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Oggi parliamo di un trick che dimostra come si stia evolvendo la comunicazione digitale soprattutto in termini di messaggistica istantanea. Le icone colorate occupano un posto d'onore tra gli elementi che utilizziamo per esprimerci tramite i messaggi, permettendoci di trasmettere emozioni, toni di voce e sfumature psicologiche in un solo tocco. Nonostante questo l'utilizzo delle stesse immagini standardizzate sta diventando ripetitivo e per rispondere a questo desiderio di originalità degli utenti, gli sviluppatori di WhatsApp hanno introdotto un'opzione innovativa che permette di inoltrare emoji modificate all'interno delle chat. Una novità che apre le porte ad una personalizzazione grafica senza precedenti e trasforma i simboli classici in creazioni uniche e sorprendenti.

La fusione creativa per dare vita a nuove espressioni

Vediamo quindi qual è il metodo per inoltrare queste emoji modificate su WhatsApp, che si basa su una tecnologia di fusione e combinazione grafica assistita.

La funzione consente di prendere due icone distinte e mescolarle tra di loro per creare una terza completamente inedita. Ad esempio, immagina di voler unire la classica faccina che piange dal ridere con l'icona del robot, oppure di mettere in mano ad una delle signorine un panino per indicare la tua fame. Il sistema la elabora tratti somatici e colori di entrambi i simboli e restituisce uno sticker unico ad alta definizione che fonde i due concetti.

Andate in una chat whats app e tenendo premuta l'emoji che volete modificare vedrete comparire la dicitura "modifica sticker". Di li si aprirà un board per la modifica

Uno strumento che espande le possibilità comunicative e permette all'utente di esprimere stati d'animo complessi o battute interne che le grafiche tradizionali non avrebbero mai potuto rappresentare in un modo altrettanto efficace.

Come utilizzare la tastiera intelligente per le combinazioni

Per inviare queste icone speciali non dovreste nemmeno installare applicazioni secondarie. In pratica la sicurezza del vostro smartphone è in una botte di ferro. Il trucco? Sta nell'utilizzare le funzionalità avanzate della tastiera nativa del vostro dispositivo. Ad esempio Gboard di Google integra perfettamente questa funzione.

Il procedimento è semplice, basta aprire una conversazione su WhatsApp e attivare il campo di inserimento testo. Li dovrete selezionare la sezione delle faccine della tastiera e scegliere due simboli consecutivi, lo spazio sovrastante mostrerà immediatamente una serie di anteprime di emoji modificate nati dall'unione dei due elementi scelti. Andando a cliccare sulla te prima preferita la potrete inviare nella chat sottoforma di adesivo pulito e dettagliato.

Step 2: nella board che si apre per la modifica potete decidere di scrivere qualcosa o aggiungere una seconda emoji per fare una combo personalizzata che sarà poi solo vostra

Un'altra strada per le vostre emoji modificate e quella di sfruttare il sistema di creazione degli Avatar integrato all'interno delle impostazioni ufficiali di WhatsApp. Una funzione che permette di modellare un personaggio digitale tridimensionale che ricalca le vostre fattezze. L'app genererà automaticamente un intero pacchetto di adesivi personalizzati.

Il futuro della comunicazione visiva nelle chat con le emoji modificate

L'aver introdotto le emoji modificate che hanno così tanto successo testimonia come la scrittura digitale stia cercando forme di espressione sempre più vicine al linguaggio del corpo e della mimica facciale.

Gli utenti non si accontentano più di pacchetti grafici preconfezionati ma cercano degli strumenti dinamici per distinguersi e intrattenere coloro con cui intrattengono conversazioni digitali. Imparare a padroneggiare queste funzionalità di modifica vi permetterà dunque di dare un tocco di freschezza e ironia alle vostre chat quotidiane.

Asfalto taglia l'arido del deserto dell'ovest americano. Un luogo in cui il tempo sembra essersi fermato di colpo. Stiamo parlando di Seligman, una piccola comunità situata nella parte nord-occidentale dello stato dell'Arizona, negli Stati Uniti. Posizionata nella contea di Yavapai, a circa cento miglia dal celebre parco nazionale del Grand Canyon, questa cittadina conta oggi poche centinaia di residenti e si presenta agli occhi dei viaggiatori come un museo a cielo aperto dell'America degli anni cinquanta. Dimensioni ridotte e un destino che stava per portarla all’essere considerata una città fantasma, finché la Pixar non ha deciso di ispirarsi a questo luogo per creare il suo celebre capolavoro di animazione Cars.

La parabola storica della Madre Strada e l'isolamento improvviso

Per capire il fascino di Seligman è necessario fare un passo indietro nel tempo, all'epoca d'oro della Route 66, la prima grande autostrada transcontinentale che collegava Chicago a Santa Monica.

Questa strada storica e magica è stata inaugurata a metà degli anni '20. Divenne l'altare pulsante dell'economia americana. Non a caso Seligman si trasformò rapidamente in una tappa d'obbligo per gli automobilisti, i camionisti e le famiglie in cerca di cibo, carburante e alloggio.

Le strade di tutto il paese erano tribù di insegna al neon, motel tra vacanti e stazioni di servizio fronte ad offrire la tipica ospitalità della provincia americana. Questo idillio economico però si interruppe nel 1978. In quell'anno in cui la nuova è più interessante Interstate 40 divenne la via più moderna e veloce per bypassare i centri abitati della Route 66.

Uno scatto della famosa città sulla Route 66 che ha ispirato al Pixar

Perché allora oggi questa città è tornata così in voga? Nonostante stesse per diventare una città fantasma e gli abitanti attualmente presenti siano veramente pochi questa città ha un legame profondo con un capolavoro della Pixar: Cars. La dolorosa ma romantica vicenda di questa storica cittadina ha infatti catturato l'immaginazione dei registi e degli sceneggiatori della Pixar ed è diventata fonte di ispirazione per la creazione di Radior Springs, la cittadina fittizia dove si svolgono le avventure di Saetta McQueen.

Le storie commoventi raccontate dalla Porsche Sally descrivono la lenta e felice vita della città. Vita interrotta dalla grande autostrada che l'ha tagliata fuori dal mondo. Una storia che ricalca perfettamente il dramma vissuto degli abitanti di Seligman. Ma c'è di più. Si, perché i creatori del film si sono basati sulle figure storiche di questo paese per dare vita ai vari personaggi. Il più famoso è sicuramente il barbiere del villaggio, Angel Delgadillo. Delgadillo con la sua lotta instancabile per non far morire la memoria della sua terra hai spirato l'anima e lo spirito comunitario che caratterizzano gli abitanti di Radiator Springs.

Perché i viaggiatori continuano a visitarla oggi

Una città semideserta, ma non morta, piuttosto andrebbe definita risorta sottoforma di meta di culto per gli amanti del turismo nostalgico del vintage. Il merito sicuramente della tenacia dei residenti rimasti che sono riusciti a far dichiarare la vecchia Route 66 come strada storica dell'Arizona, dando inizio ad un fenomeno di rinascita culturale.

Una mappa di Radiator Springs che corrisponde a Seligman in Arizona

Chi visita Seligman lo fa perché è uno dei pochi luoghi in cui è possibile vivere l'esperienza originale del viaggio su strada di metà novecento. Gli appassionati di animazione la frequentano invece per vedere dal vivo ciò che ha dato vita ad uno dei loro capolavori animati preferiti.

Cosa vedere e cosa fare durante una sosta a Seligman

Una sorta di fenomeno di marketing che oggi si traduce in una ricca passeggiata di stimoli visivi e fotografici lungo la via principale della città. Tornando ad Angel Delgadillo, ad esempio, il suo Barber shop sicuramente è una delle tappe imperdibili per un turista, il che dimostra anche come spesso il raccontare una storia sfruttando neanche tutte le sue sfaccettature e modifiche possa aiutare a rientrare sul mercato.

Se state cercando qualche modo nuovo per migliorare l'estetica delle vostre storie di Instagram questo articolo fa per voi. Oggi infatti dimostriamo come mantenere un alto coinvolgimento degli utenti e offrire strumenti grafici sempre freschi semplicemente utilizzando le novità tastiera presenti nelle vostre storie. Avrete infatti a disposizione un nuovo livello di personalizzazione stilistica che vi permette di trasformare non soltanto le parole, ma anche gli elementi visivi più comuni in veri e propri dettagli di Design.

Il restyling grafico e l'accesso rapido ai nuovi stili

Primo cambiamento da evidenziare che è stato introdotto con questo aggiornamento del social riguarda la fluidità dell'interfaccia utente. Quando aprite lo strumento di testo all'interno di una storia, vi ritrovate a disposizione degli elementi tutti i nuovi e ora disposti in modalità più ordinata e intuitiva.

Le novità tastiera in questione riguardano l'aver eliminato la necessità di scorrere infiniti minuti nascosti per trovare lo stile grafico perfetto. Adesso ci sono i selettori di caratteri organizzati su una barra dinamica posizionata subito sopra la tastiera il dispositivo, che consentono di testare in tempo reale l'effetto di ogni singolo font sia sulle lettere che sui simboli.

Ecco tutte le cose che potete fare ora nelle vostre storie IG

Un nuovo flusso di lavoro velocizzato che incoraggia la sperimentazione visiva e spinge gli utenti a combinare stili diversi all'interno di una stessa schermata. L'obiettivo è spezzare la monotonia visiva e catturare l'attenzione del pubblico nei primi millisecondi di visualizzazione.

La metamorfosi visiva: applicare i font tipografici alle emoji

Altra perla di questo aggiornamento è la possibilità di modificare l'aspetto delle classiche icone gialle e dei simboli grafici. Se fino ad oggi inserendo una faccina, un cuore una stella, l'aspetto dell'icona rimaneva identico e standardizzato, grazie alle recenti novità tastiera l'applicazione dei fondi tipografici si estende anche al mondo delle emoji.

Potrete selezionare i caratteri dello stile retrò, neon, moderno o graffiato e le icone cambieranno forma, textoure e ombreggiatura. Un semplice cuore potrebbe trasformarsi e dunque non elemento pixellato dal sapore vintage o in un simbolo luminoso e vibrante, o ancora in un'icona minimalista in bianco e nero.

Instagram aggiorna costantemente l'algoritmo delle sue stories

Sperimentate e divertitevi cercando di aprire scenari creativi tutti nuovi e completamente inediti per la composizione grafica delle vostre Stories che attirano l'attenzione dei vostri followers.

Animazioni cinetiche per scritte e simboli in movimento

Vediamo ora come la bacheca di inserimento offre un controllo totale sull'animazione di testo. Ogni fonte disponibile è associata ad un movimento cinetico specifico che rispecchia la personalità del carattere stesso. Se attiverete l'opzione di movimento tramite l'icona dedicata sulla tastiera, le parole le icone modificate prenderanno vita sullo schermo.

Un dinamismo visivo che diventa fondamentale per dare ritmo alle storie, trasformando un semplice messaggio scritto in una sorta di micro video accattivante che trattiene l'utente sulla schermata migliorando le metriche di interazione del profilo.

Call of Duty Modern Warfare 4 torna questo autunno, una delle serie in prima persona più longeve e amate di sempre sta arrivando. Sappiamo per certo che si tratta del sequel diretto di Modern Warfare 3, non di un remake o una rivisitazione. Sarà un capitolo completamente nuovo, ma con personaggi a noi già noti e con l'aggiunta di alcuni volti nuovi. Modern Warfare 4 uscirà il 23 ottobre 2026. In questo articolo vi raccontiamo tutto quello che sappiamo su questo gioco e qualche curiosità scovata in rete.

Call of Duty Modern Warfare 4: cosa sappiamo

Quali sono le piattaforme dove poter giocare a questo titolo? COD: MW4 verrà lanciato su PS5, Xbox Series X/S, PC e, per la prima volta nella storia del franchise, su Nintendo Switch 2. Purtroppo questo titolo non uscirà sulla PS4, ormai si punta solo su next-gen, la nostra PlayStation da battaglia è troppo "vecchia" per questo gioco. Warzone abbandonerà anche PS4 e Xbox One dopo il lancio di MW4 a ottobre. Dopo tale data, non sarà più giocabile su queste console di vecchia generazione. Il gioco avrà anche una campagna per giocatore singolo. E puoi giocarci offline e persino metterlo in pausa. Modern Warfare 4 porta la serie in Corea del Sud. I giocatori vestiranno i panni del soldato semplice Park. Un fante di una piccola squadra di stanza in Corea del Sud, quando la Corea del Nord invade il paese. Questo dà il via alla storia principale della campagna, che permette anche ai giocatori di assumere il ruolo del Capitano Price, impegnato a dare la caccia al suo arcinemico e a cercare di salvare la situazione. E potrai giocare alcune missioni come soldato nordcoreano, osservando il conflitto dall'altra parte.

Ci sarà la campagna single player e sarà giocabile anche offline.

Quali sono le novità di questo nuovo gioco?

La prima tra tutte: l'ambientazione in Corea del Sud. Poi, per quanto riguarda la modalità giocatore singolo, Activision e lo sviluppatore Infinity Ward hanno chiarito che la campagna di MW4 non avrà come protagonisti super soldati o spie delle forze speciali. Al contrario, giocherete per gran parte del tempo nei panni di un semplice soldato che cerca di sopravvivere. Questo dovrebbe rendere l'esperienza più realistica e in linea con la tradizione dei capitoli precedenti della serie. Per quanto riguarda il multiplayer, i cambiamenti più significativi riguarderanno il movimento e il combattimento con le armi. I giocatori potranno ora arrampicarsi e poi appendersi o scivolare lungo i bordi, come le sporgenze degli edifici o i container. Quindi, sarà possibile saltare su una sporgenza, appendersi, sparare ad alcuni nemici mentre si è sospesi e poi saltare giù o persino scivolare lungo un palo vicino. Un altro grande cambiamento riguarda il rendering del mondo di gioco, con un campo visivo più ampio che rende MW4 più simile a uno sparatutto con telecamera corporea. Anche il tiro senza mirare subirà importanti modifiche che lo renderanno meno casuale e più realistico.

Il gameplay sarà più realistico e meno casuale.

Parliamo delle mappe in Call of Duty Modern Warfare 4

Giphy è la dimostrazione che anche una cosa piccina come una GIF può diventare un'opera d'arte ed essere esposta in un museo per essere ammirata. La GIPHY Gallery non solo mette in luce la diversità degli artisti GIF contemporanei, presentando opere come le creazioni surreali di Sholim ispirate agli anni '90, le immagini steampunk di Aleksey Efremov e i design futuristici di Sam Rolfe, ma sottolinea anche l'importanza di preservare la cultura digitale. Collaborando con MoMG, che ospita quasi 100.000 GIF un tempo a rischio di scomparire, GIPHY archivia la storia e al contempo fa progredire questo mezzo espressivo.

Una mostra unica e immersiva sulle GIF.

Giphy e il Museum of Modern GIFs

A quasi 40 anni di distanza dalla loro creazione, l'evoluzione delle GIF è stata notevole. Il 5 settembre, in occasione della Giornata Nazionale delle GIF, GIPHY ha inaugurato la GIPHY Gallery, una mostra virtuale curata con oltre 250 GIF originali create da più di 75 artisti. La collezione, realizzata in collaborazione con l'artista digitale e fondatore del Museum of Modern GIFs (MoMG) Daniel Murray, fonde la nostalgia dei primi tempi di internet con la creatività moderna, affermando le GIF come un mezzo artistico a tutti gli effetti. La Giphy Gallery è stata inaugurata con una mostra immersiva di una sola notte. Il lancio è stato celebrato con un evento immersivo di una sola notte presso i Lume Studios di SoHo, dove gli ospiti hanno potuto ammirare in anteprima l'intera galleria digitale in un ambiente interattivo. Gli ospiti sono stati accolti in uno spazio multisensoriale dove le pareti si animavano con animazioni in loop. Che hanno trasformato il luogo in un museo vivente della cultura di internet. Il pannello immersivo di GIF ha illuminato lo studio, con opere di spicco come il richiamo surrealista agli anni '90 di Sholim, le visioni di ispirazione steampunk di Aleksey Efremov e i paesaggi digitali futuristici di Sam Rolfe. I cocktail speciali venivano serviti mentre delle postazioni a quiz mettevano alla prova la conoscenza degli ospiti sulla storia delle GIF, dalla primissima GIF (un aereo pixelato del 1987) alle reazioni in loop più condivise dell'era dei social media. Gli ospiti hanno anche potuto divertirsi con dei momenti fotografici pensati per far sentire tutti come se fossero appena usciti da una GIF.

Dopotutto anche le GIF sono forme d'arte.

L'intervista a Menzel

"C'è una sorta di nostalgia per un internet che era più un Far West, più creativo", ha dichiarato Menzel a The Art Newspaper. "Non so voi, ma io ho imparato a programmare creando la mia pagina MySpace. Piattaforme come AngelFire e GeoCities permettevano di personalizzare davvero i contenuti. Le GIF, come mezzo espressivo, ci ricordano l'infanzia e i luoghi di internet dove potevamo essere dei veri creatori. Luoghi dove potevamo lasciare la nostra impronta personale." Menzel parla anche di come le GIF siano diventate una seconda natura per gli utenti di internet in tutto il mondo, rendendole una modalità di espressione artistica particolarmente prolifica. "Giphy esiste da 12 anni ormai", afferma. "Abbiamo assistito a una vera e propria diffusione delle GIF nel mainstream: abbiamo integrazioni in tutte le principali app di messaggistica e le GIF hanno una reale utilità. Sono diventate un vero e proprio linguaggio, uno strumento per esprimersi. La Giphy Gallery non offre necessariamente contenuti da condividere nella chat di famiglia, è qualcosa di più complesso.  Si tratta di un utilizzo di questo formato che può essere folle, selvaggio e interessante." 

Vediamo se ricordate questa GIF.

Come si crea una GIF?

Directive 8020 è un videogioco horror fantascientifico, il quinto capitolo della Dark pictures Anthology sviluppato da Supermassive Games. Ti porterà in un'avventura spaventosamente emozionante nello spazio alla ricerca di orrori lovecraftiani. Svelato per la prima volta nel 2022 con un teaser post-credits alla fine di The Devil in Me, sarà il quinto capitolo della serie antologica Dark Pictures e segna il debutto di Supermassive Games nello spazio. Sembra fortemente influenzato da classici dell'horror come The Thing e Prometheus. 

Directive 8020: il gioco è uscito il 12 maggio 2026

Il gioco è in fase di sviluppo da oltre tre anni, con la produzione completa che è iniziata dopo il lancio di The Devil in Me alla fine del 2022. I tempi di attesa tra i precedenti capitoli di Dark Pictures erano notevolmente più brevi, ma Directive 8020 è pensato per dare inizio alla seconda stagione della serie antologica e introdurre un approccio più ambizioso al gameplay in tempo reale. Oltre al passaggio all'Unreal Engine 5, il che spiega perché Supermassive si stia prendendo più tempo per questo titolo. Il gioco è stato rilasciato ufficialmente lo scorso 12 maggio 2026. È confermata l'uscita di Directive 8020 su PC ( Steam ), Xbox Series X|S e PS5.

Il gioco è molto immersivo, sembra di stare vivendo dentro un film paranoico e spaventoso.

Il pre-ordine ha portato dei contenuti aggiuntivi

Directive 8020, e la seconda stagione di The Dark Pictures Anthology nel suo complesso, abbandonerà la generazione precedente di console per approdare finalmente su Unreal Engine 5. Che permette di ottenere dettagli visivi più densi e un'illuminazione migliorata per personaggi, oggetti e ambientazioni. Ma anche strutture di livello e design di gioco complessivamente molto più complessi. Ciò significa che non sarà disponibile per Xbox One o PS4. Chi ha acquistato in anticipo ha ricevuto un upgrade gratuito all'edizione digitale deluxe, che include: - Pacchetto di abiti The Dark Pictures - Oggetti da collezione di The Dark Pictures - Pacchetto di filtri cinematografici - Colonna sonora digitale - Artbook digitale

Curiosità

Il primo trailer di Directive 8020 è stato pubblicato il 20 agosto 2024, durante la Gamescom 2024, e ha presentato sia il protagonista del gioco che la premessa di base. Insieme ad un'atmosfera abbastanza inquietante. Alla Gamescom 2025 abbiamo rivisto il gioco con il trailer "Trust No One", che ci ha fornito maggiori informazioni sulle pericolose creature aliene che dovremo affrontare e sulla paranoia che si diffonde tra l'equipaggio. Il 10 febbraio 2026 è stato pubblicato un trailer per il preordine, in concomitanza con l'annuncio della data di uscita. Se volete provarlo, prima di pensare ad un possibile acquisto, potete giocare gratis alla demo sulla PS5.

Le ambientazioni sono pazzesche e dall'atmosfera inquietante.

La storia di Directive 8020

Direttamente da Supermassive Games e dal distributore fisico Bandai Namco, ecco la sinossi ufficiale della trama di Directive 8020: "Braccati da un organismo alieno capace di mimetizzarsi con le sue prede, l'equipaggio della Cassiopea deve superare in astuzia i suoi inseguitori per tornare a casa sani e salvi. Per aiutarli a sopravvivere, le scelte che farai saranno più importanti che mai! Evita minacce in tempo reale dove ogni passo potrebbe essere l'ultimo. Decidi di chi fidarti in un mondo in cui chiunque potrebbe essere un letale impostore alieno." In passato, gli sviluppatori hanno descritto il nuovo gioco come "La Cosa nello spazio profondo", il che indica che lo studio non nasconde le proprie influenze, anzi le ignora, rifacendosi ai film horror spaziali che tutti conosciamo e amiamo. Per quanto riguarda l'ambientazione, il luogo principale è Tau Ceti f , un esopianeta realmente esistente nel sistema stellare di Tau Ceti.

Parliamo del destino della Terra nel gioco

In un'intervista con FandomWire, abbiamo appreso che nella linea temporale del gioco, la Terra sta morendo. E la Cassiopea è una nave da ricognizione inviata per esplorare potenziali nuove case per l'umanità. "Naturalmente, trattandosi di una storia di Supermassive Games, le cose non vanno secondo i piani e il vostro equipaggio finisce per schiantarsi. È qui che la loro esperienza, i loro rapporti e la fiducia reciproca vengono messi davvero alla prova." Il direttore creativo Will Doyle ha anche anticipato che tutti i personaggi possono morire e che la storia si svilupperà in modo simile a quanto accaduto nei precedenti titoli di Dark Pictures.

Questo gioco è la prima avventura sullo spazio della Supermassive Games per questa antologia.

I protagonisti e il gameplay

Sougwen Chung parla della sua pratica basata sulla tecnologia, l'artista sino-canadese spiega il pensiero che sta alla base del corpus di opere che presenta ad Art Basel Hong Kong. Una mostra davvero molto interessante che apre il dialogo su una possibile collaborazione tra uomo e macchina e su cosa ne può scaturire. L'artista presenta nuove opere nell'ambito della sezione Zero 10, la prima edizione di Art Basel Hong Kong., dedicata all'arte dell'era digitale. Il suo pezzo forte, Recursion 0, è un rotolo di 10 metri creato con l'aiuto di dati sulle onde cerebrali, che verrà completato dal vivo in fiera. Scopriamo insieme le particolarità della sua arte e quali sono le sue opere più apprezzate.

L'arte del futuro sarà in collaborazione tra uomo e macchina?

Sougwen Chung: l'artista che crea con l'aiuto della tecnologia

Durante un'intervista di Peter Bauman ha dichiarato: "Ultimamente ho riflettuto su come l'arte riveli i segnali premonitori. Quando ho iniziato a sviluppare il concetto di collaborazione uomo-macchina era il 2015, anni prima che l'attuale ondata di intelligenza artificiale generativa entrasse nella coscienza collettiva. L'idea nasceva da ricerche nel campo delle neuroscienze, della visione artificiale e dell'interazione uomo-computer (HCI). Ma "interazione" mi sembrava insufficiente, troppo transazionale. "Collaborazione" mi sembrava più appropriata. Nella collaborazione c'è sempre un cambiamento. Uno scambio reciproco. Una promessa. Un pericolo. Implica un rischio relazionale, un intreccio: una sorta di (ex)cambiamento." Questo scambio dinamico è ciò che sta alla base della serie DOUG (Drawing Operations Unit: Generation). DOUG abbraccia ormai diverse generazioni ed è stata presentata ovunque, dal Victoria and Albert Museum di Londra (dove l'opera è entrata a far parte della collezione permanente) e il National Art Center di Tokyo al World Economic Forum di Davos.

Chung è una delle "donne del prossimo futuro"

Una condivisione tra uomo e macchina: il pensiero dell'artista

Forse è per questo che l'opera spesso suggerisce una condivisione di agenzia creativa tra uomo e macchina. Chung è attratta da questa idea di agenzia creativa, dal suo significato attuale, da come viene concessa o revocata. È una questione di paternità e valore, ma anche di occultamento e cancellazione. Cosa dice di noi il nostro desiderio, o il nostro rifiuto, di attribuire la paternità a una macchina?

Il suo interesse non è mai stato quello di sostituire la collaborazione umana, ma di mettere in discussione le nostre convinzioni su cosa siano le macchine e cosa gli esseri umani possano diventare attraverso di esse. Con ogni iterazione di DOUG, esploro la temporalità e l'incarnazione attraverso corpi meccanici, sistemi, sensori e dati. L'esperienza umana sfida la computazione, eppure può essere espressa in modi nuovi attraverso questi strumenti.

Il processo stesso è lo spazio tra le categorie. "Umano" e "macchina" come categorie. Il "tra" come pratica creativa. Questo spazio relazionale si è rivelato socio-tecnicamente preveggente. Viviamo ormai in un mondo di mediazione ibrida. In ogni generazione di DOUG, rifletto sui temi dell'imitazione, della memoria, della spettralità, della molteplicità, dell'assemblaggio, della spazialità, della ricorsività. Questi sistemi sono diventati specchi che a volte distorcono, a volte chiariscono. Un modo per entrare in sintonia con ritmi diversi: urbano, gestuale, interiore.

L'artista che lavora con AI e robot. Crediti immagine: Sougwen Chung

Come crea Sougwen Chung

Il feedback che lei riceve dalla macchina non è verbale o emotivo, come potrebbe esserlo da un collaboratore umano. È un ciclo di feedback che si incarna in modo diverso, ritmico, ricorsivo. Disegna utilizzando decenni di dati sui miei movimenti o crea mappature propriocettive attivate dalle onde alfa. Questi sistemi non possiedono un'azione in senso mistico, ma riflettono la nostra: le nostre scelte, i nostri pregiudizi, le nostre conoscenze. Ha iniziato a vederli come noi stessi in un'altra forma.

Per creare una macchina collaboratrice, ha dovuto diventare leggibile dalla macchina. È un paradosso: per andare oltre il sé, ha dovuto quantificare rigorosamente il sé. È una contraddizione, una tensione esistenziale che è diventata una condizione universale, centrale per il suo lavoro e per il nostro più ampio rapporto con la tecnologia. È una tensione che ha esplorato nel suo TED talk, "Perché disegno con i robot". E che l'ha portata a essere inclusa nella prima lista Time100 AI di Time. Nel 2023, si è giunti alla consapevolezza che la questione dell'interazione creativa tra uomo e macchina si è spostata dai margini al centro del discorso culturale.

L’Olanda celebra Van Gogh con una pista ciclabile ispirata a La notte stellata, puntellata di tante pietre luminose, che ci accompagnano lungo la provincia olandese dove è nato l’artista.

Van Gogh Path

C’è un posto dove possiamo passeggiare in bicicletta come se fossimo all’interno di un quadro di Van Gogh.

Van Gogh Path Ci troviamo a Nuenen, vicino a Eindhoven, in Olanda. Il percorso ciclabile in questione è lungo 335 chilometri e tocca alcuni dei luoghi più importanti della vita dell’artista olandese. La pista ciclabile collega diverse località del Noord Brabant, la provincia olandese che ha visto i natali di Van Gogh e dove l’artista ha trascorso la maggior parte della sua vita. In occasione del Van Gogh 2015 International Theme year, dedicato ai 125 anni della scomparsa del pittore olandese, una parte del percorso è stato illuminato da migliaia di pietra scintillanti, traendo ispirazione da La notte stellata. La creazione è opera del designer olandese Daan Roosegaarde, in collaborazione con Heijmans Infrastructure. Il percorso in questione è lungo circa un chilometro ed è illuminato da migliaia di pietre scintillanti con tecnologia glow in the dark e luci a led ad energia solare. Il tutto è assolutamente ecosostenibile. Le pietre, infatti, assorbono l’energia luminosa dal sole durante la giornata, per poi rilasciarla al calare del sole, creando uno spettacolo meraviglioso che ricorda il dipinto del pittore olandese.

La notte stellata di Van Gogh

La notte stellata è uno dei dipinti più celeri dell’artista olandese. Van Gogh la dipinse nel giugno del 1889, durante il suo ricovero nell’ospedale psichiatrico di Saint Remy de Provence, nel sud della Francia.

La notte stellata Il dipinto rappresenta un cielo notturno, illuminato da stelle vorticose e dinamiche. Le nubi si avvolgono in spirali, le stelle e la luna brillano come tante sfere di luce. Nel dipinto notiamo anche un grande cipresso ergersi sulla sinistra. Van Gogh lo posiziona lì, come collegamento tra la terra e il cielo. In basso vediamo un piccolo villaggio immaginario, ispirato a Saint Remy de Provence, mentre le colline sullo sfondo si muovono a onde. Attualmente il dipinto è conservato al MOMA di New York.

Studio Roosegaarde

A realizzare la pista ciclabile ispirato a La notte stellata di Van Gogh è stato lo studio Roosegaarde.

Van Gogh Path Lo studio, con sede a Rotterdam, è un laboratorio di design sociale, dove Daan Roosegaarde e il suo team realizzano installazioni urbane volte a migliorare la vita quotidiana e stimolare l’immaginazione. Il motto dello studio è Schoonheid, una parola olandese con due diversi significati: bellezza e pulito. Entrambi gli elementi dovrebbero essere elementi fondamentali della nostra vita quotidiana. “Dobbiamo prima immaginare un futuro migliore, e solo allora potremo crearlo. Le persone non cambieranno per via dei numeri. Ma se riusciamo a suscitare la curiosità per un mondo migliore, è così che si attivano le persone. Non credo nell’utopia, ma nella protopia: migliorare il mondo che ci circonda passo dopo passo” – Daan Roosegaarde.

Altri progetti dello Studio Roosegaarde

Google svela Suncatcher, un incredibile progetto che prevede di realizzare dei data center orbitanti da lanciare nello spazio. Scopriamolo insieme.

Il problema

Siamo partiti da un problema che in questo momento sta diventando via via sempre più incombente: le intelligenze artificiali richiedono capacità computazionali sempre maggiori, causando un consumo energetico insostenibile.

Suncatcher Attività come l’addestramento delle intelligenze artificiali o il raffreddamento dei data center richiedono quantità di energia davvero molto elevate. Le AI hanno un impatto ambientale che non possiamo sottovalutare e per questo si cercano soluzioni a riguardo. Google ha recentemente presentato la sua possibile soluzione al problema: Suncatcher.

Il progetto Suncatcher

Suncatcher al momento è un progetto fin troppo ambizioso, che richiederebbe tecnologie all’avanguardia e che presenta diverse limitazioni che al momento sono difficili da superare. Tuttavia, se fosse realizzabile esso potrebbe in parte risolvere il problema di cui parlavamo. Google ha quindi presentato quello che al momento è un bellissimo sogno nel cassetto, ma che speriamo possa in qualche modo diventare realtà. Il progetto Suncatcher prevede costellazioni di satelliti a energia solare, i quali porterebbero nello spazio e alimenterebbero a energia solare, appunto, i chip di Google per l’intelligenza artificiale. L’idea è quella di superare i limiti terrestri e di sfruttare quella che, in realtà, è un’energia infinita e completamente pulita: l’energia del sole.

Come funzionerebbe

All’interno dei satelliti, Google vuole inviare nello spazio i suoi TPU (Tensor Processing Unit), i chip per l’accelerazione dell’elaborazione dei modelli AI.

Suncatcher La costellazione di satelliti volerebbe in formazione, mantenendo così le comunicazioni a banda larga e a bassa latenza, attraverso collegamenti ottici. Sebbene il progetto presenta alcune difficoltà da superare, Google vuole lanciare il primo prototipo nel 2027. Si tratterebbe solamente di una coppia di satelliti che Big G utilizzerà per testare l’hardware, i collegamenti ottici e la resistenza alle radiazioni.

I problemi da superare

La sfida principale che dovrà affrontare l’intero progetto è la comunicazione inter stellare. Riuscire a eguagliare la potenza delle comunicazioni terrestri sarà davvero difficile. Per riuscirci i satelliti dovrebbero avere bisogno di connessioni nell’ordine delle decine di terabit al secondo. Ed è proprio per questo motivo che, come dicevamo, Google pensa di far volare i satelliti in formazioni strette. C’è poi il problema della sopravvivenza delle TPU nello spazio. Secondo Google, le proprie TPU saranno in grado di sopravvivere a una certa dose di radiazione per 5 anni, senza subire danni permanenti. Infine, c’è il costo che potrebbe diventare il problema più grande di tutti. Per creare la costellazione Google dovrà affidarsi a Space X, la quale dovrà effettuare almeno 1800 lanci.

Suncatcher: vantaggi e svantaggi

Human Operator è il dispositivo sviluppato dagli studenti del MIT che utilizza l’intelligenza artificiale e la stimolazione muscolare per muovere la tua mano. Scopriamolo insieme. “We gave AI a body”

Il progetto del MIT

Il dispositivo indossabile è attualmente solamente un prototipo, sviluppato da un team di studenti del MIT in 48 ore, durante un hackathon. Un hackathon è, infatti, una maratona creativa e collaborativa, durante la quale diversi team si sfidano tra di loro per sviluppare, in un tempo limitato, un prototipo pensato per un problema specifico.

Human operator È proprio il caso di Human Operator, che ha partecipato e vinto al hackathon MIT Hard mode 2026, grazie a un formidabile team di 6 studenti dell’ateneo. Il team è così composto: Peter He, Ashley Neall, Valdemar Danry, Daniel Kaijzer, Yutong Wu e Sean Lewis. Human Operator integra modelli di intelligenza artificiale, telecamere e hardware per la stimolazione muscolare. “Human operator è un prototipo. Non è un dispositivo medico né un prodotto di consumo. I sistemi EMS possono essere pericolosi se utilizzati in modo improprio e richiedono calibrazione, cautela e consenso informato”.

Cos’è Human Operator

“Human operator è uno strumento di potenziamento umano che consente all’intelligenza artificiale di assumere brevemente il controllo del tuo corpo per aiutarti ad apprendere o a svolgere attività che altrimenti non saresti in grado di fare”. Il dispositivo guida la nostra mano, grazie agli input dell’intelligenza artificiale e agli impulsi della stimolazione muscolare. Nel video dimostrativo si vede il dispositivo guidare le mani delle persone che lo indossano per salutare, fare il gesto dell’ok e, addirittura, suonare alcune note al pianoforte.

Come funziona

Il team ha spiegato il funzionamento del dispositivo nello specifico. Grazie a un sistema di telecamere e a un modello visione linguaggio, esso analizza l’ambiente e trasforma i comandi vocali dell’utente in azioni, stimolando i muscoli del braccio dell’utente.

Human operator I modelli VLM (modello visione linguaggio) sono sistemi di intelligenza artificiale addestrati per elaborare le immagini e il linguaggio in modo integrato. Siccome Human Operator integra uno di questi modelli VLM, esso è in grado di interpretare le richieste vocali dell’utente e analizzare ciò che vede nell’ambiente circostante attraverso la telecamera. Una volta analizzate le diverse informazioni il dispositivo sceglie quali azioni compiere. Il dispositivo indossabile dispone di una serie di cuscinetti per la stimolazione elettrica muscolare (EMS), applicati al polso e all’avambraccio. Gli stimoli elettrici guidano il braccio e la mano dell’utente nei movimenti.

A cosa serve Human Operator

Al momento il modello è solo un prototipo realizzato per l’hackathon, ma ciò che lo rende davvero convincente è il fatto che sia costituito da tecnologie già ampiamente utilizzate ed avanzate. L’EMS è già ampiamente utilizzata nella terapia e nell’allenamento atletico per aiutare nella riabilitazione. E anche i modelli VLM sono già un modello di intelligenza artificiale all’avanguardia e ampiamente utilizzato. Nel concreto Human operator è stato pensato come un dispositivo in grado di aiutare nei movimenti precisi, per un apprendimento istantaneo di attività complesse, come suonare uno strumento musicale, tracciare disegni o compiere gesti tecnici. Esso può, inoltre, essere impiegato nella riabilitazione e nella fisioterapia, per assistere i pazienti nel compiere i corretti movimenti durante le sessioni di recupero motorio.

Human Autonomy Teaming

Mademoiselle Maurice è un’artista francese che, dopo un periodo trascorso a Tokyo, si specializza nell’arte dell’origami e oggi incanta con le sue incredibili opere di carta.

Chi è Mademoiselle Maurice

Mademoiselle Maurice è un’artista francese, nata e cresciuta sulle montagne dell’Alta Savoia. Studia architettura a Lione, per poi trasferirsi a Ginevra e poi a Marsiglia.

Mademoiselle Maurice Dopo queste esperienze decide di partire per il Giappone, dove si stabilisce per un anno, prima di ritornare in Francia, dove attualmente vive e lavora. Maurice vive tra Parigi e Marsiglia, dove sviluppa e crea le sue opere colorate e dinamiche.

Da Parigi a Tokyo

È proprio dall’esperienza di vita a Tokyo che nascono le opere dell’artista francese. Qui non solo apprende l’arte dell’origami, ma sviluppa anche un profondo legame con il paese del Sol Levante e, in particolar modo con alcuni eventi che hanno segnato il Giappone. Le sue prime opere sono state composte in memoria dei tragici eventi dell’11 marzo del 2011 (terremoto, tsunami e disastro della centrale nucleare di Fukushima). Le sue opere sono basate sulla leggenda delle 1000 gru e sulla storia di Sadako, una bambina che ha vissuto la tragedia di Hiroshima.

L’arte dell’origami

L’origami è l’antica arte giapponese di piegare la carta, per creare figure bidimensionali e tridimensionali. Il termine origami deriva dalle parole oru (piegare) e kami (carta). L’arte dell’origami prevede l’utilizzo di un singolo foglio di carta e non è consentito l’utilizzo di forbici e colla.

Mademoiselle Maurice Quest’arte non è semplicemente un hobby o un passatempo, nella cultura giapponese esso è legato a qualcosa di molto più profondo. Gli aspetti fondamentali di questa disciplina sono: - Pazienza e concentrazione: per creare le opere di carta occorre calma e concentrazione, trasformando questa pratica in un’attività di mindfullness. - Rispetto dei materiali: il foglio di carta non viene compromesso in alcun modo, non viene tagliato né alterato, ma né vengono esaltate al massimo livello le sue potenzialità. - Sacro: gli origami sono legati alla religione shintoista, dove la carta veniva un tempo considerata sacra.

Le opere di Mademoiselle Maurice

Le opere di Mademoiselle Maurice non si limitano a ricreare piccole gru di carta. Esse utilizzano il riciclo come forma d’arte e, oltre alla carta, l’artista utilizza vernici, metalli, fili.

Mademoiselle Maurice Le opere vengono esposte in giro per la città, colorate e vivaci, spezzando il grigiore dell’ambiente urbano. Sebbene queste opere sembrano leggere e vivaci, il cui scopo principale è quello di portare allegria e positività, il lavoro dell’artista è, in realtà, anche una profonda analisi interiore sulla natura umana e sul rapporto tra gli esseri umani e l’ambiente circostante. Le sue installazioni sono per lo più grandi opere urbane di street art, le quali coprono intere facciate di edifici e spazi pubblici. Spesso l’artista coinvolge le comunità locali, per realizzare le sue opere più grandi. In questo modo scuole o centri di accoglienza si ritrovano a piegare decine di migliaia di piccoli origami, diventando parte integrante dell’opera e di un progetto più grande di inclusione e comunità.

Le installazioni più famose

Kusan: City of Wolves è uno sparatutto hardcore con visuale dall'alto che fonde combattimenti tattici serrati, una narrazione neo-noir e una città pericolosa quanto i suoi abitanti. Combatti contro bande di spacciatori, soldati corrotti e sensitivi con secondi fini. È un gioco violento, ma che si concentra su tempismo, movimento ed efficienza, senza prendersi troppo sul serio nella sua storia cyberpunk antropomorfa. Vestirai i panni di Jin, una pantera veterana delle forze speciali, segnata dalle cicatrici, richiamata in servizio per proteggere una potente psichica di 11 anni dal Sindacato Lunare in rivolta. Potrete giocarci dal 30 luglio 2026 su: PC, PS5, Xbox One e Xbox X|S. 

Kusan City of Wolves: senza esclusione di colpi

Armato di un pugno cibernetico, un coltello da lancio tecnologicamente avanzato e una semplice pistola, dovrai farti strada tra stanze piene di nemici senza subire un solo colpo. Alcuni nemici possono solo colpirti con pugni, mentre altri sparano da una distanza maggiore, rilasciando munizioni una volta eliminati. Avanzando nelle stanze, guadagnerai dardi in base alla velocità con cui elimini i nemici e all'accumulo di combo. Questi dardi offrono potenziamenti per le armi, come la possibilità di lanciare porte contro i nemici con i pugni, recuperare automaticamente il coltello dopo l'uso e aumentare la velocità di fuoco. Potrai anche sbloccare nuove armi da fuoco per sostituire la pistola, come un fucile a pompa, che presentano diversi vantaggi e svantaggi, come precisione e dispersione dei colpi. Il risultato è un gioco basato su movimenti tattici e velocità, in cui è fondamentale eliminare i nemici prima che possano attaccare. Il modo migliore per farlo è concatenare rapidamente attacchi a corto, medio e lungo raggio, costringendoti a pensare velocemente in ogni momento. La storia a fumetti con personaggi animali ambientata in una città cyberpunk rende il gioco un'esperienza complessivamente unica.

Il gioco è giocabile dai 13 anni di età.

La storia

Questo non è un incarico come un altro. Una ragazza misteriosa, dotata di un potere immenso ma incontrollabile, è coinvolta in una violenta cospirazione che minaccia di sconvolgere gli equilibri di potere. Mentre il caos dilaga, Jin deve salvare la ragazza, confrontarsi con il suo passato e con il tradimento di un comandante di cui un tempo si fidava ciecamente. A Kusan tutti vogliono qualcosa e nessuno gioca lealmente. Per Jin, c'è solo una via d'uscita: una pianificazione impeccabile, un'esecuzione spietata e la salvezza della ragazza dai criminali, affidandosi unicamente al suo ingegno e alla sua incrollabile volontà per sopravvivere sul campo di battaglia. Con l'intera città in pericolo, Jin sa che è giunto il momento non solo di fare pulizia, ma anche di ristabilire l'equilibrio.

Giocherai attraverso 54 livelli.

Caratteristiche del gameplay

Combattimento hardcore dall'alto con stile: padroneggia un gameplay brutale e preciso, dove ogni movimento conta e i punti stile sono reali. 54 livelli brutali creati a mano: affina le tue abilità attraverso 54 livelli intensi suddivisi in più capitoli, che includono enigmi basati sulle abilità, sfide e l'ambito grado S per i perfezionisti. Battaglie contro boss bestiali: affronta nemici imponenti con meccaniche di gioco uniche e schemi ad alto rischio. Impara, adattati ed esegui le tue mosse per sopravvivere a questi duelli cinematografici che mettono a dura prova tempismo e tattica. Crea l'arsenale letale perfetto: ottimizza e improvvisa. Concatena uccisioni e parate per raggiungere uno stato di flusso che ti farà guadagnare bulloni per potenziare la Mano da Guerra, sbloccare armi da fuoco e lame e personalizzare l'equipaggiamento in base al tuo stile di gioco. Colonna sonora adrenalinica: immergiti in una colonna sonora carica di adrenalina firmata dall'artista hip-hop Loptimist, che ti offrirà dosi massicce di energia a ogni passo. Narrazione in stile graphic novel: segui le missioni di Jin attraverso dinamiche sequenze animate in stile fumetto, con inquadrature nitide e un ritmo cinematografico che raccontano una storia cruda di violenza, corruzione e lealtà tradite. Atmosfera neo-noir: esplora la metropoli in pixel art inzuppata dalla pioggia, dove Jin è pronto a oltrepassare ogni limite per salvare la ragazza.

Kusan City of Wolves sta arrivando!

Jean-Marie Appriou: in mostra "Canto Infinito" le sue sculture a Palazzo Strozzi, visionabili dal 22 maggio al 23 agosto 2026. La mostra riunisce una serie di nuove opere dell'artista francese, offrendo una panoramica della sua ricerca, oggi considerata tra le più innovative della scultura contemporanea. La sua pratica artistica si contraddistingue per la costante sperimentazione con i materiali, tra cui alluminio, bronzo, vetro, argilla e cera. Attraverso un approccio profondamente materico e sensoriale, l'artista dà forma a figure sospese in una dimensione indefinita tra umano, animale e vegetale. Il suo immaginario visivo trae ispirazione da miti antichi , fantascienza e cultura contemporanea: cavalli, serpenti, creature marine e creature ibride. Che popolano un universo simbolico in cui le forme sembrano oscillare tra acqua e terra, luce e oscurità, stabilità e trasformazione.

Il giovane scultore è molto apprezzato.

Jean-Marie Appriou: Canto Infinito

Il titolo della mostra evoca l'idea di un movimento perpetuo, privo di origine e di conclusione, rievocando una realtà in cui tempo, materia e immaginazione sono in continua trasformazione. Concepite come momenti di un unico percorso, le opere esposte rimandano al patrimonio culturale e simbolico della Divina Commedia. La ricerca di Appriou si intreccia inoltre con una vasta rete di riferimenti letterari e mitologici , che non si presentano come citazioni statiche, ma come presenze vive, incorporate nella materia delle sculture e fuse all'interno del percorso espositivo. Jean-Marie Appriou. CANTO INFINITO è promosso e organizzato dalla Fondazione Palazzo Strozzi di Firenze. Il progetto riunisce una selezione di nuove opere create appositamente per gli spazi fiorentini e ribadisce il ruolo del Project Space come luogo dedicato alla ricerca contemporanea e ai progetti site-specific. Sul sito ufficiale si legge: Il punto di partenza della mostra “CANTO INFINITO” per il Project Space di Palazzo Strozzi è la figura di Dante Alighieri e la sua “Divina Commedia”. Per Jean-Marie Appriou, il poema dantesco non è un modello da illustrare, ma una “matrice vivente” e un orizzonte culturale da cui trarre visioni popolate da esseri ibridi e paesaggi mutanti. “CANTO INFINITO” evoca l’idea di un flusso continuo senza inizio né fine, un viaggio iniziatico attraverso diversi stati dell’essere dove la scultura dialoga con i mondi visionari di William Blake, le cosmologie di John Milton e le suggestioni dell’antico Egitto. Una mostra che vi consigliamo caldamente, se vi trovate a Firenze. Ci sono delle sculture meravigliose e questo giovane artista, se non lo conoscevate prima, merita di essere scoperto. Se amate le sculture, non potete assolutamente perdervi questa esposizione meravigliosa al Palazzo Strozzi.

Twins of Gemini.

Conosciamo meglio l'artista

Nato a Brest nel 1986 e residente a Parigi, Jean-Marie Appriou è oggi considerato una delle voci più originali della scultura contemporanea. La sua pratica si contraddistingue per l'uso sperimentale di materiali come bronzo, alluminio, vetro, argilla e cera, attraverso i quali l'artista dà forma a figure sospese tra l'umano, l'animale e il vegetale. Cavalli, serpenti, creature marine, corpi intrecciati ed esseri ibridi popolano un universo visionario in cui mitologie arcaiche, fantascienza, letteratura e cultura contemporanea si fondono in un immaginario stratificato. Il titolo CANTO INFINITO evoca l'idea di un flusso continuo, senza un inizio né una fine definiti, e suggerisce un viaggio in cui materia, tempo e immaginazione sono in costante trasformazione. Centrale in questo senso è il riferimento alla Divina Commedia, che per Appriou diventa non solo una fonte iconografica. Ma un orizzonte simbolico attraverso cui riflettere sui temi della soglia, del viaggio, della metamorfosi e del passaggio tra mondi diversi. In questo senso, Firenze assume un ruolo particolarmente significativo: in quanto città di Dante e luogo in cui la memoria del poema rimane profondamente radicata, diventa il contesto ideale per un progetto che reinterpreta l'eredità dantesca in chiave contemporanea.

Credits: Meer

Energia visionaria

Anselm Kiefer porta Le Alchimiste a Milano: la memoria femminile a Palazzo Reale tra storia e mito. Dal 7 febbraio 2026, Palazzo Reale ospita Le Alchimiste, una nuova opera site-specific dell'artista. Un monumentale ciclo di trentotto tele dedicate alle figure femminili dell'alchimia, tra storia, mito e scienza, in dialogo con le ferite e la memoria della Sala delle Cariatidi del Palazzo Reale. Un omaggio alla memoria femminile, alla conoscenza celata e alla trasformazione come principio universale. In questo articolo vi raccontiamo non solo il significato dietro a queste opere, ma anche come sono state realizzate.

Potete ammirare queste opere a Palazzo Reale a Milano sino a settembre.

Anselm Kiefer porta Le Alchimiste in mostra a Milano

Dal 7 febbraio 2026, la Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale a Milano ospiterà Le Alchimiste, monumentale progetto site-specific di Anselm Kiefer, tra gli artisti contemporanei più influenti. La mostra si inserisce nel programma culturale legato ai Giochi Olimpici Invernali di Milano-Cortina 2026. Curata dalla storica dell'arte Gabriella Belli , la mostra sarà visitabile fino a settembre 2026 e rappresenta uno degli eventi più attesi della stagione espositiva. Dopo il ciclo di opere create per spazi museali internazionali come il Grand Palais di Parigi e la Biennale di Venezia, Kiefer torna in Italia con un progetto che intreccia mito, storia e identità. Interrogandosi sul ruolo delle donne nella nascita del pensiero scientifico e nella cultura occidentale. Il fulcro della mostra è costituito da trentotto grandi tele concepite appositamente per dialogare con l'architettura e la memoria della Sala delle Cariatidi, luogo simbolico della storia milanese. Lo spazio, segnato dalle ferite dei bombardamenti del 1943, è diventato nel corso degli anni teatro di mostre emblematiche, tra cui quella del 1953 che ospitò la Guernica di Picasso. In questo contesto sospeso tra splendore e rovina, Kiefer costruisce una narrazione pittorica che riflette sul rapporto tra creazione e distruzione, memoria e rinascita.

Kiefer ha uno stile unico, molto riconoscibile e distintivo.

Il motivo dietro al titolo

Il titolo "Le Alchimiste" si riferisce alle figure femminili che, tra il Medioevo e il Rinascimento, si dedicarono alla sperimentazione alchemica e medica. Donne spesso dimenticate, le cui ricerche anticiparono metodi e intuizioni che confluirono nella scienza moderna. Tra queste emerge la figura di Caterina Sforza, figlia del Duca di Milano Galeazzo Maria Sforza, vissuta tra il XV e il XVI secolo. Era scienziata, condottiera e autrice di un manoscritto con oltre quattrocento formule e ricette alchemiche, cosmetiche e terapeutiche. A lei, e ad altre come Isabella Cortese, Maria l'Ebrea, Marie Meudrac, Rebecca Vaughan, Mary Anne Atwood e Anne Marie Ziegler, Kiefer restituisce volto e sostanza. Costruendo un pantheon femminile alternativo a quello della storia ufficiale. Le Alchimiste costruisce un universo simbolico autonomo, dove mito e scienza, arte e filosofia si intrecciano. I protagonisti delle tele non sono rappresentati come figure statiche, ma come presenze sospese tra corporeità e trasparenza, tra apparenza e dissoluzione. Kiefer evoca la loro intelligenza intuitiva, la loro disciplina, la loro capacità di osservare e interpretare la natura attraverso la conoscenza pratica ed esperienziale. I suoi alchimisti ricercano un equilibrio tra corpo e spirito, tra materia e trasformazione. Anche Milano è parte integrante del progetto. La città, che ha accolto Leonardo da Vinci ed è stata teatro di esperimenti scientifici e artistici rinascimentali, trova nella figura di Caterina Sforza un legame diretto con la propria tradizione.

In mostra le donne della scienza dimenticate.

La pittura di Anselm Kiefer

Abbiamo visto anche in altri nostri articoli quanto possa essere frustrante progettare l'arredamento di una stanza. Si pensa di poter sbagliare le misure spesso si è pure incapaci di visualizzare come i diversi mobili interagiranno tra loro nello spazio reale. Fino a pochi anni fa, la creazione di modelli tridimensionali fotorealistici era un’esclusiva di architetti e studi di computer grafica dotati di software costosi e complessi. Oggi, grazie alla democratizzazione degli strumenti digitali, chiunque può trasformarsi in un interior designer. I siti e i software che sfruttano le AI sono davvero tantissimi, ma oggi vediamo come funziona il render Ikea, che permette di configurare appartamenti completi utilizzando i modelli esatti del catalogo svedese, offrendo un’anteprima talmente fedele alla realtà da azzerare ogni margine d'errore prima di passare alla cassa.

I vantaggi della pianificazione 3D nativa

Perché il render Ikea ha tanto successo? Perché integra perfettamente il software di modellazione (il celebre Ikea Home Planner, evolutosi nelle ultime versioni basate sull'intelligenza artificiale) e il database dei prodotti reali. Ogni singolo mobile inserito nel programma — che si tratti di una cucina Metod o di una struttura Pax — rispetta al millimetro le dimensioni, le varianti di colore e i prezzi del magazzino reale. Lavorare in un ambiente 3D nativo elimina il vecchio problema del "fuori misura" e permette di sperimentare combinazioni cromatiche ardite o disposizioni geometriche insolite senza dover spostare fisicamente nemmeno un mattone, risparmiando tempo, fatica e acquisti errati.

Ecco come usare il software Ikea per progettare le stanze. Si parte da una stanza vuota con le misure della vostra e si inizia a metterci dentro ciò che vi serve scegliendo dal catalogo. Ma come ci si muove all'interno del software? Iniziare a progettare il proprio spazio è un'operazione fluida e accessibile direttamente dal browser web, senza la necessità di installare programmi pesanti sul computer. Il primo passo fondamentale consiste nel disegnare il perimetro esatto della stanza, inserendo con precisione la posizione di porte, finestre, pilastri e persino dei termosifoni o delle prese elettriche. Una volta creata la "scatola" architettonica, l'interfaccia drag-and-drop permette di sfogliare il catalogo e trascinare i mobili all'interno del progetto. Il software calcola automaticamente gli ingombri e avvisa l'utente se l'apertura di un’anta urta contro una parete, garantendo un livello di ergonomia e funzionalità a prova di vita quotidiana.

Ottimizzare luci e materiali per un effetto fotorealistico

Per ottenere un render Ikea di alto livello, che non sembri un semplice videogioco ma una fotografia reale, è necessario prestare grande attenzione alla gestione delle luci e delle finiture.

I nuovi pianificatori - ad esempio - integrano algoritmi di illuminazione avanzati che simulano la luce solare in base all'esposizione delle finestre. Il consiglio dei professionisti è quello di posizionare nella stanza punti luce artificiali (faretti, lampade da terra o strisce LED) per osservare come cambiano le ombre nelle ore serali. Inoltre, personalizzare i rivestimenti delle pareti e la tipologia di pavimento (parquet, resina o piastrelle) permette al mobile Ikea di integrarsi perfettamente nel contesto della tua casa, esaltandone la resa estetica finale.

Un esempio di render Ikea per una cucina

A questo punto poi arriva il vero colpo di genio, quello che chiude il cerchio dell'esperienza digitale è la conversione immediata del progetto in dati reali. Una volta completato il render Ikea e approvato il design della stanza, il software genera automaticamente un preventivo dettagliato e una lista della spesa completa di codici identificativi, corsie del magazzino e disponibilità nei punti vendita selezionati.

Che abbiate un tablet qualsiasi o un iPad, sicuramente da quando prendere appunti in digitale vi sarà cambiata la vita. Tutto molto più comodo, ma per molti c'è un ostacolo quasi insormontabile, ovvero la resa estetica della nostra grafia sul pad. Scrivere sul vetro non è come scrivere sulla carta. La penna scivola, la mano perde precisione e quello che nella nostra mente doveva essere un diario ordinato si trasforma spesso in una serie di geroglifici illeggibili. È qui che entra in scena un oggetto che fa la differenza e aiuta la sua azienda madre a distinguersi dalle altre produttrici tech. Stiamo parlando dell'Apple Pencil e dell'introduzione della funzione "Auto-Refine" (Scrittura fluida) all'interno dell'applicazione Note, il divario tra analogico e digitale si azzera. Non si tratta semplicemente di convertire la scrittura in testo digitato, ma di mantenere il carattere della tua grafia, ma rendendola istantaneamente più fluida, simmetrica e bella da vedere.

Come funziona l'apprendimento automatico di Apple Pencil

Il segreto dietro questa tecnologia risiede nei potenti coprocessori neurali dell'iPad, che lavorano in tempo reale mentre la punta dell'Apple Pencil tocca lo schermo. Quando scrivi una parola, il sistema non si limita a registrare il tratto, ma analizza l'andamento della tua calligrafia, la pressione esercitata e l'inclinazione del tratto.Nel momento esatto in cui sollevi la penna per passare alla parola successiva, la funzione interviene raddrizzando leggermente le "linee sghembe", uniformando l'altezza delle lettere e smussando gli angoli troppo netti causati dallo scivolamento sul vetro.

Il risultato è sorprendente, perché la calligrafia rimane inequivocabilmente la tua, preservando il tuo stile personale, ma appare magicamente ordinata, come se avessi scritto con estrema calma su un foglio di carta di alta qualità.

Attivare e personalizzare l'esperienza di scrittura

Per iniziare a usare questa funzione all'interno dell'app Note, il procedimento è immediato ma richiede di conoscere lo strumento giusto.Aprendo la barra degli strumenti di disegno con l'Apple Pencil, noterai una nuova penna contrassegnata da una piccola icona con una "A" o da un tratto stilizzato scintillante. Selezionando questo strumento, attiverai la modalità di scrittura assistita.Se hai già scritto un intero paragrafo in modo caotico e vuoi rimediare in un secondo momento, non c'è problema. Puoi fare un doppio tocco con il dito sul blocco di testo scritto a mano per selezionarlo e, dal menu contestuale che appare, scegliere la voce dedicata alla formattazione della grafia. In un istante, l'intero testo si riallineerà automaticamente, eliminando il caos visivo dalla pagina.

Trucchi per sfruttare al meglio i gesti intelligenti

L'integrazione tra l'applicazione Note e l'Apple Pencil va ben oltre la semplice pulizia del tratto. Mentre utilizzi la scrittura assistita, puoi sfruttare i gesti intelligenti per modificare i tuoi appunti senza mai posare la penna o toccare la tastiera virtuale.Hai commesso un errore di ortografia? Non cercare la gomma, perché ti basterà scarabocchiare sopra la parola sbagliata per vederla svanire nel nulla. Devi inserire uno spazio tra due parole perché il correttore automatico le ha unite? Traccia una linea verticale tra di esse. Vuoi selezionare una frase per spostarla in un altro punto della pagina? Cerchiala con la punta della penna.

Scrivere su iPad e Note non è mai stato così facile Tutti automatismi che trasformano la sessione di studio o di lavoro in un flusso continuo e privo di interruzioni, dove la tecnologia si adatta al tuo ritmo e non viceversa.

Scegliere gli accessori giusti per un feeling analogico

Il bianco non è mai bianco quando si parla di ambienti e interior design. Per un designer, avventurarsi nel territorio delle sfumature neutre significa muoversi lungo un crinale sottilissimo, dove pochi punti di saturazione possono decretare il successo o il fallimento di un'interfaccia o di un'identità visiva. Se il bianco puro può risultare spesso troppo abbagliante, asettico e faticoso per gli occhi dell'utente, la risposta perfetta arriva dal design industriale e in molti oggi scelgono il bianco latte RAL 9012. Questa tonalità, mutuata dal celebre sistema di standardizzazione dei colori, sta vivendo una seconda giovinezza nel digital design, posizionandosi come la scelta d'elezione per chi cerca un minimalismo caldo, sofisticato e profondamente contemporaneo.

La psicologia del bianco latte RAL 9012

A differenza dei bianchi gessosi o di quelli viranti verso il grigio freddo, il bianco latte RAL 9012 possiede una leggerissima punta di giallo e ocra nel suo DNA cromatico. Questa impercettibile contaminazione termica evoca istintivamente sensazioni di comfort, naturalezza e pulizia, senza però sfociare nel retrò del color panna o dell'avorio.

Esempio di living bianco latte RAL 9012

Nei progetti di branding, così come nelle ristrutturazioni moderne, utilizzare questa sfumatura trasmette un senso di lusso accessibile e cura del dettaglio. Per i grafici che lavorano sul web, ad esempio, la conversione digitale approssimativa di questo standard si attesta intorno al codice HEX #F3F2ED. Una tonalità che appunto aiuta a sganciarsi dal bianco assoluto e permette di creare layout che respirano, conferendo ai contenuti un'aria editoriale e di alto livello.

Web design e accessibilità l'importanza del contrasto

Ma perché è così importante scegliere bene la tonalità del neutro quando si progetta un sito web così come quando si progetta una stanza? Perché, soprattutto nel primo caso, uno degli errori più comuni è l'utilizzo del bianco di default come sfondo per blocchi di testo scuro. Un contrasto troppo estremo genera un fenomeno noto come "alone visivo", che affatica la vista durante la lettura prolungata, specialmente su schermi OLED.

Implementare il bianco latte RAL 9012 come colore di sfondo principale risolve questo problema alla radice. La sua morbidezza riduce l'emissione di luce blu dello schermo, migliorando l'esperienza utente (UX) e garantendo il rispetto delle linee guida WCAG sull'accessibilità. Il testo in grigio scuro o antracite posizionato su uno sfondo RAL 9012 risulta incredibilmente nitido, leggibile e riposante, elevando la qualità percepita dell'intera interfaccia.

Allo stesso modo in una stanza questo colore permette di giocare con le tonalità di mobili e suppellettili per creare un ambiente pulito, ma anche unico nel suo genere, pur guardando al minimalismo d'altri tempi.

Abbinamenti cromatici per interfacce d'impatto

La vera forza del bianco latte RAL 9012 comunque risiede nella sua straordinaria versatilità come colore d'accento o di base. Essendo un neutro caldo, si sposa divinamente con le palette "earthy" (tonalità della terra) come il verde salvia, il terracotta e il marrone bruciato, perfette per siti web di prodotti biologici, architettura o skincare.

Se invece l'obiettivo è un look high-tech ma meno aggressivo rispetto ai canoni tradizionali, provate ad abbinarlo a un blu notte profondo o a un grigio titanio. In questo contesto, il RAL 9012 agisce da perfetto bilanciatore, ammorbidendo le linee rigide del layout e conferendo un tocco "human-centric" anche alle piattaforme SaaS o alle applicazioni fintech più complesse.

La differenza la fa la leggera sfumatura di ocra

Nato per uniformare i colori di vernici, plastiche e rivestimenti nell'industria manifatturiera, il sistema RAL ha conquistato i monitor dei designer digitali per la sua capacità di evocare la materia reale. Utilizzare questa variante bianco latte per un progetto web significa colmare il divario tra l'esperienza fisica e quella digitale. Quando un utente naviga su un portfolio o su un e-commerce che adotta questa tonalità, avverte inconsciamente una sensazione di solidità e tridimensionalità.