EL AUTOCINEMA

No hay duda que Martin Luther King es un personaje para el mundo y su lucha para conseguir el respeto a los Derechos Civiles de la minoría negra en Estados Unidos es fundamental y ese Martin Luther King paradigmático, legendario se agiganta por la virtud de Ava DuVernay, la directora que nos hace entender lo estratégico que fue el liderazgo de Luther King.

Todos los años tenemos una película dedicada a la lucha que por sus derechos dieron los negros en Estados Unidos y bien por ellos, esta debe ser la cuota de éste año sobre ese tema.

Esta es una película que podría ponerse en cualquier foro como ejemplo de película biográfica con un Benedict Cumberbatch que con esta gran interpretación debe pasar de gran actor a superestrella, lo vamos a ver en muchas películas a partir de ésta.

Un gran mérito de THE IMITATION GAME es que nunca se aparta de su tema principal que es la historia de Alan Turing el criptógrafo obsesionado y seguro de que iba a encontrar lo que buscaba y los méritos son de Graham Moore y del director noruego Morten Tyldum quienes tuvieron muy claro, todo el tiempo, que la historia que tenían que contar era la de un hombre (Turing) sin dejarse tentar por la fascinación de mostrar la guerra, que siempre está presente pero que no la vemos como protagonista evidente; ni los manejos del alto mando donde Winston Churchill también es protagonista y tampoco lo vemos.

El manejo de los avatares de Turing son magistrales y la interpretación de Cumberbatch también, pues termina siendo un homenaje tardío, sentido y necesario a un ser humano cuyo único pecado fue ser diferente en una época increíblemente obscena, asquerosamente bárbara de la que hace nada mas que 70 años (No es en la Edad Media).

Qué presencia de Benedict Cumberbatch para ofrecernos a un alma atormentada, castigada por los secretos de toda su vida y finalmente condenada de manera tan desproporcionada, injusta e indignante por una sociedad a la que, seguramente salvo del desastre.

Tenemos un gran concepto de Richard Linklater como realizador, es más: las películas que hizo con Ethan Hawke y Julie Delpy ANTES DE AMANECER (1995) ANTES DEL ATARDECER (2004) ANTES DEL ANOCHECER (2013) nos gustaron mucho y nos parece notable que a Linklater le guste ir de la mano del tiempo, del tiempo que no perdona y dentro de ese ámbito querría colocar a BOYHOOD.

Nos gusta apreciar el mérito que tiene el realizador para haber tenido durante 12 años en la cabeza la película, porque eso pasa con la “gente de cine”, lleva en la cabeza y el corazón una película, un proyecto hasta que lo realiza y en el caso de esta película eso es lo que sucedió con Linklater, lo que convierte el proyecto en algo emocional y eso es lo que podría tener tan “emocionados” a los simpatizantes de esta película, que al final es la historia de una familia, o un muchacho y su madre, con el padre corriendo paralelo a sus vidas que desarrollan esa historia, pero es una historia como hemos visto muchas en el cine. Entonces BOYHOOD se convierte en algo más bien emocional, que una gran película.

Pregunto: ¿Qué hubiera pasado? si es que Linklater hubiera hecho BOYHOOD en un año, envejeciendo a Etha Hawke y Patricia Arquette con maquillaje, como se hace siempre y el papel del chico lo desarrolla reemplazando al muchachos por ó 3 actores de acuerdo a la edad y la carga emocional es fuerte como la de esta BOYHOOD. Creo que no hubiera tenido la mismo repercusión, porque el que se haya pasado el realizador 12 años, filmando (no continuadamente) 30 o 40 entre largas pausas.

Esta es una película que tiene muchos méritos para ser una fuerte candidata al premio mayor, teniendo en cuenta que en la Academia votan los pares de la misma rama según la disciplina por la que está compitiendo la película, así es que por el premio a mejor director votan los directores, por actores votan los actores y por cinematographer (directores de fotografía o camarógrafos) votan los de su rama ese sistema hace que el público en general no tenga ninguna intervención.

Bueno así es; y esta aclaración es pertinente porque los méritos de BIRDMAN son básicamente técnicos, entendidos estos como técnica para hacer películas: dirección, dirección de arte, interpretación actoral, etc.

El tema ha sido tratado mucho en el cine; pues es el del actor venido a menos, envejecido que trata de reverdecer lauros a través de una pieza teatral pues su gigantesco ego, sus frustraciones, egoísmo, petulancia, encono o simplemente orgullo lo obligan a dar los últimos coletazos. Billy Wilder lo trabajó con mucha profundidad y talento en SUNSET BOULEVARD (1950), como lo hizo Charles Chaplin en CANDILEJAS (1952), y muchos otros.

El mérito de BIRDMAN está en el tratamiento cinematográfico pues Gonzales Iñárritu tiene una sola cámara que sigue a través de un plano secuencia interminable (aparentemente) pues no se nota un solo corte de edición y eso es una pirueta, una filigrana cinematográfica que aprecian los más enterados en el tema. Esa propuesta visual, en muchos casos, aleja (por no decir espanta) al espectador común y corriente.

Claro que para hacer eso, se necesita hacer un trabajo previo inmenso como que todos los decorados (escenografía) tienen que estar iluminados y ambientados esperando que “pase” la cámara por ahí. Por supuesto que los actores tienen que estar preparados para hacer tomas larguísimas, como si de una obra de teatro se tratara, no hay posibilidad de “corten y la volvemos a hacer”; pues si se cortas, se tiene que comenzar de nuevo una toma de 20 ó 30 minutos.

Con frecuencia los cinemeros hemos hecho el ejercicio de descubrir donde es que Hitchcock hacía un corte en LA SOGA, pues se supone que la película no tiene edición ni corte; claro que por lógica se tenía que cortar cada diez minutos, aproximadamente, pues los magazines de las cámaras no contenían mas película para hacer tomas de mayor de duración que de diez minutos aproximadamente.

Sin intentar calificar a BIRDMAN con adjetivos, creo que los premios que obtendrá de la Academia serán por sus méritos técnicos sin que eso la califique como la mejor película del año, los votantes son los miembros de su ramo.

EL FRANCOTIRADOR es una ratificación de que Clint Eastwood es uno de los directores cinematográficos más serios, sólidos y sobrios de la actualidad, aunque ya hace muchos años que lo es.

Hemos visto y vemos todos los días películas sobre la intervención de los soldados norteamericanos en Irak o Afganistán, algunas excelentes y ganadoras de premios también, pero la diferencia de estas con EL FRANCOTIRADOR es que la de Eastwood nos va introduciendo a las profundidades del sufrimiento de Chris Kyle el Seal, infalible tirador cuya concentración aplicada a su “trabajo” que es matar gente gracias a su infalible pulso y puntería lo hace sufrir el cumplimiento del deber.

Bradley Cooper entiende muy bien lo que quiere del personaje, el imperturbable Eastwood, lo asume y lo interpreta perfectamente.

Es una gran película, seca, sin concesiones, que si provoca sentimientos es el de sufrimiento por la carga que tiene sobre sus hombros el legendario soldado.

En esta hermosa película Wes Anderson nos demuestra una vez que tiene una creatividad desbordante para usar todas las posibilidades que le ofrece el cine, incluidos los efectos especiales hechos por computadora, que no son gratuitos ni puestos solo para realzar la película con ellos, sino porque son necesarios para la narración y para desarrollar situaciones muy divertidas, porque “The Grand Budapest Hotel” es, sobre todo, divertida.

Anderson nos cuenta historias de amor y desamor en una época romántica que él la trata con irreverencia y sarcasmo sin que con eso le quite el misterio a esa deliciosa época a pesar de que la Europa en que se desarrolla es convulsa e inestable políticamente.

Tiene un elenco monumental usado genialmente y ese es un mérito muy grande de Wes Anderson, pues tantos actores y actrices tan buenos, no aceptan con mucha facilidad papeles pequeños en los que en algunos casos ni se les reconoce fácilmente, a no ser que un buen guión esté en manos de un buen director y eso es tanto el guión como la realización tienen como autor a Anderson. Desde Saoirse Ronan hasta F. Murray Abraham están sobresalientes.

Desde diciembre de 2014 a los que nos interesa el cine y vemos cuanta película esté a nuestro alcance, o sea Los Cinemeros (siento muy arrogante el término cinéfilo) me conformo con ser cinemero, nos preocupamos de ver todas las películas que tienen posibilidades de ser nominadas a los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (los Oscar) y una a una vamos juzgándolas y formándonos un criterio.

La mejor forma de catalogar películas es ordenarlas por décadas, que es así como también encuentran bibliografía sobre sus filmes favoritos y esta división nos permite concluir en que una de las décadas más importantes de la Historia del Cine es la de los 70’s. Hay muchas razones para decirlo, una de ellas es la importante cantidad de películas destacadas que se hicieron en esa década y una de ellas es TAXI DRIVER de Martin Scorsese que junto con TORO SALVAJE hemos seleccionado para volverlas a ver en una escapadita que nos permita el fútbol.

TAXI DRIVER también es una obra en la que Scorsese es el realizador y Robert De Niro el protagonista, se volvieron a juntar. Scorsese completa en esta película la descripción fascinante que comenzó de “su New York” (Little Italy) en MALAS CALLES y lo hace a través de la mirada de Travis Brickle un taxista insomne, crítico hasta el asco de la ciudad que recorre incansable todas las noches y de sus lacras como la delincuencia, drogadicción y prostitución; al extremo de convertirse en un “caballero andante” tratando de salvar a la “dama encerrada” en ese castillo sucio y maloliente que es la ciudad; esa dama está encarnada por una joven Jodie Foster, prostituta de 12 ó 13 años, a quien pretende salvar acribillando, en una de las carnicerías mas sangrientas del cine, a todos los proxenetas, vividores y gangster que la explotan.

El personaje interpretado por Robert De Niro es fascinante y su proceso de deterioro va de la mano de sus frustraciones, desilusiones, soledad, depresión e incapacidad para relacionarse con los demás, pues cuando lo intenta es rechazado o simplemente no es capaz.

Hay escenas antológicas en esta película como la de Brickle armado con un arsenal de armas, que ha comprado clandestinamente, con las que se luce  ante el espejo que solo refleja al patético hombre desnudo.

Ver estas películas sin la sorpresa que supone ver un estreno y con el conocimiento que uno tiene de todas las aciertos, defectos, historia y trasfondo del proceso de creación es una experiencia diferente, por eso se los propongo para que la disfruten y entiendan mejor una película tan valiosa como TAXI DRIVER.

Cuando hay un evento tan importante como un Mundial de Futbol, que tiene una cobertura tan importante y amplia en la televisión, hay programas que toman vacaciones y salen del aire hasta que termine el “gran evento”. CINE ZAPPING no creyó que debía hacerlo pues siempre hay quien quiera ver una película antes, después o en vez de un partido de Futbol. Pero además es un tiempo propicio para hacer una revisión de películas que hace mucho tiempo que no vemos o que, simplemente, no hemos visto nunca, a pesar de los deseos.

Por eso he elegido algunas películas que son obras maestras o, por lo menos muy apreciadas y que no se nos dan las condiciones para verlas nuevamente, por ejemplo, se presentó una programación en la que estaban dos de las grandes películas de Martin Scorsese: TORO SALVAJE Y TAXI DRIVER, y bueno, vamos a disfrutarlas.

TORO SALVAJE es verdaderamente una obra maestra de realización por parte de Scorsese y de actuación por la de Robert De Niro, es posible que esta sea la mejor actuación de su carrera. Tan entregado estuvo a la labor de encarnar a Jake La Motta, el boxeador en cuya vida se basa la película, que llegó a engordar 25 kilos para dar el físico que La Motta tuvo en una etapa de su vida. Su interpretación es brillante, deprimente, conmovedora como la misma película

Siempre es interesante y a veces fascinante leer de los entretelones de las películas y la de TORO SALVAJE lo es, para comenzar porque Scorsese no estaba atravesando la mejor etapa de su vida y no le interesaba, para nada leer el libro autobiográfico del boxeador Jake La Motta, en el que se basaría la película finalmente. El proyecto era un sueño acariciado por Robert De Niro por años y es él quien insistía con Martin en que leyera el libro. Scorsese no quería hacer esa película. Pero cuando terminó de rodar NEW YORK NEW YORK y tuvo que ser internado en un hospital destruido física y anímicamente, es que tuvo la oportunidad de leer el libro que le alcanzo De Niro y quedó fascinado con el argumento descubrió en la vida autodestructiva de La Motta la posibilidad de plasmar algunas de sus propias experiencias.

Scorsese dijo al final : “Puse todo lo que sabía y sentía en esta película y pensé que sería el final de mi carrera…”

Creo que este es el mejor ejemplo de cómo se consigue hacer una obra maestra: Realizador y actor entregados totalmente al proyecto.

Uno de los conductores de programas y narradores o comentaristas de noticias mas sobrios, agradables y carismáticos que hay en la televisión nacional es Carlos Cornejo, quien tuvo la delicadeza de invitarme la semana pasada a su programa 2 LA N, nuevamente pues ya lo había hecho hace algunos años.

Estoy muy agradecido a Carlos por su generosidad y doblemente agradecido porque me ha hecho tomar conciencia de que hay gente que sigue mi programa CINE ZAPPING y que le importan mis comentarios o pretendidas orientaciones para ver películas que se dan en los canales de Cable, en MOVISTAR.

Siendo consecuente con esa gente voy a usar este medio que es EL AUTOCINEMA, blog que crearon mis hijos para que los Polar nos expresáramos y a través de el voy a ampliar lo que digo por televisión que, por la lógica cortedad del tiempo, es mas breve, siempre una síntesis.

Las “sagas” son ahora una nueva forma de producir películas, y están constituidas por tres o más (“Harry Potter” fueron siete así como “Crepúsculo” fueron tres) que se diferencian de las Series para Televisión cuyo número de capítulos son indefinidos; y comienzo esta nota así, porque LOS JUEGOS DEL HAMBRE es la primer película de una Saga, basada en los tres libros de Susanne Collins.

El tema fundamental de la Saga es Panem, la nación dueña de todo lo que existe en la tierra post apocalíptica, que sin duda representa a Estados Unidos, y tiene sojuzgados a 13 distritos, aunque aparentemente solo son 12 los vigentes, al 13º lo hicieron desaparecer, prácticamente de la faz de la tierra, al haberse rebelado contra el Capitolio. Para recordar al Capitolio, que es la ciudad principal de Panem y a los 13 distritos, que son esclavos y que no deben, siquiera, pensar en volver a rebelarse, anualmente se celebran unos juegos al puro estilo de los de gladiadores en Roma, en que dos jóvenes por distrito –entre los 12 y 18 años seleccionados por sorteo- deben luchar a muerte en una contienda todos contra todos, coronándose ganador uno solo, claro, el sobreviviente. En este perverso juego se puede identificar varias fuentes de origen:

1) Ya mencionamos los juegos del Circo Romano con gladiadores.

2) El mito de Teseo y el Minotauro.

3) Rambo y su supervivencia heroica y muchas referencias a la cultura contemporánea de competencias y sangrientos enfrentamientos como los libros y las películas que se hicieron basadas en el malvado Zaroff.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE no es tan fantástica como “Harry Potter”, “El Señor de los anillos” o “Matrix”, pues tiene un diseño muy definido y es que el explotador y los explotados son muy claramente identificados y esa connotación política la asumen con mucha claridad los jóvenes, pues la prueba me la ha dado mi nieta Sol (14 años), con quien estoy compartiendo la lectura de las novelas de la Collins (ella se ha comprado los libros y me los va prestando) Una felicidad: Abuelo y nieta compartiendo lecturas.

El que escribe esto no cree que una trilogía de libros, vayan a marcar la tendencia política de un adolescente, pero si es notable que puedan identificar claramente al tirano y a los sojuzgados, reprimidos y castigados cruelmente por sus ansias de libertad, pues las historias de LOS JUEGOS DEL HAMBRE están muy lejos de las aventuras triviales y violentas de RÁPIDOS Y FURIOSOS, LOS INVENCIBLES o los DUROS DE MATAR. Los protagonistas son jovencitos a los que una malvada venganza del poder, que debería garantizarles la vida y el bienestar, los obliga a matar a 35 jóvenes como ellos, para convertirse en ”estrellas”; acceder a ese estrellato de tan dudosos méritos en esta época en la que quien viste más estrambóticamente, se hace la mayor cantidad de tatuajes, se pinta el cabello de los colores más insólitos y cuenta las cámaras de televisión sus más patéticas y vergonzosas decisiones y actuaciones, son los “mejores” prospectos a “estrellas” de la televisión, que es la ventana de mayor exposición y respuesta popular.

En LOS JUEGOS DEL HAMBRE se ofrece un catálogo variadísimo de esas apariencias excesivas, pues vamos a ver peinados, pestañas, labios, uñas de las manos, vestidos y cuerpos que bien podrían imitar y usar las “Susys”, “Fiorellas” o “Lucíasdelacruz”, pero creo, espero, que mis nietas Sol, Catalina, Camila, Sofía o Alejandra rechacen con el mayor asco y mejor buen gusto este atentado en contra de su buen aspecto.

Pero al margen de las consecuencias, la variedad de aspectos, fisonomías o “looks”- que se dice ahora- que nos ofrecen en el Capitolio es un desfile variadísimo y abundante de extravagancias extremas, que los genios de la TV dicen que “Es lo que le gusta a la gente” a ¿Qué gente?. Pienso que en LOS JUEGOS DEL HAMBRE, Susanne Collins retrata con una visión muy crítica los extremos a los que ha llegado nuestra sociedad, con tal de lucir diferente al prójimo. “No es lo que le gusta a la gente” es lo que los medios – Cine, Televisión, Diarios – obligan a que “le guste a la gente”. Claro, la gente ni se entera de que la empujan a que sus gustos sean “esos” Los ámbitos en los que se desarrollan la historias de LOS JUEGOS DEL HAMBRE, son casi la realidad actual, casi, y eso es lo que marca la diferencia con HARRY POTTER, EL SEÑOR DE LOS ANILLOS o MATRIX ciencia ficción absoluta, pues en LOS JUEGOS DEL HAMBRE uno siente que todos los eventos que se producen los podríamos vivir cualquiera de nosotros y los personajes como Katniss, Haymitch, Gale o Prim son tan cercanos a nuestra realidad que podemos identificarlos con nuestros parientes o amigos. 

  “5 Broken Cameras” sucede en Bil’in, una villa palestina colindante con Israel donde se construye un muro que los separará de sus tierras de cultivo ambicionadas por colonos hebreos, uno de sus pocos medios de supervivencia, arrinconándolos aún más al minúsculo espacio que el vecino poderoso, unilateralmente, les impone. Pero Emad, cameraman y realizador de este film, forma parte de un grupo de pobladores que ante el acoso del ejercito israelí optan por la resistencia pacífica de lo que consideran suyo por derecho. Es en este escenario que transcurren las escenas de “5 Broken Cameras”, en el cotidiano de la lucha como de la vida familiar que Emad se propone dejar registrada. Vemos el nacimiento de su cuarto hijo, lo vemos conversar con sus amigos, los vemos reír y también vemos arrestos, golpes, balazos y muerte.

“5 Broken Cameras” es un documental espectacular. Es una película magnética, potente, con discurso y , al mismo tiempo, entrañable. Atrapa a quien esté frente a la pantalla desconectándolo de cualquier impulso que lo haga pararse del asiento. Es una película real no sólo por lo que sucede frente al lente de la cámara –una de las cinco cámaras rotas- sino porque lo más probable es que eso mismo esté sucediendo al otro lado del planeta en ese preciso momento. Te da la sensación de estar viéndolo en tiempo real y eso, definitivamente, hace que se te ericen los pelos de la nuca. Además es una película que existe casi por creación espontánea porque su realizador no encuentra otro instrumento más que el medio audiovisual para contar su drama. Es su visión, su cámara, su familia, su villa, su historia.

Es también un gran homenaje al oficio del documentalista el cual por momentos pone peligrosamente en una balanza, por un lado, la seguridad propia y la de su familia y, por el otro, su compromiso con la causa de su comunidad presionando el botón rojo de su cámara de video apuntando a los soldados así como las semiautomáticas del ejercito le apuntan a él. Sabe de la potencia que tiene una imagen grabada, del registro audiovisual, del miedo que le genera al poderoso como prueba de su intransigencia. Una escena donde se grafica ese compromiso es cuando le anuncia en casa a su esposa, mientras le pone sábanas a una cama, que lo arrestarán esa misma noche si no deja de grabar todo lo que viene sucediendo en la villa. Ella le pregunta con cierta esperanza: “¿Qué vas a hacer?” y él le responde: “¿Qué puedo hacer?” como confirmando lo que ella intuía pero no quería escuchar. No dejaría de grabar a menos que se lo impusieran a la fuerza. Y tuvo que dejar de hacerlo.

Ahí radica la potencia de este documental: No sabes cuando es que Emad dejará de grabar. Nunca será una decisión que él tome voluntariamente.

“5 Broken Cameras” fue uno de los cinco largometrajes documentales nominados al Oscar último. Obviamente no ganó la estatua dorada pero sí vitrina dentro del limitado circuito de información que llega a Lima. Es de visión obligada.Por algo ha ganado tantos “Audience Award” en la mayoría de festivales en donde se presentó. Roguemos que nuestro bienaventurado Pasaje 18 nos lo haga llegar en breve. (errepepé)

No creo que ARGO sea la mejor película de 2012 y por eso no creo que sea justo que la Academia Cinematográfica de Hollywood la haya premiado como tal. Como esto lo he dicho en el programa de TV que conduzco y “todo el mundo” (todo el mundo que me rodea que no pasan de 20 personas) me pide una aclaración la hago aquí ya que la duración del programa no me lo permite.

La mejor película de 2012, para el que firma esto, es LINCOLN, la más divertida es DJANGO, DESENCADENADO, la más “hermosa” es EL MUNDO DE PI, la más controvertida y difícil de ver EL MAESTRO, con una extraordinaria actuación de Joaquin Phoenix, que si no hubiera tenido como “contendor” al magistral Daniel Day Lewis, él era el merecedor al premio a Mejor Actor Principal.

El premio que más me alegró fue el de Mejor Actriz a Jennifer Lawrence y el más justo, lógico, obvio a mejor actor el otorgado Daniel Day Lewis.

Pareciera que es muy gratuito decir “no me gustó”, aunque es lo más apropiado, pues el cine es un arte y como tal genera sentimientos, emociones en quienes ven una película y por eso a quien la ve: le gusta o no le gusta y por eso le emociona, asusta, alegra, entristece, deprime, aterroriza, hace soñar y, yendo lejos, excita; y por eso es que los miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, que son más de 6000, votaron por ARGO como mejor película porque les gustó.

Hay que tener en cuenta que la votación a Mejor Película la emiten todos los miembros de la Academia mientras que a las demás categorías, solo los miembros de cada gremio: actores para actuación, fotógrafos para fotografía y así.

ARGO es una película muy buena, correcta y tiene los últimos 38 minutos de un suspenso muy bien manejado (prolijamente editado –mérito a los editores- aunque no se puede editar bien si no se ha filmado bien –mérito al director-), pues a pesar de que uno sabe como es la historia, desde antes de sentarse a verla, en los últimos minutos la amenaza de frustración de la fuga es tan intensa que uno aprieta los pies y las manos, como exigiendo que se “apuren” si no los va a atrapar.

ARGO tiene la virtud de haber sido filmada, prácticamente toda, con la camara al hombro o en mano, lo que le da un ritmo y un acabado de crónica documental.

El elenco es muy bueno, destacando el aporte de John Goodman y Alan Arkin, y el resto de los actores y actrices muy bien elegidos, inclusive con gran parecido a los protagonista originales, lo no que resulta bueno para Ben Affleck, pues él no se parece ni por asomo a Tony Méndez el verdadero agente de la CIA que realizó el rescate, pero no es solo el parecido físico, es la actuación poco expresiva, contenida, pues me parece que Affleck está pensando permanentemente “No debo hacer ningún gesto, sino se dan cuenta de que yo soy quien maneja esto”. Inclusive “es muy guapo” para el papel, como dijo George Clooney, productor de la película. ¡Que difícil es evitar que un actor, que es buen director, se abstenga de asignarse el papel principal!.

LINCOLN es una película seria, importante, es una película mayor, frente a ARGO que es una película menor. LINCOLN como película es un gran documento filmado de una época importantísima de la historia de USA y eso le da la gran consistencia que tiene como película. Me atrevo a decir que si el Gobierno de USA le hubiera encargado a Spielberg filmar todo el proceso que llevó a la aprobación de la Decimo Tercer Enmienda, Steven Spielberg la hubiera hecho así, igual.

El problema que tiene LINCOLN, aunque debiera decir “el problema que tiene el público para ver LINCOLN” es que es demasiado seria, no tiene un solo guiño dedicado a la galería, todo es importante, Spielberg no se da el lujo de aligerar ni el tono, ni el clima, ni el ritmo de LINCOLN; y lamentablemente a la gente que va al cine le importa cada vez menos escuchar diálogos, monólogos o exposiciones bien escritas y mejor dichas, pues no creo que Abraham Lincoln hubiera dicho mejor todo lo que el personaje interpretado por Daniel Day Lewis dice en la película.

Para hacer una comparación nos tenemos que remontar hasta 1966 en que una película “política” con muchos diálogos y exposiciones importantes ganó el Oscar a Mejor película y esta fue UN HOMBRE PARA DOS REINOS de Fred Zinnemann, claro que la historia era la de Tomás Moro y el conflicto con Enrique VIII por su famoso divorcio para poder casarse con Ana Bolena. Esta película tuvo la ventaja de que estaba de por medio la arrolladora personalidad del monarca inglés y los amoríos y enfrentamiento con la iglesia. Además no tuvo adversarios muy potentes pues compitió con ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? y UN HOMBRE Y UNA MUJER. No podría asegurar que UN HOMBRE PARA DOS REINOS fuera un éxito de taquilla.

Me hubiera sorprendido menos que este año ganara al Oscar a Mejor Película LOS MISERABLES, de la que me gustaría decir algo más adelante.

APOCALYPSE NOW

APOCALIPSIS NOW no fue, simplemente, una película sobre Viet Nam, para Francis Ford Coppola fue VIET NAM y es que de haber subido al cielo por sus éxitos con los PADRINOS, bajó al infierno de la soberbia y le pasó “de todo” como se suele decir.

APOCALIPSIS NOW debió tener un proceso de producción que no pasaría del año y duró cuatro y su presupuesto estaba entre los 12 y 16 millones de dólares y sobrepasó los 45.

Coppola se empeñó en filmarla, casi totalmente, en las Filipinas y para eso trasladó un numeroso equipo de gente a la isla selvática de Luzón donde se comenzó a construir escenografías por 20 millones de dólares, la gente del lugar le aconsejó que se fuera a Australia o Thailandia, porque en el lugar en el que estaban en Mayo llegaría el primer tifón y llovería hasta Noviembre. No hizo caso y… ¡Llegó el tifón!. Trataron de seguir filmando pero tenían agua que llegaba a los seis metros y se perdieron todas ls escenografía y se tuvo que parar la filmación.

Francis F. Coppola quiso que Willard, el protagonista, fuera Steve Mc.Queen, pero no lo consiguió, tampoco a Clint Eastwood, Al Pacino ni a James Caan entonces contrató a Harvey Keitel y cuando ya habían filmado muchas escenas, Keitel exigió que lo pusieran en el mismo hotel que a Marlon Brando y Coppola lo despidió. Finalmente consiguió a Martin Sheen con quien tuvo que filmar todas las escenas que ya había hecho con Keitel.

Al promediar su trabajo Martin Sheen sufrió un infarto cardíaco, que a cualquiera le podía haber dado pues el exceso de alcohol, drogas y tabaco era generalizado en la película. El infarto de Sheen paralizó por 6 semanas el rodaje.

Los 24 helicópteros que se usaron en APOCALIPSIS eran de la Fuerza Aérea Filipina y en la mañana se pintaban las insignias para la película y en la noche se tenían que volver a pintar las de la aviación filipina; es más, sucedió que alguna vez que tenía Coppola programado un rodaje con los helicópteros Ferdinand Marcos, el dictador filipino, se los mandaba pedir pues tenía que combatir a los insurgentes musulmanes en el sur de su país.

Francis Ford Coppola se creía el único heredero de la obligación histórica del Nuevo Hollywood de convertir en obra de arte del cine el acontecimiento histórico clave de su generación: La guerra de Viet Nam. Si lo consiguió fue a un costo muy alto; pero no cabe duda que APOCALIPSIS NOW en una película fundamental en la historia del cine. 

Sabía Ud. que el niño protagonista de “Empire of Sun” (1987) es el mismísimo Christian Bale, el último Batman.