El Círculo de Picasso

Este enlace musical pertenece al ballet Parade, obra compuesta por Erik Satie al que el libretista Jean Cocteau puso el escenario. Diaghilev y su compañía lo convirtió en ballet entre 1916 y 1917 y fue estrenado por primera vez en el año 1917 en el Théâtre du Châtelet, París. En este estreno participó Ernest Ansermet a la dirección de la orquesta, Léonide Massine con la coreografía, y nuestro pintor malagueño con el diseño del vestuario y de la escenografía.

Telón de fondo de la obra

Este telón de fondo fue pintado en Italia por Pablo Picasso cuando se trasladó con la compañía de danza, es su primera y monumental muestra de esta nueva plástica. Su actuación en la obra, es decir, el vestuario y el decorado, están marcados por la presencia de las formas volumétricas, siguiendo las líneas cubistas, pero además de estas formas volumétricas se distinguen perfectamente otras figurativas más realistas, y es que es en este momento cuando Picasso empieza a dejar un poco de lado el cubismo para volver a centrarse de nuevo en un arte más realista y figurativo.

Para más información: https://www.youtube.com/watch?v=TCxGBvTXpmM

Tirando del hilo del Picasso grabador, siempre en relación con su círculo, descubrimos una serie de obras, concretamente trece grabados, encargados en 1931 a propósito del texto de Balzac Le Chef d'oeuvre inconnu (La obra maestra desconocida).

Aprovechando los cien años que habían pasado desde la publicación original de la obra de Balzac, el marchante Vollard le encargó trece aguafuertes que ilustrasen la nueva publicación del texto, así que Picasso, tras la lectura del relato, se dispuso a su realización. Fue una idea que cautivo al pintor desde el primer momento porque se identificó en seguida con el personaje principal de la obra.

Honoré de Balzac realiza una reflexión sobre el arte a través de este cuento ficticio que tenía como personaje central a un pintor, llamado Frenhofer, obsesionado con un cuadro secreto que no logra acabar. “Cuando finalmente dos artistas admiradores del pintor logran ver la obra, solo encuentran una intrincada masa de brochazos y capas de pintura, del que apenas si sobresale un pie: la creación de una persona demente obsesionada por conseguir una perfección que se resiste a la imperfección característica aún del arte más sublime.”[1]

  Grabado I

Grabado VI

Grabado VII

Grabado XI

Grabado XII

Para todo aquél que esté interesado en la lectura del relato os adjunto un link a través del cual podéis acceder a él: www.ciudadseva.com/textos/cuentos/fran/balzac/obra.htm

    Clara Olmos Martín

Links de interés:

http://www.march.es/arte/cuenca/exposiciones/honore-de-balzac/

http://www.georgetownframeshoppe.com/artists/pablo-picasso/portfolios/le-chef-d-oeuvre-inconnu-1931

http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=29301

La nieta del pintor y Olga Koklova, e hija de Paul Picasso, sacará el próximo día 6 de junio a subasta dos cuadros para destinarlos a fines caritativos. La venta se producirá en París en la casa Shoteby´s y los beneficios irán destinados a proyectos en relación con la infancia y la adolescencia, causas en las que Marina Picasso lleva años implicada. 

Los lienzos en cuestión fueron pintados entre las décadas de los 30 y 40, años turbulentos en la historia de Europa, los años de la guerra. La tela 'Femme assise en robe grise', fechada el 31 de agosto de 1943, ha sido valorada entre 2,5 y 3,5 millones de euros por Sotheby's y la protagonista es Dora Maar, dato que incrementa su importe, pues serán los cuadros de Maar y los de Marie Thérèse Walter los más cotizados de todos los retratos de Picasso. Sería por estas fechas cuando la relación entre la fotógrafa y el pintor finalizara. 'Palette et Tête de Taureau', pintada en 1938, ha sido estimada entre un millón y millón y medio de euros.

"Femme assise en robe grise", 31 de agosto de 1943.

"Palette et Tête de Taureau", 1938.

Alguien me dijo una vez que no había entrevistas de Picasso en castellano...

Los años que Picasso pasó en Bateau-Lavoir, son realmente, una gran época de nuevas amistades.  El Bateau-Lavoir es un inmueble situado en el barrio de Montmartre, en el distrito 18 de París, lugar de residencia y de reunión de numerosos pintores y escritores. El primer artista en instalarse en él, fue Maxime Maufra en 1892.  Se convirtió rápidamente en ese lugar que mencionamos, encuentro de artistas, cultivador e intercambio de ideas, entre los que destacaba la presencia de Paul Gauguin. Este Picasso quien había tenido hasta entonces una vida de supervivencia, buscador de oportunidades, abriéndose por nuevos círculos y haciéndose conocer… había estado buscándose la vida malamente por las calles parisinas Esto hizo que desarrollara una picardía, una astucia y un descaro que posteriormente emplearía en sus relaciones y en ese mundo burgués en el que había entrado.

Picasso va dejando su etapa azul a la par que su miseria económica para dar paso a esa nueva etapa en su vida, llena de logros profesionales y económicos. Este cambio se vio influido gracias al apoyo moral de los poetas que lo rodean en el Bateau-Lavoir. Las amistades que nacen en este casón de encuentro se convertirán para Picasso en muchos casos en amistades permanente a lo largo de su vida.

Los amigos de Picasso en el Bateau-Lavoir podemos dividirlo en dos grupos: Los españoles y franceses. La admiración por este último grupo iba creciendo a medida que las obras de Picasso evolucionaban y encajaban en la estética francesa y todos ellos formaban parte del mundo pícaro de Picasso en ocasiones como medios y en otros como aliados, como es el caso de la famosa Banda de Picasso.

A su vez los amigos españoles los podríamos dividir en dos subgrupos.  Por un lado los que compartieron con él su primera época mísera y de transición de ambientes y por supuesto de aprendizaje en el arte de la picardía y la pillería entre los que destacan González Gargallo, Nonell, Ramón Pichot, Junyer, Zuloaga, Canals y Sabartés (la mayoría de estos se alejarían de su vida pero nunca llegarían a romper completamente las relaciones) y por otro lado tenemos aquellos españoles que conocieron a un Picasso inscrito en ese ambiente aburguesado del Bateau-Lavoir, curtido de una vida de supervivencia callejera, entre los que conoció a Paco Durio y Manolo Hugué personaje de alta categoría de la conocida banda de Picasso, bohemio y extravagante, sin embargo a éste ya le había conocido con anterioridad en Els Quatre Gats.

Manolo, fue un personaje que encarnó esa figura del pícaro español. Este personaje llegó a compartir grandes momentos y experiencias con Picasso y le desveló ciertos trucos tanto dialecticos como retóricos todo dirigido al fin de salirse con la suya, además de ello influiría a Picasso en el modo de tratar futuras relaciones,  los cuales nos quedan reflejados en relatos históricos y biográficos sobre todo el carácter y las artimañas llenas de extravagancias para persuadir a críticos, marchantes y burgueses.

Ambos personajes comparten muchas similitudes y posiblemente eso se deba a una infancia llena de contratiempos y falta de un apoyo paternal. En el caso de Manolo, el abandono total por su padre y el desatiendo por parte de su madre. Esto hizo que se implicara desde muy temprano a cometer pequeños hurtos y escabullidas de la policía, además Manolo huyó a Francia para escapar del servicio Militar. “Había pasado escasos días en un cuartel de caballería. Le bastaron para aprender las grandezas y servidumbres del oficio de las armas. Así que desertó con su caballo, que vendió pasados ya los Pirineos, y ya le tenemos convertido en un exiliado sin documentación”.[1] Como vemos ese espíritu de rebeldía iba unido al de picardía y eso era lo que le fascinaba a Picasso de Manolo. Reflejaba por tanto esa continua huida de la que tanto ha sido caracterizado por Picasso por los historiadores de arte.

 Como ya hemos mencionado Picasso encontró en Manolo una gran amistad y confianza mutua, además que Picasso admiraba las historias que éste le contaba ya que siempre superaban a la anterior. Sin embargo Fernande Oliver nunca le llegó a convencer, pues suponía obviamente una mala influencia para Picasso pues se ganaba la vida en París de la misma forma que lo hacía en España, a base de pillerías y estafas. “Uno de sus trucos, el más inocente, era hacerse pasar por escultor de fama. Desdichadamente nadie había visto jamás ni una de sus esculturas. Picasso, riéndose, explicaba que lo había visto esculpiendo por unas pesetas los terrones de mantequilla en las pastelerías de Barcelona, tal como se hace todavía en España”.[2]

Manolo siempre se gloriaba o fanfarreaba de haberlo hecho todo excepto matar. Exageraba, sin duda, según nos confiesa Fernande Oliver pero el número de sus malas jugadas, que recogieron Ronald Dorgelès, Gertrude Stein y André Salmón, constituye un brillante palmarés para un sinvergüenza.

“Su jugada más celebre fue la lotería que organizó en su propio provecho. Durante tres años consiguió ir colocando a los comerciantes de la Butte billetes de lotería dibujados, como en España, por él mismo en chapitas de madera. El primer y único premio era su propio busto. Nadie ganó jamás el famoso busto por la sencilla razón de que nunca lo esculpió.[3] Pero no queda ahí la cosa Manolo no le faltaba cara cuando alguien le preguntaba por el concurso respondiéndole de forma natural e inocente. Comunicándoles que ya se había celebrado y mostrándole sus disculpas.

Esta era de las jugarretas menos preocupantes, sin embargo  llegó a realizar ciertas pillerías odiosas e incluso para los integrantes del Bateau-Lavoir. Manolo abusó de las amistades y de aquellos que le ayudaron de forma económica como es el caso de Paco Durio. “Le había confiado la guardia de su chabola, en la que había dos famosos cuadros de Gaugin. Todavía no había cerrado la puerta, cuando ya Manolo descolgaba los cuadros e iba a ofrecérselos a Vollard; éste le compró las obras por una suma irrisoria (…)[4]Cuando Durio volvió acometió a Manolo de la falta de sus obras y éste le confesó que se moría de hambre y que no tenía otra alternativa. Finalmente Paco Durio recuperó sus obras tan apreciadas de Gauguin y sin apenas problemas.

Van Dongen también fue víctima del desvergonzado rufián. Manolo fue a verle para pedirle unos cuadros de parte de un amigo que iba a hacer una exposición, pocas horas después, el holandés daba con sus cuadros en la acera del père Soulié, a quien Manolo había ido corriendo a vendérselos.

“En otra ocasión el escultor vendió un recibo del Monte de Piedad a un cliente de un café luego de hacerle creer que era la contraseña de un estupendo aparato fotográfico. Encantado de tan buen negocio, el desconocido se precipitó a “casa de mi tía”… ¡donde le entregaron un colchón viejo y sucio!

No hablemos ya de las alcancías que se vació en la iglesia de Saint-Jean de la plaza des Abbesses, de las colectas que hizo para el entierro de “difuntos amigos”… Sus pillerías eran diarias como sus dos comidas”.[5]

Estas historias eran escuchadas alabadas por Picasso dando una visión de Manolo como una persona idílica de la que tenía que aprender mucho. No olvidemos que Picasso era descrito como “esponja” que absorbe todas las ideas, las mejora y las convierte en suyas. Pues bien, con esa premisa no se nos hace extraño que las pillerías y las enseñanzas de Manolo, fueron asumidas por Picasso y convertidas en obras de éste. Todo el mundo se lo excusaba todo: tan seductora era su sinvergüencería. Describen así a Manolo pero sin embargo también sería muy válido para Picasso.

A pesar de toda esta picardía de ambos personajes, ambos supieron valerse de ella para salir adelante. Manolo empezaría una nueva vida en España como escultor mientras que Picasso mejorándolo sería reconocido como un artista único en la historia del arte.

Maurice Raynal, y luego Franck Haviland, lo tomaron bajo su protección y lograron contra toda esperanza hacer de él un artista y persona respetable. (…) Manolo no pudo hacer otra cosa que dedicarse a la escultura. A partir de entonces ciertos artistas le reconocieron como un gran escultor como es el caso de Picasso y Braque.

Manolo volvió a España acogiéndose a una amnistía. Profesor en la Escuela de Bellas Artes, apreciado y respetado, se convirtió para todo el mundo en el honorable don Manuel Hugué. Había quedado olvidado el truhan Manolo (…)[6]

Las relaciones del escultor con Picasso son afectuosas, hasta fraternales. Ambos han compartido a menudo el mismo pobre techo y la misma comida… pero se sitúan siempre en el plano del hermano mayor con el menor. Para Manolo, Picasso, joven de porvenir, es el pequeño. Un pequeño que necesita consejos y críticas, y no le ahorra ni los unos ni las otras. Si le gustaron y admiró los miserables azules y los saltimbanquis rosas sin embargo, se enfada con Picasso cuando éste emprende la búsqueda que acabaría con el cubismo. Ambos siguieron unidos por buenos lazos hasta la muerte de Manolo en 1945.

En conclusión y sabiendo la influencia tan importante que tuvo Manolo Hugué sobre Picasso, debemos de preguntarnos sobre las actividades y producciones de Picasso. Sin lugar a duda es uno de los mayores artistas de la historia del arte pero… el lector podría preguntarse entonces y si todo lo que conocemos de Picasso ¿fuera todo otro truco de estos dos pícaros? ¿Y si todo fuera una verdadera estafa? o ¿si todo fuera una ilusión creada con un fin lucrativo? ¿Es posible qué Picasso creara una estética falsa para vender a una burguesía ignorante, más preocupada de tener que entender? En todo caso no dejaría de ser arte, pues el artista crea, aunque sea una mentira pero crea y es gracias a esa picardía, a ese círculo pícaro, concretamente a su amigo Manolo Hugué con la que llega a concebir un nuevo concepto de arte. Picasso puede que creara toda una mentira, pero al creérnoslo, descubrimos una verdad, el Cubismo.

“Los artistas mienten para decir una verdad los políticos para ocultarla”.  Alan Moore. V de Vendetta.

   Alberto Cordón Olivares

[1] CRESPELLE, Jean-Paul. Picasso, sus mujeres, sus amigos, su obra. Pág. 84, Ed. TABER

[2] Ídem

[3] Ibídem. p.85

[4] Ídem.

[5] Ibídem. p. 86

La escritora cubana Zoé Valdés, protagonista de esta entrada y de las breves entrevistas enlazadas, ha sido ganadora del premio Azorín del año 2013 con la novela La mujer que llora, segundo libro de una trilogía en la que intenta analizar tres mujeres artistas surrealistas, cuya protagonista, en este caso, es la archiconocida Dora Maar. Comenzó su trilogía con La cazadora de astros (2007), sobre la pintora Remedios Varo (1908-1963), y acabará cuando publique una novela sobre Lydia Cabrera (1899-1991), "la más grande de las escritoras cubanas" [1] Entre ambas, se ha ocupado de la fotógrafa y pintora Dora Maar, como ya hemos dicho.

  http://www.rtve.es/alacarta/videos/noticias-24-horas/zoe-valdes-presenta-mujer-llora-premio-azorin-novela/1766109/

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=r0IOpi14k7g

La novela está narrada como si fuese un diario de viaje, viaje que realmente realizó Dora Maar a Venecia a sus 51 años, con la pareja amiga formada por el escritor Bernard Minoret y el soldado James Lord, una vez hubo acabado su relación con Picasso. A la vuelta, Dora se recluyó, otra forma de suicidio para una persona tan vital como era esta mujer y que fue provocado tanto por Picasso como por la tormentosa relación que vivió con él, según cuenta la escritora. Este aislamiento fue lo que suscitó la curiosidad de Zoé, lo que le llevó a investigar y por ende a escribir este libro.

A través de la novela podemos acercarnos al maravilloso y mágico París de los años 30, a la ebullición artística del momento, así como a la figura surrealista de Dora Maar y a la dificil relación que mantuvo con Picasso. También trata de cerca la brutalidad de los sentimientos humanos y la capacidad que pueden llegar a tener estos para destruirnos.

Parece una buena lectura para rememorar y revivir a Picasso y a su circulo, con ocasión del cuarenta aniversario de su muerte.

[1] http://cultura.elpais.com/cultura/2013/04/15/actualidad/1366027272_262290.html

Artículos de interés:

http://www.abc.es/cultura/libros/20130416/abci-valdes-picasso-azorin-201304151631.html

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/04/15/actualidad/1366027272_262290.html

http://tiempo.infonews.com/2013/04/16/cultura-100172-en-su-novela-la-mujer-que-llora-zoe-valdes-repasa-la-vida-de-una-amante-de-picasso.php

http://www.latercera.com/noticia/cultura/2013/04/1453-518867-9-escritora-cubana-zoe-valdes-lanza-biografia-de-dora-maar-amante-de-picasso.shtml

  Unas entradas atrás Natalia nos hacía un interesante acercamiento al mundo taurino de Picasso, relacionándolo con su amigo, el torero Luis Miguel Dominguín. La afición de Picasso por los toros viene desde su infancia, cuando acompañaba a su padre a las corridas malagueñas, convirtiéndose esta fascinación que suponía para él el mundo taurino en un tema que se repetiría constantemente en sus obras.

Al hilo de lo comentado, queremos remitiros a la exposición que nos muestra la Fundación Suñol de Barcelona, Pablo Picasso: La Tauromaquia, donde se han recogido las aguatintas que realizó el artista malagueño para ilustrar la obra dieciochesca de José Delgado, alias Pepe Illo: La Tauromaquia o Arte de torear (publicado en 1796 en Cádiz).

El proyecto de edición de La Tauromaquia se había iniciado en 1926, cuando Gustau Gili i Roig ofreció a Picasso la posibilidad de ilustrar el libro para una nueva edición. Sin embargo, este proyecto quedó parado en 1930 y no se retomaría hasta 1956 cuando su hijo Gustau Gili i Esteve se hizo cargo de llevarlo a término. Entre éste y Picasso se crearon fuertes vínculos de amistad que propiciaron la apertura del Museo Picasso de Barcelona (1963) por parte de Gili i Esteve, así como la donación de Jacqueline Picasso de una importante parte de la obra picassina a dicho museo.

De la colaboración entre ambos resultaría, un 25 de octubre de 1959 en Barcelona, la edición del libro e ilustraciones que hoy día se recogen en la exposición de la Fundación Suñol.

Así que ya sabéis, amantes del arte de Picasso, si vivís o visitáis Barcelona entre las fechas 18/04/2013 y 07/09/2013, no dudéis en acercaros a contemplarla. Aquí os dejamos el link de la exposición para que le echéis un vistazo.

 http://www.fundaciosunol.org/exposicions/exposicions.php?sub=0&id=78

Hoy os traigo un documental sobre la vida de Picasso donde diferentes expertos nos explican la esencia de su arte.

Espero que os guste! 

Picasso llega a todos los rincones, en cualquier formato y a todos los niveles. Encontramos el Museo Picasso en la localidad madrileña de Buitrago de Lozoya, cuya colección perteneció al que fuera, desde 1948 y durante 26 años, el barbero del artista en Vallauris. Hablamos de Eugenio Arias, exiliado en Francia al igual que Picasso y con quien entabló una estrecha amistad, uniéndoles su afición a los toros, las conversaciones sobre la tierra materna, el conflicto civil y los recitales particulares que Arias le hacía a Picasso.

“Picasso siempre estaba atento y era muy generoso con los problemas de sus compatriotas y procuraba ayudar a los movimientos por la Paz y todos los que se lo pedían”. Eugenio Arias

En esta relación de amistad, Arias figura como una suerte de secretario del pintor, ya que desde su peluquería recibía a las personas que deseaban citarse con Picasso, haciendo de filtro para los entrometidos.

Fue en 1982 cuando Eugenio Arias cedió la colección picassiana, formada por recuerdos y regalos, a la Diputación de Madrid, siendo todas las obras y piezas trasladadas desde Francia a España y en 1985 instaladas en el museo madrileño. Entre las piezas expuestas en el museo, todas realizadas entre 1948 y 1972, podemos ver piezas de cerámica, dibujos, carteles, libros dedicados y objetos peculiares como una caja de instrumentos de barbero pirograbada, la cual sostiene Arias en la imagen.

Picasso y Arias en 1960

Aquí tenéis la web del museo: http://www.madrid.org/museo_picasso/principal/

          Queremos ahora acercaros a una faceta quizá no tan conocida de Picasso, la de poeta. La escritura se afincó en el hacer creativo del pintor como consecuencia, y acaso vía de escape, de una etapa complicada de su vida: su divorcio con Olga Koklova y el cierre de su estudio. Lo que inicialmente podría entenderse como una afición transitoria, se convertiría en una constante, escribiendo entre los años 1935 y 1959 más de trecientos poemas y dos obras teatrales (El deseo atrapado por la cola y Las Cuatro Niñitas). Su escritura heredaría su carácter, revelándose anárquica, irreverente con la sintaxis y la ortografía, y ciertamente desmedida. No en vano, esta primera escritura de Picasso estaría muy vinculada al surrealismo, encontrando en Bretón uno de sus fervientes defensores tras la primera publicación en la revista parisina Cahiers d’Art en enero de 1936. Picasso escribiría indistintamente en español y francés, traduciendo en ocasiones palabra por palabra, desafiando y forzando así la sintaxis francesa si ésta no se adecuaba a la española. Esta tendencia a evitar giros expresivos y a la inmovilidad del pensamiento ya establecido, hizo que algunos hablasen de automatismo surrealista, pese a la contraria opinión del artista malagueño hacia este método. Cabe resaltar también otro aspecto de la escritura picassiana, y es la relevancia que adquiere la caligrafía, los signos y los dibujos en sus manuscritos, reflejándose en sus escritos, además de la faceta literaria, su inmanente seña pictórica. Bretón dirá de la poesía de Picasso lo siguiente: «Esta poesía nunca dejará de ser plástica, del mismo modo que esta pintura es poética.». Los escritos de Picasso, al igual que gran parte de su hacer pictórico, están empapados de la tradición popular, adquiriendo a su vez, como ya dijo Rafael Alberti, una sana tendencia al chiste, al disparate y al sentido lúdico. Grande y fructífera fue la relación de amistad y colaboración de Picasso con los miembros de la Generación del 27, teniendo que hablar en primera instancia del ya mencionado Alberti, pero también de Vicente Aleixandre, Jorge Guillén, Gerardo Diego, García Lorca, y otros tantos. Esta amistad quedaría inmortalizada en los poemas que dedicaron al pintor, en los que, por encima de otros aspectos de su pintura, destacarían dos: la línea pura y el color azul. Su vinculación con la Generación del 27 se aprecia también en su inclusión en revistas como las malagueñas Ambos y Litoral; la dirigida por Ernesto Giménez Caballero, La Gaceta Literaria; o Papeles de Son Armadans de Camilo José Cela. Terminamos esta entrada alusiva a la faceta poética de Picasso con un poema que Vicente Aleixandre dedicó al malagueño, y que aquí transcribimos íntegramente.

Ya sabemos que el 24 de junio de 1901 Picasso expuso por primera vez en la Galería Vollard con un total de 64 telas junto al pintor vasco Iturrino. Aunque no sabemos con exactitud las piezas artísticas que Vollard eligió para ser vistas, si podemos decir que el estilo de Picasso en este momento era variado y poco definido. Aún estaba absorbiendo y aprendiendo de diferentes artistas, por tanto no podemos hablar de un estilo en concreto sino de un periodo de aprendizaje donde se observan diferentes tendencias.

Algunos de estos cuadros expuestos fueron  Las carreras de 1901 (cuatro cuadros con la misma temática, de los cuales sólo ilustramos dos) o El niño de la paloma de 1901. 

Pablo Picasso, Las carreras de 1901. Colección particular en Francia.

Pablo Picasso, Les courses à Auteuil de 1901. Pertenece a la serie Las carreras. Colección particular.

Pablo Picasso, El niño de la paloma de 1901. National Gallery de Londres.

Los historiadores se preguntan qué camino seguía en este momento Picasso ¿era un neoimresionista? ¿pertenecía al simbolismo, a los nabis o al divisionismo? ¿Era un émulo de Degas y de Toulouse-Lautrec? Lo que está claro es que en estos primeros pasos donde empieza a ser conocido, todavía no seguía la misma dirección artística.

Las carreras pintado en 1901, está compuesto por unos colores muy intensos y podríamos decir que es un cuadro realizado por un fauvista; si no fuera por el simple detalle de que aún el grupo de los fauves no se había creado. El Fauvismo de Picasso que precede al de los fauves justifica sus recientes logros en la carga de energía del color como medio de expresión autónomo que toca a la vez lo sensorial, por la inmediatez de la visión.  

De esta serie de cuatro pinturas realizadas en 1901 destacan las extravagantes vestiduras de las bellas damas sobre el decorado verde, donde Picasso utilizó blancos mezclados sutilmente con rosa, azules y amarillos apagados con las tonalidades pelirrojas y morenas de las cabelleras femeninas.

A pesar de parecer neoimpresionista, fauvista o un heredero de Goya y El Greco, tan sólo practicaba diferentes técnicas que iba a prendiendo.

En este momento en el 1901 encontramos que Cézanne y Gauguin aún no son conocidos fuera de su reducido círculo amateur. Van Gogh expuso en el mes de marzo en la Galería Vollard, justo unos meses antes que Picasso, oportunidad que aprovechó para observar las pinturas de éste. En este momento el Impresionismo ha sido completamente aceptado y digerido, pero la clientela prefiere el Impresionismo de Albert Besnard o de Henri Martin.

Henri Martin, Autorretrato, 1912, Museo de Orsay. 

En ese mismo año se pudo ver en las salas del Gran Palais la pintura de Lèon Bonnat, Gervis, Chocarne-Moreau, Scallen, Geoffroy, Chaperon, Alberti o Alexis Vollon. 

Lèon Bannat, Príncipe N.V. Tenishev, 1896, Museo del Hermitage. 

En el Salón se veían todo tipo de escenas como desnudos, representaciones de edificios, escenas costumbristas, reconstrucciones laboriosas, bodegones de flores, retratos, es decir, no hay demasiada ruptura y sólo exponen los artistas asentados que gustan a la élite. 

Hay que desplazarse a un territorio completamente diferente para poder observar el talento de los jóvenes artistas que experimentan, innovan y se arriesgan creando cosas nuevas. Uno de los cafés más frecuentados es el "Café de la Rotonde", precisamente aquel donde se suicidó Casagemas. 

Esperamos que os guste esta nueva entrada donde se ha incidido en el entorno pictórico "menos conocido" de la vida de Picasso. En un par de semanas hablaremos de la importancia de los cafés en este momento y de aquellos que Picasso frecuentaba.

Continuamos con la familia Dominguín-Bosé y la estrecha amistad que les unía con el pintor. En esta ocasión, la idea es destacar la relación de Picasso con Lucía y los tres hijos de la pareja. Lucía Bosé era por aquel entonces una joven actriz que ya había trabajado con grandes directores italianos, sin embargo, retirada y dedicada de pleno a su familia y círculo social. Como sucedía con Luis Miguel, Picasso también sentía gran adoración por la actriz, de quien admiraba su belleza, su espontaneidad y alegría, llegando a equipararla a una diosa clásica.

Muchas miradas quisieron ver en este vínculo una cierta morbosidad carnal, teniendo en cuenta el rodaje de Picasso con las mujeres. En este caso, el apego que ambos sentían no fue un superficial coqueteo, sino una mutua admiración y respeto por la persona

Sobre Lucía Bosé: “Un espíritu excepcionalmente sensible e inteligente, un ángel entre dos minotauros ensimismados” Pablo J. Rico La Casa

Picasso y Lucía en La Californie.

  Picasso jugando con Miguel y Lucía Dominguín en La Californie.

  Además de Bosé y Dominguín, los pequeños, Miguel, Lucía y Paola, formaron una parte importante dentro de ese idilio de familias. El universo de los niños era un mundo por el cual Picasso sentía verdadero apego, siendo partícipe de los juegos infantiles y volcando su creatividad en la felicidad de ellos: “Yo mismo pinté la habitación de Lucía y Miguelín” decía el artista. Tan en práctica se puso el papel de abuelo que fue el padrino de la pequeña Paola, e incluso acogió a los niños largas temporadas, en las cuales iban a la escuela en Cannes.

Lucía Bosé atesoró hasta el año 2008, cuando fue subastada en Christie´s, una variada colección picassiana, entre la cual podemos encontrar los dibujos o collages que realizó para la familia, plagados de cariñosas dedicatorias.

  Retrato de Lucía Dominguín, Pablo Picasso. Dedicatoria: “Para mi novia Lucía”. Domingo 15 de enero de 1961

  “Me ha costado toda la vida pintar como un niño” Pablo Picasso.

Collage taurino, Pablo Picasso. Dedicatoria: “Para Lucía (Bosé), tan torera”. Fue contraportada de la revista “Le Patriote”.

  No se trata de grandes obras, sino de recuerdos entrañables de aquella década de risas y complicidad. La parte más suculenta para los coleccionistas o estudiosos de Picasso es el conjunto de cerámicas de la familia Dominguín-Bosé realizadas entre 1948 y 1963. Su labor en este campo se basó en el diseño de la ornamentación de las piezas, pues el trabajo de cocción, fundamental en un ceramista, lo delegaba en sus ayudantes. Su inspiración procedía de la temática española y provenzal, destacando la magnífica loza de Manises. La obra cerámica de Picasso nunca fue popular, siendo piezas excepcionales en contados museos.

Colección Dominguín-Bosé. Cerámica vidriada, plato negro con un rostro de fauno, forma parte de una colección de 12 platos realizados en el taller de Mougins. Cerámica mayólica esmaltada y pintada con un rostro de fauno, Pablo Picasso.

  Natalia Migallón Fernández