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ARTETERAPIA

é um procedimento terapêutico exercido por profissionais qualificades tendo, então, os mesmos objetivos de uma psicoterapia. o que ele traz são técnicas e ferramentas da arte para estabelecer processos de cura e comunicação através de meios não-verbais. arteterapia pode envolver desenho, pintura, modelagem, colagem, etc. para atuar como arteterapeuta, é preciso ter uma formação específica.

ARTE COMO TERAPIA

é algo muito mais “informal” e amplo... qualquer pessoa pode praticar uma postura de produção e/ou observação da arte com objetivo de autoconhecimento. por exemplo, você pode ter o hábito de desenhar em um sketchbook ao invés de escrever em um diário, você pode observar sua relação com o desenho, tanto no fazer (qual é meu ritmo? qual é a intensidade do traço? o desenho flui como?) como na composição final (que cores usei? o que elas representam pra mim nesse momento? com quais emoções posso relacionar? que linhas usei e como elas se relacionam na composição? etc). ou ainda, você pode ter o hábito de ir a museus e galerias, ou observar produções artísticas pensando em aspectos de autoconhecimento, em como você se sente olhando para a obra, do que ela te lembra, se ela provoca uma reflexão sobre quem você é no mundo... enfim, é um olhar de autoconhecimento sem compromissos acadêmicos ou profissionais. é um exercício seu para seu bem-estar.

eu não tenho formação em arteterapia, mas acredito na potência da arte de ser tanto uma comunicação macro (social, cultural, histórica) como micro (autoconhecimento, relações próximas e familiares). quanto mais a gente treina o olhar, mais a gente enxerga possibilidades e camadas. assim como quanto mais a gente lê, melhor a gente lê.

como a arte já te ajudou com autoconhecimento?

no livro Art as Therapy (Arte como terapia), Alain de Botton e John Armstrong abrem reflexões sobre arte e vida, nos campos de amor, trabalho, tempo livre, política, ansiedade e self. cada reflexão parte de uma obra, e decidi compartilhar algumas com você aqui:

autor desconhecide, cálices de vidro veneziano primitivo.

quantas vezes você sentiu que deveria se mostrar mais forte do que se sentia? ou que deveria camuflar suas fragilidades? eu já fiz isso várias vezes. o caminho da vulnerabilidade pode ser mais difícil para algumas pessoas, depende da nossa trajetória e das relações que temos. mas é um bom caminho. você vê como esse vidro veneziano é frágil? ele não pede desculpas por ser assim, porque não é um defeito, não é um engano. na verdade, aí também tem valor e beleza. os cálices dizem "estou encantado, mas se você me bater eu vou quebrar, e isso não é culpa minha" não é, também, um dever da sociedade cuidar das peças frágeis? providenciar ambientes seguros? sentimos esse dever para que a história da família seja preservada, ou ainda a história de povos e culturas. mas, acima de tudo, não devemos ter esse cuidado com nós mesmes? autocuidado como pessoas, e cuidado entre nós nos grupos que vivemos. de que formas podemos assumir nossas fragilidades e aceitar que nos tratem com mais cuidado?

* * *

Caspar David Friedrich, Rocky Reef on the Sea Shore, c. 1825

o que vemos na obra é uma paisagem com uma formação rochosa marcante e recortada, bem no centro. também há um trecho de costa, o horizonte iluminado, umas poucas nuvens dispersas... há muito azul, não há? você diria que esse azul te traz calma? apesar de muito estabelecido que azul = serenidade/calma, o modo como a parte superior e a inferior da pintura ficam mais escuras, parece que há um fechamento do espaço. é calmo - não há movimentações dramáticas - mas também sombrio.

em que momento do dia poderíamos estar imersos nessa paisagem?

quando você se imagina andando por essa costa, se imagina sozinhe ou acompanhade?

a rocha dentada é convidativa e confortante ou agressiva?

a verdade é que a imagem não É nada disso, apenas PARECE, porque nos espelhamos nas imagens que vemos, vinculamos sensações e memórias, projetamos realidades vividas.

as paisagens de Friedrich não parecem ter intenção de capturar um momento da natureza externa, elas fazem mais que isso: conectam a natureza externa com a natureza interna de tudo que experienciamos e sentimos. essa paisagem não nos remete às tribulações da vida cotidiana. detectamos uma intenção em permitir acesso a um estado de espírito...

após um longo período de predominância de artes de narrativas (bíblicas e míticas, principalmente), alguns artistas passaram a diminuir as figuras humanas e ampliar a paisagem, evidenciando nossa pequenez no mundo. mas também, em alguns momentos, as figuras humanas deixaram de aparecer nas paisagens. como se a natureza sozinha tivesse um tipo de narrativa. ou como a natureza sozinha tivesse a potência de nos colocar em sintonia com um tipo de estado de espírito.

esse tipo de obra parece dizer: tudo bem você sentir o que sente. você pode acolher esse sentimento. e depois deixe ir, como essas nuvens que logo vão sumir. a rocha vai ficar, mas depois de muito tempo e muito movimento da água, ela vai mudar. o céu vai passar pelo dia e pela noite centenas de vezes.

“ficamos, como tantas vezes acontece com as obras de arte, mais bem equipados para lidar com as lágrimas intensas, intratáveis e particulares que se apresentam diante de nós. As tensões em meu casamento ou as frustrações de meu trabalho não são problema meu apenas, fazem parte da estrutura do universo...”

o que mais a paisagem de Friedrich te fez notar e sentir?

* * *

Ruth Hollick, Janet Armstrong, Woodbury Estate, c 1939

por que tiramos tantas fotos?

por que temos esse desejo constante de tornar estático o movimento?

quanto mais fácil e acessível é tirar fotos, mais o fazemos. nunca na história houve TANTA produção e compartilhamento de imagens.

talvez o desejo de capturar imagens persista porque sabemos que não podemos contar com “nossas fraquezas cognitivas em relação à passagem do tempo”. nos frustramos quando viajamos e perdemos as fotos (ou quando nem câmera temos por perto). eu já sonhei diveeeersas vezes que viajava ou conhecia uma celebridade e ficava muito frustrada porque não conseguia tirar uma foto para ver quando eu acordasse (risos). esquecemos coisas grandiosas e coisas pequenas.

queremos registrar prédios, encontros, passeios, flores e momentos, como uma pequena garotinha alimentando um pequeno canguruzinho com tanta atenção.

queremos preservar.

e dentre tantas finalidades da fotografia, o olhar estético, além do registro para memória, persiste. na fotografia, talvez mais do que escolher o que evidenciar, escolhemos o que não incluir. estamos no controle.

já pensou que o poder que temos como fotógrafes/artistas nem chega perto do poder que temos com a realidade que criamos todos os dias?

* * *

Vincent Van Gogh, Almond Blossom, 1890

por que celebrar algo se tudo está indo tão mal?

eu já ouvi constatações assim várias vezes, imagino que tu também. talvez a gente mesme tenha dito algo nesse sentido.

se ainda existe tanta desigualdade, pobreza, fome, PANDEMIAS, desmatamento e sofrimento, devemos focar somente em resolver isso tudo, certo?

errado.

ninguém consegue levantar e passar o dia todo, todo dia, resolvendo problemas. ninguém funciona assim. ninguém AGUENTA viver focando só em problemas, revoluções, conflitos... perdemos as forças se fizermos isso. portanto, temos muitos posicionamentos políticos e ativismos na arte, mas o campo não se sustenta só disso, porque humanos são muito mais que isso.

você já deve ter visto essa pintura né?

Vincent Van Gogh pintou "flores de amendoeira" em 1890, um dos piores anos de sua vida. já havia sido internado, estava muito doente, e faleceu. e o que a gente vê é uma das obras mais belas dele, uma árvore linda florescendo sobre um fundo azul vibrante, praticamente mais vibrante que o próprio céu.

criar coisas tão belas e agradáveis mesmo em períodos difíceis é realmente um desafio. imagino que ele só tenha conseguido porque praticava arduamente, com frequência, com muita, MUITA paixão e o desejo de semear bons sentimentos entre as pessoas através das pinturas.

existem pessoas que se incomodam que a arte OUSE ser doce e adorável, que ela seja alegre e delicada. especialmente quando tanta coisa horrível acontece. não seria uma forma de desviar a atenção? de negar os problemas?

Vincent sabia muito sobre sofrimento humano, inclusive através da própria vivência. flores bonitas não são uma forma de evitar os fatos mais difíceis, elas são um consolo, uma lente de óculos diferente. precisamos de beleza para manter nosso espírito elevado e para refrescar nosso apetite pela vida. a alegria não é uma negação dos problemas do mundo, na verdade ela nos torna um pouco mais capazes de lidar com eles.

a cura mais impactante, mais relevante, mais intensa que a arte pode provocar é a cura de SI. simplesmente não existe transformação SOCIAL se individualmente as pessoas não são transformadas.

cada ato de autocuidado importa.

cada flor importa.

a primeira vez que vi essa obra, ela não me chamou atenção.

pareceu algo que eu já poderia ter visto antes. um homem lendo. ok.

não me provocou nem impactou.

mas quando entendi realmente o que ela comunica, me senti medíocre. tive que vir aqui compartilhar algumas questões contigo.

por que de repente essa pintura ficou interessante?

porque George Steiner me pegou pela mão e apontou significados que eu talvez não percebesse sozinha. já está tudo na imagem: mas se não temos informações e repertório suficiente, os significados ficam “presos” na obra, não conversam conosco.

vamos lá, o que você vê na obra?

Erwin Panofsky criou um método de leitura iconográfica/iconológica, em que lemos uma obra respeitando três níveis: 

descrição pré-iconográfica: factual, expressional; questões de O QUE?

análise iconográfica: observar imagens, histórias, narrativas, alegorias

interpretação iconológica: em busca dos valores simbólicos

o primeiro passo sozinho é muito poderoso, porque muitas vezes o nosso olhar sobre a obra é muito breve, é rápido. especialmente quando nos acostumamos a ver imagens pequenininhas no feed em segundos! então começamos por um olhar mais demorado. e descrevemos:

vemos um jovem sentado em frente a uma mesa. ele tem seus olhos sobre um livro, com um braço apoiado sobre ele, enquanto a outra mão segura a folha que ele lê. na mesa vemos: o livro grande, uma ampulheta (é um pouco difícil ver bem, mas parece que a areia está quase que na metade?), um recipiente com uma pena branca, e três medalhas que parecem metálicas. a mesa arredondada está coberta por uma toalha verde. voltando o olhar para o jovem leitor, qual é a aparência dele? ele parece bem vestido. uma roupa de frio, uma estola com acabamento em pele, assim como o chapéu. ele usa um chapéu. faz frio? a roupa por baixo parece um casaco vermelho. tecidos finos, como veludo, talvez? a parede atrás do leitor parecem de pedra. tem alguns objetos na prateleira, mas é um pouco difícil de reconhecer o que cada um é. garrafas? um copo virado? à direita,um pedaço de cortina azulada.

pois bem, descrição feita. poderia descrever ainda mais detalhes. mas por agora deve ser suficiente.

estamos prontes para a segunda etapa, em que tentamos encontrar significados que esses elementos da descrição da imagem poderiam estar comunicando...

aqui a coisa fica interessante. aqui a gente começa a se apaixonar pela arte, é onde as camadas se revelam, pouco a pouco.

a leitura que Steiner faz se revela objeto por objeto, detalhe por detalhe:

trajes formais: o rapaz tá arrumadinho, não tá? ele se apresenta em uma “elegância enfática’, pois “o leitor vai ao encontro do livro levando a cortesia em seu coração”;

chapéu: quem participa de cultos religiosos, quem consulta o oráculo, ou o iniciado ao se aproximar do texto ou fonte sagrada têm sempre a cabeça coberta. portanto, destacam-se conotações de cerimônia de intelecto;

ampulheta: aponta para a relação de tempo e leitura. o tempo passa, o livro permanece. a vida do leitor mede-se em horas; a do livro, em milênios. já dizia Píndaro: "quando a cidade que eu canto já não mais existir, quando os homens para quem canto já houverem desaparecido no esquecimento, minhas palavras ainda perdurarão". cada livro contém uma aposta, um desafio ao silêncio, que só pode ser vencido quando o livro é aberto novamente.

discos de metal: são medalhas/medalhões de bronze para fazer pressão sobre as páginas, mantendo-as esticadas. no século XVIII (e na Renascença) escultores e gravadores usavam esses discos para fixar a comemoração de um importante evento cívico ou militar para manifestar-se formalmente sobre uma alegoria moral-mitológica. o medalhão também é um texto. e também é efêmero. ao colocar os medalhões diante do livro, “Chardin invoca da antiguidade clássica, com exatidão, a perplexidade maravilhada e o paradoxo da longevidade da palavra”.

pena de escrita: é emblemática na obrigação de resposta inerente ao ato da leitura, define a leitura como interação. a boa leitura pressupõe resposta ao texto, disposição para reagir. ler bem é estabelecer uma relação de reciprocidade com o livro que está sendo lido; é embarcar em uma total troca. com a pena se fazem anotações nas margens. "se é fato que Deus”, como afirma Warburg, “encontra-se nos pormenores”, a correção de uma palavra grafada com erro é um ato de fé. Steiner ainda afirma: "a transcrição implica o engajamento total com o texto, uma reciprocidade dinâmica entre o leitor e o livro";

silêncio: "a leitura é um ato silencioso e solitário. trata-se de um silêncio vibrante de emoção e de uma solidão abarrotada de vida. mas a pesada cortina separa o leitor do resto do mundo - do que é mundo"

Chardin é enquadrado como um artista do período Barroco, e sua obra traz uma visão clássica do ato da leitura (isso seria visível mesmo sem saber o ano?). como se compara o ato da leitura hoje em dia com os valores presentes na tela de Chardin de 1734?

primeiramente, o tema da cortesia parece remoto. não nos vestimos especialmente para ler. somos casuais. não tem geração mais casual que a nossa. as próximas podem ser ainda mais. informalidade é nosso mote.

ainda que sejamos adeptos de outros formatos de leitura para além da obra impressa (audiobooks, eBooks no computador, no celular, no Kindle...), alguns elementos ainda estão presentes. não escrevemos com penas, mas anotamos a lápis, à caneta, com grifa-textos. destacamos trechos nos aplicativos de leitura. cronometramos, às vezes, a leitura, tentamos algo mais dinâmico e eficaz. no entanto, os medalhões realmente não tem uso hoje, me pergunto quantas pessoas entendem o que eles representam na pintura (eu só entendi quando me foi explicado por Steiner!).

além disso, o manifesto sobre a imortalidade da obra literária (feito desde Píndaro, Horácio, Ovídio) agora irrita as pessoas?

nossa relação com a leitura é outra. há quem afirme que escrever livros hoje em dia é inútil, que as pessoas só consomem narrativas e conteúdo por vídeo e áudio (estamos no auge do audiovisual, não estamos?). quando entramos em contato com textos, consumimos trechos, capítulos avulsos, a pressa da rotina nos impede de sentar e ler um bom clássico no tempo que um clássico demanda...

às vezes até nos irritamos com certos autores canônicos, alguns são tachados de ultrapassados. é o tempo de rever as bibliografias tradicionais, de questionar o cânone, o referencial eurocentrado. mas será que esses conteúdos seculares realmente se esgotaram? já disseram tudo que tinham pra dizer?

Steiner afirma que "o fenômeno literário em nossa época é difuso e irreverente. já não é mais uma atitude natural buscar em um livro a orientação que se buscava em um oráculo". nosso oráculo é o Google. tudo acontece muito rápido, se dependêssemos somente das respostas em livros, as informações transitariam em outra velocidade, como costumavam transitar no passado. nosso oráculo é o Google, estamos sedentos por 5G e tudo de mais veloz e imediato que ele promete.

e eu ainda nem falei da questão de peso e espaço! olha só o tamanho do livro que o filósofo da obra lê! queremos livros curtos, livros leves, edições de bolso pra carregar por aí. somos minimalistas desapegados que preferem uma biblioteca na nuvem do que uma biblioteca física porque a qualquer momento podemos nos mudar e não podemos levar tantos livros junto. (ok, falo de uma perspectiva pessoal, mas é fato: é cada vez mais desejável ser nômade digital, viver viajando e trabalhando home office). ou ainda, se tudo pega fogo, adeus livros. é muito mais difícil recuperar uma biblioteca física do que arquivos na nuvem, não é?

confesso: eu mesma, durante as leituras nessa semana, idealizei uma biblioteca de artigos em áudio para que eu pudesse ouvir o conteúdo enquanto tomo sol, caminho, lavo a louça... Steiner realmente me cancelaria.

o que Steiner faz no capítulo “o leitor incomum” é quase um manifesto apaixonado a favor de uma leitura mais significativa, atenta e ativa. uma leitura de valores clássicos. ele finaliza compartilhando um sonho de investir em um grupo de leitura, como um treinamento. o que o incomoda é:

"não são apenas as literaturas grega e latina tornaram-se inacessíveis: porções substanciais de toda a literatura europeia, desde a Divina Comédia até Sweeney Agonistes já não mais se encontram ao alcance das pessoas razoavelmente cultas. cultuadas apenas por estudiosos e visitadas ocasionalmente e de maneira fragmentada por estudantes universitários, obras que já foram marcos culturais compartilham agora a triste sina daqueles valiosos Stradivarius da coleção Coolidge, em Washington, silenciosos em suas vitrinas" 

de fato essas literaturas clássicas estão distantes do nosso cotidiano, da nossa experiência direta de leitura. o pouco que aprendemos na escola parece uma obrigação chata, não nos desperta encantamento. quando o clássico persiste no ensino superior, talvez nos perguntemos se não deveríamos dar um tempo disso pra dar conta de questões decoloniais para preencher lacunas de conhecimentos pré-colombinos, afrodescendentes, nativos... como poderíamos conciliar tudo??

Steiner não dá essa resposta, porque ele não está pensando no giro decolonial. para ele, ainda se trata de reparar hábitos e conhecimentos de leitura. ele conta o que seria ideal para ele, visando uma leitura de qualidade:

"teríamos que aprender novamente sobre métrica, sobre escansão do verso, saberes tão corriqueiros para qualquer menino de escola da era vitoriana. precisaríamos fazer isso não por pedantismo, mas pelo fato irrefutável de que em toda poesia - e em uma boa parte da prosa - a métrica é a música que controla o pensamento e a emoção. teríamos que despertar cada músculo da memória, descobrir em nós mesmos, seres tão comuns que somos, os enormes recursos de evocação precisa de que dispomos e o deleite que nos dão os textos que conseguiram alojar-se dentro de nós. buscaríamos adquirir os rudimentos do saber que nos permitissem reconhecer as referências mitológicas e bíblicas, a lembrança compartilhada da história, saberes sem os quais seria praticamente impossível - exceto por meio de constantes recursos a um número cada vez maior de detalhadas notas de pé de página - ler adequadamente um verso de Chaucer, de Milton, de Goethe e mesmo de Mandelstam, um dos mestres das ressonâncias"

e você, compartilha dos pensamentos e desejos de Steiner?

como amantes de arte, é natural que estejamos em constante pesquisa, além da textual, a pesquisa visual. como pesquisadores e educadores, isso se torna um exercício ainda mais necessário e intenso. às vezes vemos palestras e aulas incríveis e nos perguntamos “como eu vou conseguir um dia ter tanto repertório visual?”

ter repertório não é somente lembrar e revisitar obras, mas estar atente para uma constante construção do que admitimos nesse repertório, e no que deixamos de lado.

mas é fato: se não alimentamos as gavetas com conteúdo, não há do que lembrar depois.

mantenha-se atente aos canais que disponibilizam acervos e coleções, inclua-os em sua rotina, e fica cada vez mais fácil.

em períodos pré/pós COVID19, esse repertório pode ser alimentado por visitas: as boas e velhas caminhadas em museus, galerias, igrejas, livrarias...

mas ainda há muito que explorar nas mídias digitais.

dá uma olhada nessas sugestões para manter as gavetas cheias:

Wikiart: eu gosto de deixar esse site configurado para abrir em novas janelas do navegador. assim, todos os dias eu vejo uma obra diferente, relembrando clássicos, ou conhecendo obras diferentes (bonus: eles tem o calendário que mostra artistas que nasceram/morreram no dia de hoje, todos os dias) https://www.wikiart.org/

Artsy: aqui temos um rico conteúdo editorial, um repositório de informações sobre artistas e obras e ainda temos à disposição todas as informações caso pretenda adquirir a obra (já vi Yayoi Kusama por $150 num leilão. a mão coçou...) https://www.artsy.net/

Smartify (app): super útil como “Shazam” das obras de arte, ele usa a câmera para scannear a obra e disponibilizar mais informações sobre ela. além disso, tem visitas grátis e outros conteúdos informativos. 

Daily Art (app): fornece informações detalhadas sobre obras de arte espalhadas por renomadas instituições ao redor do mundo. o app possui um banco de dados com a descrição de cerca de 1300 peças, 360 museus e 750 artistas.

Google Arts & Culture: todo mundo já conhece, mas com que frequência acessamos essa ferramenta fantástica? aqui podemos fazer buscas por artistas, obras, movimentos... assim como mergulhar em exposições e coleções mundo afora https://artsandculture.google.com/