’hôtel dans des environnements tout en 3D, avec une vue à la première personne, et de toucher sur l’écran tactile ce que l’on souhaite examiner, comme dans n’importe quel point-and-click. À tout moment, il est possible d’ouvrir un carnet dans lequel on peut prendre des notes, ce qui sera parfois crucial pour ne pas oublier des informations utiles et résoudre certaines énigmes.

Car comme dans tout bon point-and-click qui se respecte, des énigmes sont au rendez-vous, et elles utilisent toutes intelligemment les fonctionnalités de la Nintendo DS, qu’il s’agisse simplement du tactile ou de choses plus poussées comme le microphone. C’est assez lointain, mais je crois me souvenir que certaines étaient assez corsées, demandant une bonne dose de réflexion.

Mais le gros du jeu se trouve dans les dialogues, présents en très grande quantité tout le long du jeu (il s’agit d’un roman policier, après tout !). Kyle devra interroger les différents occupants de l’hôtel pour obtenir des informations qui lui serviront à découvrir la vérité, ce qui prend la forme de confrontations parfois assez intenses où il faudra poser des questions, présenter des objets, et faire très attention à ce que l’on dit si on ne veut pas froisser la personne et mettre fin à l’interrogatoire avant d’avoir obtenu les réponses que l’on cherche.

Après avoir joué à Ace Attorney, j’ai été très heureux de découvrir Hotel Dusk, qui est somme toute assez similaire. Il y a du point-and-click, des interrogatoires, et une tonne de textes à lire. Mais là où Ace Attorney est une grosse comédie aux scénarios de meurtre improbables, Hotel Dusk prend une approche plus réaliste, avec une histoire plus sérieuse, pleine de secrets et de tragédies. Ainsi, si on perd les plot twists énormes des Ace Attorney, on obtient en échange une histoire plus réaliste, plus lente, et où le mystère est omniprésent et sous de nombreuses formes. Tout le monde dans cet hôtel a un secret, un passé honteux, et sont résolument plus “humains” que les personnages cartoonesques du monde de Phoenix Wright.

L’histoire de Hotel Dusk est passionnante. Elle ne semble pas ambitieuse à première vue, mais une histoire bien plus complexe et riche en surprises se cache sous la surface. Pour peu que l’on se laisse porter par cette ambiance polar et que l’on s’investisse dans cet univers et ses personnages, Hotel Dusk peut être une aventure passionnante, qui se savoure comme un très bon roman.

Hyrule Warriors, sorti en 2014 sur Wii U, crossover entre la série des Warriors (Dynatsy Warriors, Samurai Warriors, ...) et la série Zelda. Deux univers, deux concepts très différents, et qui pourtant se marient à merveille. Enfin, ça dépend à qui on pose la question. Hyrule Warriors est un jeu qui n’a eu de cesse de diviser les fans, et autant je peux dire que j’adore ce jeu, étant fan de Zelda et ayant adoré les Dynasty Warriors sur PS2 comme je vous le racontais dans d’autres articles, autant certains fans seront clairement moins enthousiastes. J’en entends même déjà quelques uns grincer des dents en voyant la vignette de cet article.

En ce qui me concerne, Hyrule Warriors c’est avant tout un gros coup de coeur, et ce dès la toute première bande-annonce, dévoilée il y a deux ans jour pour jour, dès les premières minutes du Nintendo Direct de ce mois de décembre 2013. Une bonne grosse surprise comme on n’en voit que rarement, un crossover improbable, mais qui m’a mis des étoiles plein les yeux. Pour être exact, ce jeu a arraché du ciel des constellations entières et me les a écrasés en pleine poire sans me laisser le temps de réagir.

Link était plus badass que jamais, tranchant et carbonisant des Bokoblins par centaines avec son épée et un bâton magique, affrontant en duel un Lizalfos avec style, et esquivant les roulades d’un roi Dodongo immense, avant de lâcher une attaque tornade dévastatrice sur l’armée adverse. J’étais bouche bée. Bien sûr, ça n’était pas le Zelda U que l’on attendait, mais on nous offrait la possibilité de défoncer des monstres de l’univers Zelda par dizaines dans un jeu bourré d’action, on n’allait pas cracher là-dessus ! Dans mon cas, j’étais prêt à accueillir ce jeu à bras ouverts, et ma décision était prise : j’allais acheter une Wii U pour ce jeu.

Concrètement, le jeu est exactement ce que l’on pouvait en attendre : un Warriors à la sauce Zelda. On retrouve donc le gameplay caractéristique de la série de Koei Tecmo, avec des batailles immenses où l’on incarne un personnage surpuissant, capable de décimer les troupes adverses par dizaines d’un simple mouvement de sa lame. Les Warriors sont des défouloirs à l’état pur, avec des combos stylés et des attaques spéciales totalement “over-the-top”, un compteur de K.O. qui se chiffre très vite en centaines, voire au-delà du millier, et des affrontements tendus contre des officiers ennemis de force et résistance équivalente, et qui ,contrairement aux simples soldats, ne restent pas immobiles pendant que vous les massacrez, et sont voire même capables de parer vos coups !

Les Warriors sont souvent qualifiés de jeu “bête et bourrin”, où on ne fait que marteler le bouton d’attaque pour gagner. Mais si on creuse un minimum, le gameplay est au final bien plus varié qu’il n’y paraît, et il en va de même pour ce Hyrule Warriors, qui ajoute à la formule des éléments tirés tout droit des jeux Zelda. L’un de ces éléments, c’est la fameuse visée introduite dans Ocarina of Time, qui permet de verrouiller la caméra sur un ennemi et l’attaquer directement. Bien sûr, cette fonctionnalité est limitée aux officiers ennemis et aux boss — avec plus de 2000 ennemis sur le champ de bataille, ça deviendrait vite brouillon si on pouvait verrouiller chacun d’entre eux !

Ce système de verrouillage permet ainsi des duels plus complexes et intenses que les grosses mêlées où on peut foncer dans le tas sans réfléchir : à la manière des Zelda 3D, il faut parer les coups, observer, trouver le bon timing pour attaquer dès que l’ennemi baisse sa garde. Et pour ce qui est des boss, on a presque l’impression de jouer à un vrai Zelda, chacun étant un monstre connu de la série (roi Dodongo, Gohma, ...) et possédant le même point faible : ainsi, il faudra faire manger des bombes au Dodongo pour l’affaiblir, il faudra lancer un projectile dans l’œil de Gohma pour le rendre vulnérable ; chaque combat de boss fait appel à un objet, à la façon des Zelda.

On retrouve également des éléments propres à la série comme la présence de coffres, de Skulltulas à dénicher et éliminer, et des fragments de cœur à assembler pour agrandir sa barre de vie. Même si tout ça est assez simplifié, et que l’exploration est minime (exploser des rochers avec une bombe, utiliser le grappin pour accéder à une plate-forme située en hauteur), tout est fait de manière à ce que ça se marie parfaitement avec le gameplay Warriors, tout en conservant l’esprit de ces éléments dans leur série d’origine.

Mais la plus grande variété de gameplay vient des différentes armes et surtout des différents personnages. Là où un Dynatsy Warriors proposait un éventail d’armes assez classique, de l’épée à la lance en passant par les haches, Hyrule Warriors se lâche et propose des armes de plus en plus fantaisistes à mesure qu’on les débloque. Link commence le jeu avec l’épée, puis le bâton magique qui lui permet de lancer des flammes. Mais si on va plus loin, Link pourra utiliser un énorme boulet à pics, les sabots de sa jument Epona, ou encore l’aérouage de Twilight Princess, une énorme toupie qu’il peut chevaucher pour rouler à toute allure sur les ennemis et les électrocuter. Chaque arme est un concept différent, et permet des attaques variées et de plus en plus délirantes avec le temps.

Il en va de même pour les autres personnages. Si les premiers niveaux nous permettent de contrôler Link et Impa, cette dernière utilisant un sabre, le casting va vite s’enrichir de nouveaux personnages ayant chacun un gameplay et un panel d’armes unique. Zelda pourra se servir de la Baguette du Vent pour déchainer des tempêtes sur ses ennemis, Lana, un personnage original, pourra jeter des sorts à l’aide de son grimoire, Darunia aura un gigantesque marteau, Midona attaquera avec ses cheveux, de la magie et des loups, et Fi pourra se changer en épée et trancher l’ennemi directement avec son propre corps.

Le casting de Hyrule Warriors est tellement grand et varié que cela prendrait trop de temps de le détailler, sans parler du fait que certains personnages débloquent plusieurs armes. Mais avec une vingtaine de personnages jouables avec chacun un voire plusieurs styles de combat uniques, autant dire qu’il y a l’embarras du choix.

Et si Link est obligatoire pour le premier chapitre du mode histoire, on peut dès le second choisir d’utiliser d’autres personnages, et il n’y aura au final que très peu de chapitres où Link, le héros, sera obligatoire. Et même dans ces chapitres, il n’est obligatoire que la première fois, le jeu nous permettant de les rejouer avec d’autres personnages. Il est donc parfaitement possible de faire toute l’aventure avec les personnages secondaires, pour la plupart bien plus intéressants que Link et sa bête épée.

Après tout, on contrôle Link depuis 1986, pourquoi se contenter de lui encore une fois quand on a la possibilité de jouer avec Impa, Ruto, Midona, ou même Ganondorf ou encore Zelda elle-même ! C’est d’ailleurs avec cette chère princesse, d’une puissance redoutable dans ce jeu, que j’ai terminé le jeu ; car oui, il est possible d’affronter le boss de fin avec absolument n’importe quel personnage (parmi les gentils, bien sûr), Link n‘est pas obligatoire pas même la première fois. Après presque 30 ans passés dans l’ombre, Zelda peut enfin devenir une héroïne.

Mais bon, cela reste une petite victoire pour Zelda et tous les personnages secondaires, car l’histoire de Hyrule Warriors, qui ne fait même pas partie de la chronologie officielle, est purement et simplement oubliable. Mais elle a un côté idiot et ridicule qui fait qu’on l’apprécie quand même, un peu comme un nanar.

Dans les grandes lignes, Cia, une sorcière qui avait pour mission de veiller sur la Triforce, a passé trop de temps à observer les différentes timelines de la série et est tombé amoureuse de Link, d’absolument tous les Link (oui, même le Link enfant d’Ocarina/Majora et le Link loup de Twilight Princess. Wow). Malheureusement, cet amour est impossible, et voyant qu’elle était désespérée par cette réalité, un esprit maléfique (on se demande qui *tousseGanontousse*) en profite pour prendre le contrôle de son esprit et l’envoyer conquérir Hyrule.

Link va donc partir à l’aventure pour arrêter son plan, et l’empêcher de ressusciter l’esprit maléfique qui la contrôle (on n’a vraiment jamais vu un scénario de ce genre dans la série !). Ce périple emmènera ses amis et lui à voyager à travers le temps et l’espace, explorant les univers d’Ocarina of Time, Twilight Princess et Skyward Sword où ils rencontreront de nouveaux alliés et ennemis.

L’histoire est pleine de “surprises” on ne peut plus prévisibles (mais qui est Sheik, on se demande...), et déborde de clichés en tous genres qui donnent l’impression de regarder une parodie de shônen. On en arrive au point où Link, trop sûr de lui parce qu’il est l’élu de la légende et parce qu’il possède la Master Sword, fonce droit dans un piège et se retrouve dépassé par des doubles maléfiques de lui-même, reflétant son côté obscur, et ses amis se mettent alors à l’encourager et lui rappeler qu’il n’est pas tout seul, qu’il a fait de nombreuses rencontres à travers le temps et l’espace, et que leur amitié est ainsi plus forte que tout, ce qui permet à Link de se relever et, maintenant qu’il a compris la véritable valeur de l’amitié, d’utiliser la Master Sword à sa pleine puissance.

Je n’invente rien.

Mais malgré tout, ce scénario médiocre digne d’une mauvaise fanfiction... fonctionne bien. On n’arrive pas à le prendre au sérieux, et si on accepte le fait que ce scénario est une vaste blague, on peut alors mieux apprécier certains moments hautement comiques, comme une bataille à Célesbourg où il faut escorter un soldat pour qu’il apporte de la soupe à un baleine géante. Oui.

Au final, ce jeu est fun aussi bien dans son gameplay défouloir et bourré d’adrénaline, que dans ses personnages et leurs armes débordantes de créativité, et dans son histoire tellement mauvaise qu’on ne peut pas s’empêcher de l’apprécier et de la trouver divertissante.

Et le jeu continue bien au-delà du mode histoire. Le gros du jeu se trouve dans un mode secondaire, le “mode aventure”, qui est essentiellement une collection de batailles aux conditions pré-établies, et que l’on sélectionne sur un énorme plateau représentant la map du premier Zelda sur NES. Mais plus qu’un choix esthétique, la carte peut être explorée afin de débloquer du contenu supplémentaire.

Finir une bataille débloque la case adjacente, mais il faudra parfois inspecter la zone pour y découvrir un secret et pouvoir débloquer une nouvelle arme ou un nouveau personnage à l’issue de la bataille. Ces mini-phases d’exploration reviennent à utiliser des objets (bombe, bougie, ...) pour dévoiler des secrets... équivalents à ceux du jeu d’origine. Ainsi, il faut trouver le bon arbre à brûler, le bon pan de mur à exploser, la bonne statue à déplacer... exactement comme dans le jeu original.

Et ce n’est que la carte principale. Car d’autres cartes s’ajoutent au mode aventure si vous achetez les DLC (un des quelques exemples avec Mario Kart 8 d’excellent rapport qualité/prix chez Nintendo ; Smash Bros. pourrait en tirer des leçons...). Parmi ces cartes, on peut en trouver une inspirée de Twilight Princess, avec certaines cases se trouvant dans le Royaume du Crépuscule, ou une carte Majora’s Mask, où la lune menace de s’écraser sur Termina et où chaque bataille jouée fait s’écouler une heure au compte à rebours, ajoutant une dimension supplémentaire à ce mode de jeu !

Pour conclure, Hyrule Warriors est un jeu fun et délirant, construit sur une base simple (avancer, frapper, tout défoncer), mais avec suffisamment de variété et d’ajouts pour étoffer l’expérience et la rendre intéressante, et il déborde de contenu, et ce même sans les DLC qui triplent le volume du jeu pour tout juste 15 euros. Plus d’un an après sa sortie, je suis loin, très loin d’en avoir fait le tour, et avec tout ce qu’il a à proposer, il est presque impossible de s’ennuyer. Hyrule Warriors est aisément mon jeu préféré sur Wii U, et je ne regrette pas d’avoir acheté ma console pour ce jeu.

Je pense même le racheter sur 3DS, dans sa version “Hyrule Warriors Legends”, qui propose un scénario supplémentaire, une carte du mode aventure en plus, et en plus de tous les DLC déjà inclus, une fournée de nouveaux personnages, parmi lesquelles la magnifique Linkle, une jeune femme convaincue par erreur d’être la réincarnation de Link et qui se bat avec deux arbalètes avec encore plus de style que Dante de Devil May Cry et ses deux pistolets fétiches. Regardez-moi ça.

Maintenant, tout ce que je souhaite, c’est que cette collaboration improbable avec Koei Tecmo ne s’arrête pas là et donne lieu à d’autres merveilles de ce genre, qu’il s’agisse d’un Hyrule Warriors 2 ou d’un crossover avec un autre univers. On a vu que Nintendo était beaucoup moins frileux à l’idée de prêter ses licences, donc, qui sait ? Personnellement, je suis prêt.

Pouce-Pouce Voyage dans le Temps, sorti en 1997 sur PC, et deuxième épisode de la série Pouce-Pouce... Quoi ? Vous faites une drôle de tête.

Oui, l’article de ce soir est assez inhabituel. Je ne pense pas que vous l’ayez vu venir ; en fait, la seule personne sur Twitter à avoir pu reconnaître l’illustration censurée a été @Yom_STG (félicitations !), tous les autres ont cru reconnaître la couleur violette de Wario, Rayman, Spyro... Des personnages et des jeux que j’apprécie grandement, mais ce n’était pas ça. Bien essayé !

À force de me lire (et de me suivre depuis avant ce petit projet de Noël pour la plupart), vous devez avoir cerné mes goûts en matière de jeux vidéo et connaître dans les grandes lignes mon parcours, les consoles que j’ai possédées. Vous savez par exemple que ma toute première console a été la Game Boy Color avec Pokémon Argent. Mais ce que vous ne saviez pas forcément, c’est qu’il ne s’agissait pas de mon tout premier jeu vidéo, loin de là.

Avant ça, j’avais un PC. Un vieux Windows 95 récupéré de mon père, le bon gros ordi bien lent et bien encombrant, mais qui en avait suffisamment dans le ventre pour faire tourner quelques jeux. Parmi ces jeux, il y avait des “jeux éducatifs” — pour n’en citer qu’un : Adibou. Je pense ne pas être le seul à avoir connu ce jeu — mais aussi de “vrais jeux” comme les adaptations de 1001 Pattes, Hercule, ou encore le légendaire Tintin au Tibet d’Infogrames.

Et parmi tous ces jeux, il y avait une série. Une série qui englobait plusieurs sous-séries, un univers à part entière : la série Kid Aventure. Le nom de la série, de la “collection” disons, n’est sans doute pas la partie la plus mémorable de ces jeux, car il était relégué à un petit logo dans un coin de la jaquette. Ce que l’on retenait surtout, après le titre des jeux en eux-mêmes, c’était le nom du développeur : Humongous Entertainment. Et c’est d’eux que je vais parler aujourd’hui, plus que de Pouce-Pouce Voyage dans le Temps en particulier.

Humongous Entertainment était — enfin, est ; ils existent toujours, sous le nom de Humongous Inc., après de nombreux rachats à droite à gauche, mais je vais parler d’eux au passé car ils ne créent plus de jeux comme ceux de la “grande époque — était, donc, un studio spécialisé dans les jeux d’aventure point-and-click pour enfants, qu’ils regroupaient au sein d’une collection intitulée “Kid Aventure”.

Je pense que si vous êtes de ma génération, même à quelques années près, vous devez connaître ces jeux, d’une façon ou d’une autre. Que vous les ayez possédés, ou que vous ayez simplement joué à une démo dans un des nombreux CD-ROM promotionnels qu’on pouvait trouver dans des paquets de céréales, je pense que vous avez dû les connaître. Mais dans tous les cas, je vais profiter de cet article pour présenter chacune des séries de la collection Kid Aventure.

La première, c’est bien entendu Pouce-Pouce. Si vous regardez à nouveau la vignette de cet article, Pouce-Pouce c’est cette petite voiture violette. Il s’agit d’une voiture antropomorphe, vivant dans un univers où tout le monde est une voiture antropomorphe. Cars avant l’heure. Cette série visait les plus jeunes (3 à 6 ans). Dans chaque épisode, Pouce-Pouce vivait une aventure somme toute assez banale : dans “Pouce-Pouce Sauve le Zoo”, il devait retrouver des animaux perdus dans le zoo municipal ; dans “Pouce-Pouce Entre dans la Course”, il devait réunir un certain nombre d’objets et équipements pour pouvoir participer à une course. Rien de vraiment folichon.

La seule exception, qui a été pour moi l’épisode le plus marquant, et c’est lui que j’ai voulu prendre pour illustrer cet article : “Pouce-Pouce Voyage dans le Temps”, où notre petite voiturette perd ses affaires d’école et son chien, suite à un accident de machine à voyager dans le temps dans le laboratoire de son professeur. Wow. Ça change. Il devra donc traverser l’espace-temps et visiter différentes époques : la préhistoire, le moyen-âge, le far west et le futur (tel qu’imaginé dans les années 90) ; et récupérer ce qui lui appartient.

Dans chaque épisode, la formule est donc la même : une liste d’objets/personnages à trouver, dans des zones distinctes. Et à chaque fois, il faut résoudre de petites énigmes, comme dans tout bon point-and-click qui se respecte. Des choses toutes simples : cet énorme dinosaure m’empêche de passer, qu’est-ce que je pourrais utiliser pour l’inciter à bouger ? On se retrouve donc à explorer les environs, inspecter les lieux en cliquant partout, ramasser des objets importants, et revenir les utiliser pour résoudre les énigmes.

La deuxième série s’appelait Marine Malice, visait les enfants de 6 à 9 ans, et mettait en scène un poisson du nom de... Marine Malice. Logique. Changement de décor total, on se retrouve sous l’océan en compagnie de poissons, crustacés et autres mollusques. Changement de registre, aussi, puisqu’au lieu d’accompagner Pouce-Pouce dans une aventure qui n’allait pas plus loin qu’une liste de courses glorifiée, on devait ici aider Marine à mener l’enquête et résoudre des mystères.

“Mystères”, c’est le mot. Chaque jeu était un mystère. “Marine Malice et le Mystère des Graines d’Algues”. “Marine Malice et le Mystère du Coqullage Volé” (!). “Marine Malice et le Mystère du Ranch aux Cochons” (!!!). Tant de mystères... La formule reste pourtant la même. Il sera à chaque fois question de récupérer un certain nombre d’objets, et pour ce faire résoudre différentes énigmes. La seule différence concrète était qu’une fois cet objectif atteint, le jeu continuait, dans une zone fermée, en mode “donjon final”. Impossible de faire demi-tour, il fallait alors résoudre une dernière série d’énigmes pour pouvoir finir le jeu.

Mais là, où Marine Malice était intéressant, en particulier dans les 3ème et 4ème jeux, c’était la conclusion : après avoir enquêté tout le long du jeu, c’était à nous de découvrir le coupable du mystère. Qui a volé le coquillage ? Qui a orchestré l’enlèvement des poissons-cochons ? (Oui, des poissons-cochons).  Tout le casting était alors réuni dans la même pièce, et grâce à un indice récupéré en chemin, il fallait identifier le responsable. Tirer cette conclusion n’était pas bien difficile (on a trouvé un microphone ? Peut-être qu’il appartient à la chanteuse...), mais ce qui rendait cette scène intéressante, c’est que le jeu génère aléatoirement un nouveau coupable à chaque partie.

Et il n’y a pas que cette séquence finale : le jeu tout entier change à chaque partie. Que ce soient les objets à trouver, leurs emplacements, les énigmes à résoudre, tous les jeux Kid Aventure se renouvelaient à chaque partie, ce qui donnait envie d’y rejouer plusieurs fois. Et autant dans le cas de Pouce-Pouce ça n’était pas particulièrement passionnant, autant dans un jeu comme Marine Malice où on devait jouer les détectives, savoir que le coupable changeait à chaque partie, et que chaque personnage avait son propre mobile, et chacun un casier judiciaire différent expliquant ce qu’ils étaient devenus après la fin du jeu, l’envie de rejouer afin de découvrir toutes les fins possibles était grande.

La série suivante, Sam Pyjam, renommée par la suite en Pyjama Sam, reposait également sur la même formule. Des objets à réunir, des énigmes à résoudre, et à chaque partie des objectifs différents. Conçue également pour les 6-9 ans, cette série mettait en scène un petit garçon du nom de Sam, qui une fois la nuit venue enfilait son pyjama et devenait alors Sam Pyjam, le super-héros qui n’a peur de rien... ou presque. Chaque épisode tournait autour d’une des peurs de Sam, et il vivait alors une aventure où il devait surmonter cette peur.

Peur du noir, peur du tonnerre... Chaque histoire commençait de cette façon, avec une sorte de tutoriel dans une zone fermée, avant d’envoyer Sam dans un monde fantastique et/ou imaginaire où son aventure aura lieu. Mon épisode préféré, le 2ème, l’amenait dans une sorte de centre de contrôle de la météo, et suite à un accident, des pièces essentielles au fonctionnement du centre avaient disparu. Il appartenait alors à Sam de retrouver ces pièces, réparer la machine, et sauver le monde d’un dérèglement climatique sans précédent.

Sam étant un enfant débordant d’imagination, tous les personnages de ses jeux sont soit des objets doués de parole (les pièces qu’il doit récupérer, par exemple), soit des personnifications : ses principales peurs dans cet épisode, le tonnerre et l’éclair, lors d’une nuit d’orage, sont ici personnifiées par deux femmes dirigeant le centre de contrôle. Avec le recul, je les shippe toutes les deux.

Du coup, si le monde de Pouce-Pouce était oubliable (des voitures qui parlent, quoi), et celui de Marine Malice assez banal (des poissons qui parlent, quoi), celui de Sam Pyjam se voulait beaucoup plus original et délirant (une carotte masquée à la tête d’un front de libération des légumes et salades, quoi), et allait bien au-delà du simple jeu : les premières éditions du jeu Sam Pyjam 2 contenaient une bande dessinée de “Pyjaman”, le super-héros modèle de Sam in-universe. Cette BD, présenté comme un numéro de comics, avec des références à des aventures passées (qui n’existent pas) et un scénario s’amusant avec les nombreux clichés des histoires de super-héros, était très drôle à lire et ajoutait une dimension supplémentaire à l’univers du jeu.

Enfin, la dernière série, pour les “plus grands” (c’est à dire dès 8 ans) : Spy Fox, d’abord connue sous le nom “James Renard”. Exit les parodies de super-héros, ici on parodie les films d’espionnage et en particulier 007. Sauf qu’ici, James Bond est un renard. Tout va bien. Plus “classique” que Sam Pyjam où le moindre bout de bois pouvait avoir une conscience, les Spy Fox mettaient en scène un univers rempli d’animaux antropomorphes.

Notre renard espion devait, dans chaque épisode, empêcher un méchant diabolique de dominer le monde, avec à chaque fois un plan farfelu. Dans le premier jeu, le méchant capturait toutes les vaches de la planète pour causer une pénurie de lait et avoir le monopole pour vendre du lait de brebis. Dans le troisième, il s’agissait d’actionner un aérosol géant en orbite autour de la Terre pour détruire la couche d’ozone et avoir le monopole du marché des crèmes solaires. Les histoires de Ian Fleming ne valent rien face aux aventures de Spy Fox.

Tout en conservant le gameplay “point-and-click” simplifié des autres séries, Spy Fox ajoutait un système de conversation, où on pouvait récolter des sujets de discussion, représentés par des bulles de dialogues stockées dans l’inventaire, et les utiliser sur un personnage pour récolter des informations utiles. Encore une fois, le tout était simplifié pour être accessible au maximum, mais cela ajoutait une dimension supplémentaire au gameplay, et une bonne dose de réflexion pour trouver à qui parler et quoi leur dire pour avancer.

Plus scénarisé, avec des branchements différents choisis aléatoirement à chaque partie, les jeux Spy Fox gardaient toutefois la même formule, à savoir résoudre des énigmes pour récolter des objets clés. Là où ça devenait intéressant, c’était la conclusion : il y avait deux fins possibles. Une mauvaise fin, où le grand méchant parvenait à s’échapper, et une vraie fin, où Spy Fox réussissait à infiltrer sa base secrète ultime et l’arrêter pour de bon. Pour accéder à la vraie fin, il fallait réagir à temps et trouver un moyen de poursuivre le criminel, sans indication, avant qu’il ne soit trop tard. De quoi ajouter un peu de suspense et d’action, et de rendre le final encore plus épique.

Voilà donc pour ces quatre séries, fondées sur des bases similaires, mais possédant chacune un univers, un style bien distinct. Est-ce que je recommande d’y jouer... ? Pas vraiment, non. Ces jeux sont vraiment faits pour les enfants, et y jouer aujourd’hui quand on a plus de 10 ans n’aurait pas vraiment d’intérêt, à part peut-être pour l’humour assez délirant des Spy Fox.

Disons que ces jeux, au même titre qu’Adibou que je mentionnais plus tôt, sont des “jeux de mon enfance”, et aussi importants qu’ils aient pu être, ils sont faits pour rester dans l’enfance et ne pas en sortir. Mais ça me semblait tout de même intéressant et important d’en parler.

Parce qu’en y repensant : ces jeux étaient franchement bien fichus. Avec ces éléments aléatoires, la rejouabilité était au top. On pouvait y jouer encore et encore sans s’en lasser, car les objectifs changeaient, on découvrait de nouveaux dialogues, et chaque jeu regorgeait de nombreux secrets, allant des objets à ramasser en guise de quête secondaire, aux mini-jeux plutôt bien conçus, et en passant par de nombreux gags cachés dans les décors, qui n’attendaient qu’un clic pour se lancer.

Et puis, c’est jeux ont été mes tout premiers point-and-clicks, et je pense qu’il en était de même pour beaucoup de joueurs. Et malgré la simplification du concept, les bases étaient là et étaient très solides. Tout ce qu’on peut attendre d’un point-and-click se trouve dans ces jeux, et pour des “jeux pour enfants”, il n’y a clairement pas d’arnaque. Là où certains jeux jouent la carte de la paresse, et optent juste pour un semblant d’esthétique cartoon pour plaire aux plus jeunes, les jeux d’aventure de Humongous Entertainment étaient des jeux sérieux, complets, et de qualité. Des jeux comme ça, on n’en fait plus.

C’est avec cette série que j’ai pu apprécier les point-and-clicks, des jeux où l’interactivité se résume pourtant à sa plus simple expression et n’a pas grand chose d’attrayant. C’est grâce aux Kid Aventure que j’ai pu, par exemple, apprécier Les Chevaliers de Baphomet, qui autrement m’aurait instantanément fait fuir.

Ainsi, si je ne peux pas vraiment vous recommander d’y jouer vous, en tant qu’adolescents voire jeunes adultes dont l’enfance est déjà loin, très loin derrière, laissez-moi au moins vous recommander ceci : gardez ces noms de côté, et faites jouer vos futurs enfants à ces jeux. Ils méritent des jeux comme ça dans leur enfance.

ObsCure, sorti sur PlayStation 2 en 2004, ainsi que sur PC et Xbox. C’est ici la version PS2 qui nous intéresse, car comme vous devez le savoir maintenant cette console a été très importante dans mon parcours de joueur.

Pendant longtemps, mes jeux PS2 m’avaient tous été généreusement offerts par mon vieil ami Alex, et tous ces jeux que j’avais déjà pu tester avec lui et que je devais cette fois refaire seul ont servi “d’échauffement”. Il s’agissait de genres de jeux encore inédits pour moi, des FPS, des TPS, des beat’em all, des jeux d’infiltration, et les avoir à portée de main, sans l’encadrement de mon ami expert, a un peu servi de “formation”, pour m’ouvrir à d’autres horizons que ma bulle de confort Mario-Zelda-Kirby.

Après ça, comme j’avais fait le tour de tous ces jeux, j’ai logiquement voulu m’essayer à d’autres trucs, avoir mes propres jeux. Je me suis donc mis à acheter des jeux moi-même avec mon argent de poche, et expérimenter de nouvelles choses. Je me suis mis aux Resident Evil après avoir découvert le remake du premier sur DS, j’ai essayé les Final Fantasy, et puis j’ai donné sa chance à ce jeu à la jaquette étrange, que j’aurais certainement reposé immédiatement dans le bac des jeux d’occasion si l’ami qui m’accompagnait ne m’avait pas recommandé de le prendre.

Vous vous en doutez avec une vignette pareille, ObsCure est un jeu d’horreur. Même si, pour être honnête, je n’ai pas le moindre souvenir d’avoir rencontré une créature/fantôme/chose de ce genre dans le jeu... En fait, avec cette illustration sur la jaquette, on s’attendrait à un jeu dans la veine d’un Silent Hill, mais le résultat est tout autre.

En effet, le jeu met en scène une bande de lycéens, qui vont enquêter sur d’étranges disparitions dans leur établissement. Dès la cinématique d’introduction, on a droit à une visite du lycée et un aperçu de la vie étudiante, et on découvre le casting principal pendant un match de basket-ball, avec les noms des personnages en incrusté, le tout avec "Still Waiting” de Sum 41 en musique de fond. Les années 2000 dans toute leur splendeur.

C’est dans cette ambiance de “teen horror movie” que Kenny, Stan, Josh, Shannon et Ashley vont vivre une aventure des plus terrifiantes... Tout commence lorsque Kenny, basketteur rebelle, décide de rester au gymnase après les cours pour faire quelques paniers, et au moment de revenir au vestiaire, il se rend compte que quelqu’un a subtilisé son sac. Il se met alors à la poursuite de son voleur, ce qui l’amène à un souterrain secret où des choses étranges semblent avoir lieu, et où il fait la rencontre de créatures effrayantes...

Le lendemain, sa bande de potes est inquiète, il n’est pas rentré chez lui et n’a pas donné signe de vie depuis. Plusieurs lycéens avaient déjà disparu par le passé, et maintenant que leur ami fait partie des victimes, ils décident de rester après la fin des cours pour partir à sa recherche. Commence alors une longue nuit passée à errer dans les différents bâtiments de leur école, où il se passe bien plus de choses qu’ils ne le croient...

Outre l’ambiance “ado”, ObsCure se démarque des autres survival horror par la possibilité d’y jouer en coopération avec un deuxième joueur. On peut à tout moment choisir un personnage parmi notre bande de lycéens (d’abord 4 personnages, puis 5 une fois Kenny retrouvé), et partir explorer les couloirs sombres et infestés de monstres à deux. Et si le jeu en lui-même est peut-être, avec le recul, assez moyen, je garde d’excellents souvenirs de ce mode multijoueur.

On se retrouvait chaque semaine chez moi avec mes amis pour jouer à ObsCure. On fermait les volets et les rideaux, on éteignait la lumière, on rapprochait le canapé le plus possible de la télé, on mettait le son à fond, et c’était parti pour des heures de frayeur, d’angoisse, mais aussi de rire, de réflexion et de tension dans les niveaux les plus difficiles. À trois, on a fini le jeu, en se passant la manette de temps à autre. On lisait ensemble les documents qui donnaient des indices sur le mystère du jeu, et on crisait ensemble dès que l’on se retrouvait face à un plot twist que l’on n’avait pas vu venir. On avait chacun notre personnage préféré, notre arme de prédilection, notre façon de jouer, et cela a rendu l’aventure inoubliable pour moi. En fait, je pense même que c’est la meilleure façon de jouer à ObsCure, y jouer en coopération avec un ou plusieurs amis. Le mode un joueur doit être tellement ennuyeux, en comparaison...

Cela ne veut pas dire que le jeu est mauvais pour autant. Il dispose d’excellentes idées qui rendent l’expérience intéressante que l’on soit seul ou à plusieurs. Tout d’abord, la gestion de l’inventaire était faite de façon intelligente, avec la possibilité de combiner certains objets. La combinaison de base, la plus utile et qui constituait la base de l’exploration dans ce jeu : avec un rouleau de scotch, attacher une lampe torche à une arme.

Ça peut paraître dérisoire, surtout aujourd’hui où tous les jeux disposent d’un “crafting system”, mais cela apportait beaucoup à l’ambiance d’ObsCure, avec un côté “on se débrouille comme on peut avec ce qu’on a”. Mais attacher la lampe à son arme n’avait pas qu’un aspect pratique : dans ce jeu, la lumière est le point faible des ennemis. Les éclairer avec sa lampe torche servait non seulement à les repérer et pouvoir mieux leur tirer dessus, mais également à les ralentir et les affaiblir !

Outre ce système, il y avait également la gestion des personnages qui ajoutait une dimension supplémentaire au jeu. En effet, chaque personnage possèdait une capacité spéciale, qui pouvait servir suivant la situation : l’un était capable d’inspecter une pièce pour dire s’il restait quelque chose à faire ou des objets cachés à trouver, l’un pouvait crocheter les serrures plus rapidement, l’une pouvait infliger plus de dégats aux ennemis... Il fallait donc réfléchir à quel personnage emmener avec nous, et surtout les garder en vie. Car dans ce jeu, une fois qu’un personnage meurt, il meurt pour de bon, et disparaît pendant tout le reste du jeu. Finir l’aventure avec tout le casting intact n’était pas une mince affaire !

Et puis, en dehors du gameplay, il y avait de très bonnes idées de scénario et de mise en scène. Enfin, à l’époque. Je suis sûr que si j’y rejouais aujourd’hui je trouvais l’histoire cliché et les coups de frayeur faciles. Mais pour nos qui étions encore adolescents, l’effet était saisissant. Parcourir un couloir mal éclairé et voir soudain un énorme monstre défoncer le mur d’une salle de classe et nous foncer dessus, traverser un bâtiment délabré et devoir avancer lentement au risque de voir le sol s’effondrer sous nos pieds, et devoir économiser nos munitions pour ne pas se retrouver au dépourvu face aux mutants plus coriaces et les boss... Tout cela fonctionnait à merveille.

Ça y est, j’ai envie d’y rejouer maintenant. Peut-être que je devrais inviter mon vieil ami de toujours et lui proposer de m’accompagner. C’est un jeu terriblement fun en multijoueur, et une expérience que je recommande vivement. Peut-être qu’ObsCure n’est pas si effrayant que ça, au fond. Ce que je retiens le plus, c’est d’avoir vécu ce jeu et ces petits moments d’effroi adolescents avec mes amis, et aucun doute là-dessus : la survie, c’est beaucoup plus sympa à plusieurs !

Super Smash Bros., sorti en 1999 sur Nintendo 64, premier volet d’une des séries de jeux les plus importantes de Nintendo... et l’épisode que j’aime le moins. Euh ? Que fait-il dans cette liste, alors... ? Essentiellement parce que j’avais envie de parler de la série dans son ensemble, et qu’il fallait bien commencer par le premier, celui avec lequel j’ai découvert la série, et même si les épisodes suivants l’ont totalement éclipsé, qui m’a apporté nombre de bons moments.

Smash Bros. a été l’étape suivante la plus logique dans mon parcours de joueur. Histoire de resituer le contexte, faisons le point sur tout ce que je vous ai raconté au cours des deux dernières semaines. Si vous suivez ce calendrier de l’avent depuis le début, vous savez que j’ai commencé les jeux vidéo sur console avec Pokémon Argent, sur Game Boy Color. Par la suite, j’ai acquis une Game Boy Advance, qui m’a permis de jouer à une série que j’ai longtemps rêvé d’essayer, la série des Super Mario, avec Super Mario World et par la suite Yoshi’s Island. Mais, ne pouvant pas posséder et tester tous les jeux qui sortaient, j’ai commencé à avoir recours à l’émulation sur PC, ce qui m’a permis de découvrir la série Metroid avec Fusion. Dans le même temps, je découvrais les jeux Kirby, et alors que je l’avais toujours regardée d’un œil dubitatif la série Zelda est très vite devenue elle aussi une passion.

Je pense que vous voyez le portrait se dessiner. D’autant plus si vous regardez la vignette de l’article juste au-dessus. Smash Bros. était le jeu qui réunissait toutes ces séries. Pokémon ? Check. Mario, Yoshi ? Check. Metroid ? Check. Kirby et Zelda ? Bingo. Il y avait même ce bon vieux Donkey Kong, dont je connaissais vaguement l’univers grâce à quelques parties de Donkey Kong Land 2 sur la Game Boy d’un cousin, mais aussi et surtout grâce au légendaire dessin animé dont je ne manquais pas le moindre épisode. Le seul inconnu de la bande était un renard du nom de Fox, mais avec 7 personnages sur 8 que je connaissais et adorais, je n’allais pas me plaindre.

Ironiquement, j’ai découvert Smash Bros. 64 pas mal de temps après la sortie de Melee. Je n’ai d’ailleurs à ce jour, en dehors de deux parties de quelques minutes à peine, une fois en multijoueur et une autre fois en solo sur le mode aventure, jamais joué à Super Smash Bros. Melee. Et ça va, je me porte très bien.

Je n’ai jamais possédé de Nintendo 64 à la maison, mais étant donné que Visual Boy Advance m’avait ouvert la porte au monde de l’émulation et du piratage (tousse), ne pas avoir la console n’était plus un frein pour moi. J’avais des années de jeux vidéo à rattraper, et si les jeux de cette console étaient tous du niveau d’Ocarina of Time, je me devais de les récupérer et les essayer ! Bien sûr, j’ai ignoré pas mal de classiques de cette génération, pour me focaliser sur les choses que je connaissais. Mais j’ai au moins pu essayer Mario Party, Kirby 64 dont la fameuse publicité m’avait marqué plus jeune, Mario Kart 64, Paper Mario, Pokémon Snap que je n’avais pu tester qu’en magasin, et j’ai même été amené à rejouer à Ocarina of Time et Majora’s Mask, ayant par malheur cassé mon disque de Collector’s Edition (j’en avais pleuré toute une après-midi...).

Pouvoir faire tourner des jeux Nintendo 64 sur mon ordinateur, c’était l’occasion d’essayer tous ces jeux, des jeux que j’avais manqué, des épisodes de séries que j’appréciais ; et c’est ainsi que j’en suis venu à jouer à Super Smash Bros. Certes, je n’aimais pas vraiment les jeux de combat et je ne me voyais pas vraiment jouer à ce jeu, mais bon, ce n’était pas comme si j’allais regretter un téléchargement gratuit. Et puis, ce jeu allait sûrement être très marrant à plusieurs.

Je me suis donc lancé dans le jeu. J’ai essayé le mode un joueur, et j’ai pris mon personnage préféré de la liste : Kirby. Une bonne chose, je pense, ce personnage étant idéal pour les débutants, avec des coups simples et efficaces, et la possibilité de voler qui était (et est toujours aujourd’hui) un gros plus dans ce jeu où on perd si on se fait éjecter de la plate-forme où a lieu le combat. Si j’avais opté pour un autre personnage moins évident à manier, je ne sais pas si j’aurais autant apprécié le jeu.

Parce qu’autant le dire tout de suite : j’étais très, très mauvais à ce jeu. Je ne savais même pas comment jouer, j’ai seulement retenu que le bouton B servait à faire des attaques spéciales et je me contentais de spammer celles de Kirby. Et entre ses attaques Trancheur et Rocher, ainsi que sa capacité à copier les attaques des personnages qu’il avalait, Kirby avait un moveset suffisamment varié et puissant pour que je m’amuse (et que j’en abuse !), me garantissant souvent des victoires faciles face à l’ordinateur, et face à mes amis.

Car oui, parfois, il m’arrivait de jouer avec des amis, sur le même ordi, et sans le luxe des manettes USB plug-and-play. Quand on n’était que deux, je configurais le clavier, pour que chacun ait ses touches sur une moitié. Mais lorsque l’on était trois, je me retrouvais alors contraint de sortir ce qui s’apparentait le plus à une manette : un vieux modèle de joystick “Thrustmaster”, conçu avant tout pour les jeux de simulation de vol, et que mon père m’avait acheté parce que ça devait être avec ça que les enfants jouent aux jeux vidéo, probablement, peut-être.

Je vous laisse imaginer. J’ai joué à Super Smash Bros. Avec un manche à balai. Je n’invente rien.

Aussi loin que je me souvienne, le manche servait de stick pour les déplacements et les sauts, et le bouton principal ainsi que la gâchette derrière le manche servaient aux attaques. Croyez-le ou non, j’arrivais malgré tout à jouer avec cette configuration. Et puis, cela restait mieux que de se serrer autour du même clavier, qui ne pouvait prendre en compte qu’un nombre maximum de touches pressées en même temps. On faisait avec ce qu’on avait, et l’essentiel était de s’amuser. Peu importe si on ratait nos coups à cause des commandes foireuses. Peu importe si aucun de nous ne savait jouer. On était là pour passer un bon moment.

J’ai fini par me lasser du jeu en solo. L’ordinateur, ça va un moment. Et quand j’ai vu que je n’arrivais pas à débloquer d’autres personnages que Rondoudou, peu importe combien de fois je terminais le mode un joueur, j’ai fini par abandonner, utiliser un code triche pour débloquer tous les autres personnages, et je ne jouais plus que lorsque mes amis venaient passer l’après-midi chez moi. D’ailleurs, au final, ça ne changeait pas grand chose d’avoir ces personnages : Captain Falcon n’intéressait personne, Luigi et Rondoudou étaient des copies de Mario et Kirby, et on s’interdisait de jouer Ness car c’était le personnage le plus puissant du jeu (forcément, il avait une batte de baseball et pouvait l’utiliser à volonté !) ; au final, on ne jouait que nos personnages habituels, et avec le temps on s’en est tous un peu lassés.

Des années plus tard, Brawl sortait sur Wii. C’était un jeu dont j’avais suivi le développement d’assez près, consultant régulièrement le “Dojo” pour ne rien manquer des dernières annonces. Même si en réalité la seule chose qui m’intéressait était l’annonce que le Roi DaDiDou et Meta Knight seraient dans le jeu. Oui, j’étais décidément très fan de Kirby. Quoi qu’il en soit, j’étais très impatient que le jeu sorte, et même si j’avais fait l’impasse sur Melee, je me devais de jouer à celui-ci !

Finalement, je ne l’ai jamais acheté : un de mes amis l’avait fait avant moi. Et vu que pour moi, ce jeu a toujours été pensé pour le multijoueur, ça n’avait aucun intérêt que je l’achète à mon tour. Je n’avais qu’à y jouer chez cet ami, et lui pouvait le ramener quand on se retrouvait chez moi. Du coup, j’ai profité de ce jeu uniquement en multijoueur, avec cet ami, nos amis communs, mais aussi des amis à lui que je connaissais moins...

... Et c’était différent. Pas tant le jeu en lui-même, même s’il suffit de regarder Smash 64 et Brawl cinq secondes pour voir qu’il y a une sacrée différence ; mais les joueurs, eux, avaient changé. Ce n’était plus comme à l’époque où on jouait au premier Smash à trois sur mon clavier, en spammant toutes nos attaques et en se ruant sur chaque objet qui apparaissait sur le terrain. Maintenant, on était grand, et on... enfin, surtout ils savaient jouer.

Parmi mes adversaires, il y avait des joueurs qui avaient connu Melee, qui avaient Brawl chez eux, qui maîtrisaient tous les personnages et connaissaient toutes les techniques dans les moindres détails. De mon côté, j’essayais de comprendre qui étaient Falco et Wolf, d’où sortait ce blondinet de Lucas, pourquoi ils insistaient tous pour dire que Ganondorf était un clone de Captain Falcon, de quel jeu venaient Marth et Ike et pourquoi l’un d’eux parlait japonais, et surtout, qui chez Nintendo s’était dit qu’inclure Snake était une bonne idée.

Ainsi, au milieu de tous ces bons joueurs, qui connaissaient déjà le jeu par cœur, j’étais là à jouer Kirby, le seul personnage que je connaissais, et parfois essayer DaDiDou ou Meta Knight, mais tester un nouveau personnage en plein milieu d’une mêlée avec trois pros, ce n’est clairement pas le meilleur moyen de progresser. Je ne progressais même pour ainsi dire pas du tout, je me contentais de me souvenir de ce que je faisais à l’époque avec Kirby et j’appuyais sur un peu tous les boutons. Mais malgré tout, je m’amusais bien ! À part peut-être lorsque les autres insistaient pour jouer sur Destination Finale ou pour enlever les objets. Je ne comprenais pas vraiment pourquoi ni ou était le fun, mais je me contentais de suivre.

Comme avec Smash 64, les années ont passé et on a tous un peu lâché le jeu. Parfois, on y rejouait chez moi, en petit comité, sans les joueurs “sérieux”. Je venais de découvrir la série Kid Icarus, et j’ai commencé à essayer Pit. Lui aussi semblait très pratique pour un débutant comme moi, avec des attaques efficaces et la possibilité de voler. Il est très vite devenu mon personnage principal. Je jouais toujours aussi mal, mais avec une ambiance plus détendue j’avais plus de marge pour faire des erreurs et apprendre.

Pour la première fois, je commençais à utiliser des coups simples plutôt que de toujours utiliser les attaques spéciales. Pour la première fois, j’ai trouvé une utilité au bouclier, et j’ai commencé à parer les coups. Et parfois, on se faisait des parties où tout le monde prenait un personnage aléatoire, et on essayait de se débrouiller avec. Ça m’a permis d’apprendre à connaître un peu d’autres personnages, parfois même gagner avec eux, et ça m’a encouragé à aller au-delà de ma bulle de confort avec Kirby.

À ce moment, il ne manquait qu’une chose. Un nouveau Smash Bros. Un nouveau jeu pour faire un nouveau départ.

C’est en 2013, lors de l’E3, que “Smash 4″ a été dévoilé. Le jeu avait déjà été annoncé bien avant cela, et je savais qu’il sortirait à la fois sur Wii U et sur 3DS. Mon choix s’était déjà porté sur la version portable, étant fou amoureux de ma 3DS et n’ayant pas l’intention d’acheter une Wii U de sitôt. Mais c’est voir la bande-annonce du jeu, voir le Villageois, Mega Man et l’Entraîneuse Wii Fit (!?) rejoindre le casting, et réaliser que ce jeu allait tenir sur le petit écran de ma console portable, qui m’a enfin rendu excité et impatient pour ce jeu.

J’ai commencé à suivre les “Pics of the Day” sur Miiverse. J’ai suivi des blogs comme Challenger Approaching. J’ai commencé à imaginer les persos que je voudrais bien voir. Un jour, deux images étranges ont fait surface, montrant la déesse Palutena de Kid Icarus face à Mario. L’idée était farfelue. Mais avec le temps, elle m’a un peu fait envie. En avril 2014, juste à la veille de mon anniversaire, un Super Smash Bros. Direct allait avoir lieu et, essentiellement pour rire, je criais haut et fort que Palutena serait confirmée. Ça ne s’est pas produit. Mais j’ai cru malgré tout voir des indices. Plus je regardais, plus je me disais que cette idée farfelue n’était peut-être pas si farfelue que ça. Le rire s’est changé en conviction.

À l’approche de l’E3, l’Ermite Moderne m’a invité dans une de ses vidéos, et j’ai exposé ma théorie. L’E3 est arrivé : j’avais vu juste. #PaluEstJouable. C’était de la folie. J’ai explosé de joie à l’annonce, on m’a félicité pour avoir vu juste, et des mois plus tard, à un tournoi Smash 3DS, on me reconnaissait comme étant “le YouTuber qui avait prédit Palutena”. Wow. D’autres trucs assez dingues se sont produits, comme les combattants Mii et le légendaire Pac-Man. Les images du jour ont continué, d’autres annonces ont été faites. Pendant ce temps, il y avait des “leaks”, dont un notable, le fameux “Gematsu Leak”, que plein de gens considéraient comme vraie suite à quelques prédictions réussies (Pac-Man, Wii Fit Trainer) et d’autres prédictions très probables (Chrom de Fire Emblem Awakening), mais que je refusais d’accepter.

Peut-être était-ce simplement parce que je ne voulais pas que la liste des personnages soit déjà connue d’avance, et qu’il n’y ait plus de place à la spéculation, aux théories, aux rêves. En tout cas, une chose est sûre, lorsque le 14 juillet, une bande-annonce allait être dévoilée, que tout le monde s’attendait à voir arriver Shulk de Xenoblade, parce que la source du leak l’avait affirmé, et que j’avais fini par baisser les bras... Lucina est arrivée. Mieux, elle est arrivée et a confirmé que Chrom ne serait pas jouable. Le Gematsu Leak était détruit, et on avait le droit de rêver à nouveau.

Avec Smash 4, j’ai pu vivre ce que je n’avais pas eu la chance de vivre à l’époque de Brawl, trop occupé à regarder les personnages de l’univers Kirby pour vraiment me rendre compte de ce qui se passait. Pour la première fois, et pendant plus d’un an, j’ai suivi avec tous les autres fans l’actualité de ce jeu au quotidien. J’ai rêvé. J’ai tremblé. J’ai crié. J’ai connu le désespoir à cause du Gematsu Leak, puis retrouvé l’espoir quand cette soi-disant fuite s’est effondrée (avant de connaître à nouveau le désespoir quand une vraie fuite s’est produite en août).

Et avec les DLC après la sortie du jeu, et le lancement d’un scrutin officiel pour choisir de nouveaux personnages, plus d’un an après avoir acheté le jeu le périple continue. Au moment où j’écris ces mots, nous sommes à quelques heures de la dernière présentation dédiée à Smash Bros. On sait déjà que Cloud Strife sera de la partie (Cloud Strife, rendez-vous compte !), et on est tous là, à espérer de nouveaux personnages et à compter le temps qu’il reste. Et oui, “on" est "tous" là. Smash Bros. rallie les fans, est sur toutes les lèvres. Cette épopée quotidienne, l’attente de ce Smash Bros., m’a permis de me rapprocher de nombreuses personnes, et m’a fait plus que jamais me sentir fan de Nintendo.

En fait, j’irai même jusqu’à dire que c’est ce que j’ai le plus aimé dans Smash 4 : l’attendre. Cette excitation, ce suspens constant, ces moments inoubliables lors de l’annonce des nouveaux personnages, les nombreuses discussions avec d’autres fans... Le simple fait de se sentir fan. Et il n’y a pas meilleur jeu pour se sentir fan, quoi de mieux qu’un jeu qui rassemble les personnages de tous ces univers qui ont bercé notre enfance et marqué notre parcours de joueurs ? C’est après tout pour ça que l’on s’est tous lancés dans ce jeu à l’époque, même ceux qui n’avaient jamais touché à un jeu de combat de leur vie : nos 8 personnages préférés sur la jaquette, et la perspective de tous ces combats de rêve que l’on allait mettre en scène.

Bien sûr, en dehors de toute l’anticipation et les crises de fanboyisme sur Twitter, le jeu en lui-même est excellent, c’est même le meilleur à mes yeux. J’ai joué sur 3DS, pour la première fois j’avais mon jeu à moi, pas une ROM à laquelle je jouais sur un coup de tête entre deux autres ni un jeu qu’un ami devait me fournir ; et pour la première fois j’y ai joué exclusivement en solo. J’ai appris à jouer pour de vrai. J’ai découvert comment faire des attaques Smash et éjecter mes adversaires, la base du jeu... Ça m’aura pris plus de 10 ans !

J’ai joué à la version Wii U, aussi. Curieusement, je l’aime moins, sans doute à cause de mon attachement aux consoles portables, et le fait qu’elle se prête plus au multijoueur dans le salon que la version 3DS, à laquelle je peux jouer sur mon propre écran, où je veux. Dans les deux cas, je me suis amusé, et je continue de m’amuser. Alors que je pensais jouer Pit, puis Palutena, c’est finalement la belle Lucina qui est devenue mon “main”, le personnage que j’utilise tout le temps et avec laquelle je fais les meilleurs scores.

Et finalement, après toutes ces années passées à spammer les attaques spéciales de Kirby parce que c’était facile, j’ai progressé. J’irai même jusqu’à dire que je commence à assez bien jouer. Certes, je joue toujours beaucoup moins bien que les vrais bons joueurs, mais suffisamment bien pour pouvoir jouer avec eux sans être largué, et pouvoir m’amuser avec eux, même lorsqu’ils m’imposent de jouer sans objets ou sur Destination Finale.

Au fond, en ayant fait tout ce chemin, des parties chaotiques sans connaître les commandes aux duels techniques et intenses sur Destination Finale, c’est ça que je retiens de Smash Bros. : peu importe la façon dont on joue, l’essentiel, c’est de s’amuser en le faisant. Et peu de jeux le permettent autant que Smash. Alors à tous les joueurs aigris qui débattent sur la légitimité des objets, l’intérêt de jouer avec Fox sur un terrain plat et vide, ou encore sur la question “Smash Bros. est-il un vrai jeu de combat ?”, je tiens à dire ceci :

J’ai joué à Smash 64 avec un manche à balai quand j’avais 10 ans. Fermez-là et amusez-vous.

Les Chevaliers de Baphomet, sorti en 1996 sur PC, Mac et PlayStation, puis porté sur Game Boy Advance en 2002. Que vous ayez la moindre idée de ce qu’est ce jeu ou non, je vais vous demander d’interrompre votre lecture quelques instants et essayer de deviner avec laquelle de ces versions j’ai découvert le jeu. Je vous laisse, si besoin, repenser à tous les jeux dont j’ai parlé ces deux dernières semaines, peut-être que vous remarquerez une tendance...

Alors, vous avez trouvé ?

Si vous aviez deviné “la version GBA” : félicitations. Si vous pensiez à autre chose... est-ce que vous avez au moins lu les articles précédents ?

La Game Boy Advance peut semble un drôle de choix pour jouer à un jeu de ce genre : derrière ce titre mystérieux et énigmatique se cache en fait un classique des point-and-click, ces jeux d’aventure sur PC se jouant à la souris, où on pointe et on clique, littéralement, sur des éléments du décor pour les inspecter et interagir avec eux, généralement dans le but de résoudre diverses énigmes. J’aimais beaucoup les jeux de ce genre, avec un gameplay simple et pouvant se prêter à n’importe quelle histoire et style.

Maintenant imaginez jouer à un jeu de ce genre. Sur Game Boy Advance. Le curseur devant être déplacé à la croix, et le bouton A servant à “cliquer”. Ouch. Honnêtement, je ne sais pas si aujourd’hui je serais capable de rejouer à ce jeu dans sa version GBA ; même si je me suis mis en tête de la trouver, juste histoire de l’avoir dans ma collection. Car oui, je ne l’ai pas précisé, mais je n’ai jamais possédé le jeu. Lorsque j’ai découvert le jeu, c’était en y jouant sur émulateur. Comme je le racontais il y a quelques jours, c’est par ce biais que j’ai découvert de nombreux jeux GBA, des jeux que je n’aurais jamais songé à acheter juste pour essayer.

Je vous laisse un temps imaginer le truc. Je jouais sur mon PC à la version GBA d’un jeu à la base conçu pour PC. Mais avec les commandes croix + boutons de la GBA. Et bien sûr, avec la résolution de 240 par 160 pixels de la petite console portable, sublimée par le mode plein écran de l’émulateur. Quand j’y repense, je souhaiterais pouvoir voyager dans le temps et donner une claque à mon moi du passé, avant de lui expliquer que le jeu existe aussi sur PC et qu'il devrait plutôt jouer là-dessus. Puis lui redonner une claque.

Si j’avais ce pouvoir, j’en profiterais aussi pour lui donner la solution à une certaine énigme, une énigme tellement simple et qui m’avait pourtant bloqué à l’époque... Mais avant de vous raconter cette anecdote embarrassante, au moins autant que celle des Bois Perdus d’Ocarina of Time, laissez-moi vous expliquer un peu l’histoire du jeu dans les grandes lignes.

Tout commence à Paris (mode cocorico activé !), alors que George Stobbart, simple touriste américain prenant un peu de bon temps à la terrasse d’un café, assiste à un évènement à la fois mystérieux et tragique. Un homme étrange en costume de clown jouant de l’accordéon (ok, un peu trop cocorico pour le coup) débarque, pénètre à l’intérieur du café, y laisse son instrument et subtilise la mallette d’un client, avant de s’enfuir en courant. Quelques instants plus tard, une terrible explosion a lieu à l’intérieur.

George survit miraculeusement à l’incident, et cherche à comprendre ce qui s’est produit. L’homme à l’intérieur du café est mort dans l’explosion. Tous les indices pointent vers un attentat terroriste, et le clown est bien entendu le principal suspect. Mais notre américain sent que cette affaire cache quelque chose, et avec l’aide d’une journaliste free-lance, Nicole Collard, qui connaissait la victime, il va chercher à découvrir qui il était, pourquoi il était là, et qui se cache derrière le masque du clown.

Ainsi commence une grande enquête à travers les rues de Paris, à la recherche de tous les indices pouvant nous aider à y voir plus clair. Et c’est là que j’en arrive à mon anecdote. Sans vous raconter en détail les évènements (vous pourriez avoir envie de jouer au jeu, et je vous recommande de le faire !), on finit après de nombreuses recherches par trouver le “clown”, qui logeait dans un hôtel. Après s’être introduit dans sa chambre, on subtilise un certain objet, vraisemblablement la chose qu’il cherchait à obtenir. On a alors envie de repartir voir notre amie Nico et lui exposer nos trouvailles...

... Mais c’est impossible. Car, à la sortie de l’hôtel, deux bandits fouillent toutes les personnes sortant du bâtiment. Et s’ils trouvent dans les poches de George le fameux objet, ils le lui dérobent... et enferment le pauvre touriste dans un sac qu’ils jettent au fond de la Seine. George meurt noyé, et c’est game over pour le joueur.

J’avais tout essayé. La solution logique à cet évènement était “trouver un moyen de faire sortir l’objet sans passer par la fouille”, mais j’avais eu beau inspecter partout, parler à tout le monde, je ne trouvais pas comment faire. J’avais essayé de laisser l’objet à sa place, partir de l’hôtel, et voir s’il n’y avait pas quelque chose à faire à l’extérieur, ou carrément ailleurs, mais rien. Je devais rester dans cet hôtel et en sortir avec l’objet, sans quoi le jeu n’avancerait pas. Alors, à ce moment, ...

... J’en ai conclu que c’était comme ça que l’histoire se terminait, que c’était une fin triste où le héros meurt et que toute cette histoire resterait à jamais un mystère.

C’est à ce moment que j’aurais dû bondir hors d’un portail temporel et donner une dizaine de claques à mon moi du passé, lui donner la solution ridiculement simple à cette énigme, et lui montrer tout ce que ce jeu avait encore à offrir.

Et bon sang, il y en a des choses après ce maudit hôtel ! Car le mystère ne fait que s’épaissir à partir de là, et George va devoir aller bien au-delà des quartiers bourgeois de Paris : aux quatre coins du globe, de l’Irlande à l’Espagne, en passant par la Syrie, l’enquête prend vite une proportion épique, et quelque chose de bien plus grand et grave qu’un simple vol de mallette se profile à l’horizon...

Cette grande aventure, je ne l’ai découverte dans toute sa splendeur que bien des années plus tard, lorsque le jeu est ressorti sur à peu près toutes les plate-formes existantes dans une édition “Director’s Cut”. Outre l’ajout d’un mini-scénario anecdotique autour de Nico se déroulant en parallèle des voyages de George, le jeu restait le même que j’avais connu dans ma jeunesse, et c’est avec un grand plaisir que je me suis relancé dans l’enquête, avec la ferme intention de venir à bout de cette énigme et percer le mystère du clown.

Cette version Director’s Cut, j'y ai joué sur Nintendo DS. Décidément, moi et les portables ! Mais cette fois-ci, le jeu bénéficiait de l’écran tactile de la console, qui permettait un véritable gameplay de point-and-click (un genre que l’on a retrouvé assez souvent sur cette console, ne serait-ce qu’avec les Ace Attorney et les Professeur Layton). La navigation à travers les rues de Paris et la résolution des énigmes devenait beaucoup plus naturelle et appréciable.

Très vite, j’ai rejoint l’hôtel qui avait ruiné ma vie des années auparavant. Après une nouvelle inspection des lieux, j’ai découvert la solution et commencé à vouloir voyager dans le temps. Puis, l’objet tant convoité en mains, la véritable aventure de George Stobbart pouvait enfin commencer.

J’ai parcouru le monde. J’ai résolu les plus coriaces des énigmes. J’ai levé le voile sur des mystères vieux de plusieurs siècles, et après une dizaine d’heures, le chevaliers de Baphomet éponymes n’avait plus aucun secret pour moi.

Même si j’aime bien les point-and-clicks, je n’ai au final joué qu’à très peu de jeux, passant à côté de nombreux classiques du genre (dont les Monkey Island. Oui, j’ai honte). Mais je suis content d’avoir au moins pu jouer à celui-ci, ce jeu que j’ai tant détesté étant petit et auquel je m’étais promis de ne jamais retoucher, mais qui continuait malgré tout à m’attirer et m’intriguer. Justement, parce que j’avais été incapable de résoudre le mystère des Chevaliers de Baphomet, et que malgré mon abandon, j’étais convaincu que je n’avais pas encore tout vu.

Au final, peut-être que l’histoire n’est pas si extraordinaire que ça, peut-être que la solution de ce mystère paraîtra prévisible et déjà vue aux yeux de certains. J’ai même le souvenir que la fin n’était vraiment pas terrible en fait. Mais le début de l’histoire, les premières heures de ce périple me rappellent tellement de souvenirs, et je suis resté tellement d’années à me poser des questions, que ce jeu restera à jamais associé dans mon esprit au mystère, et l’envie d’en savoir plus, à l’envie d’en découvrir plus.

Metroid Prime, sorti chez nous en 2003 sur GameCube, mais d’abord paru en Amérique fin 2002 aux côtés de Metroid Fusion… Bref, je ne vais pas vous refaire tout le contexte historique, j’en ai déjà assez longuement parlé dans le tout premier article de ce calendrier de l’avent.

Vous devez donc déjà savoir que Metroid Prime est le premier épisode de la série Metroid en 3D, et que pour l’occasion de ce passage à la troisième dimension, les développeurs texans de Retro Studios ont eu la grandiose idée de… changer radicalement la présentation du jeu, en optant pour une visée à la première personne.

“Metroid, un FPS ?” Ce changement avait de quoi surprendre. Personnellement, je n’ai jamais été un grand amateur de FPS, bien que j’aie adoré Halo 2 et que j’aie pu faire de nombreuses parties avec des amis sur Counter Strike Source entre les heures de cours au lycée. Mais de là à me jeter sur un nouveau Call of Duty ou Medal of Honor à sa sortie, ou acheter simplement ce Metroid Prime, quand même pas.

Je venais seulement de découvrir Metroid Fusion, et j’adorais ce jeu, mais ce n’était pas suffisant pour me faire craquer pour un FPS reprenant vaguement le même univers. Après tout, si j’aimais autant Metroid Fusion, et les autres Metroid 2D découverts par la suite, c’était bien pour le genre de jeu que c’était, et non pas uniquement pour Samus et sa belle armure.

Un jour, j’ai fini par tenter le coup, lorsque la série est arrivée sur Nintendo DS avec Metroid Prime: Hunters. À l’époque du lancement de la console, ce jeu avait eu droit à une démo (First Hunt), que j’avais pu tester en magasin, et que j’avais trouvée plutôt sympathique. Je me suis donc essayé au jeu complet, sorti quelques années plus tard. Le résultat était… mitigé. Même si le jeu était techniquement impressionnant (un FPS de cette envergure, sur une console portable !), cela restait un jeu de tir banal, avec une campagne solo tout ce qu’il y avait de plus linéaire, sans grand intérêt, le mode multijoueur ayant clairement été la priorité de Nintendo Software Technology, en charge du développement à la place de Retro Studios (un changement qui, avec le recul, se ressent cruellement).

Même si je garde d’assez bons souvenirs du jeu malgré tout, il ne s’agissait pas pour autant d’une expérience d’aussi bonne qualité que j’attendais d’un jeu appelé “Metroid”. Pour faire simple, je ne retrouvais rien de “Metroid” dans ce jeu, qui ne faisait d’ailleurs même pas apparaître les fameuses créatures qui ont donné leur nom à la série.

Après cette première expérience avec les Metroid Prime, je n’avais ainsi pas envie de me lancer dans les épisodes sur consoles de salon. Mais, vous devez commencer à me connaître, et vous devez vous vous en douter de toute façon puisqu’il n’y aurait pas d’article dessus sinon : j’ai fini par changer d’avis, la sortie de la compilation “Metroid Prime Trilogy” sur Wii aidant, et j’ai joué à chacun de ces trois jeux, dans l’ordre. Et je les ai tous les trois aimés. Car très vite, j’ai réalisé une chose. J’avais été induit en erreur. Par ce premier contact peu fructueux avec Hunters, mais également par les raccourcis employés par la presse et les joueurs quand il s’agissait de parler de ce jeu. J’ai réalisé que…

Metroid Prime n’est pas un FPS.

Metroid Prime est un FPA, ou si vous préférez, un jeu d’aventure à la première personne. Dans lequel il se trouve qu’on l’on doive également tirer sur des choses. Mais sans que ce soit un jeu de tir pour autant. Ou en tout cas, clairement pas au même niveau que les derniers épisodes comme Hunters, qui ont progressivement mis de côté le A d’Adventure pour le recouvrir d’un S comme Shooter. Mais oublions ces épisodes-là, concentrons-nous aujourd’hui seulement sur le tout premier, le Metroid Prime original, l’épisode qui a commencé cette saga.

L’histoire se déroule quelque temps après les évènements du premier Metroid sur NES. Samus reçoit un signal de détresse venant d’une station spatiale au milieu de nulle part. Aussitôt son vaisseau posé, on prend le contrôle de la chasseuse de primes, et passé un rapide tutoriel nous enseignant les commandes de base, on pénètre à l’intérieur de la station.

Dès les premières salles, le spectacle est horrifiant : les laboratoires de recherche sont en flammes, des formes de vie parasites se baladent en liberté dans la station, et des cadavres jonchent le sol. En examinant les différents moniteurs, on apprend que la station appartient aux Pirates de l’Espace, les méchants du premier jeu, et qu’ils y effectuent d’étranges expériences sur ces parasites en leur injectant une mystérieuse substance appelée “Phazon”, afin de les rendre plus puissants et s’en servir comme armes. Le résultat de ces expériences… n’est pas vraiment probant, à en juger par le nombre de morts horribles que cela a causé dans les 10 minutes qui ont précédé la venue de Samus.

L’exploration de cette station sert essentiellement de prologue au jeu, permettant au joueur de se familiariser avec les commandes. Le mini-tutoriel, qui intervient dès les premières secondes du jeu, en dit long sur l’esprit de ce Metroid Prime, et la façon dont il se démarque des FPS. Deux mécaniques de jeu nous sont enseignées, la première étant bien évidemment : tirer. Le bras-canon de Samus étant la première chose que l’on voit à travers le viseur de son casque, cela va de soi. Mais plutôt que de tirer sur des ennemis, on nous invite à tirer sur des interrupteurs qui désactivent une barrière et nous permettent d’avancer. Ce tutoriel établit une chose : dans ce jeu, on ne tire pas que pour tuer des ennemis, la fonction première qui nous est montrée est d’activer des choses et de progresser dans le jeu. Après tout, Metroid, c’est un peu depuis toujours le jeu où on ouvre des portes en tirant dessus.

La deuxième mécanique qui nous est enseignée est tout aussi cruciale : il s’agit du viseur d’analyse. Il permet de ranger temporairement son arme et de scanner ce que l’on a devant soi, à la recherche d’informations. Cela permet d’interagir avec des machines ou des interrupteurs, mais également d’en apprendre plus sur les obstacles que l’on rencontre, un peu à la façon des conseils de la fée Navi d’Ocarina of Time, ou simplement de lire des messages laissés sur les écrans d’ordinateur, ce que l’on pourra faire très longuement à l’intérieur de la station pour essayer de comprendre ce qui s’y est produit. Après tout, ce ne sont pas les créatures aliens mortes qui gisent sur le sol qui vont nous apporter des explications ! On nous enseigne donc que dans ce jeu, personne ne sera là pour nous expliquer quoi que ce soit, ce sera à nous d’observer et de trouver les informations nous-mêmes, reconstituer l’histoire nous-mêmes.

Et c’est par le biais de tous ces rapports téléchargés sur les machines de la station, tous ces éléments du décor analysables, et cette ambiance délicieusement inquiétante, que ce prologue nous permet de nous familiariser avec l’univers du jeu, ses personnages, et ses enjeux, tout en soulevant quelques questions qui resteront avec nous tout le long du jeu : quel est donc ce “Phazon” dont les Pirates parlent ? D’où vient cette substance ? Que fait-elle exactement ? Que comptent-ils accomplir avec ? Car leurs expériences sordides iront bien plus loin qu’avec ces ridicules petits parasites, et bien au-delà des murs de cette station…

Après avoir exploré quelques salles et tué la reine des parasites (et oui, déjà un combat de boss !), Samus se retrouve à devoir s’échapper de la station avant qu’elle n’explose (et oui, déjà un compte à rebours !). On pourrait penser, si on oublie un court instant que c’est un jeu vidéo et qu’il ne peut pas se finir au bout de 20 minutes, que l’histoire s’arrête là. Mais c’est sans compter sur la rencontre inattendue que Samus fait sur le chemin de la sortie : un terrifiant dragon-ptérodactyle, le regard plein de haine, et le corps partiellement recomposé à l’aide de pièces mécaniques.

Il s’agit de Ridley, son pire ennemi, qu’elle croyait mort suite aux évènements du premier jeu. Il aurait dû rester mort, mais c’était sans compter sur la technologie des Pirates de l’Espace qui a pu le ressusciter et en faire un cyborg, et sur son statut de méchant emblématique de la saga. Ridley s’enfuit, et Samus comprend alors qu’elle ne va pas rentrer chez elle tout de suite. Sa mission de reconnaissance sur la station est finie, mais une nouvelle mission commence. Retrouver Ridley.

Et c’est là que le “vrai” jeu débute. Suivant la trace de Ridley, Samus atterrit sur la planète Tallon IV. Incapable de continuer sa poursuite en vol, elle va devoir explorer les lieux à pied. À partir de cet instant, exit les couloirs exigus de la station de recherche et la progression en ligne droite. Vous avez un objectif. Un objectif qui restera le même pendant quasiment toute la durée du jeu : trouver Ridley. Où est-il ? Aucune idée. Quelque part sur cette planète. Allez, au travail.

Quand j’ai réalisé dans quoi Metroid Prime m’embarquait, j’étais bouche bée. J’avais l’impression de jouer à un remake de Super Metroid. Pour ceux qui n’ont pas joué à ce grand classique, le jeu commençait à peu de choses près de la même façon. Samus reçoit un signal de détresse, explore une station de recherche délabrée qui sert plus ou moins directement de tutoriel, affronte rapidement un boss au bout, doit s’en échapper avant qu’elle n’explose, et se retrouve à poursuivre Ridley sur la planète voisine. Dans Super Metroid, l’objectif était de retrouver Ridley dans l’immensité de la planète Zebes, ou plus exactement de retrouver la larve Métroïde qu’il kidnappait au début du jeu. C’était le seul objectif explicitement dicté par le jeu, et on explorait à l’aveugle les profondeurs de la planète, en allant simplement là où on pouvait, en espérant tomber nez à nez avec ce maudit ptérodactyle et sauver la larve.

Metroid Prime reprend exactement la même formule. On sait que Ridley se cache quelque part sur Tallon IV, et il va falloir le retrouver. En chemin, il se passera des choses. On découvrira des ruines anciennes, on prendra connaissance de prophéties. On apprendra enfin ce qu’est le Phazon. Et peu à peu, à mesure que l’on percera les mystères de cette planète et des Pirates, une véritable quête commencera à prendre forme, jusqu’à ce qu’elle devienne réellement claire et qu’elle remplace notre objectif initial de trouver Ridley.

Et ça ? Ça, c’est Metroid.

L’emballage est certes différent, mais dans le fond, rien n’a changé. C’est toujours Metroid. C’est toujours ce jeu où on débarque dans l’inconnu avec un ordre de mission tenant en une phrase, et où on a carte blanche pour y parvenir. C’est toujours ce jeu où Samus doit obtenir des améliorations lui permettant d’accéder à de nouvelles zones. C’est toujours ce jeu où l’exploration, l’immersion et la liberté priment avant tout le reste. Même l’aspect jeu de plate-forme est intact, avec de nombreuses phases demandant de sauter par-dessus du vide, ou d’atteindre le sommet d’une immense salle en bondissant de plate-forme en plate-forme.

Et la formule Metroid est sublimée par la visée subjective, ce choix qui paraissait si étrange et risqué au premier abord, mais qui est au final tellement logique et désormais indissociable de l’idée même d’un Metroid en 3D (même Metroid Other M l’a reprise !). Se trouver sous le casque de Samus favorise l’immersion à un point qu’aucun FPS classique n’avait pu atteindre jusque là : Plus que de seulement voir le monde à travers les yeux du protagoniste, nous sommes à l’intérieur de sa combinaison, l’écran est littéralement une vitre derrière laquelle se trouve un monde immense qui n’attend que d’être exploré.

Les premiers pas à la surface de Tallon IV resteront à jamais gravés dans ma mémoire. Le fait de tomber dans ce petit point d’eau à proximité du site d’atterrissage, de ressentir la pression de l'eau autour de moi ralentissant mes mouvements, de pouvoir avancer dans ces profondeurs et observer les bancs de poissons nager autour de moi comme si j'étais dans un scaphandre, puis remonter à la surface et voir les gouttes d'eau ruisseler sur la vitre de mon casque... Tous ces petits détails, les gouttes d'eau, le givre, ou encore le reflet du visage de Samus, tout cela contribue à une immersion bien plus puissante que dans les autres FPS où la caméra du jeu est placée à hauteur des yeux. On n'a pas l'impression que le monde est devant nous : on ressent le monde autour de nous.

Et quel monde ! Tallon IV est magnifique, aussi bien sur GameCube que sur Wii, avec des environnements variés, qu’il s’agisse des ruines désertiques habitées par les Chozos, des profondeurs volcaniques des cavernes de Magmoor, ou des pics enneigés des monts de Phendrana. Explorer cette planète est un véritable plaisir, et découvrir ses secrets l’est encore plus. Aucun personnage pour nous parler, nous guider, nous déranger. Même la faune locale ne pose pas de véritable problème, et en dehors des forces armées des Pirates qu’il faudra affronter à certains points un jeu et des quelques boss, il n’est généralement pas nécessaire de tirer sur les ennemis, et bien souvent on se retrouvera à traverser les zones que l’on connaît en évitant les combats.

Ce qui, après tout, a du sens. On n’est pas sur un champ de bataille où chaque soldat est notre ennemi. On est une exploratrice dans une planète où la faune est déjà établie. On peut se défendre si l’on est en danger, mais les créatures ne sont pas toutes là uniquement pour nous tuer, et on n’attend pas de nous de toutes les exterminer. Certaines sont mêmes totalement inoffensives, se contentant de ramper sur le sol et de prendre l’air. C’est là que la notion de “FPA” l’emporte sur celle de “FPS”. On n’est pas là pour tirer : on est là pour vivre une aventure.

C’est donc l’exploration qui a le plus d’importance dans ce jeu. L’exploration, la découverte de l’inconnu, avancer à l’aveugle dans ce monde et apprendre à le connaître. Bien sûr, parce que ce jeu est sorti bien après Super Metroid et qu’on ne peut pas lâcher les joueurs dans la nature sans la moindre indication, le jeu dispose d’un système d’indices : passé un certain temps, le scanner de Samus lui indiquera qu’il a trouvé quelque chose dans une région de Tallon IV, une simple indication sur une activité sismique suspecte par exemple, avec un point sur la carte pour aider à avoir une idée de sa position et s’y rendre plus facilement. Les explorateurs habitués à la formule Metroid n’en auront pas forcément besoin, mais ces indices pourront venir en aide aux joueurs qui resteront trop longtemps à tourner en rond.

Il en va de même pour la quête principale : passé un certain stade, et après avoir suffisamment exploré à la recherche de Ridley, le jeu attendra de vous de trouver un certain nombre d’Artéfacts, clés permettant d’accéder à la zone finale du jeu. On aura à notre disposition des indices, présentés sous forme d’énigmes, permettant de savoir où chercher. C’est pour beaucoup la partie la plus difficile et la moins intéressante du jeu, mais j’apprécie énormément cette quête, qui nous amène à revisiter d’anciens lieux avec les nouveaux pouvoirs que l’on a acquis, et à se taper le front lorsque l’on réalise que cet élément du décor suspect, qui nous avait toujours intrigué, cachait en réalité un de ces Artéfacts !

Metroid Prime est un jeu que l’on n’oserait plus faire aujourd’hui. Qui oserait faire un jeu où le joueur est lâché dans la nature sans explications, sans missions claires et précises ? Qui oserait lancer le joueur dans une chasse au trésor géante à l’échelle d’une planète entière ? Ce n’est pas pour rien que la série a progressivement évolué vers le genre de FPS, sans totalement délaisser son côté FPA, et proposant beaucoup plus d’exploration, de plate-forme et de réflexion que le jeu de tir moyen. Mais là où Metroid Prime nous proposait de l’immersion, une ambiance et de l’exploration, Metroid Prime 3 va plutôt nous balader entre plusieurs niveaux fermés, avec des objectifs simples, et beaucoup plus d’ennemis à tuer.

En contrepartie, l’aventure dans ces épisodes prend une tournure bien plus épique, et les jeux restent d’une très grande qualité (à l’exception de Hunters, berk). Si je devais donc vous recommander de jouer à Metroid Prime, ce sera bien entendu à la trilogie entière, dont chaque épisode vaut le détour et offre une expérience mémorable. Ce sont tous des Metroid, l’esprit de la série est toujours présent malgré les apparences, juste à des degrés différents d’un épisode à l’autre. Mais à mes yeux, celui qui parvient le mieux à conserver cet esprit, le transposer en 3D, et le réinventer, c’est le premier.

On cite souvent Super Mario 64 ou Ocarina of Time comme meilleurs passages à la 3D de jeux classiques 2D, mais à mes yeux Metroid Prime est celui à qui revient réellement ce titre. Aucun autre jeu ne s’est autant transformé tout en gardant intact tout ce qui le constituait dans son esprit.