Proyecto Educativo NC-arte

“La premisa es que todo está en el texto, incluso la imagen, solo que está en una parte invisible. El trabajo consiste en hacer visible lo que no se ve. Cuando uno lee por primera vez una obra, la lectura se hace con la capa más superficial del sistema nervioso, el neocórtex. Uno ve, lee, imagina y supone lo de siempre, pues en esa capa están instalados todos nuestros estereotipos. Entonces hay que ir desechando esos estereotipos poniendo a otras partes del sistema nervioso y eso se hace con la repetición, ahondando, abandonando en esa capa superficial los juicios de valor, los asentamientos teóricos sobre los que ya se ha tomado partido, las propias categorías morales. La primera lectura es moralizante, mi sistema nervioso es un sistema afectivo estereotipado. La lectura reiterada apunta a desarmar toda esa estructura codificada, preestablecida, prejuiciada. Eso toma tiempo y es tal vez el trabajo más difícil; consiste en deshacernos de nuestras categorías morales, de las categorías de conocimiento y de valor, y dejarse atravesar por otro sistema de valores, que es el del texto. Lo mismo ocurre con las imágenes, ellas están también cargadas de moralidad y prejuicios. El tiempo de la lectura es por ello largo, tenso, para penetrar en otro mundo, allí encontraremos las nuevas imágenes.”                   R-Abderhalden

La residencia para artista educador de NC-arte en el colegio Los Nogales es acerca del carácter colectivo y participativo que puede tener el arte, entendido como una serie de procesos de colaboración entre un artista y una comunidad. Este proyecto abre la oportunidad de vincularse a un colegio con el fin de aportar al debate contemporáneo en la búsqueda de metodologías y formas de encuentro entre el arte y la educación, proponiendo la residencia como un medio privilegiado de investigación y experimentación en la práctica. Obviamente esta premisa no asegura un éxito, tampoco un fracaso, no creo que la educación se rija por estos términos. Es fuera de éstos que el entorno comienza a usar un lenguaje que nos desvía de la importancia del proceso a la constante preocupación por obtener resultados, algo finalmente reduccionista y superficial.

Leyendo sobre superficies en un libro del autor Carlos Mesa: Superficies de Contacto. Adentro en el Espacio, aún desde su perspectiva filosófica, me gustaría abstraer una frase para usarla como punto de partida y de apropiación de una situación : “una superficie de separación es una superficie de contacto”; Un texto / Un tema / Un territorio / Un dibujo / Un mapa / Un hábito / Un juego / Una Narración / Una idea filosófica.

Para mí una residencia es como Un texto

El texto puede ser un libro; un libro compuesto de textos, no necesariamente de estructura lineal, ni jerárquica, más bien sin un orden preestablecido. Pero antes de que uno pueda considerar un libro, uno debe considerar lo que es tener un texto. Un texto es una matriz de palabras en papel; o, si no son palabras, otras cosas que deben leerse.

La residencia, como un texto, se lee dependiendo del contexto de cada lector, de los elementos que la compongan y el espacio tiempo en los que esté contenida; pero no como una superficie plana o vacía de separación sino como una superficie de inserción, de contacto, de sentidos y afectos. Hay una primera lectura de esa superficie que se puede atravesar dejándose afectar no sólo por lo que vemos; cada uno tiene sus propias formas de leer un texto y es sólo en el momento en el que es leído, que ese texto se encuentra o se des-encuentra con usted y su experiencia previa como lector. Esta lectura siempre sucede de diferentes maneras, de maneras distraídas mientras se hace otra cosa o imitando eso que se desconoce.

A partir de la idea de la imitación, de la copia, del remix, de la atención distraída, me he apropiado de un libro que me gusta, se llama UN ARTISTA (por Malena Pizani de Buenos Aires y editado por Big Sur Books), para hacer una versión que se llamaría UN AJEDRECISTA. He escogido este libro porque me genera curiosidad, me inquieta el carácter de sus palabras, su ejercicio de escritura riguroso e ineludible como usando las palabras para acercarnos a una idea de artista universal e individual al mismo tiempo, pero también para llevarnos a niveles de abstracción de las palabras como valores objetuales más que verbales que nos ayudan a imaginarnos un sujeto no un objeto, y una versión de artista como múltiples imágenes simultáneas.

Un tema

Cuando comencé en el colegio llevaba la idea de partir de un tablero de ajedrez y del juego como tal, retomando de los club de ajedrez su naturaleza y poder de abstracción, para hacer ejercicios de descomposición; pero sucedió que en el colegio ni me encontré con el club de ajedrez ni con el interés de descomponer un juego. Sonaba muy abstracto y Los Nogales se caracteriza por la búsqueda de lo concreto, siempre sabes por qué y para qué haces algo, entonces ¿por qué íbamos a inventar un juego sin reglas, ni lógica u objetivo final?

Pero hubo una primera discusión que tuvimos sobre las reglas del ajedrez y la posibilidad de crear nuevas reglas para un juego que no necesariamente tuviera que pasar en un tablero de 64 cuadrados. Pensamos en juegos mentales que nos pudieran poner en otro lugar, partiendo de preguntas que pudieran plantear hipótesis a una situación conjunta que estábamos viviendo.

¿Cómo jugar ajedrez sin jugar ajedrez? / ¿qué pasaría si el colegio existiera fuera del colegio? / ¿qué es lo primero que piensa cuando digo la palabra arte? / ¿qué cosas puedo / no puedo anticipar?  / ¿y si fuera otro? / ¿prefiere que le den las reglas de un juego o inventarlas usted?.

Un hábitat fuera de sí. El colegio fuera del colegio.

Durante los primeros días me enfrenté a una rutina de la que era difícil hacer parte; horarios apretados, tareas, exámenes, eventos, programas. Pero el entorno físico, los distintos hábitats y su primera superficie de separación, permitió que pudiera entender los lugares a partir de sus usos y oficios, e inventar hábitos o maneras en las que me relacionaría con este lugar.

Cuando llegué la primera semana al colegio ese lugar era: un taller vacío, un entorno rodeado de árboles, campos de fútbol, una biblioteca muy activa con buenas ideas y buenos libros, un centro de artes con corredores amplios y distantes y salas de música, y un bio-refugio que imita ecosistemas propios de la Sabana.

Éste último ha sido mi lugar favorito, se llama Zasqua (en muisca significa algo como abrazar pero también echar agua), es un lugar que intenta lograr una sinergia de flora y fauna que se pueda observar de cerca y con la que se pueda experimentar de manera sostenible.  A partir de la imitación, ha ayudado a involucrar programas de cualquier curso con las especificidades de lo que han creado allí, con sus lógicas de producción, rutinas de mantenimiento, métodos recursivos de participación, prácticas sensibles de observación, entre muchos otros hábitos, modos de dejarse afectar y de relacionarse con esta superficie.

Un hábito puede ser un mapa y un dibujo

Adquirí una rutina o un hábito durante los días que iba al colegio: recoger pequeñas ramas.

Este hábito se convirtió en una manía de mirar al piso y pensar en los fragmentos de un todo, en cómo atravesamos las superficies, en cómo mapeamos lo invisible, en cómo podemos dejarnos afectar por los entornos, cómo podemos imitar lo que vemos, o descomponerlo, moverse entre lo concreto y lo abstracto de lo que vemos.

¿Cómo podemos a partir de un objeto reconocible como una rama, abstraer otra cosa?:

un juego de pareidolia.

¿cómo podemos construir múltiples versiones a partir de los fragmentos de un todo?:

un juego de anagramas.

Una rama junto con otra rama, construyen un árbol, pero no cualquier árbol sino uno muy específico, ¿cómo podemos usar una rama de un árbol como un elemento de contacto entre superficies?

un juego de especulación.

“Every discourse is based on observation, but an observation isn’t the nature itself, it’s the nature exposed by our examination methods. And their meanings are as confused, provisional, and changeable as our thoughts.” David De Rozas.

Una narración

Sin hacer uso de técnicas o actos formales del arte, en los pocos encuentros que tuve con dos grupos de 4 chicas de concentración en artes de años 10º y 11º me pregunté ¿cómo podemos hablar del arte sin hablar de arte?, o, ¿cómo podemos hablar de ajedrez, producir pensamiento abstracto y disolver la noción de objeto de arte sin necesariamente hablar de ajedrez, o de arte?

Las conversaciones de corredor en el centro de artes solían ser entorno a una idea de arte como un oficio, una técnica, un tema, un resultado, algo bello, memorable y solemne. Con la idea de usar el ajedrez como metáfora y método por el que se alcanzan otras maneras de percibir el mundo visible, alcancé a pensar que a partir de las palabras podíamos percibir eso invisible del arte, usando el lenguaje escrito para imaginarnos ajedrecistas, no necesariamente artistas, que en un acto consciente de aprender sobre lo abstracto sin hacer pintura abstracta, terminaríamos haciendo visibles esas “imágenes mentales” que aparecen entre los textos aún sin tener fotografías o diagramas, o dibujos.

Escribir listas para UN AJEDRECISTA sería un hábito y ejercicio de descomposición, de pensamiento abstracto, para imaginarse en una serie de situaciones hipotéticas que a la vez rescataran hábitos y acciones cotidianas.

Un juego

Un juego puede suceder en cualquier momento. Puede prescindir de reglas o tener unas muy rígidas. La principal tarea del juego consiste en fijar unas instrucciones, o formas de llevar a cabo algo, inventar un conjunto de indicaciones para seguir un proceso. La historia del hombre, podría definirse a partir de estos inventos, a través de las relaciones con su entorno / hábitat y sus maneras de habitar. En inglés to play es jugar pero también to play es interpretar, ser un intérprete, ser quien representa un papel, en un juego somos tanto sujetos como objetos.

Esta residencia, tras el fracaso de generar un hábito de juego fuera de clase o del programa curricular, se terminó concretando en un libro-objeto y en una serie de elementos que pudieran registrar los hábitos que adquirí tras caminar para llegar al colegio y visitar clases de matemáticas, español, geografía humana, tecnología, cerámica e inglés donde las dinámicas de grupo consistían en la invención de situaciones hipotéticas, de ficción e intento de juego como una intuición de las formas en que aprendemos de nosotros mismos y sobre los otros; el juego entendido como un proceso de organización de recursos creativos útiles, de hábitos, para generar un momento de interacción, de interpretación, de invención, de estado emotivo y de comportamiento inusual para llegar a lo impredecible, a lo imitable, a lo modificable, etc.

Es curioso, terminar haciendo un libro-objeto es como leer de una manera distinta una residencia en un colegio, que pudiera tener más interpretaciones en un espacio fuera de sí, fuera del arte, fuera del salón, en una biblioteca, en un bio-refugio, en una deriva, en una salida de campo. Rescatando las conversaciones con las chicas, diseñé un tablero que serviría para construir instrucciones o distintas maneras de anticiparse a un proceso, sin preocuparse por el resultado.

Durante la residencia, no logré parasitar el área de arte en el colegio y salir del cubo blanco de una exposición que haría el grupo de concentración en artes; pero para terminar la lectura de esta residencia, sugerí en colaboración con las de la biblioteca y el centro de artes, hacer un ciclo de lecturas que sucederán durante una semana en el corredor frente a la biblioteca.

Es muchas veces complejo percatarnos del canal y el contexto en que se da la comunicación, puesto que estamos sumergidos en él. Pocas veces nos detenemos a pensar el hecho que nuestras ideas se ordenan y expresan de una determinada manera, por el hecho que compartimos un mismo lugar, una serie de comportamientos y expectativas que todos acordamos sin decirnos nada. Muchas veces también, asumimos que estos acuerdos tácitos son compartidos por todos quienes nos rodean, e ignoramos que más allá de que alguien pueda ser mala leche, reservado, mojigato o agresivo; puede que simplemente esta persona asuma una serie de reglas ligeramente diferentes a las nuestras. De estos deslices e incompatibilidades surgen conflictos, tanto pequeños como de escala internacional; pero también es este desfase uno de los más grandes capitales del proceso creativo.

La exposición titulada ‘A un brazo de distancia’, de autoría de Amalia Pica, presente durante Mayo y Junio del 2017 en NC-arte, proponía una mirada contemplativa, analítica, pero sobre todo empática, hacia las diferentes especies de simios que habitan en la reserva Gashaka Gumti en Nigeria. Producto de una residencia, la obra propone diferentes plataformas desde las cuales establecer contacto con estos seres, lejanos y cercanos a la vez, puntos de encuentro polisémicos en donde cada obra opera a diferentes niveles de lenguaje.

Los encuentros que se dieron con el público dentro de la exposición, partieron de la aproximación a esta diversidad de escenarios, y de cuestionarnos qué elementos entran en juego en cada obra, qué puede decirnos un sonido, cómo se mezcla con los demás estímulos en sala. Recorrer solitario o acompañados, haciendo preguntas o tirando selfies, se mezcla con la conversación en el bus de camino, la indigestión por un almuerzo pesado, o con la dejada en visto de esa persona especial.

Todos estos elementos entran a ser parte de la conversación, en un tire y afloje entre lo que queremos o podemos decir de nosotros, y ya pasar a hacerlo público. Mediante conversaciones de whatsapp, micrófonos y altoparlantes, luces y pantallas de color, buscamos decir lo indecible, sortear la pena y el pánico escénico, haciendo uso tanto de la prudencia como de la obscenidad.

Dependiendo del tipo de visitante, el grupo podía comportarse como un cardumen, que transita por la sala siguiendo los estímulos que perciben de manera más clara un par de cabecillas líderes, o podía por el contrario desintegrarse en varios pedazos, transitando los dos pisos de la muestra a ritmos dispares. El posicionamiento de cada quien, la disposición, inclusive los posibles temas tratados y las preguntas lanzadas a la obra, se convertían en la materia prima de la sesión de socialización.

Puede que por las lógicas de la exposición, y por la disposición de la información, haya pecado en no permitir que el público se detuviese a revisar el material filmográfico de Xavier, dado que esta es la manera en que las cosas hacen conexión de manera natural. No obstante, resulta muy interesante poder dar una sesión de diálogo colectivo, de dicho grupo. Dado que comparten diferentes intereses, circunstancias y decisiones al visitar la exposición, pude partir de allí para indagar sobre los temas transversales a la muestra, a través de la especulación, la pregunta, la duda, y claro está, la respuesta.

Creo que si hay algo a lo que pudiese denominar conflicto, no sólo en esta muestra sino en la labor como mediador en general, pudiera ser la de presentar o entregar información sobre el artista. Es un conflicto en doble vía, y en el cual no hay una respuesta universal, salvo medir y sopesar la situación para determinar qué cantidad de información debe proveerse para poder generar un diálogo enriquecedor. Puede que con poca información no se de una participación activa, o haya pocas herramientas para abordar la obra, pero por otro lado partir a explicar de manera directa y llana, castra muchas posibilidades de lectura y recepción del visitante. En el margen medio se encuentra la labor mediadora, una con la que tuve que lidiar tanto con los espectadores, al igual que con los artistas.

La obra de arte en una sala puede ser un obstáculo o una herramienta, ayuda a ilustrar lo que intentas comunicar o te contradice, pero en términos generales puedes usarla de manera más o menos libre para tener un argumento sólido, o ejemplificar un concepto complejo. En este caso, en el que la obra vivía, se movía, podía ausentarse de la conversación, ignorar por completo el tema o desviarse del mismo; Podía hablarse de temas completamente distintos, o por el contrario, explicar la obra desde la experiencia que ellos han tenido de ella, la cual dista cantidades de la experiencia que el espectador tiene. Este campo de tensión y negociación desubica el control que inherentemente tiene el mediador con un grupo, y mostraba cuán interesante puede ser una conversación cuando la atención y credibilidad son descentralizadas.

Respecto a los comentarios y reacciones frente a la exposición, fueron mucho más positivos y emotivos de lo que se pudiera haber previsto en un público bogotano, no muy habituado a este tipo de experiencias. La estructura de la obra era muy presente en las preguntas de todos los visitantes: “¿Por qué hacen ese sonido?¿Por qué gatean?¿Por qué ése se queda quieto y el otro se está moviendo?” Estas inquietudes fueron las más recurrentes, y a pesar que apuntan a lo más evidente de la obra, son el punto de partida para transitar por temas más profundos. 

Creo que la lectura más interesante que puede hacerse de esta obra es cómo funciona desde, contraviene a, interpela y  dialoga con la institución artística. Su falta de materialidad, su naturaleza fluyente, o su anti-institucionalidad aparente, son elementos que se conjugan con la experiencia. El edificio, la seriedad, la imponencia o limpieza son cosas que juegan a nivel infra-linguístico, influyen de manera desapercibida en nuestro comportamiento, y determina el tipo de relación con el entorno. Citando a una de nuestras visitantes “Dónde está el límite con la obra? está en la obra misma? o será que está en nosotros mismos?”

Las tensiones y fronteras entre relación, obra, e institución acaban siendo movedizos e inciertos, y es precisamente en ese ejercicio de rastrear dónde se colocan, que pueden hallarse reflexiones interesantes. Ya sea desde la crítica especializada, o un adulto sin mayor conocimiento de arte que huye despavorido, o una persona interviniendo y participando tímidamente, con un espacio obstruído por muchos visitantes, o ya sea una multitud de niños arremedando, interrumpiendo, o bailando sin pudor, causa curiosidad pensar en dónde empieza y dónde acaba “retrospective”, si lo hace con su horario de 10 a 6, si se interrumpe momentáneamente durante esa franja, o si continúa de manera involuntaria fuera de dichos parámetros formales mediante la memoria, el cuerpo, la sensación, el registro o el diálogo de quienes la visitan.

 Descripción práctica:

 1-  Intento por definir un término ampliamente abstracto: Proceso. Que a su vez, es y ha sido infinitamente usado e incluso abusado. Un término que puede llegar a ser tanto un elemento de adorno, excusa y refugio, como herramienta pedagógica, descripción de procedimiento, o como dice Nathali Buenaventura, una oportunidad para presenciar flujos de pensamiento.

Encuentro #2

Encuentro con una disección.

Retrospectiva con estudiantes de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional por Xavier Le Roy,  consistió en la invitación del artista francés a trece estudiantes para crear una “retrospectiva individual” desde la selección de fragmentos de piezas de su obra y a la vez de las experiencias de sus propias vidas. En un proceso de creación individual, como ejercicio que representó en sí mismo una curaduría de hechos y acontecimientos que tuvieran relación, deviniendo en narraciones, historias y ficciones que se concretaron en acciones corporales. Todo esto, para situar la mediación en el marco de ésta muestra, e iniciar comentando  sobre la figura del mediador en NC-arte, los retos que nos propuso la exposición y lo que consideramos aporta la obra en la relación arte y público.

Para el Proyecto Educativo de NC-arte el mediador es alguien dispuesto a aprender, es un agente que se aproxima al otro, a sus intereses, siendo un sujeto capaz de propiciar momentos para liberar al espectador,  controvertir los límites del espacio expositivo, ir más allá de lo propuesto por el artista y cuestionar la obra. El mediador en ese sentido no busca enseñar, guiar o transmitir conocimientos, es por el contrario un propiciador de experiencias para los distintos públicos,  siendo alguien que no condiciona o limita,  sino un agente que se encarga de negociar y propiciar espacios de aprendizaje en la práctica.

A lo largo de los ensayos previos con los estudiantes, como Equipo educativo tuvimos varias preguntas sobre ¿cómo mediar la exposición?, ¿cómo mediar sin interferir en lo que propone el artista?, ¿cómo trabajar con los grupos de visitantes que solicitan un taller?     ¿Qué estrategia usar para  dar un cierre a la experiencia de la obra? ¿Es necesario realizar o no un taller? ¿Qué tipo de ejercicios hacer con los visitantes? ¿Qué formato de mediación utilizamos? Estos fueron algunos de los retos que teníamos y que nos llevaron a replantear nuestro quehacer al interior de la muestra. Así, nuestra participación estuvo alineada en un diálogo con los visitantes, pero no desde una perspectiva vertical de transmisión de conocimientos, sino desde una charla sobre las percepciones de la experiencia vivida, para desde allí trascender a otras ideas sobre conceptos que la misma conversación detonaba, esto lejos de ser un recorrido comentado.

Uno de los principios presentes en la obra y que pudimos resaltar desde la relación obra y público, fue el vínculo directo que se creaba entre el intérprete y el visitante, semejante a la de una conversación en la cotidianidad. Esto era algo que rompía el paradigma del sujeto que solo contempla la obra, para posicionarlo como un observador activo, que escucha la historia detrás de la pieza, que pregunta y que dialoga.  El diálogo era el ideal, pero en la realidad el público tímidamente participaba con preguntas o interviniendo en la historia que estaban escuchando, quizás por el hábito de observar la pieza como visitante a teatro, en donde de un lado está artista sobre el escenario y del otro lado el público está sentado. Aquí, el intérprete lleva al espectador a salirse de comodidad y lo observa fijamente, atrae su atención, casi como diciéndole que su presencia es innegable en el lugar, el público no advierte que hace parte del sistema, se atemoriza, no pregunta, no continua con el diálogo. El vínculo entre artista y visitante se hizo evidente en el gesto que el espectador comunicó en su rostro y en su cuerpo, ya fuese de fascinación, de sorpresa, de asombro, o por el contrario de incomodidad, de confusión, de frustración o de deseo de salir de la muestra.

En ese sentido, la mediación para el Proyecto Educativo de NC-arte fue un reto, la estructura de la obra en sí misma creó una relación entre el mediador, el visitante, la obra y el intérprete, asemejándose la exposición a un dispositivo o puente entre el performer y el observador, siendo el intérprete un sujeto que relata su historia, expone su “retrospectiva individual” y se presenta con nombre propio, compartiendo abiertamente y confiadamente fragmentos de sucesos personales con un visitante desprevenido.

Nosotros como mediadores dimos la  bienvenida al público, sin dar mayor información para no anticipar la experiencia, fuimos muchas veces visitantes y nos dejamos sorprender por cada una de las retrospectivas, acompañamos a los espectadores no como mediadores sino como visitantes también y recorrimos al ritmo que cada grupo propuso. No había tiempos, ni estructuras rígidas definidas, las sesiones de trabajo con los grupos se determinaron a partir del tiempo que el mismo grupo sugirió. El taller tradicional de NC-arte, en está muestra no fue taller, se asemejo más a un “recorrido guiado” y concluido por el visitante al compartir sus percepciones con un mediador.  Aquí los roles cambiaron, el puente no era el mediador, era la obra y el visitante era el mediador.

Los “recorridos guiados” por los visitantes clausuraban con preguntas sobre la noción de performance, comentarios sobre el archivo de imágenes que cada intérprete transmitía con su cuerpo, cuestionamientos sobre el sentido de la exposición, ideas para llevar a sus contextos sobre el concepto de cuerpo y de autoría. A lo largo de la muestra, ni los intérpretes, ni nosotros como mediadores dimos una charla sobre los trabajos de Xavier, siempre hablamos desde nuestro punto de vista, desde y sobre las experiencias que tuvimos y que vivimos con los visitantes, siguiendo la invitación que Xavier les propuso a los intérpretes para la creación de sus piezas y la forma de conversar con el público.

Así mismo, nos permitimos trabajar de la mano con los artistas performers quienes en distintas ocasiones hicieron parte de los momentos de diálogo con los grupos de personas, comentando su experiencia al interior del proyecto, la fase previa, los aprendizajes vividos o respondiendo a algunas dudas que surgían en medio de la tertulia.

El reto que nos propuso Retrospectiva, nos ayudó a cuestionar el formato de taller, nos llevó a sentirnos identificados con la idea de experiencia que propone la obra, nos ayudó a reafirmar la idea de que el mediador no sabe más que el espectador y pudimos ratificar con esta exposición la noción de observador creador, que a través de la palabra como material pudo expresar su experiencia personal, cuestionar la obra, compartir historias y debatir su propio rol como visitante de una exposición.

Nota:

// El formato de taller suele ser utilizado como propuesta de mediación en el marco de las exposiciones de NC-arte. Es cierto que este formato puede ser modificado y es flexible de ser pensado de distintas formas. El mediador es aquí alguien dispuesto a aprender, que se aproxima al otro, a sus intereses, a recapitular la experiencia vivida, a detonar un componente que exterioriza lo sucedido. Así el espacio educativo se asume como un espacio para indagar, lo propuesto por el artista, cuestionar la obra, en ese sentido el visitante no es solo un observador u oyente de historias, es un sujeto de la experiencia. 

Yuly Riaño

-”Me pregunto qué tan espontáneo es lo que dicen. ¿Cuántas veces lo habrán dicho? ¿Cambian al decírmelo a mi?”

- ”Muchas veces no somos conscientes de que imponemos cosas en nuestros alumnos, y resulta que cuando les dejamos campo para experimentar, también surgen cosas muy buenas”

- ”A pesar que haya una interacción, seguimos viéndolos como una obra, existe una barrera”

- ”Para mi lo malo no es lo relacional en sí, sino el hecho que uno nunca sabe si la relación que se genera con el público es sincera o es forzada”

- ”Uno nunca sabe si lo que se está viviendo es mentira o es verdad. Esa relación es la que genera una tensión muy interesante y mantiene al espectador en la sala”

- ”Hacer un catálogo sería matar la exposición”

- ”No podría hacerse un catálogo, porque esta no es una exposición como tal”

- ”Una cosa muy interesante de esta obra es que no sólo se muestra el aquí y el ahora, sino que se muestra todo el proceso”

- ”Retrospectiva” es una utopía de lo que debería ser una exposición en una institución cultural”

- ”El espacio de exposición espera que el cuerpo sea un mero vehículo para los ojos y el cerebro”

-  ”El cuerpo humano es un enemigo en un espacio de exposición. ¡No toque! ¡No corra!, ¡No respire!, ¡no se acerque!”

-”A pesar que el espacio es abierto y nuestra interacción es libre, construimos un escenario en torno a los performers, muy salido del teatro”

-”Sólo en esta exposición y con el espacio vacío, vi la textura del suelo, las sombras de los bailarines, los colores, es todo un lenguaje muy pictórico”

- ”La libertad existe para el espectador, porque no hay un orden ni una afectación en el recorrido”

- ”En situaciones familiares, hay historias que surgen más de una vez. Ese es un indicio de que los conoces bien

- ”lo paradójico de esta pieza es que es efímera, pero que trasciende en la memoria del visitante y en la mutación de ella misma”

- ”Más que una retrospectiva, la obra es como una tradición oral”

-  ”¿Lo que vemos abajo es arte?”

-  ”¡Hay que hacer currulao experimental!”

-  ”Así como los artistas se expresan con pinturas, o un músico con sus canciones, ustedes se expresan con el cuerpo y lo que nos comparten”

Esta iniciativa es un programa de colaboración entre el Proyecto Educativo de NC-arte y el Colegio Los Nogales. Tiene como fin aportar al posicionamiento del rol del artista educador en el territorio de las prácticas artísticas en ámbitos no convencionales. La residencia ofrece a un artista educador la oportunidad de proponer y realizar un proyecto de creación de forma colaborativa con un grupo de estudiantes de Concentración en artes de últimos grados de secundaria.

El programa se desarrollara de los meses de abril a junio de 2017, al interior del Colegio Los Nogales. Durante este periodo de tiempo el artista educador estará acompañado por el Proyecto Educativo de NC-arte y por la Coordinación del Departamento de Arte del Colegio Los Nogales.

Convocatoria abierta:  del 3 al 10 de marzo Dirigido a:  Artistas plásticos y Visuales con intereses en educación Modalidad de la residencia: Presencial con horario flexible y a definir con el residente elegido. Periodo de la residencia: Abril a Junio de 2017. Lugar: Colegio Los Nogales

BASES DE LA CONVOCATORIA

Requerimientos:

Residir en Bogotá, Chía o cercanías.

Experiencia previa en el desarrollo de proyecto educativo con grupos de jóvenes.

Intereses en arte y educación

Diligenciar el formulario de inscripción en línea https://docs.google.com/a/nc-arte.org/forms/d/e/1FAIpQLScpCEwm4g00p6kunP8hieuIqBYe--IvbDkEBIdsOVvXszFFjg/viewform

Enviar Hoja de vida

Enviar portafolio

Enviar carta de intención : La carta de intención tiene como objetivo expresar el interés de ser residente, al resaltar sus conocimientos y experiencias en el campo del arte y la educación. Al igual que dar a conocer las expectativas que de la residencia y un plan de lo que desearía hacer en la misma.  Es ideal que este escrito tenga una extensión no mayor a 700 palabras.

Enviar texto crítico: Este texto tiene como finalidad que el candidato de a conocer su postura crítica sobre procesos de colaboración entre artista y comunidad, arte social y participativo,  niveles de participación y de vinculación de las comunidades, citando a algunos autores que considere pertinente mencionar y que sean posibles referentes de su práctica.

Fecha límite de documentos y textos (Hoja de vida, portafolio, carta de intención y texto critico): 10  de marzo de 2017 a las 6: 00 p.m.

Envío al correo:  [email protected]; [email protected],  todos los documentos deben estar en formato pdf y se deben adjuntar en el mismo correo. El asunto del correo debe decir: Convocatoria residente artista educador/ Nombre del postulante.

Publicación de resultados:Se enviará un correo a las personas preseleccionadas el día 17 de marzo y se dará cita para las entrevistas el día 21 de marzo.

Se dará el resultado de la persona seleccionada el día 22 de marzo. 

La duración de la residencia es del 3 de abril al 2 de junio. En los días previos al 3 de abril se realizará una reunión con el Proyecto Educativo de NC-arte y una visita al colegio.

Beneficios ofrecidos:

Se destinará un rubro de COP $4.500.000, esto incluye honorarios del artista y las necesidades del proyecto.

Materiales para la producción del proyecto COP $500.000.

Uso de buses del colegio, previa inscripción en las oficinas de transporte.

Almuerzo en el colegio sin costo durante los días que desarrolle la propuesta.

Servicio de biblioteca, incluyendo la modalidad de préstamo de libros a domicilio.

Uso del espacio de taller en caso de que sea necesario.

Servicios de agua, luz, red y aseo para el taller. 

Soporte técnico y tecnológico para ser utilizado al interior del colegio, como equipos de proyección y cámaras.

Guardería en caso de que necesite llevar a su hijo/hija menor de dos años y medio.

Servicio de parqueadero.

Encuentros con el Proyecto Educativo para desarrollo conjunto del proyecto y seguimiento del proceso con reuniones periódicas.

Compromisos del residente con NC-arte y El Colegio Los Nogales:

Realizar el proyecto por el tiempo mencionado.

Elaborar unos resultados para una socialización o charla en el espacio del Proyecto Educativo de NC-arte y una exposición o muestra del proceso en el Colegio Los Nogales.

Entregar un texto final sobre la residencia para compartir por redes y por el blog del Proyecto Educativo y en el colegio.

Firmar el  contrato con el colegio para la realización del proyecto.

Los días y horario de trabajo se convendrán con el colegio antes de iniciar el proceso, pero deberán estar dentro de los mismos en los que funciona todo el colegio.

El/la artista residente debe atenerse a las normas del colegio (vestimenta adecuada, no beber o fumar en el colegio, el artista debe tomar el manual del profesor como guía de lo que se espera de un adulto en el Colegio Los Nogales).

Debe tener EPS y pagar la ARL a la que el colegio le afilia.

Respondiendo a nuestro contexto institucional y educativo local y nacional, encontramos que compartimos las mismas preocupaciones que otros lugares como la Whitechapel Gallery de Londres o el MACBA de Barcelona. Hay tres cosas que me llamaron especialmente la atención, sobre todo porque son aspectos que tratamos en el Proyecto Educativo de NC-arte constantemente a la hora de pensar nuestra identidad y razones de ser. Por un lado, la necesidad y el deseo de salir de la institución, llevarla más allá de las paredes que nos contienen a diario a través de programas que lleguen a otros públicos y que se desarrollen de manera independiente a las exposiciones, permitiendo ahondar en investigaciones propias que pongan en relieve la relación y compromiso con la educación y sociedad. Por otro lado, y quizá como consecuencia del deseo de llegar más lejos, de trascender un poco más, se siente la necesidad de crear una comunidad involucrada en un proceso de formación informal a menudo basado en la co-creación y el trabajo participativo, pensado desde la institución, pero a menudo en conjunto, como noción distinta a la de un público, mero usuario y consumidor de exposiciones y programas. Por último, desde el congreso y en la parte de los talleres, se invitó a los asistentes a hacer algo más allá de repensar la institución: repensar nuestro rol dentro de ella. Por el tipo de formato que supone una conferencia, a menudo existe la preocupación de que no haya suficiente espacio para la retroalimentación, para escuchar y hablar con aquellos que están sentados en el auditorio. Los talleres a los que asistí, de Aida Sánchez (Asesora de Educación y Públicos en Museo Reina Sofía) y Mónica Hoff (educadora e investigadora independiente), tuvieron la finalidad de generar sesiones de reflexión, práctica y juego para asimilar los contenidos de las conferencias y, sobre todo, ponerlos en relación con nuestro trabajo y con los deseos irreverentes que podamos tener dentro de un marco institucional. El lado más colorido y juguetón de esta conferencia institucional, que corre el riesgo de ser tachada de estática, fue doble: por un lado, la inclusión de estas sesiones de taller, sin las cuales quizá nos hubiéramos ido sin perder nuestra zona de confort y sin hacer perder al museo la suya, y por otro, las experiencias educativas como el NC-LAB, que desde distintos tipos de institución operan con cierta independencia dentro de la misma. Con este guiño a la posibilidad de un formato de conferencia masiva algo diferente, mi deseo para el 2020, año del próximo congreso, es que el museo Thyssen-Bornemisza se atreva a repensar la totalidad de un congreso en el que el diálogo y la práctica tomen las riendas del  programa.

El pasado jueves 29 de septiembre de 2016, el grupo de profundización de artes del Colegio San Bartolomé de La Merced visitó el espacio NC arte, en él encontramos la exposición El futuro de no es de nadie todavía de Eugenio Ampudia. En ella se podían evidenciar dos temáticas claras, la primera era una crítica hacia espacios en los que se exhiben los diferentes tipos de arte como museos, galerías y bibliotecas entre otros. La segunda era una llamada de atención al público, pues quería demostrar que el tiempo no se para a esperar a nadie, que está en constante movimiento en donde  el pasado y el presente tienen nombre pero el tiempo no va en retroceso, si no que solo va hacia delante.

Cuando se entra al espacio, el ambiente cambia, el ruido de la calle se queda allí y una gran estancia con techos elevados y columnas junto a dos obras efervescentes, es decir, - que causan grandes emociones- , de inmediato captan tu atención y te dan la bienvenida. Una de las obras de la entrada recibe el nombre de La Plaga y Tiempo; recorre desde la columna de la entrada, las escaleras del segundo piso hasta detrás de las paredes, como lo dice su nombre es en verdad una pequeña plaga de cucarachas de papel que está por todas partes. Tiempo, obra que asemejaba un recuadro blanco en la pared frente a la entrada,  en trozos de metal colocados cuidadosamente para que cada ciertos minutos se definiera la palabra tiempo, para invitarnos a pensar sobre lo que nos espera más adentro del espacio expositivo.

Al seguir por la pared nos encontramos dos obras nuevas y una estancia más espaciosa que la anterior con aproximadamente 10 proyectos nuevos. Las que más llamaron mi atención fueron Dibujos Encapsulados, Donde Dormir e Impression Soleil Levant.

Dibujos Encapsulados, son unas esferas de cristal rellenas de tinta que tratan de mostrar que el artista va mas allá que el arte que el mismo pueda hacer, aunque no lo hagan sus propias manos y que de alguna manera está cediendo el poder o el privilegio a otra persona, a través de una esfera con toda esta fuerza encapsulada está proponiendo un cambio desde “un impulso rebelde, valiente e inaplazable”. (Ampudia, 2015)

Al final del primer piso nos reciben unas escaleras que llevan al siguiente nivel acompañado de la plaga que se ha tomado el lugar. Al llegar al segundo piso nos encontramos con una pequeña terraza que contiene un jardín de pasto aparentemente normal hasta que se observa con detalle y notas que está respirando, se expande y se contrae como los pulmones de una persona. Al ver esto el autor nos hace cuestionar sobre  la tierra que está bajo tus pies está viva, se mueve y esto lo cambia todo, pues nos brinda nuevas preguntas que invitan a pensar y a replantear nuestro punto de vista.

El segundo piso es de un tamaño más reducido, en ella se encontraban cinco obras contando Mala hierba y Fuego Frío, que es una clara crítica al conocimiento carente de diversidad que venden las bibliotecas y los libros. Esta obra muestra cómo se “queman los libros”  quemándose,  mostrando que quieren algo más, siendo las bibliotecas lugares que dejan mucho que desear para la sociedad actual y que es hora de un cambio.

En general me parece que es una gran exhibición pero no se puede llegar y pretender entenderlo todo con total claridad de inmediato,  requiere disposición, tiempo e imaginación por parte del público, porque sin ésta las indagaciones de arte que Ampudia realiza serian un conjunto de obras sin sentido reunidas en una galería.

Por otra parte, me parece que éste es el tipo de arte que hace pensar a la persona y necesita que no le de todo entero y le diga como es cada cosa, pues en la sociedad actual se necesita un arte que lleve a diferentes conclusiones, un arte crítico que ponga a pensar a la persona sobre su vida y que le de una nueva perspectiva, por que si todos pensamos y nos comportamos de la misma manera como la biblioteca y el museo circunscrito y gris se pierde la esencia, se pasa la vida y habrás quedado masificado en lo monótono.

Para finalizar, me gustaría hacer hincapié en que la sociedad debería empaparse y aprender a apreciar el arte de esta manera pues trae de trasfondo enseñanzas y vivencias que pueden llegar a ser muy valiosas por que de alguna manera nos recuerdan cosas que parecen obvias pero que a veces se nos escapan, como lo valioso y corto que es el tiempo.

Referencias

Moltó,D.(05/10/2011).Eugenio Ampudia: 'Los artistas somos supervivientes y además tenemos que ser peligrosos'. El Mundo. Recuperado de http://www.elmundo.es/elmundo/2011/10/04/alicante/1317750798.html

Uriarte,J.A.(Octubre 2016).Eugenio Ampudia: «Confío, sin ninguna duda, en que venceremos».Input. Recuperado de http://input.es/output/ampudia/

Ampudia,E.(2012).Carrera de vida. Recuperado de http://www.eugenioampudia.net/wp-content/uploads/2016/10/CV-ESP_4oct2016.pdf

En general, cuando pensamos en la idea de encuentro tenemos una visión armoniosa, positiva, de algo que se da por afinidad o aproximación. Sin embargo, si considerásemos las leyes más básicas de física recordaremos que así como dos cuerpos no pueden ocupar un mismo espacio a la vez, ambos están formados por moléculas idénticas constituidas por la combinación de dos polos que se atraen, justamente porque son opuestos, pudiendo, por lo tanto, formar un solo cuerpo. El encuentro es, sin duda, una paradoja por excelencia.

Encontrar viene del latín incontrare, que significa el encuentro de contrarios. Podríamos decir entonces que la base del encuentro es el desencuentro, una vez que no es exacto, preciso o perfecto. Ni tampoco armónico. Su esencia es lo posible que hay en lo inviable, y existe como suma de imprevistos, de no-búsquedas, de casualidades, de riesgos; un algo totalmente irregular que se da por sorpresa, pero también por insistencia. Se trata, en cierta medida, de una especie de milagro –un extraordinario acontecimiento de lo ordinario en sí mismo–. O sea, el encuentro es un desequilibrio –es el lugar de la existencia indivisible y de lo eternamente inacabado–.

Hay encuentros que duran segundos. Hay encuentros que duran toda una vida. Hay encuentros que se dan por palabras. Hay otros que se dan por fricción. Hay encuentros que son choques. Hay encuentros que provocan chispas. Hay encuentros que nos toman de repente. Y hay los que nos lleva toda una vida percibir.

Lo interesante del encuentro es que no podemos necesitarlo o medirlo; es anárquico por naturaleza, no se rige por reglas. Podríamos inclusive decir que en el encuentro interesa lo que no es encuentro. Lo que no es encuentro no cabe en la búsqueda, habla al respecto de un correcto estado de disponibilidad, de atención (como sugiere Jan Masschelein), en el cual dos o más seres, cuerpos y/u objetos están en juego. Es un estado de espíritu que “abre espacio para una posible auto-transformación, o sea, un espacio de libertad práctica”.

Físico y político, afectivo y espiritual, el encuentro es un espacio de creación. Es estar en el otro sin dejar de estar en sí mismo y, sobre todo, es permitirle al otro estar en ti sin que éste deje de ser quien es. Es un encuentro de deseos, muchas veces, no sabidos.

En esta exposición ocurre lo mismo que en otras, y es que el mediador tiene que enfrentarse a un conjunto de ideas que a menudo ignora, y que le tomarían  la vida para aprenderlas a cabalidad. Desde física cuántica, astronomía  o astrofísica, las bases teóricas para no cometer yerros abismales aumentan a medida que se comienzan a explorar. Sin embargo,  es conveniente que la obra de un artista no guarde verdades  absolutas, más allá de sus aspectos concretos: tamaño materiales, tiempos de realización o procedencia de la información y todo eso lo provee la hoja de sala. A partir de ahí entonces, tanto yo, como los participantes de los talleres, podemos partir a especular sobre el cosmos, y algo más  interesante aún, en caso de estar equivocado respecto a algún elemento o fenómeno del universo, podemos comenzar a analizar por qué se comete ese error, y mirar las posibilidades que encontramos en él, más que corregir de entrada. A lo mejor, ahí reside algo profundo de la manera de mirar el mundo (y el universo), haciendo que uno se lleve de la exposición algo de sí mismo y no un artefacto o cosa de donde estuvo, como un souvenir.

 Con eso se puede pensar en otro aspecto clave de la tarea del mediador: ser arteducador, o vivir en el filo del arte y la educación. Es complicado, porque se espera que haya educación, pero no se sabe muchas veces sobre qué. ¿Sobre los artistas? La mayoría son personas normales, que se detienen a mirar un poco más, y que tienen unas condiciones laborales peculiares. ¿Sobre la técnica artística? Por más largo que sea el taller, a lo mejor nunca podremos hacer objetos iguales a los de los artistas, y en muchos casos siquiera saber cómo fueron realizados. ¿Sobre el universo? Bueno, depronto si un poco, pero ya mencioné que ni yo ni los artistas somos expertos en el tema, y tampoco es la intención. Sobre arte contemporáneo? a lo mejor, porque en esa categoría caben muchas cosas, tanto las maneras de hacer y pensar, de jugar y reconfigurar las ideas, o inclusive aquella premisa de no pensar el  arte como algo que tiene que ser explicado, sino como una plataforma que lo que procura es un aprendizaje constructivo, modular, que enseñe a pensar a través de la creación, el cuerpo o el  lenguaje.

Resulta curioso, porque por lo general la respuesta fácil es decir: “lo que importa es lo que tu sientes con la obra”, y en la mayoría de los casos es cierto. Pero también sucede, que de alguna manera nos ponemos de acuerdo y hablamos de ideas, que están en una y otra pieza, que permanece bajo otra apariencia, que en el fondo, estas sensaciones las podemos encontrar en común no sólo entre nosotros, sino compartidas con otros visitantes que pasan a la muestra, perfectos desconocidos con los que una y otra vez, nos ponemos de acuerdo.

Así, pudiera decir que tiene sentido mediar una exposición, no solo para facilitar una conexión entre las experiencias personales del visitante y lo que intenta decir una obra, sino también como una especie de veedor, que verifica que la muestra sí sugiere ideas más complejas para pensar en las fronteras, en lo desconocido, en lo vasto e inconmensurable del universo, y en cómo éste puede caber en nuestras habitaciones, en nuestras manos, o en nuestro propio cuerpo.

Es por eso bueno haber probado en esta muestra con formatos distintos de mediación, o maneras distintas de hablar con el público. Además del tradicional taller para grupos grandes, con actividades y una idea central, también estuvo presente una manera de pensar la visita desde el Recorrido,en el que se anda libremente, se le pregunta al guía y éste devuelve la pregunta, o mejor, pueda ayudar a resolverla por nuestros propios medios. Estuvo  también la Media visita, como actividad que busca, 1. Una visita corta  2. Que no sea una retahila organizada  3. Que permita jugar con los temas y con cómo hablamos de las obras. Hace falta mencionar las Miradas remotas, un formato de mediación que toma en préstamo algunas estrategias de los concursos, para incentivar la creación desde lo que ya está creado mediante videos de fácil realización, y ofrece una retroalimentación a través de las redes sociales.

Hacia una nueva orilla es una exposición que se plantea desde el extrañamiento, los imaginarios en torno al universo y las posibilidades de especular acerca de lo desconocido; sin embargo, en ocasiones, estos elementos empiezan a desdibujarse tras el estudio de cada una de las obras y las conversaciones con los artistas, así, más pronto que tarde terminamos aprendiendonos y configurando un discurso de la exposición. En ese peligroso punto de la certeza, es cuando debe siempre surgir la pregunta ¿Cómo multiplicar los significados, cómo salirse de la propia mirada de las obras en nuestro trabajo como mediadores?

Sin embargo antes de revivir los sentidos de la exposición y finalizar el proceso de reinventar nuestros propios discursos, a muchos nos surge una inquietud, la duda de si las obras están muertas para nosotros los mediadores, ¿Cuántas veces aquel que se ha desempeñado como mediador o guía no lo sintió? No sintió que recitó un discurso que conocía de punta a punta, palabra a palabra, lectura a lectura y que en ocasiones aunque el diálogo con otras personas le enriqueciese, es difícil quebrar las concepciones preestablecidas durante la exposición.

Nuevamente y como lo ha demostrado el tiempo que llevo en NC-arte, la experiencia de enfrentarse al grupo de forma directa es la mejor manera de entender las situaciones y sus posibles formas de solucionar las problemáticas. Así, todo surgió en un momento en que el lenguaje institucionalizado desapareció para dar mayor protagonismo a una percepción sensorial de cada una de las obras, en las que intuitivamente y de forma orgánica nos permitió establecer una manera propia de comunicación con el grupo. La visita se desarrolló en un plano que respondía a una nueva realidad, tanto para ellos como para mi, en la que el silencio de las palabras le abrió la puerta a la experiencia sensorial.

Por aquellos días me enfrentaba a estos cuestionamientos, que me llevaban a percibir las obras como sumergidas en un limbo. Entonces, recibimos una visita inesperada, el grupo de estudiantes del  Instituto Nuestra Señora de la Sabiduría para sordos. En primer lugar este grupo representó varios retos, entre ellos mediar una exposición tan extensa a partir de replantearse las formas de comunicar el contenido, lo cual también me exigía pensar en diferentes posibilidades de establecer diálogos a través de otros medios y lenguajes.  

El grupo de estudiantes me compartió su mirada de un espacio, desde el silencio, donde las imagenes tenian mucho mas peso que las mismas palabras, y el cuerpo se convirtió en el principal mediador entre el espacio y el contenido de las obras. Esto despertó en mí niveles de percepción de las obras desapercibidos hasta el momento,  en los que el cuerpo, de repente, se vio permeado, -como en las obras de Pedro Torres y Adriana Ciudad- cuando las vibraciones que producen los sonidos logran tocar el vientre y el pecho, cuando los planetas se pueden escuchar con las yemas de los dedos y el sonido se convierte en un elemento táctil, o como en la obra de James Turrell, cuando la luz se transforma en un umbral de realidades convirtiéndose en materia manipulable y así ver cómo obras que por momentos parecen insaciables, se vuelven físicas.  

Durante la visita empecé a sentirme extranjera dentro de la exposición, cuando sin darme cuenta mi rol de mediadora se fue transformando en el de espectadora y los estudiantes asumieron el papel de guías y narradores de su experiencia,  poco a poco me vi envuelta por el asombro y la sorpresa del grupo al ingresar en el universo de cada una de las obras, maravillándose con la novedad y el encuentro que estas suponían.

Tras terminar el recorrido por la exposición pude darle respuesta a mis cuestionamientos planteados al inicio, y entender, primero que la experiencia de la contemplación y el diálogo con las obras debe necesariamente estar relacionada con el cuerpo en un nivel íntimo que permita darle el espacio a éste de entregarse a sentir las imágenes para conectarse con ellas y por otra parte estar más alerta y consciente de que cada gesto, movimiento o palabra esconde más información de la que aparenta, y que a veces este tipo de experiencias superan los aspectos más racionales, trascendiendo a un plano mucho más emocional e incluso instintivo, que sobrepasa las palabras o el lenguaje de señas en un ejercicio de  comunicación en su sentido más esencial.  

Tatiana Benavides

Asistente del Proyecto Educativo 

Tengo que confesar que nunca había ido a este espacio, que tampoco sabía que hacía o a lo que se dedicaba. Lo único que puede saber antes de llegar fue lo que encontré en la página de internet. NC-arte me llamó la atención ya que propone un vínculo entre arte y educación, y debo decir que siempre me ha llamado la atención la pedagogía, asi que me animé no solo a trabajar en este lugar, sino a aprender todo lo que pudiera de todas las personas que pasaran por este espacio. Y así fué.

Desde el 25 de enero de este año en el que entré a trabajar en NC-arte, empecé a ver desde adentro, cómo se dan las producciones que podemos observar en galerías, museos, espacios culturales. Llegar preciso en uno de los montajes que más ha requerido trabajo y sumo cuidado, como lo es la exposición Petricor de Nicolás Paris, me exigía de una vez estudiar todo lo que rodeaba esta obra, para no estar desentendido de las conversaciones que se daban entre las personas que trabajan ahí.

Comencé tímido, era mi primera vez trabajando en una institución de orden cultural. No conocía a nadie, pero cada uno me ayudó a irme acoplando al trabajo en grupo, creo que por esta razón el equipo de NC-arte ha tenido el éxito y crecimiento que ha tenido en estos 5 años, todo lo que se hace dentro del espacio se realiza en conjunto, se planea todo con tiempo, anticipación y se trabaja con la opinión de todos.

Me desempeñé dentro del proyecto pedagógico asistiendo al mediador a cargo (en principio Marcela Calderón y después Juaniko Moreno) en los talleres y actividades que se fueran dando con el público en general. Aunque no me da pena hablar en público, no sabía cómo se desarrollaba la mediación dentro instituciones culturales. Pero en cada taller y actividad se fué dando el aprendizaje que apoye de los textos que iba leyendo acerca de pedagogía y mediación que se encuentran a disposición en el espacio.

Me acoplé a este trabajo mientras realizaba el registro de cada taller con la cámara, hizo que no me sintiera tan perdido en el trabajo al principio. Esto estuvo acompañado de ayudar a subir el contenido a redes sociales, implicando la selección y el ajuste de las imágenes que había capturado.

Terminada esta fase del acompañamiento a Mayana, donde vi todo el proceso y la realización de su obra, pude acompañar un par de días a Marlon de Azambuja, en el registro del proceso de su obra con los 10 estudiantes que participaron de la creación de su universo de un millón de estrellas. Y ayudar en el montaje de la obra de Juan Zamora y César González. Creo que esta exposición pude poner en práctica todo lo aprendido en el tiempo que duró la exposición de Nicolás Paris, mientras me fui acoplando al trabajo en NC-arte.

En el montaje de Hacia una nueva Orilla, la exposición colectiva que está actualmente me encomendaron a compañar a una de las artistas a realizar su obra, con entusiasmo acompañé a Mayana Redin en la búsqueda de cada lugar en Bogotá para su obra Establecimiento cosmos. Duramos 5 días de trabajo continuo mientras se realizaba el montaje de la exposición.

Lo mejor de trabajar en el proyecto educativo fue participar de los talleres y acompañamientos, las ideas que el público y espectadores proponen en el dialogo que se da, es increíble, las publicaciones que se generan a partir de todo esto, tienen una importancia académica muy especial por que se vuelven casos de estudio en los cuales se dan diferentes dinámicas para el trabajo en grupo. Es una forma adecuada de cómo la mediación tiene un impacto importante en la forma de concebir y entender una obra de arte contemporánea, así como sucede con las propuestas in-situ de NC-arte.

El trabajo acá me ayudó a repensar la forma en que estoy realizando obras de arte y como las puedo comunicar. A entender cómo puedo acercar más al público a mi obra. De NC-arte, me llevo muchos aprendizajes profesionales y humanos, experiencias inolvidables, amigos y una gran familia.

Solo puedo darle al equipo de NC-arte las gracias por confiar en mí este semestre que estuve acompañándolos, por su amabilidad, compañerismo y por todo lo que me aportaron incondicionalmente.

Ya en la galería, una campana para llevar el ritmo y enmarcar los diferentes ejercicios, el desplazamiento libre, la mirada sostenida y los movimientos que cada estudiante imagino para una planta fueron el motor para vivir conjuntamente, las relaciones con el espacio, el movimiento, la presencia, el cuerpo. La energía y disposición de los(as) jóvenes fue la mejor y nos permitió disfrutar cada ejercicio.

Al final de la sesión…la reflexión. Un compartir de alimentos y palabras que nos permitió conocer aún màs a los jóvenes que estuvieron participando del Proyecto Educativo y también a las personas de la galería que nos acompañaron.  

Si algo me queda resonando de la propuesta de Nicolás Paris, es que todo momento es aprendizaje y todo compartir una experiencia formadora. Lo que habitualmente abordamos como parte de la formación pastoral del colegio es llevado al ámbito del arte y como la expresó María José es “el arte vinculado a la realidad”. No necesitamos un aula, una actividad concreta o un objetivo definido para que sintieran que habían aprendido màs de las opiniones compartidas, que ampliaban y orientaban su pensamiento, que de la exposición misma. Pero no olvidemos que fue la obra Petricor, el espacio que propició ese compartir.

Surgió la inquietud sobre quién es artista y aunque no se obtuvo una respuesta definitiva, porque tampoco necesitamos esa certeza, para algunos de los estudiantes son personas creativas que expresan y hacen lo que les gusta de maneras diferentes. Las cinco sesiones realizadas dentro del Proyecto Educativo han demostrado que el arte y las propuestas artísticas van mucho màs allá de un concepto o una definición, son la excusa para trascender en las emociones, sensaciones y pensamientos.

En adelante, a estos jóvenes ya no les será desconocido el cuerpo como elemento de creación, mirarán una hoja blanca de manera diferente y, es seguro, su relación con la tierra y las plantas ha cambiado.

Los estudiantes se preguntan sobre la intención del artista; ¿Acaso tenía presente como iban a cambiar las cosas? ¿Esperaba algún tipo de resultado?...habrá que hablar un poco más con Nicolás Paris.

“Dejarse llevar”, “Dejarse sorprender” son afirmaciones que dentro de la formación Ignaciana, nacen de los ejercicios espirituales y permean la cotidianidad del colegio San Bartolomé la Merced  y en esta ocasión se hacen más relevantes. Petricor es una propuesta artística para recorrer varias veces, para cuidar y explorar en un recorrido “corporal” donde es necesario acurrucarse, estirarse, ver lo pequeño y lo grande, detallar cada rincón y dejar que los sentidos interactúen con los espacios y las cosas cambiantes.

Nuestra guía en este taller propone un diálogo sobre lo que es un lugar y un espacio, ¿acaso hay una diferencia? Para Santiago Moreno un espacio se transforma en un lugar cuando nos trae recuerdos, se ha vivido una experiencia en él y lo hemos habitado. Son muchas las opiniones y no hay conclusión, ya que cada uno aborda la pregunta desde su subjetividad y todas las apreciaciones son válidas.  

En este acercamiento a lo que puede ser un espacio y un lugar, se les plantea a los estudiantes un ejercicio donde a través de elementos sencillos como hojas blancas y tijeras se apropien de algún espacio de la exposición y lo conviertan en su lugar. En esta oportunidad solo pudieron participar ocho estudiantes en este taller, así que se dividen en dos grupos quienes realizan las siguientes propuestas:

Grupo #1: Samán Gutiérrez, Santiago Moreno, Santiago Castro y Juan David Ordoñez, para apropiarse de uno de los espacios de la exposición, decidieron “dejar huella”. Tierra y humedad fueron la inspiración para estos jóvenes quienes a través de su ejercicio provocaron reflexiones en torno al cambio y las cosas que no son evidentes.

Grupo#2: Claudia Díaz, Tomás Montoya, María José Arbeláez y Jacobo Arias, enfocaron su ejercicio en la luz natural y como afecta los objetos. Con papel blanco recortaron siluetas que evocan formas vegetales y lo colocaron en la ventana, justamente para que la luz exterior pudiera interactuar con estas formas.

Los jóvenes que conforman este grupo, están ansiosos por volver y no quieren faltar a la última sesión. Nos queda una visita y esperamos que cada momento les permita crecer como personas y percibir su entorno con una mayor sensibilidad.