Funciones del arte

Jaume Plensa es un artista español nacido en Barcelona en 1955, estudió en la Escuela Llotja y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi. Es conocido por sus trabajos escultóricos con materiales no convencionales y su interés por las instalaciones acústicas. 

Para Plensa, la escritura posee una presencia visual que el adapta como material y que finalmente tiene un resultado escultórico acogedor, para ello hace uso del color blanco pues permite una mejor lectura de sus esculturas humanas hechas con letras de diferentes lenguajes. Plensa es obsesivo con el proceso de su obra que surge a partir del boceto, buscando siempre la mejor manera que conduzca al resultado final de su obra a lo cuál dice que los galeristas parecen inquietarse pues siempre está en busca de aquel resultado ideal. 

El artista se preocupa enteramente por el sentido del hombre, es decir posee un carácter humanista que muestra como el arte contemporáneo no esta desligado u ajeno a la sociedad, con Dream (2009) por ejemplo, reivindica el espíritu de un pueblo afectado por las decisiones políticas, para Plensa la función del arte es iluminar al mundo, qué sirva como catalizador y tenga un papel de conector entre nosotros mismos.

Antonio Caro es un artista Bogotano nacido en el año 1950, cuya experiencia abarca más de 40 años de trayectoria tanto nacional como internacional. Caro se da a conocer en los años 70 siendo aún estudiante de la Universidad Nacional de Colombia cuando presentó Cabeza de Lleras en el XXI Salón Nacional de Artistas la cual consistía en un busto del ex-presidente Lleras hecho con sal y dispuesto en una urna de cristal, en donde el día de la inauguración pretendía ser destruida al verterle agua, al final, la urna no funcionó y el agua terminó esparciéndose entre el público, este hecho que Caro cuenta de manera anecdótica  es de como su nombre empezó a sonar en la escena artística colombiana.

El vídeo sirve de acompañamiento a la vida del artista y hace un recorrido por sus obras más importantes tal como lo son: Colombia Coca-Cola, Malboro Colombia y Todo está muy Caro. En la obra del artista como en en su vida, se ve un interés por lo orgánico y natural, cosa que parece corresponder a la época de los años 70’s y la cultura hippie, a la cual Caro dice que tiene algo de ella. En el vídeo Caro también muestra como su verdadera formación vino con Bernardo Salcedo quién asegura le ayudo a definir un nuevo pensamiento. Con Todo está muy Caro por ejemplo, qué al parecer se lee como una obviedad y coincidencia con el apellido del artista pero que en realidad posee un pensamiento satírico más profundo. 

Caro posee una fascinación por el maíz que afirma va más allá de una cuestión estética, todo comienza con Defienda su Talento y convierte al maíz en una de sus iconos al simplificarlos y al usarlos principalmente en los años 80. 

En el vídeo, Jorge Oteiza habla del papel del arte en la sociedad, que este no debería estar en un museo, pues el artista interviene en la sociedad, el artista que se ha formado por la sociedad y ha crecido en torno a ella le retribuye por medio de un lenguaje cierto tipo de sensibilidad que subyace en todos. El uso del lenguaje nace producto de la imaginación de él, pero este lenguaje se acomoda en torno al aprendizaje, en el caso de la escultura, para él es un proceso de investigación constante, pues se hace escultura para ser escultor, y una vez allí se acude a otro lenguaje como la poesía.

Para él el arte contemporáneo ha concluido de una u otra manera porque el proceso de experimentación se ha perdido, existieron dos corrientes una en la que se experimentó sobre el objeto hasta acabar con él en la experimentación, y la otra en la que se experimentó con el hombre, incomodando al hombre, haciendo que muera y renazca. Es allí donde el arte crea un nuevo tipo de sensibilidad.

También habla de cómo la cultura occidental ha destruido de cierto modo los valores que permanecieron antes,  y como se impone una suerte de cultura de la replicación, es por ello que la experimentación es tan importante para Oteiza, pues es allí donde no se replica sino se sensibiliza al objeto o al ser.

El vídeo remite a la primera exposición monográfica de Anish Kapoor en España, la cual tuvo lugar en el Guggenheim de Bilbao y fue expuesta del 16 de marzo de 2010 al 12 de octubre del 2010.  Anish Kapoor nace en Bombay y se muda a Londres Inglaterra para estudiar arte en la Chelsea School of Art Design  es un artista que se da a conocer a finales de los años 70 y principios de los 80, sus estudios sobre la exploración de la forma y el uso del espacio le hicieron convertirse en el máximo exponente de los nuevos escultores británicos.

La exposición de Kapoor en el Guggenheim muestra a través de 20 obras de varias series, algo que el artista denomina como ‘’Lenguajes de la forma’’, en donde se ve expuesto su trabajo artístico desde los años 70′s, es decir son más de 30 años de exploración de la forma e ideas sobre procesos escultóricos representados a través de su obra.

‘’El trabajo de Kapoor planea transportar al visitante de la materialidad a la inmaterialidad de la superficie de la obra a un lugar más bien simbólico, conceptual y abstracto’’

Anish Kapoor ha dicho que no cree que la función de un artista pase por tener algo concreto que decir sino que el estado del no saber es lo que lo lleva a crear una obra, que cada espacio representa una pieza de arte, una experiencia o un tema único.

Suzi Gablik, crítica e historiadora del arte indaga sobre el papel del arte en el mundo moderno, de si este debe servir para la sociedad o para si mismo, es aquí  donde la autora hace evidente la división establecida entre aquellos que lo defienden y sus fervientes detractores.

En el período de la modernidad (1919-1939) el arte se desligo de la sociedad para servir a si mismo, para proteger su esencia creadora que se veía atacada por las sociedades capitalistas y totalitarias de la época, es por ello que los artistas de este periodo de tiempo se vieron apartados del mundo para encerrarse en si mismos, una obra de arte suponía una creación pura y espiritual, para Kandisky la obra de un artista se convertía en algo personal que participa en la creación de una atmósfera espiritual, la abstracción de las obras de la época se vincularon a los valores de la  tradición heroica procedentes de Malevich y Kandisnky.

En el arte moderno tardío de los años 60 y 70 se vio una innovación en solo cuestiones estéticas pues no poseían ningún sentido revolucionario, un ejemplo de esto es Clement Greenberg que rechazó la idea del arte con un propósito superior, pues el arte es lo que es y está allí para ser estéticamente ‘’bueno’’, una obra es solo una superficie pintada y nada más.

En el renacimiento al ser la obra de arte un encargo poseía un compromiso social, en la actualidad, el arte se ha convertido en un mecanismo autónomo que por lo general no rinde cuentas a un mecenas, al no tener el arte un fin colectivo en la sociedad pasa a tener un papel individual, los Marxistas criticaron el hecho de que el arte no tuviera un fin social ya que para ellos, el verdadero arte estudia la sociedad, reproduce, reconoce y cambia la realidad social, a finales de los años 60 con la llegada de nuevos modelos como el arte conceptual, arte de proceso, arte corporal y arte de ejecución, el artista hizo de su obra algo inmaterial en un mundo material.

Lo cierto es que para los bandos que se miren, el arte parece no ser suficiente pues el artista desempeña una labor infravalorada en la sociedad occidental contemporánea; problema que remite al inicio del texto con Spengler, en la sociedad individualista actual el artista se aísla y se tacha de poseer una ideología burguesa pero es verdad también que cuesta un poco mirar por encima de nosotros mismos, ambas posturas sobre la labor social del arte, el socialismo marxista y la del formalismo estético se ven lejanas entre sí, lo que cuesta plantear ahora es si puede existir un punto medio, la artista finaliza con una frase que vale la pena destacar ‘’lo peligroso es que cuando todo se convierte en arte, el arte se queda en nada’’ el arte no puede existir sin un propósito, el arte es social pues es hecho por el hombre para el hombre, aquí es donde se debe cuestionar si debe servir al hombre que hace el arte; esto quizá suene a modo de capricho, o a la sociedad que lo rodea. A la vez es difícil creer que ese ser social creador de arte no comparta gustos estéticos con la sociedad que lo vio crecer pues es allí donde nace y se desenvuelve.