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Auricolari true wireless che raggiungono un livello superiore? Ormai ne trovate diversi, il mercato è praticamente saturo, ma Anker ha deciso di fare la voce grossa e superare i competitor. Come? Lanciando un dispositivo che non si accontenta di competere con i giganti del settore, ma punta direttamente a stabilire nuovi standard industriali. Le soundcore liberty 5 pro si presentano come un concentrato di ingegneria acustica e sensoristica avanzata, un accessorio che sembra quasi voler sfidare le leggi della fisica per quanto riguarda il rapporto tra le dimensioni ridotte e la quantità di funzionalità integrate, meritandosi idealmente un posto nel libro dei primati tecnologici. Scopriamo insieme queste “cuffie” (anche se chiamarle così è riduttivo).

Un primato di design: la custodia intelligente con display integrato

Custodia di ricarica che non è più un semplice contenitore passivo di plastica. Già dal primo impatto visivo le soundcore liberty 5 pro sono diverse e pionieristiche perché la custodia si trasforma nel centro di controllo nevralgico dell'intera esperienza d’uso.

Gli sviluppatori hanno integrato sulla superficie di questa custodia un display touch a scorrimento invisibile che prende vita al momento dell’apertura. Questo schermo all'obiettivo di consentire all'utente di monitorare lo stato della batteria di ogni singolo auricolare, modificare le impostazioni della cancellazione del rumore e selezionare i profili di equalizzazione e persino controllare la riproduzione musicale, senza dover mai sbloccare lo smartphone.

Ecco come troverete disponibili all'acquisto questi nuovi auricolari

Un'evoluzione concettuale davvero straordinaria che va a ridefinire l'interazione uomo-macchina nel campo dell'audio portatile. Entrando nel dettaglio poi vediamo anche che queste "cuffie" hanno prestazioni sonore e stupiscono per la complessità della loro architettura interna.

L'architettura acustica a doppio driver per un suono da record

Vediamo quindi come sono fatte internamente le soundcore liberty 5 pro. Il woofer si occupa di restituire bassi profondi, corposi e privi di distorsioni anche a volumi elevati, mentre il tweeter a ultrasuoni assicura una nitidezza cristallina sulle frequenze più alte.

Una sinergia che permette al dispositivo di riprodurre uno spettro sonoro incredibilmente ampio, oltretutto certificato per l'audio ad alta risoluzione tramite il codec Ldac. La spazialità del suono è tale da avvolgere completamente l'ascoltatore, simulando l'acustica di una sala da concerto live direttamente all'interno del canale uditivo.

La cancellazione del rumore adattiva che batte ogni concorrenza

Abbiamo accennato all'importanza che è stata data alla funzione di cancellazione del rumore ad attiva. Altro aspetto interessante di questo nuovo modello di auricolari è che dimostra una superiorità schiacciante proprio nell'isolamento acustico dell'ambiente esterno.

La tecnologia di cancellazione attiva del rumore integrata sfrutta una rete di microfoni multipli sia interni che esterni, supportati da un algoritmo proprietario che analizza i rumori ambientali migliaia di volte al secondo. Il vero primato risiede nella capacità del software di adattarsi non solo ai rumori della città o dell'ufficio, ma anche alla conformazione anatomica specifica dell'orecchio dell'utente e alla pressione barometrica circostante.

Vuoi delle cuffie che eliminino davvero il rumore? Ecco perché scegliere queste

Il risultato di tutto questo è un abbattimento delle frequenze di disturbo che permette di isolarsi completamente anche nelle situazioni più estreme, come all'interno della cabina di un aereo o in una stazione ferroviaria affollata.

Sensoristica biometrica e autonomia per un utilizzo senza limiti

A completare il quadro di un dispositivo fuori dal comune cioè infine l'inclusione di funzioni legate al monitoraggio della salute, una caratteristica rarissima nel panorama delle "cuffie" tradizionali.

Gli auricolari soundcore liberty 5 por integrano un sensore di frequenza cardiaca e di rilevamento del benessere termico che traccia i parametri vitali durante l'allenamento o la vita di tutti i giorni, sincronizzando i dati con un'applicazione dedicata.

Krita per artisti: alcuni consigli per padroneggiare la migliore alternativa gratuita a Photoshop e lavorare più velocemente alle proprie creazioni digitali. Questo software è gratuito e open-source, da poco ha ricevuto nuovi aggiornamenti e vanta una community molto solida. Tantissimi artisti digitali utilizzato questo software per creare le loro opere perché è ricco di funzionalità e la sua interfaccia è davvero intuitiva. In questo articolo vi spieghiamo alcune scorciatoie per utilizzare al meglio questo software, soprattutto per quanto riguarda il fotoritocco.

Krita è uno dei migliori software gratuiti e open-source per arte digitale e fotoritocco.

Krita per artisti: un'alternativa a Photoshop

Photoshop rimane in cima alla nostra classifica dei migliori software per l'arte digitale e per il fotoritocco in generale, ma il costo dell'abbonamento ricorrente scoraggia comprensibilmente molti utenti. L'introduzione dei crediti generativi per le funzionalità basate sull'intelligenza artificiale introduce ora un ulteriore potenziale costo, aumentando il numero di persone alla ricerca di alternative. Fortunatamente, esistono numerose alternative a Photoshop , sia che si tratti di fotoritocco, grafica o pittura digitale. Krita è una delle mie preferite. È gratuita e open-source, vanta una solida community e continua ad aggiungere nuove funzionalità. Come Photoshop, Krita offre così tanti strumenti che probabilmente vi siete persi alcune funzionalità. Inoltre, ci sono molte scorciatoie che possono aiutarvi a lavorare più velocemente.

L'interfaccia di Krita.

Alcuni dei miei strumenti preferiti

Potreste scoprire di avere tutti gli strumenti necessari nell'area di lavoro predefinita di Krita, ma è utile sapere che sono disponibili diverse aree di lavoro preconfigurate tra cui scegliere. Questi layout presentano diversi pannelli mobili attivati ​​e disattivati ​​per lavorare in campi specifici come grafica vettoriale, storyboard o animazione . Passare da un pannello all'altro a seconda dell'attività da svolgere può velocizzare il flusso di lavoro. Vai su Finestra > Area di lavoro per scoprirli. È inoltre possibile creare e salvare i propri spazi di lavoro personalizzati, scegliendo i pannelli Docker a cui si desidera accedere. Krita chiama i "docker" le varie barre degli strumenti, pannelli e finestre. Di default, troverai Composizioni, Livelli, Panoramica, Tavolozza, Casella degli strumenti e Opzioni strumento, ma sono disponibili oltre 30 docker. Puoi scegliere quelli che meglio si adattano al tuo flusso di lavoro. Vai su Impostazioni > Docker.

Come navigare in maniera efficente sulla tela

Se sei alle prime armi con l'arte digitale, la tela stessa può sembrare ingombrante e difficile da manipolare, ma Krita offre molte scorciatoie per semplificare le cose. Tieni premuto Spazio e trascina per spostare l'area di lavoro, oppure Spazio+Maiusc+trascina a sinistra e a destra per ruotarla. Puoi premere '5' per reimpostare la rotazione, '1' per impostare lo zoom al 100% e '2' per adattare l'area di lavoro allo schermo. Puoi anche usare il mouse facendo clic con il pulsante destro del mouse sull'area di lavoro per utilizzare il cursore di navigazione, oppure puoi abilitare il pannello Panoramica per un controllo più semplice. Molti artisti trovano utile capovolgere la tela orizzontalmente di tanto in tanto durante la pittura per verificare che le proporzioni siano equilibrate. Premendo 'M' si attiva rapidamente la visualizzazione speculare. Premendo Tab si attiva la modalità "Solo tela", che nasconde tutti i dock e i menu mostrando solo la tela.

Le maschere filtro sono uno degli strumenti di Krita.

Come possiamo ridurre l'uso della memoria su Krita per artisti e l'uso degli Assistenti

Per ridurre l'utilizzo della memoria e prevenire rallentamenti nei progetti complessi, è possibile andare su Immagine > Ritaglia in base alle dimensioni dell'immagine per rimuovere l'area di lavoro in eccesso al di fuori dell'area di lavoro. In questo modo vengono eliminati i dati dei pixel invisibili al di fuori dell'area di lavoro, riducendo le dimensioni del file senza ridimensionare l'area di lavoro stessa. Lo strumento Assistente di Krita consente di impostare griglie prospettiche come la prospettiva a 2 punti, l'ellisse, il punto di vista fisheye, il righello infinito, la spline e la funzione "Svanisci" tramite il pannello Opzioni strumento. Queste opzioni possono essere utili per il disegno di scene architettoniche o dinamiche. Le prospettive modificano i parametri del pennello. Ad esempio, le dimensioni o l'opacità del pennello possono variare a seconda della profondità prospettica, conferendo maggiore realismo ai tratti. È possibile attivare la funzione "Aggancia agli assistenti" nelle impostazioni del pennello per far sì che le linee del pennello si allineino direttamente alla griglia prospettica selezionata, garantendo che i tratti seguano perfettamente la prospettiva.

In questo software puoi attivare gli Assistenti per darti una mano.

Come conservare il passaggio precedente

Il bello dei software digitali come Krita e Photoshop è la possibilità di lavorare in modo non distruttivo. Aggiungendo elementi al tuo lavoro su un nuovo livello, conservi sempre il passaggio precedente. Anziché applicare i filtri direttamente su un livello qualsiasi dell'immagine, utilizza i livelli filtro per poter regolare o rimuovere l'effetto in un secondo momento senza perdere o danneggiare il lavoro originale.

Per modificare gli stili dei livelli, basta fare clic con il pulsante destro del mouse e scegliere la seconda opzione. Se si lavora con opere d'arte complesse o fotoritocchi con molti livelli, i gruppi sono un valido aiuto. Raggruppare i livelli può semplificare notevolmente la gestione del file.

Multibrush e Pennello Dinamico

Lo strumento Multibrush di Krita per artisti (Q è la scorciatoia da tastiera) permette di dipingere con più istanze dello stesso pennello contemporaneamente. È utile per creare disegni speculari, simmetrici o con motivi decorativi. Lo strumento Pennello Dinamico offre una stabilizzazione e una levigatura migliorate per linee lente e costanti con una precisione simile a quella di un elastico. Questa funzione si distingue dall'opzione di stabilizzazione standard del pennello. Attiva la stabilizzazione per i pennelli standard se hai difficoltà a disegnare linee fluide. La trovi nel pannello delle opzioni dello strumento, ma tieni presente che può essere controproducente per gli schizzi, dando la sensazione che i tratti siano scollegati.

Krita per artisti: come usare le scorciatoie

Grave Seasons aggiunge un mistero di omicidio alle meccaniche di gioco di fattoria e amicizia, questo nuovo gestionale è in arrivo il 14 agosto. Il ciclo ripetitivo dei simulatori di fattoria come Stardew Valley, Animal Crossing e simili non mi ha mai davvero appassionato. Tuttavia, dare la caccia a un misterioso assassino, mentre si raccolgono delle carote e scoprendo una possibile minaccia soprannaturale? Ci passerei volentieri del tempo. In questo articolo vi racconteremo la storia e le caratteristiche di questo horror cozy game.

Grave Seasons arriva ad agosto

Il gioco inizia prendendo possesso di una fattoria (con casa colonica inclusa) in rovina, dove dovrai rimetterla in sesto e stringere amicizia con i vicini (molto stile Stardew Valley). Dopo pochi giorni di "avventura" agricola, il sindaco viene brutalmente assassinato e il tuo personaggio decide di scoprire chi è il responsabile. C'è anche una macchina dall'aspetto sinistro nel tuo seminterrato. Anche se non si vede come e chi ha ucciso il sindaco, mi è stato detto che gli omicidi successivi sono più cruenti, raccapriccianti e mostrati sullo schermo. C'è però un limite alla violenza grafica in questo stile pixel art così accogliente. I giocatori possono aspettarsi di vedere altre vittime se non riescono ad avvicinarsi al colpevole. Uno degli aspetti più intriganti di Grave Seasons è l'assenza di un singolo assassino predeterminato. Questo non significa che la sua identità sia generata proceduralmente: gli sviluppatori di Perfect Garbage hanno creato numerose campagne scritte su misura, ognuna delle quali si conclude con un diverso abitante come assassino. Sebbene non tutti i personaggi possano essere l'assassino, chiunque tu stia corteggiando potrebbe rivelarsi il colpevole, il che rappresenta una svolta rischiosa nella ricerca dell'amore.

Potrai interagire con qualsiasi personaggio che incontrerai nel gioco.

L'inizio di Grave Seasons

Il sole tramonta sul primo giorno nella tua nuova casa, in un grazioso paesino pieno di persone che speri un giorno diventeranno tuoi amici. Stai vagando per il bosco e senti un'inaspettata sensazione di presagio mentre un brivido ti percorre la schiena. È solo perché sei solo, o c'è qualcosa di sinistro che ti osserva dagli alberi? Questo è il punto di partenza di Emmett Nahil e Son M, cofondatori di Perfect Garbage, quando hanno deciso di creare Grave Seasons, un'ambiziosa fusione di simulatore di fattoria, dramma psicologico e horror "mostruoso". "Credo che questa sensazione di inquietudine sia sempre stata latente nel genere, come parte della tensione naturale dell'agricoltura", ha dichiarato Son, uno dei cofondatori e sceneggiatori dello studio durante un'intervista redatta da Polygon. "Sapete, negli Harvest Moon più vecchi gli animali morivano, e ricordo che quando la musica si interrompeva di notte, l'atmosfera e il fatto di essere soli al mondo creavano una sensazione piuttosto inquietante e di isolamento." Tra le aspettative più diffuse c'è quella che il protagonista di un simulatore di fattoria sia inevitabilmente una persona gentile e innocente che arriva in città senza segreti da nascondere. In Grave Seasons, però, non è affatto così. Sei un evaso da poco e l'isolamento di una fattoria remota è una necessità, non un toccasana per la vita di città. Puoi comunque decidere come vivere e quale ruolo ricoprire nella comunità, ma Nahil spera che il gioco offra ai giocatori l'opportunità di una maggiore introspezione e di un gioco di ruolo più approfondito rispetto a quanto si vede di solito nei simulatori di fattoria.

Il gioco è in pixel art.

Chi sono i personaggi che troveremo nel gioco?

Raja Nandepu: l'artista digitale che usa forti contrasti di colore e pennellate espressive per creare scene suggestive e ricche di atmosfera. Originaria dell'India, è un concept artist e illustratore di ambienti con oltre 10 anni di esperienza, maturata anche grazie al lavoro svolto per Magic: The Gathering. Lavorando con Procreate e Photoshop, Raja si diverte a creare mondi unici concentrandosi sull'atmosfera e sulla narrazione attraverso la luce e il colore, con pennellate espressive. Raja Nandepu lavora nell'industria dei videogiochi e del cinema con clienti come Wizards of the Coast, Netflix, NetEase Games, Tor Publishing Group, Parallax Studios, OnePixelBrush e The Line Animation Studios. Per ammirare altre sue fantastiche creazioni, visitate la sua pagina artista su ArtStation.

Raja Nandepu: conosciamo l'artista

La prima volta che ho visto le sue opere sono rimasta a bocca aperta, perché sono davvero meravigliose. Ha lavorato a progetti videoludici come Hitman e Horizon Zero Dawn (uno dei miei videogiochi preferiti) e ha creato poster promozionali per serie televisive come Stranger Things, Arcane e Shadow and Bone. Su YouTube l'artista carica dei tutorial molto interessanti. Prendiamo ad esempio la sua opera "Un viaggio da samurai". Si tratta di un'affascinante serie di 444 dipinti che narra l'epica storia di un coraggioso samurai impegnato in una pericolosa impresa attraverso paesaggi diversi: canyon maestosi, imponenti Alpi, campi sereni, foreste incantevoli e altro ancora. Mosso dalla missione di raccogliere rari granelli di terra da offrire a una dea eterea, il samurai spera di ottenere una pietra sacra per spezzare la maledizione che avvolge il suo villaggio nell'oscurità. Ogni opera cattura vividamente i suoi incontri con cascate monumentali, la bellezza del mutare delle stagioni e le prove emotive e fisiche del suo viaggio. Questa collezione conduce gli spettatori a unirsi all'impresa del samurai, permettendo loro di sperimentare il potere dell'arte di raccontare storie complesse e trasportare il pubblico in regni mozzafiato e avventurosi.

Le sue opere fantasy sono meravigliose.

Il simbolismo del samurai nella cultura giapponese

L'opera della quale abbiamo appena parlato, Un viaggio da samurai, richiama una delle figure più iconiche della cultura giapponese. Infatti il samurai non era solamente un guerriero, ma rappresentava un vero e proprio ideale. Questo ideale era basato su disciplina, lealtà, rispetto e coraggio. Attaverso questa immagine, Raja Nandepu sembra andare oltre la semplice rappresentazione storica che siamo abituati a vedere. Raja trasforma il viaggio del samurai in una vera e propria metafora del percorso umano. Ognuno di noi affronta delle sfide, dei cambiamenti, che portano poi a crescere e che richiedono determinazione e resilienza. L'artista usa il linguaggio visivo per evocare sia il fascino della tradizione giapponese che i valori universali che continuano ad essere attuali nella società odierna.

L'artista lavora con Procreate e Photoshop.

Il Bushidō: il codice etico dei samurai

L’arte contemporanea affronta il cambiamento climatico in molti modi e molte opere d’arte ne sono l’esempio.

Western Flag – John Gerrard

Tra le opere più iconiche e suggestive che vogliono portare l’attenzione del pubblico sul tema del cambiamento climatico troviamo Western Flag, di John Gerrard.

Western Flag Quest’opera risale al 2017 e si tratta di una simulazione digitale in tempo reale. La simulazione mostra un pennone nel bel mezzo del deserto arido del Texas. Al posto della classica bandiera troviamo una colonna di fumo nero che sventola al vento. Il luogo rappresentato è Spindletop, il posto dove, nel 1901, venne scoperto un enorme giacimento di petrolio che segnò l’inizio dell’era moderna dell’estrazione petrolifera americana. La Western Flag rappresenta le emissioni che hanno alimentato lo sviluppo industriale e il simbolo dell’era del carbonio, artefice in prima linea del cambiamento climatico.

Cambiamento climatico: le altre opere d’arte di John Gerrard

Western Flag non è l’unica opera degna di nota di John Gerrard.

Standard Flag Flare, del 2022, è un’altra simulazione digitale in tempo reale. Questa volta a sventolare sul pennone non è una colonna nera di fumo, ma una torica di combustione, un bruciatore utilizzato nell’industria petrolifera per smaltire il gas in eccesso. Il luogo scelto questa volta dall’artista sono le acque dell’Oceania. Infine, una terza bandiera dell’artista è Standard (Formerly Surrender Flag). Questa volta ci troviamo nel deserto del Mojave e sul pennone sventolano leggeri sbuffi bianchi di vapore acqueo. Tutte e tre le bandiere insieme raccontano una storia: Western Flag denuncia il petrolio, la fiamma perpetua di Flare denuncia le infrastrutture industriali, mentre la bandiera bianca rappresenta una tregua. Quest’ultima guarda al futuro, immaginando idee di arresto, negoziazione e sottomissione. Un gesto di resa, una presa di coscienza nei confronti dei limiti del nostro pianeta Terra, con la speranza di un futuro migliore e libero dai combustibili fossili.

Le opere di Olafur Eliasson

Le opere dell’artista danese Olafur Eliasson sono di sicuro impatto. Si tratta di Glacier Melt e Ice Watch, due blocchi di ghiaccio staccatisi dalla Groenlandia. I due blocchi di ghiaccio in questione sono stati esposti nelle piazze di due grandi città: Londra e Copenaghen, mostrando al pubblico la loro maestosità e la loro estrema fragilità, mentre si scioglievano inesorabilmente.

Cambiamento climatico: Support di Lorenzo Quinn

In occasione della Biennale di Venezia del 2017, nella città Veneta ha fatto la sua comparsa una delle opere più colossali e famose dell’artista contemporaneo Lorenzo Quinn.

Support Lorenzo Quinn L’opera è composta da due gigantesche mani che emergono dal Canal Grande per sostenere l’edificio antico di Ca’ Sagredo. Esso rappresenta la fragilità del nostro patrimonio culturale e storico contro l’innalzamento del livello del mare causato dal riscaldamento globale. Le mani sono lo strumento umano più potente. Con esse gli esseri umani possono scegliere se salvare il pianeta o distruggerlo. Cosa sceglieremo di fare? Di continuare ad usarle per alimentare il cambiamento climatico o di iniziare ad utilizzarle per proteggere e sostenere il nostro pianeta, come fanno le mani di Lorenzo Quinn con il palazzo storico veneziano?

What if you fly di Sean Yoro

Come ogni anno, Apple ha premiato 12 app e giochi eccezionali, durante l’Apple Design Awards 2026, tra queste c’è anche un’italiana. “Le app e i giochi che hanno vinto gli Apple Design Awards di quest’anno sono una testimonianza esemplare di come gli sviluppatori stiano creando esperienze eccezionali. Che si tratti di funzioni intuitive o di un’esperienza di gioco avvincente, queste app e giochi rappresentano il meglio di ciò che la nostra piattaforma è in grado di offrire. Siamo incredibilmente orgogliosi di celebrare il lavoro di questi team per il loro impegno nell’arricchire la vita delle persone in tutto il mondo” – Susan Prescott, Vice President of Wordwilde Developer Relations.

Divertimento

Per la categoria divertimento sono stati premiati l’app Grug e il gioco Is this seat taken?

Is this seat taken? Grug, sviluppato da Ocho, dei Paesi Bassi, è una app motivazionale che dispensa piccole perle di saggezza e consigli quotidiani. Is This seat taken?, invece, è gioco sviluppato da Poti Poti Studio (Spagna). Con esso possiamo cimentarci in piccoli e divertenti rompicapo, con uno stile grafico cartoonesco e la giusta dose di ironia.

Apple Design Awards 2026: Inclusione

Per la categoria inclusione sono stati premiati l’app Guitar Wiz e il gioco Pine Hearts. Guitar Wiz è una app sviluppata da Bijoy Thangaraj (India), pensata per i chitarristi alle prime armi, ma anche per quelli più esperti, grazie a un kit di strumenti completo con istruzioni vocali. Pine Hearts, invece, è un gioco sviluppato Hyper Luminal Games Limited (Inghilterra). Si tratta di un’esperienza di gioco che punta molto sull’inclusività, grazie a una maggiore leggibilità del testo, ai comandi personalizzabili e al feedback sensoriale.

Innovazione

Per la categoria innovazione sono stati premiati l’app NBA: Partite & Risultati Live e il gioco Blue Prince. NBA: Partite & Risultati Live è una app sviluppata da NBA Media Ventures, LLC (Stati Uniti) ed è pensata per l’Apple Vision Pro. Esso offre un’esperienza visiva coinvolgente, con audio spaziale e alcune partite possono essere, addirittura, seguite in formato Apple Immersive. Blue Prince, invece, è un gioco sviluppato da Dogubomb (Stati Uniti). Questo gioco fonde diversi generi in uno, offrendo un’esperienza narrativa unica e fondendo l’esplorazione agli enigmi.

Apple Design Awards 2026: Interazione

Per la categoria innovazione sono stati premiati l’app Moonlit: posizione della luna e il gioco Sago Mini Jinja’s Garden.

Moonlit Moonlit: posizione della luna è stata sviluppata dall’italiana Flipping Hues Srls. Questa applicazione italiana che è riuscita a vincere gli Apple Design Awards per la categoria Interazione ci porta alla scoperta degli eventi celesti. Con essa possiamo pianificare foto ed esplorare tutto ciò che riguarda la luna. È facile da usare ed intuitiva e si integra al design Liquid Glass. Sago Mini Jinja’s Garden, invece, è sviluppato dalla canadese Sago Mini. In questo gioco dobbiamo prenderci cura del nostro giardino. Possiamo piantare i semi, raccogliere le verdure e cucinare pasti deliziosi con esse.

Impatto sociale

Per la categoria impatto sociale sono stati premiati l’app Primary: News in Depth e il gioco Consume Me. Primary: News in Depth è una app sviluppata da Wood Metal Rocks LLC (Stati Uniti). Si tratta di una app che fornisce le notizie in maniera “spaziale” attraverso l’Apple Vision Pro. Consume Me, invece, è un gioco sviluppato da Jenny Jiao Hsia e Ap Thomson (Stati Uniti). Questo gioco porta l’utente ad entrare in contatto con sentimenti spesso difficili da esprimere.

Apple Design Awards 2026: Grafica

Oggi parliamo di un trick che dimostra come si stia evolvendo la comunicazione digitale soprattutto in termini di messaggistica istantanea. Le icone colorate occupano un posto d'onore tra gli elementi che utilizziamo per esprimerci tramite i messaggi, permettendoci di trasmettere emozioni, toni di voce e sfumature psicologiche in un solo tocco. Nonostante questo l'utilizzo delle stesse immagini standardizzate sta diventando ripetitivo e per rispondere a questo desiderio di originalità degli utenti, gli sviluppatori di WhatsApp hanno introdotto un'opzione innovativa che permette di inoltrare emoji modificate all'interno delle chat. Una novità che apre le porte ad una personalizzazione grafica senza precedenti e trasforma i simboli classici in creazioni uniche e sorprendenti.

La fusione creativa per dare vita a nuove espressioni

Vediamo quindi qual è il metodo per inoltrare queste emoji modificate su WhatsApp, che si basa su una tecnologia di fusione e combinazione grafica assistita.

La funzione consente di prendere due icone distinte e mescolarle tra di loro per creare una terza completamente inedita. Ad esempio, immagina di voler unire la classica faccina che piange dal ridere con l'icona del robot, oppure di mettere in mano ad una delle signorine un panino per indicare la tua fame. Il sistema la elabora tratti somatici e colori di entrambi i simboli e restituisce uno sticker unico ad alta definizione che fonde i due concetti.

Andate in una chat whats app e tenendo premuta l'emoji che volete modificare vedrete comparire la dicitura "modifica sticker". Di li si aprirà un board per la modifica

Uno strumento che espande le possibilità comunicative e permette all'utente di esprimere stati d'animo complessi o battute interne che le grafiche tradizionali non avrebbero mai potuto rappresentare in un modo altrettanto efficace.

Come utilizzare la tastiera intelligente per le combinazioni

Per inviare queste icone speciali non dovreste nemmeno installare applicazioni secondarie. In pratica la sicurezza del vostro smartphone è in una botte di ferro. Il trucco? Sta nell'utilizzare le funzionalità avanzate della tastiera nativa del vostro dispositivo. Ad esempio Gboard di Google integra perfettamente questa funzione.

Il procedimento è semplice, basta aprire una conversazione su WhatsApp e attivare il campo di inserimento testo. Li dovrete selezionare la sezione delle faccine della tastiera e scegliere due simboli consecutivi, lo spazio sovrastante mostrerà immediatamente una serie di anteprime di emoji modificate nati dall'unione dei due elementi scelti. Andando a cliccare sulla te prima preferita la potrete inviare nella chat sottoforma di adesivo pulito e dettagliato.

Step 2: nella board che si apre per la modifica potete decidere di scrivere qualcosa o aggiungere una seconda emoji per fare una combo personalizzata che sarà poi solo vostra

Un'altra strada per le vostre emoji modificate e quella di sfruttare il sistema di creazione degli Avatar integrato all'interno delle impostazioni ufficiali di WhatsApp. Una funzione che permette di modellare un personaggio digitale tridimensionale che ricalca le vostre fattezze. L'app genererà automaticamente un intero pacchetto di adesivi personalizzati.

Il futuro della comunicazione visiva nelle chat con le emoji modificate

L'aver introdotto le emoji modificate che hanno così tanto successo testimonia come la scrittura digitale stia cercando forme di espressione sempre più vicine al linguaggio del corpo e della mimica facciale.

Gli utenti non si accontentano più di pacchetti grafici preconfezionati ma cercano degli strumenti dinamici per distinguersi e intrattenere coloro con cui intrattengono conversazioni digitali. Imparare a padroneggiare queste funzionalità di modifica vi permetterà dunque di dare un tocco di freschezza e ironia alle vostre chat quotidiane.

Asfalto taglia l'arido del deserto dell'ovest americano. Un luogo in cui il tempo sembra essersi fermato di colpo. Stiamo parlando di Seligman, una piccola comunità situata nella parte nord-occidentale dello stato dell'Arizona, negli Stati Uniti. Posizionata nella contea di Yavapai, a circa cento miglia dal celebre parco nazionale del Grand Canyon, questa cittadina conta oggi poche centinaia di residenti e si presenta agli occhi dei viaggiatori come un museo a cielo aperto dell'America degli anni cinquanta. Dimensioni ridotte e un destino che stava per portarla all’essere considerata una città fantasma, finché la Pixar non ha deciso di ispirarsi a questo luogo per creare il suo celebre capolavoro di animazione Cars.

La parabola storica della Madre Strada e l'isolamento improvviso

Per capire il fascino di Seligman è necessario fare un passo indietro nel tempo, all'epoca d'oro della Route 66, la prima grande autostrada transcontinentale che collegava Chicago a Santa Monica.

Questa strada storica e magica è stata inaugurata a metà degli anni '20. Divenne l'altare pulsante dell'economia americana. Non a caso Seligman si trasformò rapidamente in una tappa d'obbligo per gli automobilisti, i camionisti e le famiglie in cerca di cibo, carburante e alloggio.

Le strade di tutto il paese erano tribù di insegna al neon, motel tra vacanti e stazioni di servizio fronte ad offrire la tipica ospitalità della provincia americana. Questo idillio economico però si interruppe nel 1978. In quell'anno in cui la nuova è più interessante Interstate 40 divenne la via più moderna e veloce per bypassare i centri abitati della Route 66.

Uno scatto della famosa città sulla Route 66 che ha ispirato al Pixar

Perché allora oggi questa città è tornata così in voga? Nonostante stesse per diventare una città fantasma e gli abitanti attualmente presenti siano veramente pochi questa città ha un legame profondo con un capolavoro della Pixar: Cars. La dolorosa ma romantica vicenda di questa storica cittadina ha infatti catturato l'immaginazione dei registi e degli sceneggiatori della Pixar ed è diventata fonte di ispirazione per la creazione di Radior Springs, la cittadina fittizia dove si svolgono le avventure di Saetta McQueen.

Le storie commoventi raccontate dalla Porsche Sally descrivono la lenta e felice vita della città. Vita interrotta dalla grande autostrada che l'ha tagliata fuori dal mondo. Una storia che ricalca perfettamente il dramma vissuto degli abitanti di Seligman. Ma c'è di più. Si, perché i creatori del film si sono basati sulle figure storiche di questo paese per dare vita ai vari personaggi. Il più famoso è sicuramente il barbiere del villaggio, Angel Delgadillo. Delgadillo con la sua lotta instancabile per non far morire la memoria della sua terra hai spirato l'anima e lo spirito comunitario che caratterizzano gli abitanti di Radiator Springs.

Perché i viaggiatori continuano a visitarla oggi

Una città semideserta, ma non morta, piuttosto andrebbe definita risorta sottoforma di meta di culto per gli amanti del turismo nostalgico del vintage. Il merito sicuramente della tenacia dei residenti rimasti che sono riusciti a far dichiarare la vecchia Route 66 come strada storica dell'Arizona, dando inizio ad un fenomeno di rinascita culturale.

Una mappa di Radiator Springs che corrisponde a Seligman in Arizona

Chi visita Seligman lo fa perché è uno dei pochi luoghi in cui è possibile vivere l'esperienza originale del viaggio su strada di metà novecento. Gli appassionati di animazione la frequentano invece per vedere dal vivo ciò che ha dato vita ad uno dei loro capolavori animati preferiti.

Cosa vedere e cosa fare durante una sosta a Seligman

Una sorta di fenomeno di marketing che oggi si traduce in una ricca passeggiata di stimoli visivi e fotografici lungo la via principale della città. Tornando ad Angel Delgadillo, ad esempio, il suo Barber shop sicuramente è una delle tappe imperdibili per un turista, il che dimostra anche come spesso il raccontare una storia sfruttando neanche tutte le sue sfaccettature e modifiche possa aiutare a rientrare sul mercato.

Se state cercando qualche modo nuovo per migliorare l'estetica delle vostre storie di Instagram questo articolo fa per voi. Oggi infatti dimostriamo come mantenere un alto coinvolgimento degli utenti e offrire strumenti grafici sempre freschi semplicemente utilizzando le novità tastiera presenti nelle vostre storie. Avrete infatti a disposizione un nuovo livello di personalizzazione stilistica che vi permette di trasformare non soltanto le parole, ma anche gli elementi visivi più comuni in veri e propri dettagli di Design.

Il restyling grafico e l'accesso rapido ai nuovi stili

Primo cambiamento da evidenziare che è stato introdotto con questo aggiornamento del social riguarda la fluidità dell'interfaccia utente. Quando aprite lo strumento di testo all'interno di una storia, vi ritrovate a disposizione degli elementi tutti i nuovi e ora disposti in modalità più ordinata e intuitiva.

Le novità tastiera in questione riguardano l'aver eliminato la necessità di scorrere infiniti minuti nascosti per trovare lo stile grafico perfetto. Adesso ci sono i selettori di caratteri organizzati su una barra dinamica posizionata subito sopra la tastiera il dispositivo, che consentono di testare in tempo reale l'effetto di ogni singolo font sia sulle lettere che sui simboli.

Ecco tutte le cose che potete fare ora nelle vostre storie IG

Un nuovo flusso di lavoro velocizzato che incoraggia la sperimentazione visiva e spinge gli utenti a combinare stili diversi all'interno di una stessa schermata. L'obiettivo è spezzare la monotonia visiva e catturare l'attenzione del pubblico nei primi millisecondi di visualizzazione.

La metamorfosi visiva: applicare i font tipografici alle emoji

Altra perla di questo aggiornamento è la possibilità di modificare l'aspetto delle classiche icone gialle e dei simboli grafici. Se fino ad oggi inserendo una faccina, un cuore una stella, l'aspetto dell'icona rimaneva identico e standardizzato, grazie alle recenti novità tastiera l'applicazione dei fondi tipografici si estende anche al mondo delle emoji.

Potrete selezionare i caratteri dello stile retrò, neon, moderno o graffiato e le icone cambieranno forma, textoure e ombreggiatura. Un semplice cuore potrebbe trasformarsi e dunque non elemento pixellato dal sapore vintage o in un simbolo luminoso e vibrante, o ancora in un'icona minimalista in bianco e nero.

Instagram aggiorna costantemente l'algoritmo delle sue stories

Sperimentate e divertitevi cercando di aprire scenari creativi tutti nuovi e completamente inediti per la composizione grafica delle vostre Stories che attirano l'attenzione dei vostri followers.

Animazioni cinetiche per scritte e simboli in movimento

Vediamo ora come la bacheca di inserimento offre un controllo totale sull'animazione di testo. Ogni fonte disponibile è associata ad un movimento cinetico specifico che rispecchia la personalità del carattere stesso. Se attiverete l'opzione di movimento tramite l'icona dedicata sulla tastiera, le parole le icone modificate prenderanno vita sullo schermo.

Un dinamismo visivo che diventa fondamentale per dare ritmo alle storie, trasformando un semplice messaggio scritto in una sorta di micro video accattivante che trattiene l'utente sulla schermata migliorando le metriche di interazione del profilo.

Call of Duty Modern Warfare 4 torna questo autunno, una delle serie in prima persona più longeve e amate di sempre sta arrivando. Sappiamo per certo che si tratta del sequel diretto di Modern Warfare 3, non di un remake o una rivisitazione. Sarà un capitolo completamente nuovo, ma con personaggi a noi già noti e con l'aggiunta di alcuni volti nuovi. Modern Warfare 4 uscirà il 23 ottobre 2026. In questo articolo vi raccontiamo tutto quello che sappiamo su questo gioco e qualche curiosità scovata in rete.

Call of Duty Modern Warfare 4: cosa sappiamo

Quali sono le piattaforme dove poter giocare a questo titolo? COD: MW4 verrà lanciato su PS5, Xbox Series X/S, PC e, per la prima volta nella storia del franchise, su Nintendo Switch 2. Purtroppo questo titolo non uscirà sulla PS4, ormai si punta solo su next-gen, la nostra PlayStation da battaglia è troppo "vecchia" per questo gioco. Warzone abbandonerà anche PS4 e Xbox One dopo il lancio di MW4 a ottobre. Dopo tale data, non sarà più giocabile su queste console di vecchia generazione. Il gioco avrà anche una campagna per giocatore singolo. E puoi giocarci offline e persino metterlo in pausa. Modern Warfare 4 porta la serie in Corea del Sud. I giocatori vestiranno i panni del soldato semplice Park. Un fante di una piccola squadra di stanza in Corea del Sud, quando la Corea del Nord invade il paese. Questo dà il via alla storia principale della campagna, che permette anche ai giocatori di assumere il ruolo del Capitano Price, impegnato a dare la caccia al suo arcinemico e a cercare di salvare la situazione. E potrai giocare alcune missioni come soldato nordcoreano, osservando il conflitto dall'altra parte.

Ci sarà la campagna single player e sarà giocabile anche offline.

Quali sono le novità di questo nuovo gioco?

La prima tra tutte: l'ambientazione in Corea del Sud. Poi, per quanto riguarda la modalità giocatore singolo, Activision e lo sviluppatore Infinity Ward hanno chiarito che la campagna di MW4 non avrà come protagonisti super soldati o spie delle forze speciali. Al contrario, giocherete per gran parte del tempo nei panni di un semplice soldato che cerca di sopravvivere. Questo dovrebbe rendere l'esperienza più realistica e in linea con la tradizione dei capitoli precedenti della serie. Per quanto riguarda il multiplayer, i cambiamenti più significativi riguarderanno il movimento e il combattimento con le armi. I giocatori potranno ora arrampicarsi e poi appendersi o scivolare lungo i bordi, come le sporgenze degli edifici o i container. Quindi, sarà possibile saltare su una sporgenza, appendersi, sparare ad alcuni nemici mentre si è sospesi e poi saltare giù o persino scivolare lungo un palo vicino. Un altro grande cambiamento riguarda il rendering del mondo di gioco, con un campo visivo più ampio che rende MW4 più simile a uno sparatutto con telecamera corporea. Anche il tiro senza mirare subirà importanti modifiche che lo renderanno meno casuale e più realistico.

Il gameplay sarà più realistico e meno casuale.

Parliamo delle mappe in Call of Duty Modern Warfare 4

Giphy è la dimostrazione che anche una cosa piccina come una GIF può diventare un'opera d'arte ed essere esposta in un museo per essere ammirata. La GIPHY Gallery non solo mette in luce la diversità degli artisti GIF contemporanei, presentando opere come le creazioni surreali di Sholim ispirate agli anni '90, le immagini steampunk di Aleksey Efremov e i design futuristici di Sam Rolfe, ma sottolinea anche l'importanza di preservare la cultura digitale. Collaborando con MoMG, che ospita quasi 100.000 GIF un tempo a rischio di scomparire, GIPHY archivia la storia e al contempo fa progredire questo mezzo espressivo.

Una mostra unica e immersiva sulle GIF.

Giphy e il Museum of Modern GIFs

A quasi 40 anni di distanza dalla loro creazione, l'evoluzione delle GIF è stata notevole. Il 5 settembre, in occasione della Giornata Nazionale delle GIF, GIPHY ha inaugurato la GIPHY Gallery, una mostra virtuale curata con oltre 250 GIF originali create da più di 75 artisti. La collezione, realizzata in collaborazione con l'artista digitale e fondatore del Museum of Modern GIFs (MoMG) Daniel Murray, fonde la nostalgia dei primi tempi di internet con la creatività moderna, affermando le GIF come un mezzo artistico a tutti gli effetti. La Giphy Gallery è stata inaugurata con una mostra immersiva di una sola notte. Il lancio è stato celebrato con un evento immersivo di una sola notte presso i Lume Studios di SoHo, dove gli ospiti hanno potuto ammirare in anteprima l'intera galleria digitale in un ambiente interattivo. Gli ospiti sono stati accolti in uno spazio multisensoriale dove le pareti si animavano con animazioni in loop. Che hanno trasformato il luogo in un museo vivente della cultura di internet. Il pannello immersivo di GIF ha illuminato lo studio, con opere di spicco come il richiamo surrealista agli anni '90 di Sholim, le visioni di ispirazione steampunk di Aleksey Efremov e i paesaggi digitali futuristici di Sam Rolfe. I cocktail speciali venivano serviti mentre delle postazioni a quiz mettevano alla prova la conoscenza degli ospiti sulla storia delle GIF, dalla primissima GIF (un aereo pixelato del 1987) alle reazioni in loop più condivise dell'era dei social media. Gli ospiti hanno anche potuto divertirsi con dei momenti fotografici pensati per far sentire tutti come se fossero appena usciti da una GIF.

Dopotutto anche le GIF sono forme d'arte.

L'intervista a Menzel

"C'è una sorta di nostalgia per un internet che era più un Far West, più creativo", ha dichiarato Menzel a The Art Newspaper. "Non so voi, ma io ho imparato a programmare creando la mia pagina MySpace. Piattaforme come AngelFire e GeoCities permettevano di personalizzare davvero i contenuti. Le GIF, come mezzo espressivo, ci ricordano l'infanzia e i luoghi di internet dove potevamo essere dei veri creatori. Luoghi dove potevamo lasciare la nostra impronta personale." Menzel parla anche di come le GIF siano diventate una seconda natura per gli utenti di internet in tutto il mondo, rendendole una modalità di espressione artistica particolarmente prolifica. "Giphy esiste da 12 anni ormai", afferma. "Abbiamo assistito a una vera e propria diffusione delle GIF nel mainstream: abbiamo integrazioni in tutte le principali app di messaggistica e le GIF hanno una reale utilità. Sono diventate un vero e proprio linguaggio, uno strumento per esprimersi. La Giphy Gallery non offre necessariamente contenuti da condividere nella chat di famiglia, è qualcosa di più complesso.  Si tratta di un utilizzo di questo formato che può essere folle, selvaggio e interessante." 

Vediamo se ricordate questa GIF.

Come si crea una GIF?

Directive 8020 è un videogioco horror fantascientifico, il quinto capitolo della Dark pictures Anthology sviluppato da Supermassive Games. Ti porterà in un'avventura spaventosamente emozionante nello spazio alla ricerca di orrori lovecraftiani. Svelato per la prima volta nel 2022 con un teaser post-credits alla fine di The Devil in Me, sarà il quinto capitolo della serie antologica Dark Pictures e segna il debutto di Supermassive Games nello spazio. Sembra fortemente influenzato da classici dell'horror come The Thing e Prometheus. 

Directive 8020: il gioco è uscito il 12 maggio 2026

Il gioco è in fase di sviluppo da oltre tre anni, con la produzione completa che è iniziata dopo il lancio di The Devil in Me alla fine del 2022. I tempi di attesa tra i precedenti capitoli di Dark Pictures erano notevolmente più brevi, ma Directive 8020 è pensato per dare inizio alla seconda stagione della serie antologica e introdurre un approccio più ambizioso al gameplay in tempo reale. Oltre al passaggio all'Unreal Engine 5, il che spiega perché Supermassive si stia prendendo più tempo per questo titolo. Il gioco è stato rilasciato ufficialmente lo scorso 12 maggio 2026. È confermata l'uscita di Directive 8020 su PC ( Steam ), Xbox Series X|S e PS5.

Il gioco è molto immersivo, sembra di stare vivendo dentro un film paranoico e spaventoso.

Il pre-ordine ha portato dei contenuti aggiuntivi

Directive 8020, e la seconda stagione di The Dark Pictures Anthology nel suo complesso, abbandonerà la generazione precedente di console per approdare finalmente su Unreal Engine 5. Che permette di ottenere dettagli visivi più densi e un'illuminazione migliorata per personaggi, oggetti e ambientazioni. Ma anche strutture di livello e design di gioco complessivamente molto più complessi. Ciò significa che non sarà disponibile per Xbox One o PS4. Chi ha acquistato in anticipo ha ricevuto un upgrade gratuito all'edizione digitale deluxe, che include: - Pacchetto di abiti The Dark Pictures - Oggetti da collezione di The Dark Pictures - Pacchetto di filtri cinematografici - Colonna sonora digitale - Artbook digitale

Curiosità

Il primo trailer di Directive 8020 è stato pubblicato il 20 agosto 2024, durante la Gamescom 2024, e ha presentato sia il protagonista del gioco che la premessa di base. Insieme ad un'atmosfera abbastanza inquietante. Alla Gamescom 2025 abbiamo rivisto il gioco con il trailer "Trust No One", che ci ha fornito maggiori informazioni sulle pericolose creature aliene che dovremo affrontare e sulla paranoia che si diffonde tra l'equipaggio. Il 10 febbraio 2026 è stato pubblicato un trailer per il preordine, in concomitanza con l'annuncio della data di uscita. Se volete provarlo, prima di pensare ad un possibile acquisto, potete giocare gratis alla demo sulla PS5.

Le ambientazioni sono pazzesche e dall'atmosfera inquietante.

La storia di Directive 8020

Direttamente da Supermassive Games e dal distributore fisico Bandai Namco, ecco la sinossi ufficiale della trama di Directive 8020: "Braccati da un organismo alieno capace di mimetizzarsi con le sue prede, l'equipaggio della Cassiopea deve superare in astuzia i suoi inseguitori per tornare a casa sani e salvi. Per aiutarli a sopravvivere, le scelte che farai saranno più importanti che mai! Evita minacce in tempo reale dove ogni passo potrebbe essere l'ultimo. Decidi di chi fidarti in un mondo in cui chiunque potrebbe essere un letale impostore alieno." In passato, gli sviluppatori hanno descritto il nuovo gioco come "La Cosa nello spazio profondo", il che indica che lo studio non nasconde le proprie influenze, anzi le ignora, rifacendosi ai film horror spaziali che tutti conosciamo e amiamo. Per quanto riguarda l'ambientazione, il luogo principale è Tau Ceti f , un esopianeta realmente esistente nel sistema stellare di Tau Ceti.

Parliamo del destino della Terra nel gioco

In un'intervista con FandomWire, abbiamo appreso che nella linea temporale del gioco, la Terra sta morendo. E la Cassiopea è una nave da ricognizione inviata per esplorare potenziali nuove case per l'umanità. "Naturalmente, trattandosi di una storia di Supermassive Games, le cose non vanno secondo i piani e il vostro equipaggio finisce per schiantarsi. È qui che la loro esperienza, i loro rapporti e la fiducia reciproca vengono messi davvero alla prova." Il direttore creativo Will Doyle ha anche anticipato che tutti i personaggi possono morire e che la storia si svilupperà in modo simile a quanto accaduto nei precedenti titoli di Dark Pictures.

Questo gioco è la prima avventura sullo spazio della Supermassive Games per questa antologia.

I protagonisti e il gameplay

Sougwen Chung parla della sua pratica basata sulla tecnologia, l'artista sino-canadese spiega il pensiero che sta alla base del corpus di opere che presenta ad Art Basel Hong Kong. Una mostra davvero molto interessante che apre il dialogo su una possibile collaborazione tra uomo e macchina e su cosa ne può scaturire. L'artista presenta nuove opere nell'ambito della sezione Zero 10, la prima edizione di Art Basel Hong Kong., dedicata all'arte dell'era digitale. Il suo pezzo forte, Recursion 0, è un rotolo di 10 metri creato con l'aiuto di dati sulle onde cerebrali, che verrà completato dal vivo in fiera. Scopriamo insieme le particolarità della sua arte e quali sono le sue opere più apprezzate.

L'arte del futuro sarà in collaborazione tra uomo e macchina?

Sougwen Chung: l'artista che crea con l'aiuto della tecnologia

Durante un'intervista di Peter Bauman ha dichiarato: "Ultimamente ho riflettuto su come l'arte riveli i segnali premonitori. Quando ho iniziato a sviluppare il concetto di collaborazione uomo-macchina era il 2015, anni prima che l'attuale ondata di intelligenza artificiale generativa entrasse nella coscienza collettiva. L'idea nasceva da ricerche nel campo delle neuroscienze, della visione artificiale e dell'interazione uomo-computer (HCI). Ma "interazione" mi sembrava insufficiente, troppo transazionale. "Collaborazione" mi sembrava più appropriata. Nella collaborazione c'è sempre un cambiamento. Uno scambio reciproco. Una promessa. Un pericolo. Implica un rischio relazionale, un intreccio: una sorta di (ex)cambiamento." Questo scambio dinamico è ciò che sta alla base della serie DOUG (Drawing Operations Unit: Generation). DOUG abbraccia ormai diverse generazioni ed è stata presentata ovunque, dal Victoria and Albert Museum di Londra (dove l'opera è entrata a far parte della collezione permanente) e il National Art Center di Tokyo al World Economic Forum di Davos.

Chung è una delle "donne del prossimo futuro"

Una condivisione tra uomo e macchina: il pensiero dell'artista

Forse è per questo che l'opera spesso suggerisce una condivisione di agenzia creativa tra uomo e macchina. Chung è attratta da questa idea di agenzia creativa, dal suo significato attuale, da come viene concessa o revocata. È una questione di paternità e valore, ma anche di occultamento e cancellazione. Cosa dice di noi il nostro desiderio, o il nostro rifiuto, di attribuire la paternità a una macchina?

Il suo interesse non è mai stato quello di sostituire la collaborazione umana, ma di mettere in discussione le nostre convinzioni su cosa siano le macchine e cosa gli esseri umani possano diventare attraverso di esse. Con ogni iterazione di DOUG, esploro la temporalità e l'incarnazione attraverso corpi meccanici, sistemi, sensori e dati. L'esperienza umana sfida la computazione, eppure può essere espressa in modi nuovi attraverso questi strumenti.

Il processo stesso è lo spazio tra le categorie. "Umano" e "macchina" come categorie. Il "tra" come pratica creativa. Questo spazio relazionale si è rivelato socio-tecnicamente preveggente. Viviamo ormai in un mondo di mediazione ibrida. In ogni generazione di DOUG, rifletto sui temi dell'imitazione, della memoria, della spettralità, della molteplicità, dell'assemblaggio, della spazialità, della ricorsività. Questi sistemi sono diventati specchi che a volte distorcono, a volte chiariscono. Un modo per entrare in sintonia con ritmi diversi: urbano, gestuale, interiore.

L'artista che lavora con AI e robot. Crediti immagine: Sougwen Chung

Come crea Sougwen Chung

Il feedback che lei riceve dalla macchina non è verbale o emotivo, come potrebbe esserlo da un collaboratore umano. È un ciclo di feedback che si incarna in modo diverso, ritmico, ricorsivo. Disegna utilizzando decenni di dati sui miei movimenti o crea mappature propriocettive attivate dalle onde alfa. Questi sistemi non possiedono un'azione in senso mistico, ma riflettono la nostra: le nostre scelte, i nostri pregiudizi, le nostre conoscenze. Ha iniziato a vederli come noi stessi in un'altra forma.

Per creare una macchina collaboratrice, ha dovuto diventare leggibile dalla macchina. È un paradosso: per andare oltre il sé, ha dovuto quantificare rigorosamente il sé. È una contraddizione, una tensione esistenziale che è diventata una condizione universale, centrale per il suo lavoro e per il nostro più ampio rapporto con la tecnologia. È una tensione che ha esplorato nel suo TED talk, "Perché disegno con i robot". E che l'ha portata a essere inclusa nella prima lista Time100 AI di Time. Nel 2023, si è giunti alla consapevolezza che la questione dell'interazione creativa tra uomo e macchina si è spostata dai margini al centro del discorso culturale.

L’Olanda celebra Van Gogh con una pista ciclabile ispirata a La notte stellata, puntellata di tante pietre luminose, che ci accompagnano lungo la provincia olandese dove è nato l’artista.

Van Gogh Path

C’è un posto dove possiamo passeggiare in bicicletta come se fossimo all’interno di un quadro di Van Gogh.

Van Gogh Path Ci troviamo a Nuenen, vicino a Eindhoven, in Olanda. Il percorso ciclabile in questione è lungo 335 chilometri e tocca alcuni dei luoghi più importanti della vita dell’artista olandese. La pista ciclabile collega diverse località del Noord Brabant, la provincia olandese che ha visto i natali di Van Gogh e dove l’artista ha trascorso la maggior parte della sua vita. In occasione del Van Gogh 2015 International Theme year, dedicato ai 125 anni della scomparsa del pittore olandese, una parte del percorso è stato illuminato da migliaia di pietra scintillanti, traendo ispirazione da La notte stellata. La creazione è opera del designer olandese Daan Roosegaarde, in collaborazione con Heijmans Infrastructure. Il percorso in questione è lungo circa un chilometro ed è illuminato da migliaia di pietre scintillanti con tecnologia glow in the dark e luci a led ad energia solare. Il tutto è assolutamente ecosostenibile. Le pietre, infatti, assorbono l’energia luminosa dal sole durante la giornata, per poi rilasciarla al calare del sole, creando uno spettacolo meraviglioso che ricorda il dipinto del pittore olandese.

La notte stellata di Van Gogh

La notte stellata è uno dei dipinti più celeri dell’artista olandese. Van Gogh la dipinse nel giugno del 1889, durante il suo ricovero nell’ospedale psichiatrico di Saint Remy de Provence, nel sud della Francia.

La notte stellata Il dipinto rappresenta un cielo notturno, illuminato da stelle vorticose e dinamiche. Le nubi si avvolgono in spirali, le stelle e la luna brillano come tante sfere di luce. Nel dipinto notiamo anche un grande cipresso ergersi sulla sinistra. Van Gogh lo posiziona lì, come collegamento tra la terra e il cielo. In basso vediamo un piccolo villaggio immaginario, ispirato a Saint Remy de Provence, mentre le colline sullo sfondo si muovono a onde. Attualmente il dipinto è conservato al MOMA di New York.

Studio Roosegaarde

A realizzare la pista ciclabile ispirato a La notte stellata di Van Gogh è stato lo studio Roosegaarde.

Van Gogh Path Lo studio, con sede a Rotterdam, è un laboratorio di design sociale, dove Daan Roosegaarde e il suo team realizzano installazioni urbane volte a migliorare la vita quotidiana e stimolare l’immaginazione. Il motto dello studio è Schoonheid, una parola olandese con due diversi significati: bellezza e pulito. Entrambi gli elementi dovrebbero essere elementi fondamentali della nostra vita quotidiana. “Dobbiamo prima immaginare un futuro migliore, e solo allora potremo crearlo. Le persone non cambieranno per via dei numeri. Ma se riusciamo a suscitare la curiosità per un mondo migliore, è così che si attivano le persone. Non credo nell’utopia, ma nella protopia: migliorare il mondo che ci circonda passo dopo passo” – Daan Roosegaarde.

Altri progetti dello Studio Roosegaarde

Google svela Suncatcher, un incredibile progetto che prevede di realizzare dei data center orbitanti da lanciare nello spazio. Scopriamolo insieme.

Il problema

Siamo partiti da un problema che in questo momento sta diventando via via sempre più incombente: le intelligenze artificiali richiedono capacità computazionali sempre maggiori, causando un consumo energetico insostenibile.

Suncatcher Attività come l’addestramento delle intelligenze artificiali o il raffreddamento dei data center richiedono quantità di energia davvero molto elevate. Le AI hanno un impatto ambientale che non possiamo sottovalutare e per questo si cercano soluzioni a riguardo. Google ha recentemente presentato la sua possibile soluzione al problema: Suncatcher.

Il progetto Suncatcher

Suncatcher al momento è un progetto fin troppo ambizioso, che richiederebbe tecnologie all’avanguardia e che presenta diverse limitazioni che al momento sono difficili da superare. Tuttavia, se fosse realizzabile esso potrebbe in parte risolvere il problema di cui parlavamo. Google ha quindi presentato quello che al momento è un bellissimo sogno nel cassetto, ma che speriamo possa in qualche modo diventare realtà. Il progetto Suncatcher prevede costellazioni di satelliti a energia solare, i quali porterebbero nello spazio e alimenterebbero a energia solare, appunto, i chip di Google per l’intelligenza artificiale. L’idea è quella di superare i limiti terrestri e di sfruttare quella che, in realtà, è un’energia infinita e completamente pulita: l’energia del sole.

Come funzionerebbe

All’interno dei satelliti, Google vuole inviare nello spazio i suoi TPU (Tensor Processing Unit), i chip per l’accelerazione dell’elaborazione dei modelli AI.

Suncatcher La costellazione di satelliti volerebbe in formazione, mantenendo così le comunicazioni a banda larga e a bassa latenza, attraverso collegamenti ottici. Sebbene il progetto presenta alcune difficoltà da superare, Google vuole lanciare il primo prototipo nel 2027. Si tratterebbe solamente di una coppia di satelliti che Big G utilizzerà per testare l’hardware, i collegamenti ottici e la resistenza alle radiazioni.

I problemi da superare

La sfida principale che dovrà affrontare l’intero progetto è la comunicazione inter stellare. Riuscire a eguagliare la potenza delle comunicazioni terrestri sarà davvero difficile. Per riuscirci i satelliti dovrebbero avere bisogno di connessioni nell’ordine delle decine di terabit al secondo. Ed è proprio per questo motivo che, come dicevamo, Google pensa di far volare i satelliti in formazioni strette. C’è poi il problema della sopravvivenza delle TPU nello spazio. Secondo Google, le proprie TPU saranno in grado di sopravvivere a una certa dose di radiazione per 5 anni, senza subire danni permanenti. Infine, c’è il costo che potrebbe diventare il problema più grande di tutti. Per creare la costellazione Google dovrà affidarsi a Space X, la quale dovrà effettuare almeno 1800 lanci.

Suncatcher: vantaggi e svantaggi

Human Operator è il dispositivo sviluppato dagli studenti del MIT che utilizza l’intelligenza artificiale e la stimolazione muscolare per muovere la tua mano. Scopriamolo insieme. “We gave AI a body”

Il progetto del MIT

Il dispositivo indossabile è attualmente solamente un prototipo, sviluppato da un team di studenti del MIT in 48 ore, durante un hackathon. Un hackathon è, infatti, una maratona creativa e collaborativa, durante la quale diversi team si sfidano tra di loro per sviluppare, in un tempo limitato, un prototipo pensato per un problema specifico.

Human operator È proprio il caso di Human Operator, che ha partecipato e vinto al hackathon MIT Hard mode 2026, grazie a un formidabile team di 6 studenti dell’ateneo. Il team è così composto: Peter He, Ashley Neall, Valdemar Danry, Daniel Kaijzer, Yutong Wu e Sean Lewis. Human Operator integra modelli di intelligenza artificiale, telecamere e hardware per la stimolazione muscolare. “Human operator è un prototipo. Non è un dispositivo medico né un prodotto di consumo. I sistemi EMS possono essere pericolosi se utilizzati in modo improprio e richiedono calibrazione, cautela e consenso informato”.

Cos’è Human Operator

“Human operator è uno strumento di potenziamento umano che consente all’intelligenza artificiale di assumere brevemente il controllo del tuo corpo per aiutarti ad apprendere o a svolgere attività che altrimenti non saresti in grado di fare”. Il dispositivo guida la nostra mano, grazie agli input dell’intelligenza artificiale e agli impulsi della stimolazione muscolare. Nel video dimostrativo si vede il dispositivo guidare le mani delle persone che lo indossano per salutare, fare il gesto dell’ok e, addirittura, suonare alcune note al pianoforte.

Come funziona

Il team ha spiegato il funzionamento del dispositivo nello specifico. Grazie a un sistema di telecamere e a un modello visione linguaggio, esso analizza l’ambiente e trasforma i comandi vocali dell’utente in azioni, stimolando i muscoli del braccio dell’utente.

Human operator I modelli VLM (modello visione linguaggio) sono sistemi di intelligenza artificiale addestrati per elaborare le immagini e il linguaggio in modo integrato. Siccome Human Operator integra uno di questi modelli VLM, esso è in grado di interpretare le richieste vocali dell’utente e analizzare ciò che vede nell’ambiente circostante attraverso la telecamera. Una volta analizzate le diverse informazioni il dispositivo sceglie quali azioni compiere. Il dispositivo indossabile dispone di una serie di cuscinetti per la stimolazione elettrica muscolare (EMS), applicati al polso e all’avambraccio. Gli stimoli elettrici guidano il braccio e la mano dell’utente nei movimenti.

A cosa serve Human Operator

Al momento il modello è solo un prototipo realizzato per l’hackathon, ma ciò che lo rende davvero convincente è il fatto che sia costituito da tecnologie già ampiamente utilizzate ed avanzate. L’EMS è già ampiamente utilizzata nella terapia e nell’allenamento atletico per aiutare nella riabilitazione. E anche i modelli VLM sono già un modello di intelligenza artificiale all’avanguardia e ampiamente utilizzato. Nel concreto Human operator è stato pensato come un dispositivo in grado di aiutare nei movimenti precisi, per un apprendimento istantaneo di attività complesse, come suonare uno strumento musicale, tracciare disegni o compiere gesti tecnici. Esso può, inoltre, essere impiegato nella riabilitazione e nella fisioterapia, per assistere i pazienti nel compiere i corretti movimenti durante le sessioni di recupero motorio.

Human Autonomy Teaming

Mademoiselle Maurice è un’artista francese che, dopo un periodo trascorso a Tokyo, si specializza nell’arte dell’origami e oggi incanta con le sue incredibili opere di carta.

Chi è Mademoiselle Maurice

Mademoiselle Maurice è un’artista francese, nata e cresciuta sulle montagne dell’Alta Savoia. Studia architettura a Lione, per poi trasferirsi a Ginevra e poi a Marsiglia.

Mademoiselle Maurice Dopo queste esperienze decide di partire per il Giappone, dove si stabilisce per un anno, prima di ritornare in Francia, dove attualmente vive e lavora. Maurice vive tra Parigi e Marsiglia, dove sviluppa e crea le sue opere colorate e dinamiche.

Da Parigi a Tokyo

È proprio dall’esperienza di vita a Tokyo che nascono le opere dell’artista francese. Qui non solo apprende l’arte dell’origami, ma sviluppa anche un profondo legame con il paese del Sol Levante e, in particolar modo con alcuni eventi che hanno segnato il Giappone. Le sue prime opere sono state composte in memoria dei tragici eventi dell’11 marzo del 2011 (terremoto, tsunami e disastro della centrale nucleare di Fukushima). Le sue opere sono basate sulla leggenda delle 1000 gru e sulla storia di Sadako, una bambina che ha vissuto la tragedia di Hiroshima.

L’arte dell’origami

L’origami è l’antica arte giapponese di piegare la carta, per creare figure bidimensionali e tridimensionali. Il termine origami deriva dalle parole oru (piegare) e kami (carta). L’arte dell’origami prevede l’utilizzo di un singolo foglio di carta e non è consentito l’utilizzo di forbici e colla.

Mademoiselle Maurice Quest’arte non è semplicemente un hobby o un passatempo, nella cultura giapponese esso è legato a qualcosa di molto più profondo. Gli aspetti fondamentali di questa disciplina sono: - Pazienza e concentrazione: per creare le opere di carta occorre calma e concentrazione, trasformando questa pratica in un’attività di mindfullness. - Rispetto dei materiali: il foglio di carta non viene compromesso in alcun modo, non viene tagliato né alterato, ma né vengono esaltate al massimo livello le sue potenzialità. - Sacro: gli origami sono legati alla religione shintoista, dove la carta veniva un tempo considerata sacra.

Le opere di Mademoiselle Maurice

Le opere di Mademoiselle Maurice non si limitano a ricreare piccole gru di carta. Esse utilizzano il riciclo come forma d’arte e, oltre alla carta, l’artista utilizza vernici, metalli, fili.

Mademoiselle Maurice Le opere vengono esposte in giro per la città, colorate e vivaci, spezzando il grigiore dell’ambiente urbano. Sebbene queste opere sembrano leggere e vivaci, il cui scopo principale è quello di portare allegria e positività, il lavoro dell’artista è, in realtà, anche una profonda analisi interiore sulla natura umana e sul rapporto tra gli esseri umani e l’ambiente circostante. Le sue installazioni sono per lo più grandi opere urbane di street art, le quali coprono intere facciate di edifici e spazi pubblici. Spesso l’artista coinvolge le comunità locali, per realizzare le sue opere più grandi. In questo modo scuole o centri di accoglienza si ritrovano a piegare decine di migliaia di piccoli origami, diventando parte integrante dell’opera e di un progetto più grande di inclusione e comunità.

Le installazioni più famose