Magdalena Antonaccio

En nuestra última clase, tuvimos el placer de recibir la visita de Fernanda Piñeirúa, quien es artista visual y diseñadora gráfica.

Hablamos con ella de sus procesos, transiciones y sus diferentes trabajos. 

Fer, hace muchas cosas, como todo, tiene sus pros y contras, pero desde un principio sintió que no podía dedicar la mayor parte de su vida a solo una cosa.

Por lo que, al salir del liceo, como le gustaba mucho todo lo gráfico, se puso a estudiar diseño gráfico en la ORT, nos contó que es una carrera que tiene un enfoque bastante amplio, por lo que, son varios los egresados que terminan haciendo cosas totalmente diferentes. A su vez, mientras estudiaba comenzó a dar clases de ingles, así fue como se dio cuenta de su amor por la didáctica, y comenzó a aplicar diferentes técnicas gráficas para enseñar. Por lo que si bien tenía gustos diferentes, muchas veces, éstos se terminaban encontrando en puntos en común.

Hoy en día da clases en un liceo, donde suele aplicar muchas de las cosas que se le ocurren. También trabaja en la Fadu, donde se encuentra en un área de didactica, donde se centra en cómo enseñar y cómo dar las clases. 

Además, gracias a una beca que se ganó con el MEC, hoy en día trabaja como Vj, hace visuales en vivo; cosa que personalmente me parece fascinante, y ya a realizado tres conciertos con la banda cuatro pesos de propina. Usa herramientas como Resolume Arena y  Tagtool. 

Siempre tuvo una beta muy artística, que ha seguido explorando diferentes formas, ya que tambíén ha realizado algunos murales y se presentado a diferentes festivales, junto a otra amiga, con la que conforma un colectivo.

Lo que nos dijo que para ella es lo más importante, es el hecho de poder nucleares con otras personas, para poder nutrirse y apoyarse en otros. Esto es algo que ha ella la ha resultado mucho, para poder aprender y para poder conseguir diferentes trabajos y experiencia. 

Hace un tiempo nos visito Guillermo Rocamora, director de la película “La libertad es una palabra grande”, que documenta la vida de unos de los presos de Guantánamo, que vino a vivir al Uruguay.

Desde que escuche sobre ésta película me llamo la atención y quise verla. Los presos de guantanamos llegaron hace unos cuantos años más, y si bien en su momento se escucho mucho sobre ellos en la noticias, luego no supe más sobre como les había resultado todo.

En éste documental, podemos ver la vida de uno de ellos, de Mohammed, y al verla me siento mal, me molesta y me da vergüenza. Porque siento que el gobierno le prometió muchas cosas, cuando no todas eran posibles, como quien les vende espejos a los indios.  Porque les dieron un subsidio, por un cierto tiempo, el cual era mínimo, porque dijeron que supuestamente iban a encontrar trabajo, de muy pocas horas y que les iban a pagar muy bien, para poder mantener a toda su familia, y que además, les ayudarán a encontrar ese trabajo. Sin embargo, se dan cuenta que la realidad en la que vivían era diferente, y que tenían que cambiar sus planes y lo que habían soñado, ya que llegar a ese sueño va a ser más complicado de lo esperado.

Por otro lado, se suman más cosas como la discriminación, y que la gente no quería tener un preso de guantánamo en su trabajo. Me acuerdo de escuchar muchos comentarios de compañeros, cuando éstas personas recién habían llegado, teniendo miedo, y que no querían compartir el país con ellos, y pensar que luego de unos meses ya todos dejaron de hablar de ellos, como un tema que pasó de moda. 

Hay muchas personas desinformadas, que suelen hablar por hablar, porque hoy en día todos opinan, y lo hacen sin razonar, sin pensarlo bien y sin tener toda la versión de los hechos y sin el corazón, sin empatía, que últimamente parece estar cada vez más perdida.

Al mirar la película, me detenía a pensar mucho en Mohammed, qué piensa cuando mira su cédula de identidad uruguaya, qué siente con la licencia de conducir o cuando se baña en el agua o cuando está pescando, ¿se lo imaginaba?

Después de haber estado 13 años en Guantánamo, seguramente no todos saben que Guantánamo es una cárcel de alta seguridad en Cuba, perteneciente a Estados Unidos, y donde se practicaban torturas de las más impensadas, donde muchas veces gente inocente y que no había tenido un juicio como corresponde, terminaba ahí, solo por encajar con un cierto estereotipo y estar en el lugar equivocado en el momento equivocado.

Para esta presentación, decidía analizar una de las películas recomendabas por nuestra profesora.

Ladrones de Bicicletas

Ficha Técnica

Título: Ladri di biciclette/Ladrones de bicicletas

Dirección: Vittorio de Sica

País: Italia

Año: 1948

Duración: 93 minutos

Género: Drama

Guión: Cecchi D'Amico y Cesare Zavattini, basado en la novela Ladri di biciclette de Luigi Bartolini

Producción: Giuseppe Amato, Vittorio De Sica

Fotografía: Carlo Montuori

Música: Alessandro Cicognini

Reparto: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci, Giulio Chiari

Sinópsis

 Antonio, se encuentra en paro, y consigue un trabajo pegando carteles, con la condición de que posea una bicicleta. A duras penas logra comprarse una, pero en su primer día de trabajo se la roban. Es así como comienza la aventura de Antonio junto a su hijo Bruno, para recuperar su bicicleta mientras su esposa María espera en casa junto con su otro hijo bebe. 

Análisis

Espacio/tiempo: La historia se sitúa en la ciudad de Roma durante la postguerra.

Protagonista: Antonio

Objetivo del protagonista: Encontrar la bicicleta

Antagonista: El ladrón, la sociedad

Trama principal: El robo de la bicicleta, que como consecuencia no puede continuar trabajando

Subtramas: la sociedad, la cantidad de desempleo, las personas que tienen que empeñar sus posesiones

 1PP: Cuando le roban la bicicleta

2PP: Cuando acusa al ladrón, pero nadie lo apoya

Climax: Cuando Antonio roba una bicicleta

Comentarios

Podemos ver a la Roma de postguerra, sin duda, una época muy difícil, de miseria, gran cantidad de desempleo, muchas pobreza y gente pasando hambre. Antonio, había empeñado la bicicleta y la logra recuperar empeñando casi todos los juegos de sábanas que tenían. No importaba dormir sobre el colchón, ya que lo único que necesitaba era una bicicleta para poder hacer un trabajo que le habían ofrecido y con el que lograría saciar sus necesidades básica y capaz que más adelante poder comprar nuevas sábanas. 

Eso que parecía ser tan fácil, se vuelve imposible, cuando en su primer día de trabajo le roban la bicicleta. Sin embargo, Antonio, no se rinde y junto a su hijo buscan la bicicleta por toda la ciudad, llegan a dar con un posible responsable del robo, pero este vivía en un tipo de comunidad,  que lo defendía y protegía a muerte, por lo que se le hace imposible a Antonio, lograr encontrar la bicicleta, que seguramente se encontraba en otra de las casas conjuntas donde se podía ver a uno de los cómplices intentándose ocultar de Antonio.  

Hace unas semanas tuvimos una charla con Federico Borgia y Guillermo Madeiro, los directores de la película “El Campeón del Mundo”.

Este documental trata sobre la vida de Antonio Osta, un fisicoculturista que fue  campeón mundial amateur en Rusia 2006 y campeón mundial profesional WFF-WBBF en Lituania 2008. En la película podemos ver la vida de Antonio, en la actualidad, como vive y qué paso después de haber sido tan reconocido en el exterior, su día a día y su relación con su hijo, Juanjo. 

Es una película que sin dudas me hizo pasar por muchos estados emocionales, me sentí sorprendida, otras cosas me provocaban rechazo y después,  junto al resto de quienes estaban en la sala, no paraba de reírme, pero al final mientras solo quedaba silencio entre los espectadores, con un nudo en la garganta, tenía que esforzarme para que no se me cayeran las lagrimas.  

Sin dudas estaba viendo un personaje muy humano. Era tosco, machista, caprichoso, terco, inocente, a primera vista muy fuerte, pero entre que avanzaba la película y nos adentrábamos en su vida, te dabas cuenta que eso era solo un escudo, por dentro era un ser humano sumamente frágil, débil e inestable, y que necesitaba contención, quien solía ofrecérsela era Juanjo, que por mementos los papeles se invertían y éste pasaba a ser el padre.

Como todos los seres humanos, Antonio, también era perfectamente imperfecto.

Esa rara combinación de Antonio lograba generar algo en mí como espectador, que si bien algunos ideas que indicó no los comparto, me provocaba cierta ternura que no podía negar.

Sabía que era un ser que a la primera impresión podía generar algo que parecía salir más de un personaje ficticio y no de su verdadera esencia.  Tiene sentido que se muestre así, porque te das cuenta que no tuvo una vida sencilla, una de las frases que dice mientras hablaba con su hijo: “yo necesito que me crién a mi, un poco, también”. 

Antonio, desde muy joven se fue de su casa y su puso a trabajar, y a hacerse su propio camino en la vida, por su cuenta. Si bien fue muy reconocido y querido en México, uno de los lugares donde fue campeón, en su propio país nunca logró ser reconocido de la misma manera. Además, ya hacía varios años que Osta tenia una condición en el riñones, causado por las diferentes sustancias que había consumido cuando se dedicaba al fisicoculturismo, por lo que siempre tenía presente que a los 43 años se estaba muriendo y que lo iba a hacer a su manera. 

Borgia y Madeiro, conocieron a Antonio, en el 2013, mientras estaban haciendo la película Clever. Estaban buscando el actor, para uno de los personajes, la persona tenia que tener un físico importante, pero una gran sensibilidad para poder actuar, ya que este era un personaje complejo.

Antonio, llegó como una estrella, tenía una gran variación de estados de ánimo, se notaba que tenía un escudo importante.

Al empezar con la idea de un documental sobre él, decidieron tener una primer charla muy sincera, donde se explicara lo que querían lograr. Antonio, sabía que ellos no lo iban a mostrar como un superhéroe, si no sus lados más oscuros y por lo tanto, más humanos. 

Para el proceso de filmación, solían propinar un tema de conversación para poder romper el hielo, y así Juanjo y Antonio, comenzaban a hablar. Estuvieron un año aproximadamente filmando, la última escena que pudieron hacer con Antonio, fue mientras estaban en el aeropuerto de carrasco. Habían ido con Juanjo para despedir a Antonio, ya que se iba a México, por trabajo.

Ellos estaban esperando el regreso de Antonio, para continuar filmando, ya que planeaban filmar por bastante más tiempo. Sin embargo, casi al mes de que Antonio se había ido, se enteraron de que había fallecido. Si bien sabían que eso podía pasar, no se lo esperaban.

Por lo que dejaron pasar 4 meses, y comenzaron a re ver el material que tenían, hablaron con un montajista para que los ayudara, por lo que la película fue creada en el montaje. Empezaron creando escenas, ya sabiendo la base y la historia que querían contar. Con el montajista, encontraron los plot points e hicieron el arco del personaje. 

Hace unas semanas en nuestra clase recibimos a Guido Croalla, quien se dedica a programar imágenes y hacer animaciones y vino a darnos una charla sobre el aprendizaje automatizado.

Por lo que pudimos hablar de ciertas técnicas sobre machine learning aplicadas a la creación audiovisual.

Si bien me pareció un tema sumamente interesante, no fue de las charlas que más disfruté. Ya que si bien se trataba de algo totalmente nuevo e innovador, no estaba tan relacionado con lo que nosotros veníamos trabajando ni creo que, yo personalmente, y seguro alguno de mis otros compañeros, tuviera el conocimiento suficiente como para poder aprovechar la charla como merecía.  

(en proceso)

Tuvimos la oportunidad de hablar con Lucía Garibaldi, uruguaya, directora y escritora de la película Los Tiburones, que ha triunfado en diferentes festivales internacionales.

Lucia comenzó hace cerca de 7 años a escribir ésta historia. Por ciertas cuestiones, dejó de lado este tema y lo retomo 3 años antes de empezar a filmar. Cuando regresó ya contaba con el productor ejecutivo y gano una serie de fondos que la ayudó a continuar con su desarrollo. De todos modos, nos comentó que ella estaba decidida a filmar, “había que filar si o si”, debido a que había conocido a, Romina, quien iba a ser la protagonista y según ella fue “un amor a primera vista muy fuerte”, estaba segura de que tenía que ser ella. Como la actriz iba a crecer, no podían dejar pasar mucho tiempo para el rodaje. 

Por lo que lo principal para Lucía, era la gran necesidad de filmar con esa actriz y que fuera pronto. 

En realidad no comenzó escribiendo una historia o ideando la trama, empezó por el personaje principal Rosina. A Lucia siempre le gustaron las películas con adolescentes, y como todos ella también tuvo una adolescencia un tanto rara. Por lo que le quería escribir sobre eso. De todos modos, arrancó desarrollando al personaje, quería que fuera contradictoria, que provocara sentimientos encontrados. Una vez logrado eso, continuó con la historia. Cuando conoció a Rosina, y empezaron a trabajar y hacer diferentes pruebas, terminó de afinar el guión pensando en ella.

Eso de querer hacer la película de forma rápido, según su directora, le brindo espontaneidad y sirvió de impulso. De todos modos, no contó que la mayoría de los planos fueron pensados previamente. Se dedicó a ir a Piriápolis, donde se filmaría gran parte de la película, expresamente a sacar fotos y así ya saber dónde, qué y cómo filmar. En general durante el rodaje no hubo improvisación más allá de algo que pudiera surgir por algún problema en particular, como fue un día que había marea roja o en otro momento, que les sobraba tiempo antes de cambiarse a otra locación y decidieron agregar una escena que no había sido pensada previamente.

Otras de las curiosidades de la película es que la mitad de los actores son profesionales y la otra mitad no. A Lucia le parecía importante que para la protagonista, la actriz no fuera profesional, dado que eso le agregaba algo extra, ya que no quería que las expresiones fueran sobre-actuadas, si no que se dieran de una forma más espontánea y no tan controlada. Es por eso que tanto la actriz como el otro actor principal, no son profesionales.

Con respecto al final de la historia se presenta para varías interpretaciones. Personalmente, hasta antes de ver el final creía que Rosina, todo el tiempo estaba al tanto de que lo que había visto no era un tiburón si no una tonina, pero que se estaba haciendo la “interesante” como para tener la atención. Sin embargo al ver la escena final, donde pone la carne y enciende el motor de la embarcación de Joselo, no comprendía si lo hacía únicamente por maldad, o si creía realmente que se iba a morir. 

Por ejemplo, para la actriz, Romina, creía que ella hacía ese último acto, para alejar a los tiburones y así dar solución al problema. 

Hablando con Lucía, ella en la historia, lo que verdaderamente quería mostrar era como esa actitud de superman/villana-heroína. Quería demostrar esa sensación de la venganza, esto se puede interpretar en uno de los últimos planos, donde esta Rosina en lo alto de lo que puede ser una duna, de espaldas a la cámara mirando a su víctima, y más al final cuando se va tranquilamente bebiendo una guaraná y por primera vez se ríe.

Tuvimos la oportunidad de conversar sobre aspectos más personales y de la trayectoria de Lucia. Como que, por ejemplo, desde muy chica les gustaron todas las artes, y que en realidad cuando comenzó a estudiar quería encontrar su vocación, ya que sentía que era eso lo que todos hacían y por lo tanto lo que ella también tenía que hacer. 

Cuando empezó a estudiar la carrera de Bellas Artes, quería ser escultora. Sin embargo, su madre la anotó en la escuela de Cine. Lucía supo que le gustaban muchas cosas dentro de ese mundo, fue así como se decidió por la dirección, ya que de esa forma podría estar involucrada en todo lo que conforman la creación y la filmación.

Comentarios sobre 5 películas recomendadas, las cuales aparecen en el orden en las cuales fueron vistas y desde la más antigua a las más reciente, de todas formas ya todas tiene bastantes años, pero son de esas películas que todo cinéfilo debería conocer. 

1. Sunrise (Amanecer)

~ A son of two humans  ~

Desde un principio sabemos que esta película es sobre una historia de amor, no se si es de las más bellas, porque sabemos que él tiene una amante e intenta matar a su esposa, y ella, de todos modos, lo perdona. Sin embargo, es una historia muy real, que te llega, que si bien tiene muy poco texto, puedes conocer a los personajes, hasta entenderlos. Comprendes su gran inocencia, y así entiendes su amor, que no sabes por qué, en algún momento, se les había olvidado lo que sentía el uno por el otro.

Este tipo de películas, que corresponden al cine mudo, tienen un gran poder de expresión. Personalmente, había visto comedias, por lo que esta fue una buena oportunidad para ver algo diferente. Si bien hay momentos graciosos, es muy bonito ver como los personajes se desenvuelven en un mundo real, mostrando sus sentimientos por medio de sus expresiones de una forma sumamente genuina. Ellos hablan con todas las partes de su cuerpo.

Con respecto a aspecto más técnicos, lo primero que me llamó la atención, fue que varias partes de la película donde se nota que algunos movimientos están más acelerados de lo normal. Investigando, me di cuenta que eso se debe a que en general las películas del cine mudo, se filmaban entre 16 a 20 fotogramas por segunda, frente a 24, que es lo que se suele usar de forma convencional.

2. City Lights (Luces en la ciudad)

Si es cine mudo, no puede faltar Chaplin. Esta película  se realizó, cuando ya existían películas sonoras, sin embargo, como una especia de burla a ese tipo de cine, es una película muda con algunos ciertos efectos sonoros. 

Me gustó mucho la trama, si bien por ser Chaplin, esperaba que fuera muy graciosa, cosa que sucedió, no esperaba que la trama me pareciera tan interesante, llena de emoción y profundidad. 

Las expresiones de Chaplin, son excelentes, me generó algo que no podía sacarle los ojos de encima, ya que todo lo transmitía con sus expresiones y por medio de su cuerpo. 

Si bien hay películas sonoras que son muy buenas, el cine mudo también tiene su magia, si bien es diferente, puede resultar muy cautivante.

3. Citizen Kane

Esta película fue dirigida, escrita, producida y protagonizada por Orson Welles. Algo que antes podía resultar más común es que la misma persona tuviera varios papeles, de gran importancia, en el desarrollo de la película.

No es una de las películas que más me cautivó, ya que por algunos momento me resultó bastante pesada, y no la pude ver toda de corrido, igualmente eso se puede deber al horario en la que la vi ya que me parece que tiene una trama muy original, que desde un momento me pareció atrapante.

Es una película que juega mucho con ir para atrás y para adelante en la historia, un recurso que hoy en día se suele usar pero que antes no era tan común y el cual se manejó correctamente.

4. Casablanca

Una hermosa historia de amor, ya la había visto hace varios años junto a mi abuela, ya que era una de sus películas favoritas.

En ese momento recuerdo que vi la película a color, por lo que me pareció extraño cuando ahora la vi en blanco y negro. Buscando más información encontré que en los años 80, efectivamente la película había sido coloreada pero el resultado fue motivo de controversia. Esto tiene sentido, ya que cuando la volví a ver en su formato original, se nota como se jugó con los contrastes, logrando que la cinta tuviera una fotografía muy bella.

Además, no solo juegan con los contrastes, si no también con los reflejos, usando los espejos que se encuentran en el bar, una de las locaciones más usadas durante la filmación. 

5. 12 Angry Man (12 Hombres en pugna)

Lo primero que me atrapó de ésta película fue la trama, ya que si bien la película es del año 1957, tiene un argumento que resulta muy actual.

Toca ciertos temas muy humanos, que hasta hoy en día pueden derivar en diferencia de opiniones y causar discusiones entre personas.

Es que se pone sobre la mesa de 12 personas, la decisión de si una persona cumple con todo como para que sea sentenciado a muerte, o que se entienda que las pruebas no son suficientes y sea absuelto.

El pasado 19 de junio se estrenó, en la sala de cinemateca, el documental uruguayo “El país sin indios”. Hace unos días tuvimos la oportunidad de conversar con sus directores Leonardo Rodríguez y Nicolás Soto, para conocer un poco sobre curiosidades y particulares de la realización, así también como reflexionar sobre el tema.

Cuando estás en la escuela te enseñan, por lo menos en la escuela Nº1 Artigas de Durazno, que en 1831 hubo una batalla llamada “Salsipuedes” donde mataron casi todos los indios del Uruguay, llamados “Charrúas”.

En mi caso, no recuerdo más de lo que nos dijeron en la escuela, pero lo que si me acuerdo, es que la madre de unos de mis compañeros de clase, era descendiente de Charrúas . En ese momento, para mi ella era la única sobreviviente de todo ese suceso.

El verano pasado, tuve la oportunidad de ir a unos pueblos del norte Argentino. Donde nos contaron la historia de las ruinas de Quilmes, y quienes habían vivido ahí. Eran pueblos pre incaicos, que habían sido atacados tantos por los Incas como por los españoles. Fue una historia muy impactante, que generó un cambio en mi. Una de las primeras cosas que sentí, fue rabia, me acordaba de lo que me habían dicho cuando era más chica, de que en Uruguay habían matado a todos esos primeros habitantes, me molestó mucho y sentí impotencia.

Al ver la película, ese sentimiento se transformó, porque ahora sabía que si habían indios, y muchos más de lo que la gente cree, pero el tema está en que la personas no sabes que tienen descendencia indígena o a veces no lo quieren reconocer. 

En el final de la película, y mientras pasaban todos esos rostros de gente que se identifica como indígena, estaba en mi asiento sin poder moverme, llena de sentimientos encontrados y con un sabor agridulce. 

Los directores nos dijeron que ellos querían lograr emoción por medio de la empatía y no por la lástima. La verdad que en mi caso fue así, me enorgullece esas personas que se sienten así, y que hoy en día trabajan para ser reconocidos. De todos modos, también esta ese sentimiento de frustración y de desilusión, por aquellos que no se pueden identificar con eso, porque en algún momento se burlaron, los menospreciaron y por eso se sienten avergonzados.

Este documental, también me ayudó a entender la importancia para los humanos, de saber de dónde venimos y quienes somos. Algo que si bien no muchos saben, nos sirve para entendernos, comprendernos, sobre todo identificarnos y sentirnos parte de algo más. En mi caso se por cuentos familiares, que mi descendencia es totalmente europea, por ese abuelo y/o abuela, que se vino en un barco a probar suerte. Por lo que en parte, me siento avergonzada, por lo que pudieron haber hecho mis ancestros. De todas formas, por todo lo que he experimentado, también me siento hija de la madre tierra o como aprendí en mi viaje de la pachamama, siento que soy parte de toda la naturaleza y de la energía que nos rodea. 

Me pongo a pensar en aquellas personas, que por vergüenza no se quieren identificar con los Charrúas, y me molesta. Por que siento que no fue justo los que les sucedió, no fue justo que nos hicieran pensar que no habían más indígenas, no fue justo que a muchos de los que sobrevivieron los separarán de sus familias, no fue justo que hayan matado su lengua y su cultura, no fue justo que los esclavizaran, no fue justo que les ocultaran su pasado y muchas cosas más, que no fueron justas ni ahora, son justas, como por ejemplo que la sociedad actual de consumo, maltrate la tierra que ellos tanto cuidaron y valoraron. Pero sobre todo creo que no es justo que hasta hoy en día los discriminen, o por alguna otra razón se burlen, y por eso ellos ahora no se quieran ver ni sentir identificados.

En clase tuvimos que hacer un ejercicio que consistía en elegir un objeto y a paritr de él, escribir un relato.

Objeto elegido:

(Des)Encontrados

Ya es d día, pero todavía no puedo ver con claridad. Comienzo a ser consciente de los sonidos, la ciudad ya se despertó.

Me parece sentir pasos muy cerca de mí, tal vez alguien me encuentre. No, parece que otra vez se metió un perro en la plaza. Me esfuerzo para hundirme más entre la arena. No quier volver a estar todo lleno de baba, y que nadie me quiera jugar conmigo. Además, que ya se me esta saliendo la pintura y tengo una rueda un poco floja.

Por fin, ahora se escuchan voces y risas, que se acercan muy rápido, ya llegaron los niños. Cuando una voz comienza notarse más fuerte, intento salir para que me vea, sin embargo de golpe me vuelvo a hundir, cuando alguien salta sobre mi. De inmediato todo se vuelve oscuro, el movimiento cesa y la voz calla.

Luego de unos pocos segundos, alguien empieza a escarbar, ¿me habrán encontrado? Sí, siento una mano, se hace la luz, todo esta muy blanco, alguien me levanta y creo que se me queda mirando. 

Para comenzar el segundo semestre tuvimos la visita de los egresados: Guillermo Dranuta, Mateo Pígola y Kevin Webster, quienes hoy en día tiene una productora que se llama: Distante.

Su historia...

Tanto Kevin como Guillermo, al principio de la carrera se veían más enfocados para el área de sonido, y no tanto para la imagen. A tal punto, que pensaron en ir a Buenos Aires, Argentina, para hacer una carrera que estuviera más relacionada con el sonido. 

De todos modos, en el segundo semestre de la carrera, tuvieron la materia de fotografía, donde por primera vez, se comenzaron a interesar con ese mundo desconocido para ellos. Fue así, como se fueron integrando cada vez más en el área de la imagen, y dejando un poco el sonido de lado. 

Además, en el caso de Kevin, le gustó mucho la parte de escribir. En cuarto año de la carrera, cada uno tenia que escribir un guión, y uno de ellos iba a ser seleccionado para hacer un corto. El que resultó ser elegido fue el de Kevin. 

Por otro lado, Mateo, ya desde un principio, se dio cuenta que le gustaba contar historias. En su caso, su padre es fotógrafo, por lo que siempre se vio más volcado para el mundo de la imagen. De chico, solía escribir cómics junto a un amigo. Además, su tesis fue un guión de ciencia ficción, con el interesante desafío de hacerlo con presupuesto nulo.

Comienzo de Distante

Desde un primer momento, siempre se entendieron para hacer trabajos en grupo, así fue como se fueron conociendo entre ellos. En el receso del segundo año, uno de ellos invirtió en equipo audiovisual, y cuando le llegó, se fueron juntos un fin de semana a probarlo. De esa manera, comenzaron a generar más confianza entre ellos, y a entender  con cuál papel se sentía más cómodo cada uno.

Lo más importante para ellos, fue siempre ser curiosos, investigar y probar diferentes cosas, hasta dar con eso que a uno más lo satisface. 

Decidieron ser parte del 48 hour film project, es un concurso anual que en Uruguay se realiza en la ciudad de Punta del Este. Participan diferentes equipos de realizadores. Consiste en hacer un cortometraje, donde se deben cumplir ciertas condiciones, por ejemplo te dicen el genero, y una cierta frase que debe estar presente en el corto. Esta es una gran oportunidad, ya que los ganadores luego pueden ir al festival internacional Filmapalooza.

Por lo que, decidirse tomar el desafió, y ser parte de ese gran evento. El primer año que fueron se anotaron, como un grupo de clase, invitaron a compañeros de su propia generación, y de la siguiente y anterior generación, que estuvieran interesados en participar. Ya para los dos años siguientes, se anotaron como Distante Producciones, y fueron con actores desde Montevideo, algo que no habían tenido en cuenta para la primer oportunidad.

Hoy en día, se dedican a hacer diferentes tipos de proyectos, algunos son más comerciales. Sin embargo, siempre están dispuesto a hacerlos, porque hace que uno mejore su porfolio, te brinda experiencia para futuros trabajos, y además ayuda ,como siempre, a pagar las cuentas, y sobre todo a invertir a proyectos más personales, como puede ser la creación de cortos.

Algunos consejos...

Como nos repitió algunas veces Guillermo, es importante invertir en el porfolio, sobre todo pensando en contar con una mayor experiencia para el futuro, crear más contactos y poder invertir en ideas personales. 

Otro consejo interesante que dijo Mateo, fue la de ver cine, para poder nutrirnos, inspirarnos, ver distintas perceptivas, y referencias que tal vez, más adelante podamos aplicar. Todo lo que nos despierte algo y movilice, nos ayudará en el futuro.

Bauhaus (nombre derivado de la unión de las palabras en alemán “Bau”: construcción y “Haus”: casa)

Primer escuela de diseño del siglo XX, la cual estuvo activa en el período entre guerras, desde el año 1919 hasta el 1933.

Esta escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgió de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios, por medio del arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania).

Comenzó siendo una escuela pero resultó en un movimiento artístico el cual fue un referente internacional de la arquitectura, el arte y el diseño. Incluso hasta hoy en día se puede encontrar referencia de este estilo en el diseño y arte contemporáneo.

Para su creador la base del arte estaba en la artesanía: los artistas tenían que volver al trabajo manual. De esa manera se trataba de unir todas las artes estableciendo así una nueva estética que incluyera todos los ámbitos de la vida cotidiana.

En ella participaron grandes artistas que hoy en día son reconocidos internacionalmente como por ejemplo Wassily Kandinsky.

Además, este lugar era conocido por aceptar tanto mujeres como judíos. Incluso en el mismo predio, habían una parte en la cual vivían los estudiantes y otra donde estaban los profesores, los cuales generalmente vivían de a dos familias por casa.

Tuvimos la oportunidad de que la exposición sobre esta increíble escuela y movimiento viniera a nuestra ciudad. Pudimos ver varias obras de ellos.

Estos fueron unos de los objetos que mas me llamaron la atención. Ya que es un tipo de sillón el cual son muy comunes, y tienen una estética que se la conoce como algo moderno. Sin embargo fue ideado hace muchos años atrás.  como modernos y de la sociedad actual, cuando en realidad es algo que fue pensado e ideado hace mucho años atrás. 

Hace unos días, realizamos el ejercicio de escribir una sinopsis a partir de tres imágenes elegidas.

Las imágenes que me inspiraron fueron:

Sinopsis

Mariela, una señora viuda de 63 años. Ella era muy dependiente de su marido, y una vez que fallece, además de dejarle parte de una gran herencia, Mariela queda en una profunda soledad, por lo que ya no suele salir tanto de su casa. Un día su hijo decide jugar una apuesta con ella, Mariela pierde y debido a ello tiene que cuidar durante todo un mes a sus ruidosos nietos, mientras su hijo se va de vacaciones.

Ramón de 40 años, es un humilde y carismático heladero, músico frustrado, que ahora vive de las changas. Todas las tardes pasa por en frente a la casa de Mariela, con su carrito de helados. Al escuchar el particular sonido de la música, los niños salen corriendo a buscar los helados. 

Poco a poco, Mariela comienza a relacionarse con Ramón, quien a pesar de sus diferencias también ha perdido en la vida. Es así como nace una tierna relación de amistad.

Un día a Mariela la invitan a la fiesta de aniversario del grupo de rotarios del cual su esposo había participado e incluso había sido presidente. Usando a sus nietos como excusa, dice que seguramente estará ocupada y no podrá asistir. Ramón, se entera de eso y la anima a que vaya. A lo que Mariela, la responde que si él se anima a ir a cantar un rato, entonces ella va.

Una familia oriental, que vive en Argentina, se encuentra mirando las noticias sobre los disturbios que hay en la ciudad. Por esa razón el jefe de familia, decide que se cierre el supermercado, bajando una gran cortina metálica, ya que por la seguridad de todos nadie podrá salir o entrar.

Se puede ver como los personajes intentan continuar con sus vidas con total normalidad. Se ven enfrentados a tener que interactuar entre ellos, y a tener que enfrentar ciertas incomodidades y miedos. 

Walter Tournier y Lala Severi, nos invitaron a visitar su casa.

Walter es director y guionista uruguayo, dedicado al cine de animación, creador del estudio Tournier Animation. Popularmente es muy conocido por ser el creador de la serie animada “Los Tatitos”, realizada en stop motion.  

Lala, su esposa, también es animadora, y ha llevado a cabo diferentes roles como: dirección de cortometrajes, dirección de arte, realización y producción.

Nos compartieron historias sobre los diferentes trabajos que han realizado y sobre la técnica stop motion. 

Esta es una técnica de animación, en la cual se usan “muñecos”, los cuales por dentro tienen una estructura formado por minúsculas piezas de metal, tornillos y diferentes alambres. Lo que genera la funcionalidad de que el muñeco puedo realizar complejos movimiento y gesticulaciones al igual que los humanos. Una vez que tienen la estructura, se les coloca el cuerpo, lo cuales se hacen con plasticina. La ropa, es confeccionada, y cada detalle es minuciosamente pensado, según cada personaje.

A esta técnica, también se le conoce como animación foto a foto, ya que para poder crear un vídeo se debe contar con una gran cantidad de fotos que se pasan a una cierta velocidad. Para crear un segundo de vídeo se debe contar con 24 fotos. 

Unos de los grandes desafíos que presentaron fue la realización del largometraje “Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe”. Ya que además de llevar un gran trabajo en personajes, escenografías, vestuario de época, es un largometraje de 80 minutos. El proyecto en sí llevó casi una década de trabajo: llevó ocho años poder conseguir el financiamiento para la pelicular, y la filmación llevó casi dos años más.

Corto animado de menos de 4min de duración, creado por el dibujante canadiense Guy Delisle, en el año 2017. Se puede acceder fácilmente al material, dado que se encuentra en la web de la National Film Board of Canada.

***Si todavía no la viste y te interesa verla, te aviso que van a haber spoilers***

Esta breve historia cuenta trata sobre un niño que pierde su primer diente. Muy emocionado le avisa de lo sucedido a su padre, quien se encontraba trabajando muy atento con su computadora. Sin dejar de mirar la pantalla el padre le responde, que: “sí, ¡así es como funciona!”, confirmando que la hada madrina pasaría durante a noche a buscar su diente.  Se hace la noche, y el padre se queda hasta tarde mirando la televisión. A la mañana siguiente, mientras estaba desayunado con una actitud de recién despertado, llega su hijo y le informa que la hada madrina nunca pasó por su diente, siendo que el había dejado el diente abajo de la almohada, como le habían dicho. En ese momento el padre de golpe se despierta terminando de entender lo que había sucedido y recordando eso que se había olvidado. Por lo que rápidamente, le dice a su hijo que no se preocupara, que seguro la hada madrina estaría con mucho trabajo, y que pasaría hoy de noche. El niño comprende, y se vuelve tranquilamente. Llega la noche y nuevamente podemos ver que se repite la escena en la que el padre esta viendo la tele pero esta vez, hace referencia a que mirará el capitulo siguiente de la serie que está viendo en ese momento. A la mañana siguiente, el niño, muy desilusionado, le vuelve a decir a su papá que la hada no pasó a buscar el diente. El padre, esta vez con un poco más de sobresalto en su expresión, le repite que seguro la hada madrina tiene mucho trabajo y muchos diente que ir a levantar, pero que sin falta esta noche iría. A lo que vemos que ésta vez el padre se pone a trabajar en darle una linda sorpresa a su hijo.  Por fin a la mañana siguiente, el niño se levanta y muy emocionado va a contarle a su papá, quien ya se encontraba esperándolo. Con mucha alegría le dice que la hada madrina había pasado por su diente, y hasta le había dejado una moneda. De pronto el niño mira seriamente a su padre, y le pregunta si la hada madrina en realidad eran los padres. A lo que el padre le responde de una forma muy certera que si realmente fueran los padres, nunca se hubieran olvidado, por dos noches seguidas, de su diente.

Esta frase y la forma en la que el padre la dice, hace que me quede pensando durante unos minutos luego de que finalizara el corto. 

“Si realmente fueran los padres, nunca se hubieran olvidado, por dos noches seguidas, de tu diente”

El problema es que sí, son los padres realmente. Inmediatamente uno se pregunta: ¿cómo puede ser? ¿cómo puede pasar que se olvide? ¿pero puede pasar realmente que se olvide?, (y si..., no? finalmente somos humanos, y errar es humano...) la respuesta es que no debería pasar, pero si, en este caso pasó y no es el único. 

Uno mira para atrás, a su niñez, y reafirma eso: no, no pasaba nunca. No hubo mañana, en que la noche anterior había dejado mi diente y al otro día el Ratoncito Perez no se lo haya llevado (acá, en Uruguay, la hada madrina es el Ratón o Ratoncito Perez, y en mi caso Jack y Gus, los ratones de cenicienta). 

Entonces me pregunto ¿por qué pasa?. En este caso, como en tantos otros, es porque el adulto simplemente se olvidó, en su momento estaba distraído, seguramente haciendo algo sumamente importante para su trabajo, o por lo menos eso aparentaba ser. Por lo que, al no prestarle la suficiente atención en el momento, luego no lo recordó y por lo tanto, lo olvidó.  No creo que sea algo que pasa a propósito, y supongo que a todos los padres en general les da ilusión acompañar a su hijo en ese momento que es tan especial y tan esperado.

Lo que me parece que ocurre es que, en la actualidad, estamos, cada vez, en más contacto con diferentes pantallas, que aunque no queramos admitirlo, en muchas ocasiones nos terminan tapando otras cosas. Estas pantallas muchas veces nos pueden distraer de cosas importante que están sucediendo,  y como a su vez vivimos en un mundo que está sumamente acelerado, por nosotros mismos, no podemos detenernos a ver lo que sea que este pasando en ese instante.

Hace unas semanas tuvimos la agradable visita de Andrés Pardo. Realizador uruguayo, documentalista, montajista y director de K3FILMS, productora independiente con base en México DF. Hace como 15 años que vive en México. Esencialmente está enfocado en la cinematografía de reapropiación.

Andrés llega al mundo cinematográfico ya que desde niño siempre le atrajo, y además su abuelo se encargó de acercarlo al cine.

Pardo se caracteriza por ser coleccionista de cintas de 8mm y de 16mm. Tiene material fílmico de todo tipo: cintas familiares, cartoons, películas para adultos, películas industriales (vídeos corporativos), entre otras cosas. Éste material resulta bastante interesante para Andrés, dado que en general está catalogado como basura o fueron olvidados, sin embargo tiene una gran importancia debido a la historia que cuenta y la memoria que representa. Esas cintas conservan información que es parte de la identidad de esas personas y de la sociedad en sí.

Otros de los intereses de Andrés es el tipo de filmación. Hasta el día de hoy siempre lleva su super 8 a todos lados (en ese momento sacó la cámara de su mochila para reafirmar lo dicho). Si bien se sabe que con la tecnología de hoy en día, se pueden realizar buenas tomas con otros dispositivos más accesibles, Andrés sigue usando estos materiales analógicos, ya que disfruta mucho de todo el proceso. Sobre todo de la parte del revelado, montaje y edición de las cintas, dado que realmente disfrutar de realizar todo ese proceso hasta conseguir el resultado final.

El trabajo de Andrés consiste en si en la reapropiación de material. Si bien hay instituciones que conservan cintas, su material lo encuentra, generalmente, en mercados de la ciudad de México, luego de una negociación con el vendedor.  Asi fue como llego a realizar el documental Buscando a Larisa. En el 2009 Andrés junto al fotógrafo uruguayo Santiago Cassarino, también residente de la ciudad de México, encuentra un archivo familiar que contaba de varias cintas de una familia donde aparece una niña llamada Larisa. En un primer momento el material es guardado, ya que querían hacer algo con el, pero aun no sabían que. Finalmente con la idea de querer encontrar a Larisa, es que en el 2012 realizan el documental con parte de estos archivos.

Si bien la reapropiación de material cuenta con un parte legal que puede llegar a resultar algo tediosa, para Pardo es muy importante su valor. A través de sus documentales, busca lograr poder mostrar la importancia de ese material, y que el público también se pueda sentir identificado con eso.