Mahée's Films Critiques

                                             FRAYEUR GARANTIE                                         Quoi de mieux qu’Halloween : trouver le meilleur costume possible, s’empiffrer de bonbons, sortir avec vos amis mais aussi, et surtout, se faire peur en regardant des films d’horreur. Voici une petite liste de recommandations pour vous guider dans votre choix de frayeur sur écran.

 FANTOMES :

Le Numéro 1 : Un des sous-genres les plus prolifiques du cinéma d’horreur, les films de fantôme, qui illustrent la peur viscérale de l’homme face à la  mort, mais aussi face au retour de nos pulsions et actions les plus terribles que l’on avait tenté d’enfouir au plus profond de nous. Dans cette catégorie, le film **L’Orphelinat** (Juan Antonio Bayona, 2006) est un modèle très convaincant. Ce film teinté de fantastique raconte l’histoire de Laura qui décide de racheter l’orphelinat où elle a grandit afin de le restaurer et le transformer en maison d’accueil. Le jour de l’inauguration, son fils Simon, disparaît. Laura part alors à sa quête, convaincue qu'un mystère longtemps refoulé est tapi dans l'orphelinat…Le film parvient à commettre l’exploit de mêler poésie et horreur au service d’un scénario plein de suspense dont la conclusion est à couper le souffle.

Le reste du podium: **Silent Hill** (Christopher Gans, 2006) et son atmosphère poisseuse, **Les Autres** (Alejandro Amenàbar, 2001) et son ambiance gothique.

SATANISME ET POSSESSION :

Le Numéro 1 : Un autre  favori des amateurs d’horreur, le thème du satanisme et des possessions maléfiques. Car si les fantômes sont inquiétants, quoi de plus effroyables qu’un être humain possédé ? Mi- humains, mi- démons, fous sans que l’on ne comprenne vraiment pourquoi, associés à la notion de mal absolu, on a du mal à classifier les personnages possédés, ce qui les rend purement terrifiants. Ici, c’est **Shinning** (Stanley Kubrick, 1980) qui s’impose dans les esprits. Le bâtiment mystérieux perdu en haut d’une montagne, les mystères un peu glauques que son passé recèle, ses couloirs (presque) vides et glaçants, l’auteur en manque d’inspiration qui devient fou (superbement campé par Jack Nicholson qui ancre cette performance comme l’une des plus impressionnantes, non seulement au sein de sa carrière, mais aussi du cinéma lui même), tout est réuni pour vous traumatiser.

Le reste du podium : **Rosemary’s Baby** (Roman Polansky, 1968) qui balance entre paranoïa et pire des horreurs,

**L’Exorciste** (William Friedkin, 1973), la plus culte des possessions.

 PSYCHOPATHE ET HOME INVASION :

Le Numéro 1 : Probablement le genre le plus terrifiant car le plus réaliste, celui qui met en scène des psychopathes. Souvent frappés de la bannière « basé sur des faits réels », les films de Home Invasion sont particulièrement glaçants puise qu’ils présentent des scénarios susceptibles d’arriver à n’importe qui.  **The Strangers** (Bryan Bertino, 2008) met en scène un de ces couples normaux à qui, alors qu’ils espéraient passer un paisible week-end à leur maison de famille, se retrouvent harcelés par un terrifiant trio masqué. La mise en scène haletante et la bande son pétrifiante permettent aux spectateurs de prendre la place des personnages principaux et d’expérimenter la terreur à l’état pur. La puissance de l’angoisse malheureusement s’essouffle au bout d’une heure ; mais le film reste néanmoins l’un des plus effrayants du genre.

Le reste du podium : **Hush** (Mike Flanagan, 2016)  qui place une jeune femme sourde et muette dans une situation similaire à celle de **The Strangers**- qui peut venir vous sauver quand vous ne pouvez pas appeler à l’aide ?

**Les Yeux de Julia** (Guillem Morales, 2010) comment lutter contre un psychopathe quand on est privé de la vue?

 MONSTRES ET ZOMBIES :

Le Numéro 1 : Un peu moins  réel mais cependant très intéressant, le sous-genre du monstre qui, en plus de donner des frissons, fournit de belles métaphores sur les traumatismes humains qui réapparaissent sous forme de monstres afin de rappeler aux personnages leurs peurs et regrets les plus profonds.  ** Mister Babadook** (Jennifer Kent, 2014) est l’un des exemples les plus probants : l’histoire est celle d’une jeune veuve qui découvre que son fils hyperactif dit la vérité à propos d’un monstre qui envahit leur maison à travers les pages d’un livre pour enfant. L’ambiance très sombre du film reflète l’état mental de l’héroïne qui se dégrade au fur et à mesure que l’intrigue progresse. Le film arrive à mêler à la fois poésie et ambiance pesante avec brio et offre une variante originale du genre.

Le reste du podium : **Massacre à la Tronçonneuse** (Tobe Hooper, 1974) un classique à ne pas manquer,

                                                   Hunting Flies 

   Toronto International Film Festival is very glamorous with its diffusions of future Academy nominated films and the presence of worldly known actors; but it is also the perfect place to discover young international talents. As I am very interested by the Scandinavian cinema, I decided to watch **Hunting Flies** while waiting for the première of a more famous movie later on this evening. I was very surprised to discover an excellent independent movie, way better than the other film I saw this day- even maybe one of the best films I saw at TIFF. The movie tells the story of Ghani who is a teacher in a Macedonian elementary school that gathers young pupils from three different and politically rival villages. As he is about to lose his job and is very annoyed by the relentless arguments the children cause by reciting their parent’s speeches without thinking about their meanings, Ghani decides to try an experiment in order to prove to his students that they have way more in common than they think. However, as the evening goes on, Ghani is more and more under pressure because he is convinced that the success of his experiment will allow him to preserve his job, so he starts to use debatable methods to impose his point of view on the children. 

 The film’s statement is original and interesting. Izer Aliu, the director, affirme his will to explore the formation of a dictatorship. Consequently, he does not only settle for a classic film about social and political reconciliations initiated in a group of innocent children and decides to reverse his movie at the middle of it. By underlining that every dogmatism, even initially based on good intentions- gathering rival communities, taking into account universal equality- can be extremely dangerous. Ghani is very idealist and only desires to establish peace within his institution- that is also the reasons why he wants to preserve his job- nonetheless, he is so convinced he is right that he imposes his opinion on others and does it in a pretty brutal way. Thus, the film offers two very interesting messages. The first one, already seen elsewhere but still presented in a very efficient way in **Hunting Flies**: all man is equal to the others independently from his opinions, especially political ones; there are so many similarities to explore instead on focusing on differences. The second, more original and audacious and yet exposed with a genial pertinence: any dogmatism, even the ones following an ideology based on good intentions is dangerous. 

  The casting, mostly composed of amateur actors and yet excellent, contributes to transmit these messages efficiently and with emotion. The young actors are very talented and full of spontaneity and the camera sublimes their intrepidity when it films them one by one. Burhan Amiti who plays the teacher gives a very subtile prestation and incarnates perfectly an ambiguous character. 

   Despite the very low budget of the film (500 euros!!!), Ali succeed in proposing very interesting shots. The framing and the composition of the image are always very creative and innovative and offer to the film a certain poesy, which is surprising as the subject, very anchored into the real world, did not seem likely to approach this lyricism. The cinematography for its part remains pretty basic and not very remarkable in comparison to the rest of the film, but this small default does not reduce the quality of the piece at all. 

  Aliu’s film is a real revelation that deserves a lot of attention form the festivaliers and the spectators. We hope that the film will find distributors in the USA- even if its sobriety and its subject might unfortunately not be “attractive” for this territory- because it has a lot to offer to north-american populations. We cannot are not coming unchanged out of the projection of this film that both moves and makes its spectators reflect, and it is with excitement that we are waiting for Aliu’s next movie. 

Hunting Flies: 

Directed by Izer Aliu 

                                                  Hunting Flies

                 Un film Norvégien dont la virtuosité survole le Festival de Toronto

       Le Festival International de Film de Toronto est très glamour avec ses diffusions de films qui seront très probablement nominés aux Oscars  et la présence d’acteurs mondialement connus; cependant, il s’agit aussi de l’endroit idéal pour découvrir de jeunes talents internationaux. Très intéressée par le cinéma scandinave, j’ai décidé d’aller voir **Hunting Flies ** pour m’occuper en attendant une première d’un film plus réputé le soir même.  Quelle ne fut pas ma surprise de me retrouver face à un excellent film indépendant bien meilleur que l’autre film vu le même jour- voire même l’un des meilleurs films que j’ai vu au Festival. Le film raconte l’histoire de Ghani, un professeur dans une école primaire Macédonienne qui rassemble des jeunes élèves issus de trois villages rivaux politiquement. Sur le point de perdre son emploi et agacé par les disputes incessantes qui règnent entre les enfants des différents villages qui se détestent mutuellement sans même réfléchir aux discours de leurs parents qu’ils recrachent à tout va, Ghani décide de retenir les garçons après une classe afin de les entrainer dans une expérience sociale dont le but est de souligner leurs similarités. Cependant, à mesure que la soirée avance, Ghani, de plus en plus sous pression car convaincu que la réussite de son expérience pourrait lui garantir la préservation de son poste, commence à utiliser des méthodes discutables afin d’imposer son point de vue aux élèves.

      Le propos du film est original et intéressant. Izer Aliu, le réalisateur, affirme vouloir explorer la formation d’une dictature. De  ce fait, il ne contente pas d’un énième film sur les réconciliations sociales et politiques amorcées dans un groupe d’enfants d’innocents et renverse le courant du film à sa moitié. En soulignant que tout dogmatisme, même initialement basé sur de bonnes intentions- le rassemblement de communautés ennemies, la prise en compte de l’égalité de tous- peut être extrêmement dangereux. Ghani est très idéaliste et ne souhaite qu’établir la paix au sein de l’établissement- c’est pour cela qu’il souhaite également préserver son travail- néanmoins, il est tellement convaincu d’être dans le juste qu’il impose son opinion aux autres, et ce d’une manière plutôt brutale. Le film offre par conséquent deux messages très intéressants. Le premier, déjà vu ailleurs mais mis en scène d’une manière terriblement efficace dans **Hunting Flies** : tout homme est égal aux autres indépendamment de ses opinions, notamment politiques ; il y a tellement de similarités à explorer plutôt que de se concentrer sur ses différences. Le deuxième, plus original et audacieux et pourtant exposé avec une pertinence qui frise le génie : tout dogmatisme, même ceux suivants une idéologie basée sur de bonnes intentions, est dangereux.

       Le casting, en grande partie amateur et pourtant excellent, contribue à transmettre ces messages efficacement et avec émotion. Les jeunes acteurs sont très doués et pleins de spontanéité et la caméra sublime leur intrépidité lorsqu’elle les filme un à un. Burhan Amiti dans le rôle du professeur livre une prestation pleine de subtilités et incarne à la perfection un personnage ambigu.

        Malgré le tout petit budget du film (500 euros !!!), Aliu arrive à proposer des plans très intéressants. Le cadrage et la composition de l’image sont toujours très créatifs et innovants et offrent par conséquent au film une certaine poésie auquel son sujet très ancré dans le réel ne semblait pourtant pas susceptible à s’y prêter. La photographie quant à elle reste plutôt commune et peu intéressante en comparaison avec le reste du film, mais ce léger défaut ne réduit absolument pas la qualité de l’œuvre.

      Le film d’Aliu est une réelle claque qui mérite beaucoup d’attention de la part des festivaliers et des spectateurs. On espère que le film trouvera des distributeurs en Amérique- même si sa sobriété et son sujet ne sont peut être pas assez « vendeurs » pour ce territoire bien malheureusement- car il a beaucoup à offrir aux populations nord-américaines. On ne sort pas inchangé de la projection de ce film qui fait beaucoup réfléchir et émeut en même temps, et c’est avec excitation qu’on attend le prochain film d’Aliu.

Hunting Flies: 

Réalisé par Izer Aliu 

                                                      SPARROWS 

  Despite good intentions, the film of the Icelander Rùnar Rùnarsson is unable to reach the quality of great movies. 

  From the 23rd to the 28th of September, the Cinema du Parc (Montréal) offered a FOCUS programmation dedicated to the Scandinavian cinema. It is in this context that I had the occasion to watch the film of the Icelander Rùnar Rùnarsson that the critiques  praised at numerous independent film festivals. The film tells the story of Ari, a 16 years old boy who has to move to his father place in the isolated Fjord countryside after having been living in the cities for years. Ari has a very difficult relationship with his father who is at the verge of alcoholism; and his childhood friends seem to have change a lot. It is in this context that the teenager will have to discover his path to adulthood. 

   Rùnarsson’s initiatory film has to merit to avoid the pitfall of the “glamorization” of the teenage boredom in countryside, which is a cliché that most of the films approaching a similar subject are always materializing. The director settles for the subtile depiction of the everyday life of his hero without trying to dramatize it or to awake a feeling of admiration from the spectators. The actors contribute to this effort through the pertinence of their performance, especially Ingvar Sigurðsson who plays Ari’s father. 

  The film also offers moment of grace where the photography, usually pretty banal and flat during the rest of the movie, becomes poetic and levels up the scene’s purpose to a quasi-spiritual level, especially when Ari, normally very silent, lets an emotion escape or  sings with an angelic voice. 

   Besides, the last third  of the movie goes deeper into melancholia and provides audacious shots that serve genius’ ideas. The last scenes’ propos are very dark, the mise en scene and the cinematography yet succeed in encapsulating them with softness. The contrast between this softness and this gloom colors the movie with a tender melancholia. 

   However, the last party’s charm does unfortunately not succeed in balancing the slowness and the banality of the rest of the movie. Rùnarsson’s film does not exploit enough theses moments of garce and these original ideas and fails to find a punchy rhythm. 

   Moreover, the camera does not magnify the Icelandic landscapes, yet sublime and potentially carrier of lyricism.  That is a shame and this misuse is very frustrating as the banal presentation that the film makes of these landscapes prevents the opportunity to offer a even more melancholic and poetic dimension to the film. 

   Finally, the spectators remain unfulfilled. The rhythm is too slow and thus limits the transmission of emotions that Rùnarsson tries to create. The high quality of the last third of the movie makes us regret the fact that the rest of the film is not colored with the same obscure genius. This contest prevents the audience to understand what message the director really tries to communicate. Nonetheless, the film outlines a promising future for the Scandinavian cinema if this one succeeds one day in exploring more deeply its tendency for the bittersweet. 

Sparrows:

Directed by  Rùnar Rùnarsson

With: Rakel Björk Björnsdótir, Atli Oskar Fjalarsson, Ingvar Eggert Sigurðsson.

                                                      SPARROWS

                                                  Prendre son envol

 Malgré de belles intentions, l’œuvre de l’Isalndais Rùnarsson ne parvient pas à s’élever au rang de grand film.

             Du 23 au 28 Septembre derniers avait lieu au Cinéma du Parc une programmation FOCUS dédiée au cinéma nordique. C’est dans ce contexte que j’ai eu l’occasion de voir le film du réalisateur Islandais Rùnar Rùnarsson salué par la critique à de nombreux festivals. Le film raconte l’histoire de Ari, 16 ans, qui, après avoir vécu pendant plusieurs années à la capitale avec sa mère, doit soudain retourner au domicile paternel dans la région isolée des fjords islandais. Ari entretient une relation difficile avec son père, un homme au bord de l’alcoolisme, et ses amis d’enfance semblent avoir bien changé. C’est dans ce contexte que l’adolescent va devoir trouver sa voie vers l’âge adulte.

           Le film initiatique de Rùnarsson a le mérite d’éviter l’écueil de la « glamourisation » de l’ennui adolescent en campagne, cliché que la plupart des films abordant un sujet similaire ne manquent jamais de matérialiser. Lae réalisateur se contente de dresser à coup de touches subtiles le portrait du quotidien de son héro sans jamais tenter de le rendre dramatique ou d’éveiller un quelconque sentiment de pitié ou d’admiration de la part des spectateurs à son égard. Les acteurs contribuent à cela à travers la justesse de leur performance, notamment Ingvar Sigurðsson qui joue le père de Ari.  

           Le film offre également quelques moments de grâce au cours desquels la photographie, plutôt banale et plate durant le reste du film, devient poétique et élève le propos de la scène à un niveau quasi spirituel, particulièrement lors des scènes où Ari, plutôt du genre silencieux, laisse échapper une émotion ou lorsqu’il chante de sa voix angélique.

           En outre, le dernier tiers du film s’enfonce dans la mélancolie et fournit des plans audacieux qui servent des idées de génie. Les dernières scènes sont très sombres de par leur propos ; la mise en scène et la photographie parviennent cependant à les enrober d’une certaine délicatesse. Le contraste entre cette  douceur et la noirceur ambiante teinte le final d’une tendre mélancolie.  

           Le charme de la dernière partie n’arrive cependant malheureusement pas à contrebalancer la lenteur et la banalité du reste du film. L’œuvre de Rùnarsson n’exploite pas suffisamment les moments de grâce et les idées originales susnommées et ne parvient pas à trouver un rythme accrocheur.

            De plus, la caméra ne magnifie pas les paysages islandais, pourtant somptueux et potentiellement porteurs de lyrisme. C’est bien dommage et très frustrant car la présentation banale qu’en fait le film ferme la porte à l’opportunité d’offrir à l’œuvre une dimension encore plus mélancolique et poétique.

           Finalement, les spectateurs restent un peu sur leur faim. Le rythme trop lent et mou du film limite la transmission de l’émotion que Rùnarsson cherche à dégager. La haute qualité du dernier tiers du film fait regretter le fait que le reste de l’œuvre ne soit pas teintée du même génie ténébreux. Ce contraste entrave la compréhension du spectateur quant au message que le réalisateur souhaite délivrer. Malgré tout, le film esquisse néanmoins un avenir prometteur pour le cinéma scandinave si celui-ci parvient un jour à explorer  plus en profondeur sa propension au doux-amer.

Sparrows: 

Réalisé par  Rùnar Rùnarsson 

                                            It’s Only the End of the World

   After having waited for nearly 6 months, I finally had the occasion to watch the last Xavier Dolan’s movie: **It’s Only the End of the World** released on the 21st of September. The film tells the story of Louis (Gaspard Ulliel) who, after twelve years of absence he dedicated to his theater career, comes back to the countryside to visit his family (Nathalie Baye, Vincent Cassel, Marion Cotillard and Léa Seydoux) in order to announce his upcoming death as he contracted AIDS. The heatwave weights on this familial afternoon and the storm approaches as the conversations escalate. 

   Dolan’s new piece is full of a  restrained violence that weights on both the characters and the spectators. The only unit of space, this house with its closed shutters and its dark walls, literally enclose the characters. The Quebecois genius’ choice to capture his protagonists in close ups materializes their inability to communicate with each other. The mise-en-scène and the framing create an anxiety-provoking atmosphere allowing the audience to identify with the characters’ distress. 

   This violence, Dolan also poses it throughout his film through the power of the unsaid. Indeed, if the movie is very chatty, the characters are completely unable to formulate and articulated thought and to express what corrodes them from inside. That is: Louis’ terrible announce, the rest of the family’s sentiment of abandon they only reveal through their agressive behavior toward Louis’ success, but also and particularly this indescribable love that burns them all but that none of them is able to express. 

   This inability to communicate frustrates the spectators. It is all the more regrettable since the growing tension calms down at certain points of the story during very lyric flash-backs. These moments offer hope and imply that happiness is not unreachable. The cinematography’s poesy of these flash-backs- all awaken by and described through other senses that the sight- thrills the audience. The contrast they create with the rest of the movie amplify the emotions of the story: it seems easy to be happy; however, the characters are unable to reach happiness. 

   Xavier Dolan confrims, after **Mommy** that he grew up. He masters his camera better than ever and uses all the parameters (light, sound, framing, composition, cinematography, costumes and editing) to illustrate his statement with both efficacy and poesy. The young director does not stop to prove that he can evolve virtuously; he does not give any room on complacency and shows that he is perpetually improving. 

   The five stars casting incarnates perfectly these “crippled of familial love”. Baye, in her role of the whimsical mother who hides her emotions behind her constant good mood and her sometimes embarrassing humor, arrives at counterbalancing the heavy ambiance of the movie. Ulliel uses his facial expression to transmit what his characters cannot formulate and, despite the shortness of his lignes, succeeds in furnishing a very expressive performance. Cassel is, as usual, excellent and subtly reveals his character’s flaws- even though his protagonist is constantly trying to hide these weaknesses under a mask of anger. Special Mention to Seydoux who shines in her role of the little sister who tries to understand and forgive but whose spontaneity remains restrained by her inability to express what she really feels. The only disappointment is Cotillard’s performance: she cannot make the stuttered Catherine  convincing. 

   Another downside is the fact the total mastery of Xavier Dolan as well as the perfect control he exercises on all the parameters make **It’s Only the End of the World** lose the lightness and the spontaneity that usually inhabits the director’s films- yes, even **Mommy**. That is true that the subject is not really a light one, but this impression to assist to a piece perfectly configured makes us regret a bit the sparkles of the “old” Dolan. 

  The spectacle is nevertheless very pleasant. Dolan magnifies Lagarce’s play and move deeply the audience. He is surprising and impressing; he is still able to push forward his limits as well as the ones of his actors who yet are not debutant. The film representing Canada for the upcoming Academy Awards, we can only wish he will have the same success he had at Cannes Festival. 

It’s Only the End of the World.  

Directed by Xavier Dolan, 

With Nathalie Baye, Vincent Cassel, Marion Cotillard, Léa Seydoux and Gaspard Ulliel, 

                                               Juste la Fin du Monde

                                                  Des Maux à Dire

          Après avoir attendu près de six mois, j’ai enfin pu voir le dernier film de Xavier Dolan, **Juste la Fin du Monde ** sorti le 21 septembre en salles. L’histoire est celle de Louis (Gaspard Ulliel) qui, après douze ans d’absence qu’il a consacré à sa carrière dans le théâtre, rend visite à sa famille (Nathalie Baye, Vincent Cassel, Marion Cotillard, et Léa Seydoux) afin de leur annoncer sa mort prochaine des suites de son infection par le SIDA. La canicule pèse sur ce déjeuner de famille et l’orage menace tandis que les conversations s’animent.

          La nouvelle œuvre de Dolan est pleine d’une violence contenue qui pèse tant sur les personnages que sur l’audience. L’unité de lieu, cette maison aux volets fermés et aux murs sombres, enferme littéralement les personnages dans un huis clos infernal. Le choix du génie québécois de rendre captif ses protagonistes dans des plans rapprochés matérialise efficacement leur incapacité à communiquer les uns avec les autres. La mise en scène et le cadrage créent une atmosphère anxiogène permettant aux spectateurs de s’identifier avec la détresse des personnages.

       Cette violence, Dolan la fait aussi planer sur son film à travers la puissance des non-dits. En effet, si le film est très bavard, les personnages sont complétement inaptes à formuler une pensée articulée et à exprimer ce qui les ronge de l’intérieur : qu’il s’agisse de l’annonce de cette terrible nouvelle pour Louis, du sentiment d’abandon perçu par le reste de la famille qui passe son temps à lui reprocher implicitement son succès personnel, mais surtout, de cet indicible amour qui les consume mais qu’aucun d’eux n’arrivent à mettre en mot.

          Cette incapacité à communiquer frustre le spectateur d’autant que la tension, pourtant croissante tout le long du film, s’apaise de temps à autres lors de flash-backs semblant indiquer que le bonheur n’est pas hors de portée. La poésie de la photographie de ces flash-backs, tous éveillés par et reposant sur les autres sens que la vue font frissonner. Le contraste que ces pièces forment avec le reste du film ne font qu’amplifier l’émotion dégagée par l’histoire : il semble simple d’être heureux et pourtant les personnages sont incapables d’y parvenir.

          Xavier Dolan confirme, après **Mommy **, qu’il a bien mûri. Il maîtrise sa caméra mieux que jamais et utilise tous les paramètres (la lumière, le son, le cadrage, la composition de l’image, les costumes et le montage) pour servir son propos d’une manière à la fois poétique et efficace. Le jeune réalisateur ne cesse d’évoluer avec virtuose ; il ne se repose pas sur ses lauriers et prouve qu’il continue à progresser continuellement.

          Le casting cinq étoiles du film, quant à lui, incarne à la perfection ces estropiés de l’amour familial. Baye, en mère fantasque qui cache ses émotions à travers sa bonne humeur constante et son humour parfois gênant, parvient à contrebalancer l’ambiance pesante du film. Ulliel utilise ses expressions faciales afin de transmettre tout ce que son personnage n’arrive pas à mettre en mots et, malgré la brièveté de ses lignes, réussit à fournir une performance très expressive. Cassel est comme à son habitude excellent et dévoile subtilement les failles de son personnage qui tente de les cacher sous un masque de colère permanentent. La mention spéciale revient à Seydoux qui brille en tant que petite sœur à fleur de peau essayant de comprendre et de pardonner mais dont la spontanéité reste contrainte par cette incapacité à exprimer ce qu’elle ressent réellement. Seule ombre au tableau, la performance de Cotillard qui n’arrive pas à rendre la bégayante Catherine convaincante.

          Autre bémol, la maîtrise totale qu’a le réalisateur sur son œuvre ainsi que le contrôle complet qu’il exerce sur tous les paramètres font perdre à **Juste la Fin du Monde ** la légèreté et la spontanéité de ses précédents films – eh oui même **Mommy **. Il est vrai que le sujet ne s’y prête pas vraiment, mais cette impression d’assister à une pièce réglée au millimètre prés nous fait tout de même regretter  un peu  la fraîcheur de l’ « ancien » Dolan.

          Le spectacle est malgré tout plus que plaisant. Dolan magnifie la pièce de Lagarce en bouleversant les spectateurs. Il arrive également toujours à surprendre et impressionner ; il parvient encore à repousser ses limites ainsi que celles de ses comédiens qui ne sont pourtant pas à leur coup d’essai. Le film venant d’entrer dans la course aux Oscars, on ne peut que lui souhaiter autant de succès qu’il n’a déjà eu au Festival de Cannes.

Juste la Fin du Monde:

Réalisé par Xavier Dolan

avec Nathalie Baye, Vincent Cassel, Marion Cotillard, Léa Seydoux et Gaspard Ulliel.