EXTRA BEURRE

Les fans de Scott Adkins connaissent bien le nom de Stu Small, le coscénariste d’une demi-douzaine de ses films, dont Accident Man, The Debt Collector et Avengement, tous réalisés par Jesse V. Johnson.Leur plus récente collaboration, Reckless, est le premier long-métrage de Elliott Montello, qui s’est formé la main en tournant des vidéoclips et des publicités. Trahi par ses complices à la suite d’un braquage, Devon (Scott Adkins) passe cinq ans en prison. À sa sortie, il n’a qu’une idée en tête : récupérer sa part du butin, comme Lee Marvin dans Point Blank. S’ensuit une série de confrontations à la fois tendues et amusantes, Reckless étant dans la lignée des films de gangsters britanniques de Guy Ritchie. On y retrouve d’ailleurs Vinnie Jones (Lock, Stock and Two Smoking Barrels; Snatch) dans un rôle de soutien. Reckless inclut également plusieurs scènes de combat percutantes où Scott Adkins prouve que, à près de 50 ans, il demeure un des héros d’action contemporains les plus badass, en plus d’être drôle et charismatique. Le film dans son ensemble est très distrayant, avec ses musiques hip-hop et électro, ses éclairages stylisés et ses transitions ludiques. Par contre, il y a un peu trop de blagues de viol en prison…

La santé mentale est quelque chose que beaucoup de gens tiennent pour acquis. Or, de façon souvent inexpliquée, certaines personnes sont perturbées et ne parviennent jamais à mener une existence « normale », même si elles sont bien entourées et ont accès aux ressources nécessaires. Écrite et réalisée par Sophy Romvari, Blue Heron est une œuvre qu’on devine être très personnelle où la cinéaste canadienne revisite des fragments de souvenirs d’enfance au sein d’une famille d’origine hongroise qui déménage en Colombie-Britannique vers la fin des années 1990. La première moitié du film s’attarde principalement à dépeindre leur vie relativement paisible, adoptant le rythme langoureux d’un été de jeunesse, sans école ou travail. La seule ombre au tableau est l’aîné des quatre enfants, Jeremy (Edik Beddoes), un adolescent solitaire au comportement parfois étrange, assez pour inquiéter ses parents (Iringó Réti et Ádám Tompa). On pense au We Need to Talk About Kevin de Lynne Ramsay, mais l’approche de Romvari est plus subtile. C’est si subtil en fait qu’en tant que spectateur, on ne saisit d’abord pas quel est le problème avec Jeremy. Il faut dire que le film adopte le point de vue de la petiteSasha (Eylul Guven), qui ne réalise pas vraiment que quelque chose cloche chez son grand frère. Ce choix narratif rappelle le magistral Aftersun de Charlotte Wells, mais Blue Heron pousse plus loin l’expérimentation formelle. Ici, il est préférable de demeurer vague, car la construction du film est aussi imprévisible que fascinante. Mentionnons simplement que vers la mi-parcours, il y a une ellipse et un changement de perspective qui font qu’il est possible pour la cinéaste d’inclure des dialogues explicatifs et de mettre davantage en contexte ce qu’on a vu précédemment. Mais ce n’est pas tout : Blue Heron inclut également ce qui s’apparente à une distorsion temporelle, qui vient brouiller la frontière entre passé et présent, fiction et réalité. On est toutefois loin d’être devant un exercice purement méta et intellectuel. À travers le regard sensible de Sophy Romvari, attentif autant aux personnages qu’à leur environnement, le récit devient profondément immersif. Sa direction d’acteurs impeccable fait également qu’on a souvent l’impression de regarder un documentaire tellement les performances sont naturelles. Tout cela rend la conclusion d’autant plus émouvante.

J’ai connu la scène locale montréalaise des années 2000 et l’effervescence du Mile End. J’ai vu des centaines de spectacles à cette époque, dont Godspeed You! Black Emperor au Théâtre Rialto, Arcade Fire à la Fédération ukrainienne, Wolf Parade à la Sala Rossa, The Dears au Club Lambi, Pony Up! au Main Hall (et dans une dizaine d’autres salles, c’était mes préférées), le lancement de <i>Parc Avenue</i> de Plants and Animals, Malajube lors d’un loft party à 5 heures du matin… En 2011, j’écrivais littéralement sur la musique à Montréal, en tant que rédacteur en chef du Hour. Bref, j’étais très curieux de voir <i>Mile End Kicks</i>. Nous sommes en 2011, donc, mais l’action débute non pas à Montréal, mais à Toronto, ce qui donne le ton. Car voilà, si <i>Mile End Kicks</i> décrit notre ville avec justesse, ça demeure toujours d’un point de vue extérieur. On suit Grace Pine (Barbie Ferreira), une critique de rock torontoise de 22 ans qui écrit pour un hebdo culturel local et occasionnellement pour SPIN. Depuis l’Ontario, elle est fascinée par la scène musicale montréalaise, rédigeant un article sur une gig de Islands où elle fait référence à cette ville d’où ont émergé Grimes et Mac DeMarco. Un jour, Grace a l’idée d’aller passer un été à Montréal, principalement pour y écrire un livre de la série 33 1/3 sur l’album <i>Jagged Little Pill</i> d’Alanis Morissette. Fraîchement débarquée d’un Megabus, elle loue sur Craigslist une chambre chez une DJ (Juliette Gariépy) dont le chum (Robert Naylor) est le batteur de Bone Patrol, un groupe émergent autour duquel Grace va évoluer au cours des mois suivants. Lors d’une des premières scènes, on aperçoit une affiche de <i>Almost Famous</i>, et ce film où un adolescent écrivant pour Rolling Stone suit un band en tournée en 1973 a assurément influencé la scénariste et réalisatrice Chandler Levack (<i>I Like Movies</i>). Plutôt innocente, sans grande expérience avec la drogue ou le sexe, Grace se sent « loser » (« uncool », dirait Cameron Crowe) parmi ces musiciens faussement insouciants dont elle intègre l’entourage. La particularité de <i>Mile End Kicks</i> est que la protagoniste est à la fois journaliste et groupie, alors qu’elle développe une forte attirance pour Chevy (Stanley Simons), le chanteur de Bone Patrol, bien que sa coloc l’ait présenté comme « the worst guy in Montreal ». Parallèlement, elle se lie d’amitié avec le guitariste de la formation, Archie (Devon Bostick), ce qui mène à un triangle amoureux à la John Hugues. On reconnaît le Mile End avec ses bars, ses lofts, ses dépanneurs, ses ruelles, la voie ferrée, le viaduc, le St-Viateur Bagel… Par ailleurs, le film reproduit bien l’esthétique indie sleaze de l’époque, mais en se concentrant strictement sur la scène anglophone. Aucun des trois personnages centraux n’est québécois : Grace vient de Toronto, Chevy d’Edmonton, Archie de l’Île-du-Prince-Édouard. Ils baragouinent à peine le français, mais c’est fidèle à l’expérience de nombreux Canadiens de passage à Montréal, attirés par les appartements pas chers (jadis!). La grande force du film est la performance de Barbie Ferreira, une actrice découverte dans la série <i>Euphoria</i>. Dans le rôle de Grace, elle est à la fois naïve et allumée, sexy et maladroite, fainéante et engagée. C’est un personnage complexe qu’elle incarne avec toutes les nuances requises. <i>Mile End Kicks</i> n’est peut-être pas le portrait définitif de la scène locale montréalaise, mais c’est un fascinant récit initiatique à propos d’une jeune femme qui multiplie les mauvaises décisions.

“This is going to be a copyright nightmare!”, dit Matt Johnson à la caméra lors d’un des nombreux moments où le quatrième mur est fracassé dans ce film où abondent les gags méta. Un cauchemar en matière de droits d’auteur, car le scénario de Johnson et Jay McCarrol (également acteurs principaux) est pratiquement un remake non officiel de Back to the Future, empruntant l’iconographie, les grandes lignes du récit et le climax du chef-d’œuvre de Robert Zemeckis. De plus, la musique de McCarrol évoque étroitement celle d’Alan Silvestri dans le classique de 1985! Dix-sept ans après les événements dépeints dans la websérie culte Nirvana the Band the Show, Matt et Jay sont toujours obsédés par l’idée de se produire en spectacle au Rivoli, un resto-bar de Toronto. Leur plus récent plan, qui a des airs de Mission: Impossible, est une cascade spectaculaire entre la tour du CN et le Skydome. Mais lorsque les choses ne se passent pas comme prévu, un autre plan lui succède rapidement, impliquant cette fois un VR transformé en machine à voyager dans le temps… Réalisant qu’ils ont été propulsés en 2008 après avoir entendu des blagues qui ne passeraient plus aujourd’hui et vu des personnalités « annulées » toujours actives publiquement, Matt et Jay doivent trouver le moyen de revenir à notre époque, sans changer quoi que ce soit dans le passé, bien sûr.

Nirvanna the Band the Show The Movie est un faux documentaire comme les séries qui l’ont précédé, avec une facture visuelle fauchée qui suggère un budget limité. Mais on y retrouve aussi des effets visuels ingénieux pour créer la cascade de la tour du CN; les séquences de voyage dans le temps avec des étincelles électriques et des traînées de feu; la reconstitution de 2008, où des extraits de la websérie sont intégrés aux nouvelles images; et sans trop en dévoiler, un 2025 alternatif. Bref, on est en pleine comédie de science-fiction, ce qui s’avère très drôle et enlevant. Ce n’est jamais une mauvaise idée de s’inspirer ouvertement de Back to the Future!

Comme Adam Driver dans Paterson, Oscar Shaw (Michael Jai White) mène une existence paisible et routinière. Chaque matin, il médite en pyjama, il déjeune, puis il enfile un complet et marche jusqu'au pub du coin, où il joue aux machines à boules et prend une bière avec son vieux pote Ray (Tyrese Gibson). Sauf que Oscar Shaw n'est pas un poète qui chauffe un autobus, mais bien un ex-policier qui vit dans un quartier où la criminalité est en hausse depuis sa retraite. Ponctué de scènes d'action brèves, mais percutantes, Oscar Shaw est vraiment un slow-burn, misant avant tout sur les atmosphères et la forte présence de Michael Jai White. Je ne sais pas si le public cible pour une version blaxploitation de Paterson est très vaste, mais j'en fais assurément partie.

Quelque part dans le sud des États-Unis, Bowdrie (Mel Gibson) vit seul avec sa fille Tag (Sofia Hublitz) dans un chalet isolé dans le bois, près d’un cours d’eau. La chasse et la pêche font partie de leur quotidien. Le reste du temps, Bowdrie bûche du bois, fume des clopes, récite ses prières. Méfiant, il garde son argent enterré derrière chez lui, et il possède un petit arsenal d’armes à feu. De temps à autre, il prend son pick-up pour aller faire des courses en ville, où il croise parfois son ami le shérif (James DuMont). Mais en général, il reste chez lui et mène une existence tranquille, sans rien demander ou devoir à personne. Or, un jour, Tag tombe sur January (Shelley Hennig), gravement blessée après que sa coloc (Scarlet Rose Stallone, la fille de Sylvester qui joue dans sa série Tulsa King) et elle aient été attaquées par des hommes masqués. Bowdrie soigne les blessures de la jeune femme et l’héberge secrètement chez lui, car il se doute que si ses assaillants apprennent qu’elle est toujours vivante, ils voudront l’achever…

On dit que le western est le genre cinématographique le plus américain, étant étroitement lié à l’histoire et la mythologie des États-Unis, et un film comme Hunting Season s’apparente à un néo-western, transposant les codes du genre à notre époque. Les pick-up remplacent les chevaux, mais il y a bel et bien un héros taciturne, une demoiselle en détresse, des bandits, un shérif, et les conflits se règlent par des fusillades. Le scénario de Adam Hampton ne réinvente rien, mais le milieu où se situe l’action est bien observé et l’intrigue en mode slow-burn se déploie de façon captivante, jusqu’à une série de confrontations violentes, réalisées adroitement par RJ Collins malgré un budget et un horaire de tournage qu’on devine limités. La distribution est assez solide dans son ensemble, mais Mel Gibson élève Hunting Season à un niveau supérieur grâce à l’intensité, mais aussi aux nuances de sa performance.

Dans un pays non identifié du sud-est de l'Asie, un homme à tout faire muet (Xie Miao) mène une existence tranquille avec sa fille jusqu'au jour où cette dernière se fait enlever par un réseau de trafic d'enfants. Adepte de kung-fu, le père usera de ses poings, ses pieds et de l'occasionnel marteau pour la retrouver. Mettant aussi en vedette deux des acteurs de l'influent The Raid, Joe Taslim et Yayan Ruhian, ce film au scénario générique épate par ses cascades démentes et ses combats déchaînés. Épique, inventive et sanglante, la baston finale au poste de police est une des meilleures scènes d'action de l'année.

Plus d’une centaine de personnes se font massacrer au cours de ce film, dont l’intrigue implique une cargaison de cocaïne, des gangsters asiatiques et des policiers corrompus. Mais le cœur du récit est l’amour de quelques parents pour leur enfant respectif. La boss des Triades (Yeo Yann Yann) veut venger son fils, tué lors d’une fusillade. Un candidat à la mairie (Forest Whitaker) souhaite sauver la vie de son propre fils (Justin Cornwell), qui était à la mauvaise place au mauvais moment. Et puis il y a Walker (Tom Hardy), un flic divorcé, qui achète un semblant de cadeau de Noël dans un dépanneur, en espérant pouvoir aller le donner à sa fille même s’il est tard le soir, jusqu’à ce qu’il soit dépêché sur une scène de crime dans Chinatown… Havoc est un thriller urbain où pratiquement personne n’a la conscience tranquille, y compris Walker, comme on le découvre lors de flash-back. Écrit et réalisé par Gareth Evans, c’est aussi un film d’action complètement déchaîné où abondent les combats brutaux et les fusillades sanglantes. Peu de cinéastes orchestrent la violence avec une intensité aussi furieuse que le réalisateur de The Raid et The Raid 2, qui a également un don pour mettre en scène des séquences qui sont hyper chaotiques sans devenir confuses pour autant. On ne peut toutefois pas en dire de même du scénario, où les motivations des personnages ne sont pas toujours limpides. Et évidemment, le réalisme est rarement au rendez-vous alors que le nombre de morts dépasse amplement les trois chiffres, comme à la belle époque du cinéma d’action hongkongais des années 1980-1990, qui a manifestement influencé Gareth Evans. Mais pour quiconque aime le genre, Havoc s’impose comme une des belles réussites de l’année.

Afin de sensibiliser la population à l’impact environnemental négatif d’une multinationale de meubles d’inspiration scandinave, six jeunes militants masqués (Benny O. Arthur, Alessia Yoko Fontana, Jacqueline Moré, Kyle Scudder, Thomas Gould, Charlotte Stoiber) se cachent dans un magasin à grande surface. Après la fermeture, ils multiplient les actes de vandalisme, qu’ils documentent pour les médias sociaux en rêvant de viralité. Or, un agent de sécurité (Turlough Convery) remarque leur présence via le système de surveillance vidéo. À la suite d’une altercation qui vire mal, ce gardien de nuit, incidemment un amateur de chasse primitive, se transforme sans trop se faire prier en tueur psychopathe qui fabrique des armes et des pièges avec ce qu’il a sous la main, comme un croisement entre John Rambo et Jason Voorhees… Le scénario d’Alberto Marini est minimaliste, se contentant d’introduire un lieu unique et une demi-douzaine d’individus qui prennent part à un jeu du chat et de la souris. Le déferlement de violence qui s’ensuit nous rappelle que ce film est réalisé par Anouk & Yoann-Karl Whissell qui, au sein de RKSS, ont signé nombre de courts et longs métrages où le gore était au rendez-vous. On peut déplorer la relative absence d’humour et de personnages attachants, des éléments qui contribuaient à rendre des films comme Turbo Kid et We Are Zombies aussi divertissants. Wake Up demeure néanmoins assez efficace en tant que slasher sadique et sanglant.

Emballeur dans un supermarché et aidant naturel de son grand-père vétéran de la guerre du Viêtnam, Killian Maddox (Jonathan Majors) est également un culturiste qui rêve de se retrouver à la une des magazines de musculation. Mais c’est un être maladroit socialement, autant dans la vie de tous les jours que dans le contexte des compétitions auxquelles il participe. Il est par ailleurs aux prises avec les séquelles d’un passé tragique qui se manifestent par des migraines, des cauchemars et la rage grandissante qui sommeille en lui. Ajoutez à cela un cocktail toxique de stéroïdes et de cocaïne, et cet homme fort n’est rien de moins qu’une bombe à retardement. Portrait déchirant, troublant et profondément malaisant d’un esprit malade, Magazine Dreams évoque inévitablement Taxi Driver et certains de ses dérivés comme Joker, en plus d’inclure des éléments qui rappellent The Wrestler, Whiplash et la chanson Stan d’Eminem. On ressent toute la solitude et le mal-être de Killian, tel que joué par un Jonathan Majors à la fois imposant physiquement et fragile émotionnellement. Mais l’empathie qu’on a pour le personnage est mise à rude épreuve lorsqu’il adopte des comportements de plus en plus antisociaux, chaotiques et violents. Le scénario d’Elijah Bynum n’est pas toujours vraisemblable (il y a plusieurs moments où le protagoniste devrait se retrouver en prison), mais sa réalisation est néanmoins ancrée dans un réalisme étouffant et anxiogène, où chaque scène est convaincante si on ne s’attarde pas trop aux conséquences (ou à la relative absence de ces dernières). Le récit s’étire un peu trop lors du troisième acte, perdant de son urgence et de sa précision en tirant dans toutes les directions (sans mauvais jeu de mots). Mais Magazine Dreams demeure un film puissant porté par une performance magistrale de Jonathan Majors.

Dans Mademoiselle Kenopsia, Denis Côté s’intéressait à « la solitude et à la mélancolie des espaces vidés d’activité humaine », en suivant une Larissa Corriveau quasi fantomatique. J’ai beaucoup pensé à ce film durant Presence, le nouveau long-métrage du prolifique Steven Soderbergh. Toute l’histoire se déroule dans une maison, d’abord complètement vide, hormis quelqu’un ou quelque chose qui est représenté par une caméra très mobile. Une famille vient éventuellement habiter la demeure, mais même lorsque personne n’est à l’écran, on ressent toujours une certaine présence, qui se déplace en synchronicité avec la caméra… Le scénario de David Koepp, avec son récit elliptique se déroulant dans un lieu unique, évoque également le récent Here (le plan final est d’ailleurs très similaire), mais en troquant la sensibilité tragicomique de Robert Zemeckis pour une aura de mystère semblable à la M. Night Shyamalan. Le mystère étant, de qui la caméra subjective adopte-t-elle le point de vue? Un esprit? Mais si c’est le cas, qui est-ce? Et quelle est sa motivation pour hanter cette maison en particulier? Je ne savais rien à propos de Presence avant de le voir, et j’estime qu’il est préférable de préserver ses surprises. Il ne faut pas s’attendre au film le plus intense et terrifiant qui soit, mais c’est un exercice de style très réussi de la part de Soderbergh qui, comme à son habitude, signe à la fois la réalisation, la direction photo et le montage. Au sein d’une distribution dont les noms les plus connus sont Lucy Liu et Chris Sullivan, qui jouent les parents, ce sont leurs enfants incarnés par les nouveaux venus Callina Liang et Eddy Maday qui laissent la plus forte impression.

Lancé en compétition officielle au Festival de Cannes en mai 2024, L’Amour ouf a été horriblement accueilli par la critique. Mais lorsqu’il est sorti en salle en France l’automne dernier, le film a connu un immense succès populaire, avec près de 5 millions d’entrées. Réalisé sans retenue par Gilles Lellouche, L’Amour ouf est une romance qui évoque la comédie musicale et le cinéma d’action sans vraiment s’inscrire dans ces genres; une explosion de sentimentalité, de violence et d’esbroufe visuelle; un pot-pourri d’apparentes influences qui vont de GoodFellas à La La Land en passant par Baz Luhrmann, Edgar Wright et Nicolas Winding Refn, pour ne nommer que ceux-là. Adèle Exarchopoulos est la tête d’affiche, mais il faut préciser que la moitié du film est un flash-back où l’on suit son personnage, Jackie, 10 ans auparavant, alors qu’elle est jouée par Mallory Wanecque. Récemment expulsée d’un lycée privé pour insolence, elle fait la rencontre de Clotaire (Malik Frikah), un décrocheur dont elle tombe passionnément amoureuse. Cette partie du récit se déroule dans les années 1980 et inclut une trame sonore géniale qui procure au film ses meilleurs moments, notamment un pas de deux au rythme de A Forest de The Cure, et des needle drops de Prince, Billy Idol, The Alan Parsons Project, Deep Purple, etc. L’idylle adolescente coïncide avec les débuts de Clotaire dans le monde du crime auprès d’un caïd local (Benoît Poelvoorde), ce qui fait que le film est tour à tour mièvre et brutal, ce qui peut dérouter. Mais personnellement, c’est lorsqu’on revient 10 ans plus tard, dans les années 1990, que Lellouche m’a un peu perdu. La deuxième moitié de L’Amour ouf m’a semblé inférieure, avec moins de moments de fulgurance, plus de scènes banales. Jackie est désormais une jeune femme désabusée qui fréquente un pauvre type (Vincent Lacoste), tandis que Clotaire (incarné adulte par François Civil) se retrouve dans un film de « gangstas » générique. L’excellente Adèle Exarchopoulos parvient néanmoins à nous émouvoir, et la conclusion du scénario de Lellouche, Ahmed Hamidi et Audrey Diwan (d’après le roman de Neville Thompson) est satisfaisante.

Près de 20 ans après Walk the Line, James Mangold signe un autre biopic musical qui n'évite pas les raccourcis narratifs et les clichés propres au genre, qui ont souvent été parodiés (notamment tout ce qui entoure la concubine négligée incarnée par Elle Fanning, bien que le jeu de cette dernière soit très juste). Mais j'ai néanmoins trouvé le film électrisant (excusez-la) du début à la fin, à cause de l'impressionnante reconstitution d'époque et de ces nombreuses chansons extraordinaires, brillamment interprétées par un Timothée Chalamet parfaitement énigmatique et charismatique en Bob Dylan. Oui, c'est bien l'acteur qui chante et qui joue de la guitare et de l'harmonica. Le film met également en vedette l’envoûtante Monica Barbaro dans le rôle de Joan Baez, tour à tour complice et rivale de Dylan; l’attachant Edward Norton dans celui de Pete Seeger, qui introduit Bobby au monde de la musique folk et qui le voit éventuellement s’en éloigner; et Boyd Holbrook dans celui de Johnny Cash, véritable modèle d'individualité et de rébellion. Ayant le bon sens de se limiter à une période précise de la carrière du protagoniste, soit de 1961 à 1965, le film reflète sporadiquement l’actualité du moment (la crise des missiles de Cuba, le mouvement américain des droits civiques, l’assassinat de JFK), prenant parfois des airs de Forrest Gump. Mais c’est surtout un hangout movie qui suit Bob Dylan dans divers appartements et chambres d’hôtel, cafés et bars, salles de concert et festivals, un peu comme Almost Famous. A Complete Unknown est un formidable hommage à son sujet, qui était encore dans la jeune vingtaine quand il a enregistré certains des meilleurs albums de l’histoire (le film s’attarde particulièrement à The Freewheelin’ Bob Dylan et Highway 61 Revisited), porté par un courant révolutionnaire auquel il a contribué. Le soudain intérêt du public pour chacun de ses faits et gestes l'a pris par surprise, lui qui a toujours entretenu un certain mystère à propos de sa personne, ce qui se répercute dans le film, dont le titre est bien choisi. Bob Dylan existe-t-il vraiment? Peut-être n’est-ce en fait qu’une identité que Robert Zimmerman a inventée – et réinventée à répétition.

Depuis nombre d’années, je m’intéresse aux films qui sortent directement en vidéo, où se sont réfugiées plusieurs des vedettes des années 1980 et 1990, dans des films de genre fauchés qui sont parfois plus divertissants que les mégaproductions hollywoodiennes dopées au CGI. Au fil du temps, certains noms récurrents de ce créneau ont attiré mon attention, comme celui du réalisateur Steven C. Miller, qui a notamment dirigé Bruce Willis (Extraction, Marauders, First Kill), Nicolas Cage (Arsenal) et Sylvester Stallone (Escape Plan 2: Hades). Miller se retrouve aujourd’hui à la barre d’un film d’une relativement plus grande envergure, qui fait même l’objet d’une sortie en salle. Werewolves met en vedette le toujours badass Frank Grillo dans le rôle de Wesley Marshall, un microbiologiste — et ex-militaire — qui croit avoir trouvé un remède contre la lycanthropie, un an après qu’une super lune ait transformé un milliard de personnes en loups-garous l’espace d’une nuit. Le récit débute peu avant la venue d’une autre super lune, alors que les autorités incitent la population à s’enfermer chez eux et à ne pas s’exposer à la lumière lunaire. Lorsque leurs tests virent mal au laboratoire, Wesley et sa collègue Dr Amy Chen (Katrina Law) prennent la fuite. Mais un appel de sa belle-sœur (Ilfenesh Hadera), dont la maison est sous assaut, pousse notre héros à tenter de traverser la ville pour secourir cette dernière et sa nièce. Le scénario de Matthew Kennedy se concentre sur les quelques personnages susmentionnés plutôt que de dépeindre tout ce qui se passe ailleurs dans la ville durant la super lune, budget limité oblige. Mais les scènes d’action et d’horreur qui nous sont montrées sont efficaces, avec quand même beaucoup de fusillades, de destruction et de gore. Surtout, les maquillages et les effets spéciaux utilisés pour donner vie aux loups-garous sont parfaitement convaincants, ce qui est crucial dans un film qui s’intitule Werewolves!

Si on sait seulement que Conclave est un film à propos de l’élection d’un nouveau pape, on peut s’attendre à quelque chose de très classique, austère, sans grandes surprises. Mais au fil d’un récit franchement rocambolesque, cette adaptation du roman de Robert Harris s’impose comme l’un des films les plus imprévisibles de l’année. Trois semaines après la mort subite de l’ancien pape, le cardinal Lawrence (Ralph Fiennes) se voit confier la tâche de superviser le conclave, c’est-à-dire l’assemblée de tous les cardinaux au Vatican afin de choisir le prochain chef de l’Église catholique parmi eux. On a rapidement l’impression d’être devant une campagne électorale comme on en voit aux États-Unis ou ailleurs, opposant notamment un candidat progressiste, le cardinal Bellini (Stanley Tucci), à un candidat plus conservateur, le cardinal Tedesco (Sergio Castellitto). Sont également dans la course le cardinal Tremblay (John Lithgow), le cardinal Adeyemi (Lucian Msamati), le cardinal Benitez (Carlos Diehz) et même le cardinal Lawrence, malgré ses réticences. Conclave est une fascinante incursion derrière les portes d’un conclave, mais aussi un thriller politique où les jeux de coulisses rappellent la série House of Cards. Il y a également une dimension de drame procédural, alors que le cardinal Lawrence enquête sur les différents secrets et scandales que cachent certains cardinaux. Les rebondissements abondent et le film s’avère très divertissant, tout en abordant des questions éthiques et morales qui portent à réflexion. Le réalisateur Edward Berger opte pour une musique anxiogène et une direction photo sombre et atmosphérique qui suggèrent immédiatement qu’on n’est pas devant un drame poussiéreux. Il maintient par ailleurs un rythme soutenu durant les deux heures du film, en plus de brillamment diriger tous les acteurs susmentionnés, Ralph Fiennes en tête, ainsi qu’Isabella Rossellini dans le rôle d’une sœur à la présence énigmatique.

Après avoir revisité le View Askewniverse dans Jay and Silent Bob Reboot (2019) et Clerks III (2022), Kevin Smith nous offre un récit original, mais néanmoins empreint de nostalgie. Trente ans après Clerks, son premier long-métrage à microbudget inspiré du dépanneur et du club vidéo où il travaillait – qui lui ont servi de lieux de tournage – l’interprète de Silent Bob a profité du fait qu’il est propriétaire depuis quelques années de Smodcastle Cinemas (anciennement Atlantic Cinemas), un complexe de cinq écrans à Atlantic Highlands, New Jersey qu’il fréquentait durant sa jeunesse, pour y tourner un nouveau film qui est justement inspiré de cette période de sa vie. Comme Clerks, The 4:30 Movie se déroule au cours d’une seule journée, dans ce cas-ci le 25 mai 1986, et la majorité de l’action a lieu chez Atlantic Cinemas, où Brian (Austin Zajur), 16 ans, et ses amis Belly (Reed Northrup) et Burny (Nicholas Cirillo) prévoient passer la journée à se faufiler d’une salle à une autre pour voir les différents films à l’affiche sans se faire prendre par le gérant du multiplex (Ken Jeong). Comme souvent chez Kevin Smith, c’est en grande partie un film sur l’amitié masculine où les protagonistes échangent des railleries juvéniles, des gags salaces et des références geeky. À cela s’ajoute une foule de clins d’œil aux années 1980, de fausses bandes-annonces de type Grindhouse, et de nombreux caméos d’anciens collaborateurs et de proches, de Jason Mewes et Jason Lee à Justin Long et Rosario Dawson en passant par Ralph Garman et la fille du réalisateur, Harley Quinn Smith, et j’en passe. Or, l’aspect le plus réussi de The 4:30 Movie, surtout apparent au début et vers la fin du récit, est la relation entre Brian et Melody (Siena Agudong), une camarade de classe dont il est amoureux depuis près d’un an, sans avoir vraiment oser la courtiser avant ce jour-là. Les scènes de comédie romantique adolescente aux échos de John Hugues et Cameron Crowe sont charmantes comme tout. J’ai aussi apprécié le fait que c’est manifestement une œuvre très personnelle pour Kevin Smith, à propos d’un jeune cinéphile – Brian – qui ignore encore qu’il est un futur cinéaste.

Toute discussion à propos des meilleurs réalisateurs d’action du monde se doit d’inclure John Woo, qui a mis en scène plusieurs sommets du genre, dont bien sûr The Killer (1989). Il peut sembler sacrilège de produire un remake de ce qui est considéré comme un chef-d’œuvre par la plupart des observateurs, mais quand c’est Woo lui-même qui orchestre la « réinvention radicale » de son film, notre curiosité est attisée. Écrit par Brian Helgeland et Josh Campbell & Matt Stuecken, le scénario de The Killer (2024) remplace l’assassin Jeffrey par la tueuse à gages Zee (Nathalie Emmanuel) et transpose le récit de Hong Kong à Paris. À la suite d’une tuerie dans une boîte de nuit où la chanteuse américaine Jenn (Diana Silvers) perd la vue, Zee ressent le besoin de protéger cette dernière, en plus de lutter pour sa propre survie alors que se déploie une intrigue impliquant la disparition de 100 kilos d’héroïne, un prince saoudien (Saïd Taghmaoui), un caïd français (Éric Cantona) et son lieutenant (Sam Worthington), ainsi que des flics ripoux… Mais il y a au moins un policier honnête à Paris, l’inspecteur Sey (Omar Sy), que tout semble opposer à Zee, jusqu’à ce que ces deux adversaires réalisent qu’ils ont plusieurs trucs en commun et qu’ils unissent leurs forces. Cela s’apparente à la relation entre les personnages de Chow Yun-Fat et Danny Lee dans le film original, sauf qu’il y a ici un soupçon de comédie romantique dans les interactions entre les protagonistes. De même, The Killer (2024) adopte une approche plus ludique que son prédécesseur, autant au niveau du ton que du style visuel, qui inclut notamment un usage répété de split-screen et d’extrêmes gros plans. À travers les photogéniques décors parisiens, on a droit à une multitude de poursuites haletantes et de fusillades sanglantes, où l’on renoue avec plaisir avec le sens du chaos contrôlé de John Woo, qui sait exactement quand recourir aux ralentis pour accentuer l’intensité. Le tout culmine par un climax épique dans une église abandonnée, où volent les iconiques pigeons et colombes du cinéaste hongkongais au son de la musique aux accents morriconesques de Marco Beltrami.  Sans surprise, ce remake n’égale pas son inspiration, mais c’est néanmoins un très bon film d’action où Nathalie Emmanuel et Omar Sy sont à la fois charmants et badass.