Constant Whirr

"You have to do it every day

Do it properly every day

Take care of your health

Cleaning and tidying up

Your greetings.

Repeating, being methodical, and being thorough just feels nice.

The things that I do every day have made me who I am today. The result is just a side effect.

This week has been tough for me. For all of the sudden, I lost motivation I've built weeks before. Clinging to instant gratification, relying happiness on others and constant battles inside my mind-- Every day, every night. I am aware that this isn't good for me, hence I'm actively looking for the answers. What is this? what is happening?

I found the 'Self-Gaslighting' term. The first time I found it, I was like: shit, I've been doing this all the time. I tend to repress (or even regress) my true feelings toward the things I'm facing. I often said things like "you are not allowed to feel that, because your struggle is not as big as others", "you are wrong to express your feelings in this state". It's sickening because I can't even agree with my thoughts (did I just gaslight myself here?).

"Yondu Udonta tuh manipulatif, tapi melakukan hal yang bener ga sih? dia ngerawat Peter Quill dari kecil, diajarin basic-basic untuk bertahan hidup, bahkan dikasih keleluasaan dibandingin Ravagers yang lain. Terakhir nih! dia bahkan mengorbankan nyawanya buat Quill. Ain't that heroic? apakah itu tetep membuat dia jadi manipulatif?" "Oh, shut the fuck up, Gsanhuir!"

--

Planet Kepler-452b memang aneh. Ada fenomena manifestasi pikiran yang nggak bakal bisa ditemuin di planet-planet lain di konstelasi Cygnus. Fenomena ini kayanya lebih pantes disebut 'plague', deh. Aku, si tahu, karena sedang riset tentang bumi, planet yang digadang-gadang jadi sepupunya planetku.

Gsanhuir adalah makhluk fisik yang tiba-tiba muncul dari belakang lubang telinga kita, saat kita sudah melewati satu titik pemikiran yang menjadi standard masyarakat Kepler-452b. Riset tentang bumi, yang notabenenya belum banyak diketahui masyarakatku, sudah pasti akan men-trigger Gsanhuir dalam diriku. Benar saja.

Berbeda dengan makhluk lain di alam semesta yang mengonsumsi zat-zat kehidupan lain, Gsanhuir mengonsumsi pemikiran dan pengetahuan yang didapatkan dari penderitanya. Hebatnya (tentu saja aku sarkas!) semakin kita belajar banyak hal baru, Gsanhuir akan menjadi semakin independen. Dia akan mempunyai pemikiran sendiri. Inilah permasalahan utama yang sangat aku benci. Dia bisa menjadi sangat kuat dan memutuskan untuk tidak membutuhkan kita lagi, saat kemampuan belajarnya melampaui penderitanya.

--

"heh Toduj. Laper nih. Kamu tahu ga sih arti lirik bahasa Jepang yang ada di lagu 'Party Poison'-nya My Chemical Romance? Jadi artinya tuh..."

"OI! OI! OI! stop! kamu tahu kan aku suka banget dengerin My Chemical Romance! Kalo kamu ngasih tahu aku nanti kamu kekenyanga-" "Life is short, And there are many dangers on the roads we travel, So let's dance! hehehe"

"FUCKING HELL, Gsanhuir! no!"

"Ah, aku bisa merasakan perutku mulai terisi. Thanks for the meal loh, Duj"

"Huff, kenapa sih kamu melakukan ini? kamu tuh literally bagian dari diriku, kenapa malah nyoba ngehabisin aku pelan-pelan deh?

"Lah, si aneh. Kamu sendiri yang punya mimpi untuk jadi orang yang paling tahu. Kamu belajar dan mencari tahu hal-hal yang nggak umum, yang anak-anak Kepler 452-b bahkan nggak kepikiran. Barusan banget aku ngasih informasi yang berguna dan kamu suka. Sebagai gantinya, perutku jadi ikut terisi. Bukannya ini mutualisme ya?"

"Iya sih..."

--

Ngeselin juga ya si Gsanhuir. Manipulatif banget, tapi kok bener. Iya sih dia ngasih yang aku butuhin... tapi gimana ya kalo nanti dia bener-bener seratus persen independen.

This afternoon I realized (and learned) that our actions affect others, and sometimes they are beyond our understanding -- but we will never understand how it work. At this age, through social media, we often pushed to show our work to the whole world. To create something. This isn't wrong at all, but sometimes we created something just for the sake of it--to show the world that we could create something, not because we love to create the things we love most.

Putting love in every work that we created is crucial in order to feel something. It resonates to the heart and help us connect with the others. This, could be fuel for both the creators and people who enjoyed our work.

I believe that Haruichi Furudate put every love and passion in creating stories, drawing and volleyball to Haikyu, hence this series resonates to the fans' hearts deeply. I think I'm a little bit obsessed with Haikyu, since I often watch the series when I need something to boost my spirit. To feel something. To keep moving forward. This is my fuel.

I once told myself, “Why would my mind never be at ease? I’m tired of thinking the directions I should take. I’m tired of thinking what kind of future ahead of me. I’m tired of looking back in the past and regretting what I’m missing.” It’s all happening in my mind most of the time and it’s frustrating.

When this moment happened, I tend to find an escape –– satisfying yet full of guilt kind of pleasure, like releasing explosive thoughts of mine to the ones I talked to at the moment, scrolling endlessly through my social media, etc. I want this reduced, even if it takes one step at the time. I need changes.

I finally found something.

Throughout this day, there are two key events that crucial to my thinking: The first, is when I found a point of view in facing frustration through one episode of Haikyuu, the anime I’ve been watching for hundred times (well, that’s exagerrating). The second is when I found free e-book I used to collect from noisetrade.com: ‘Writing to find yourself’ by Allison Vertevelt, that makes me decide to write this, although I only read one chapter hahaha.

Let me break it down one by one.

The first one, that brilliant moment I had when I watched one episode of Haikyuu on season 2 episode 12. It was a volleyball match between Karasuno High and Ohgiminami High. There was that one moment when the former captain of Ohgiminami encouraged his junior after the lost. He said, 

“Being serious, giving your all and doing your best. None of that’s lame. No matter what the fight is, when you lose, it’s only natural to be frustrated. Those that forget that frustration will always be weak. If you waste time, time will completely fly by. Don’t you dare forget the frustration you’re feeling right now”

The moment I watched that scene, it was a ‘eureka’ moment for me. I want to get rid of the frustration but this character says that we should never forget our frustration. I understand that this could lead to misunderstanding, hence it’s important to see this point of view from the right context. The context is to become aware of the goals––what we want to achieve in the future and what things needs to be done. We need to put this thought into layers of thinking. If we seen it from only the first layer, we will see this thought as a ‘toxic positivity’ approach. But when we try to peel the layers, we could see that thought all about. It’s all about how to make the ‘frustration’ as a thing we should beat while we’re moving forward, not the the thing that cling in front of us, that put weights to our journey.

The second one, after reading “Writing to find yourself”, I’m aware that I need to find myself. I’ve had lost for a long time, and the one who should found me is myself. So, I decided to write this. I want to be found. I want to be honest about my thinking without worrying about the others, because sometimes, I felt like my thoughts are dull––not as sharp as they used to. But then again, this is not a remark post where I tell you, everyone who read this post, that I will post more often *wink

Alkisah di sebuah Sabtu selow saat saya punya privilege untuk leyeh-leyeh seharian, saya mengalami pergulatan yang cukup pelik. “Mau nonton apa ya hari ini?”, batin saya saat itu. Ini beneran pelik, karena saat itu entah mengapa jarang punya me time sampe seharian banget. Pola pencarian ‘nonton apa’ ini selalu sama. Scroll-scroll di Netflix, trus coba nonton film pilihan, tetapi baru 10 menit udah bosen. Lanjut scroll lagi, tonton lagi, 10 menit bosen. Gitu terus sampe berkali-kali. 

Tiba-tiba dorongan untuk membuka kategori ‘Anime’ terbersit begitu saja. Saya langsung disodori visual remaja-remaja SMA ala anime yang mengenakan seragam olahraga berwarna hitam dan orange, dengan latar belakang karakter-karakter yang terlihat kuat dan mengenakan seragam berwarna lain, bersama dengan bola volley berwarna biru dan kuning. Karena saya menyukai sports anime (saya sangat menggemari ‘Slam Dunk’ sampai nonton anime-nya dan membaca manga-nya berkali-kali) saya mencoba memberi ‘Haikyuu’ kesempatan. Lagipula, saya bisa melihat kemiripan antara salah satu karakter di Haikyuu (yang selanjutnya saya ketahui sebagai Hinata Shoyo) dengan Sakuragi Hanamichi dari Slam Dunk, yang sama-sama memiliki rambut berwarna kemerahan dan mencolok. 

“Oh ada muka galak di sebelah si rambut oranye, pasti dia yang jadi Rukawa”, tebakan saya saat itu.

Satu episode selesai ditonton dan saya cukup tertarik. Saya memutuskan untuk lanjut menonton episode dua, sampai tidak sadar––well, sebenarnya sadar juga sih, saya menghabiskan sekitar 15 episode! Itupun harus berhenti karena terlalu lelah. Setelah bangun tidur di hari Minggu, saya menyempatkan diri untuk menyelesaikan 10 episode sisa yang tersedia di Netflix. Selesailah season 1.

I was like, WHAT!! anime apa ini gila keren banget! Saya sendiri tidak menyangka di beberapa kesempatan saya terbawa suasana, merasa emosional, bersemangat dan bahkan saya berkali-kali menahan teriakan sambil misuh-misuh. Anime ini tidak terasa berlebihan. Tidak ada kekuatan super dan tidak ada jurus-jurus pamungkas yang membuat bola mengeluarkan api, dsb. Yang ada hanya anak-anak SMA pada umumnya, yang kebetulan menggemari voli dan berkumpul untuk meraih mimpi bermain di Interhigh. Sangat sehari-hari dan normal. Namun, justru itulah charm utama anime ini. 

Season 2 dan season 3 berhasil saya selesaikan seminggu kemudian. Ternyata season 2 dan season 3 lebih gila daripada season 1. Kita bisa melihat anak-anak SMA Karasuno –– sekolah yang menjadi sentral cerita Haikyuu, tumbuh menjadi semakin kuat. Konflik-konflik pun mulai terlihat. Namun, yang saya sukai dari pengalaman menonton season 2 dan season 3 adalah character development dari para side characters. Bayangkan, dua karakter yang tidak saya sukai di season 1, bisa berubah menjadi 2 karakter yang paling saya sukai sampai sekarang. Mereka adalah Tsukishima Kei dan Tadashi Yamaguchi. Yup, mereka adalah dua side characters yang development-nya paling gila-gilaan. Fix, saya jatuh cinta sama Haikyuu.

Kiri: Tadashi Yamaguchi, Kanan: Tsukishima Kei

Pengalaman dan apa yang saya rasakan saat menonton Haikyuu kemudian saya bagikan ke teman-teman kantor. Alhasil, saya berhasil membujuk teman-teman saya untuk menonton Haikyuu. Menonton di ruang TV kantor setiap sore bersama teman-teman kantor, sambil mengunyah makan malam yang baru saja dibeli di sekitaran kantor, menjadi sebuah ‘ritual’ yang menyenangkan. Yup, saya mengulang menonton Haikyuu lagi dari awal dan saya sama sekali tidak keberatan. Sebenarnya, setelah satu episode makanan kami sudah habis, tetapi karena nanggung kami selalu menghabiskan 2-3 episode setiap sore. 

––

Banyak hal yang saya temukan dan pelajari selama saya menonton Haikyuu (sekarang sudah selesai menonton sampai season 4 part 1, dan memutuskan untuk membaca manga-nya karena season 4 part 2 baru akan dirilis pertengahan bulan Juli 2020. Hiks, lama banget). Yang paling ‘remeh’, saya jadi menemukan banyak musisi keren asal Jepang, di antaranya: Sukima Switch, Burnout Syndrome, hingga Yuki Hayashi, sosok yang bertanggung jawab untuk membuat scoring dari keseluruhan seri Haikyuu. Lebih dari itu, saya belajar tentang kemauan keras, usaha tak kenal menyerah, keberanian, tentang bagaimana menjadi courteous, hingga bagaimana kita merespon tantangan-tantangan yang ada di depan kita. 

Pelajaran-pelajaran tersebut menjadi semakin menarik karena disampaikan dengan sudut pandang yang unik dan filosofis, namun dikemas secara ringan. Kalimat-kalimat ajaib seperti: “They don’t have the leisure to give up”, “We’ve got no other way but go through this”, “Do you need a reason to not want to lose?”, “There are some flowers you only see when you take detours.”,“Being weak means that there is room to grow.” sering membuat saya terhenyak dan berfikir ulang tentang apa yang harus saya lakukan. Perspektif-perspektif unik buah pemikiran Furudate Haruichi, sang author, menurut saya menjadi ‘senjata utama’ yang membuat Haikyuu berbeda dari sports anime manapun.

Mendengarkan adalah salah satu bagian terpenting dalam proses komunikasi, yang justru sering diabaikan. Ya, karena memang kayanya lebih enak ketika omongan kita didengerin, nggak sih? Kegiatan mendengarkan kadang jadi kaya formalitas saja, supaya kita bisa merespon dengan: “Kalau aku sih....”

––––

Saat tulisan ini dibuat, saya sedang mendengarkan lagu-lagu dari Porter Robinson ––‘Shelter’, ‘Get Your Wish’, ‘Something Comforting’, on repeat. Tiga lagu dari Porter Robinson ini adalah tiga lagu yang menurut saya paling sincere. Saya bisa merasakan emosi dan pesan yang ingin disampaikan Porter Robinson, melalui lirik hingga pemilihan melodi (kalau yang ini purely based on assumption sih). Mendengarkan tiga lagu tersebut mendorong saya untuk mencari tahu cerita dari Porter Robinson, latar belakang ditulisnya lagu-lagu tersebut, hingga bagaimana orang merespon lagu-lagu tersebut.

Mari kita bahas satu-persatu.

Saya tidak begitu familar dengan musik elektronik hingga sekarang. Keinginan untuk ‘mengulik’ sub-genre dari musik elektronik pun juga tidak begitu tinggi. Saya sendiri berpendapat, meskipun musik-musik Porter Robinson diklasifikasikan sebagai musik elektronik, karakteristik musiknya berbeda dari musisi-musisi lain yang pernah saya dengarkan. Tidak terlalu valid sih sebenarnya, karena saya tidak begitu banyak mendengarkan lagu-lagu dari genre tersebut hehehe.

‘Shelter’ adalah lagu Porter Robinson yang menjadi awal perkenalan saya dengan karya-karyanya. Video klipnya menjadi salah satu video yang bisa membuat saya mewek. Sedih banget gaes. Coba ditonton sendiri deh. Saya berkali-kali nonton video itu dan perasaan sedihnya masih tetap sama. Eternal sadness. Beberapa hari terakhir ini saya iseng cari video reaction saat pertama kali menyaksikan video clip ‘Shelter’. Yup, semuanya menangis

Di minggu-minggu awal ‘Get Your Wish’ dirilis, saya begitu terobsesi dengan lagu ini. Saya mengulang lagu tersebut berkali-kali, mencari cover version-nya, menemukan versi lower pitch (konteks: Porter Robinson menaikkan pitch suaranya di sepanjang lagu hingga menyerupai suara perempuan), membaca komentar-komentar di laman video YouTube-nya, hingga kepoin Twitter-nya. Satu hal yang saya temukan, ternyata ‘Get Your Wish’ ini adalah hasil karya kontemplatif dari perjuangannya bergelut dengan depresi. Di Twitter-nya, Porter bercerita bahwa ‘Get Your Wish is about finding a reason to keep moving forward, even if it's not for your own sake.’ (baca cerita lengkapnya di sini). Not to be dramatic tetapi lagu ini benar-benar menguatkan saya di saat-saat susah. Lagu ini juga memotivasi saya untuk terus maju dan berjuang.

Jika ‘Get Your Wish’ mengajak kita untuk tetap maju, ‘Something Comforting’ terasa seperti pelukan hangat dari orang yang kita sayang... lalu kita dihantam dengan kenyataan bahwa ternyata kita sedang bermimpi (APAAN SIH).

‘Get Your Wish’ dan ‘Something Comforting’ adalah dua lagu yang akan ada di album penuh kedua Porter Robinson, ‘Nurture’. Saya sudah tidak sabar untuk mendengarkannya

––––

Mendengarkan Porter Robinson memberi kesempatan bagi saya untuk connect dengan teman-teman saya. Tak jarang, saya bercerita tentang kekaguman saya terhadap Porter Robinson ke teman-teman saya dan ditanggapi dengan diskusi-diskusi yang menarik. Ternyata, proses mendengarkan untuk menciptakan komunikasi tidak harus dibatasi oleh sekat-sekat dua arah ya? Semacam proses multi-dimensional mungkin?

Eh, diskusi yuk?

Setelah bertahun-tahun, akhirnya saya bisa mengamini apa yang diutarakan Motion City Soundtrack melalui lagunya yang berjudul ‘Timelines’ — It’s not a matter of time, it’s just a matter of timing.

—

Bulan Oktober 2019 dan April 2020 menjadi momentum yang penting bagi saya dalam usaha mengejar mimpi saya untuk memiliki karya musik yang bisa didengarkan banyak orang. Mimpi itu sebenarnya sudah ada dan tumbuh sejak tahun 2009, tetapi karena satu dan lain hal, urung terwujud. Di bulan Oktober 2019, saya dan teman kantor saya merilis sebuah lagu berjudul ‘I Wish You Stay’. Kami menamai proyek musik ini ‘Wreefill’, yang merupakan anagram dari Free Will. Proyek ini menjadi benchmark pribadi saya karena setelah lagu itu dirilis, hal-hal baik kemudian menghampiri saya. Rilisnya single kedua wreefill, memulai proyek musik lain dan merilis lagu bersama Jemala, mengerjakan musik komersil kemudian mendapat pemasukan, adalah beberapa diantaranya, yang kebetulan hadir di bulan April 2020. Hal-hal baik ini bahkan tidak pernah terbayang akan menghampiri saya di dua atau tiga tahun belakangan.

Di tahun 2017, saya bahkan pernah membuat tulisan tentang kefrustrasian saya yang tidak bisa memulai mewujudkan mimpi saya, yang dibalut dengan ‘hikmah positif’ dan ‘ngeles’ (yang bisa dibaca di sini). Jujur, yang saya alami di saat itu adalah perasaan denial, karena sebenarnya saya mencintai musik dan mempunyai mimpi yang jelas tentang itu, namun belum berani mewujudkannya. Kata ‘passion’ yang saya ucapkan pun seolah hanya menjadi ucapan tanpa makna. Tulisan itu saya rasa adalah salah satu bentuk self-defense mechanism saya. Apa saya sebenarnya tipe orang yang menyimpan dendam ya?

—

Satu hal yang kemudian saya sadari setelah merilis beberapa karya adalah:

Ternyata, orang-orang di sekitar saya baik-baik dan suportif ya..

Sebuah kenyataan yang sebelumya belum pernah saya lihat secara mendalam. Saat merilis dua lagu bersama wreefill dan satu lagu bersama Jemala, saya melihat banyak teman-teman saya yang membagikan pengalamannya mendengarkan karya yang saya buat, melalui media sosial mereka masing-masing. Perasaan itu sungguh menyenangkan, lho. Saya jadi tahu dan sadar bahwa banyak orang-orang di sekitar saya, secara tulus juga ikut berbahagia saat melihat saya mengerjakan sesuatu yang saya cintai. Saya bersyukur bisa mempunyai teman-teman dan keluarga yang sungguh supportif.

Mungkin orang-orang di sekitar saya meilhat usaha dan proses yang saya alami selama bertahun-tahun, sehingga saat karya-karya tersebut akhirnya menetas, akhirnya mereka jadi turut berbahagia? If it is true, I really appreciate it, guys.

So it is true, it’s not a matter of time it’s just a matter of timing. 

—

Bagi teman-teman yang belum mendengar karya yang buat, bisa mendengarkannya di sini (wreefill) dan di sini (Jemala). Semoga lagu-lagu ini bisa menemani teman-teman semua dalam menjalani aktivitas sehari-hari.

Denny Malinton, partner saya di proyek musik wreefill — Foto diambil oleh Denny Aryadi

You okay?

Yup

Are you sure you're okay?

Umm, Yup?

You're not okay

“You may be wondering Where all this wandering leads You're lost but at least You've nowhere to be and no one to leave you”

“Pinegrove is all about good music and good friends!” That’s what I said to my good friend Petra while we discussing Pinegrove’s newest single, Intrepid. I’m a big fan of Pinegrove so it’s always fun to talk about how awesome they are. I am writing this to show my excitement that they are working on the new album which will be out on 2018. Their previous album, Cardinal, got nice receptions from people on the internet. People said that this album is having that nostalgic and fresh feelings at the same time. And that’s rare.

Anyway, back to the new album.While recording their new album, they stayed in one house in the village and filming the recording process in a documentary set produced by Tiny Ship Co., which consists of 10 parts videos named “Command + S”. From the videos, we can watch how they brainstorming, how they interact with each other, how they do the road tour in the middle of the recording, etc. I enjoyed watching all of them because the more I watched them, the more I realize how beautiful human beings they are. They support each other. They did what they love wholeheartedly. I can feel the happiness and spirit that surround them and they make me happy. They are the person who you want to be in a band with.

And oh yeah. My favorite video from that documentary series is “Command + S part 8, because the video reflects the personality of Pinegrove. Aaaaand they did a cover of Jackson 5’s I Want You Back (And Nandi Rose Plunkett looks so adorable in that video. She’s the bomb!)

We have plans and dreams about our own life. Some of them are big, some of them aren’t. Some of them could be described, some of them couldn’t. That’s fine. Time will tell us anyway. But, there’s one thing that we can’t ignore in order to achieve our plans. It is passion.

Passion is what makes the plans seem achievable, because it’s the fuel to fire our hope and faith up. It’s important to have passion.But, even though passion is what moves us to achieve our plans, sometimes we forgot about the learning process. It’s the process to be suck, in order to be good at something.

I have a big passion towards music. I played some instruments (average skill. yeah i know), I listened to various genres-- from the softest to the hardest, I collect records and I even wrote some reviews on my medium page (they sucked though hahaha. fuck it). I often pictured myself creating some good music and performed it in front of excited youngsters who appreciate what I created. But it hasn’t happened yet and it’s frustrates me a lot! I often felt like a useless potato, I kept trying to achieve it but the progress seems slow (I am actually surprised that it’s rhyming! LOL)

But last Sunday, I learn something at Church about patience and contemplate it myself after that. Then something popped up in my mind. I came up with an idea named “In the Meantime” which connect the dots between passion - patience - and dreams we want to achieve. In my case, I will patiently taking steps and working hard to achieve my dreams. But in the meantime, I still can show what my passion is, by doing simple things like: listening and appreciating music; trying to explore more; share it to my loved ones, friends or followers; making #nowplaying posts on twitter or instagram; making reviews; post music I like on my personal page or blogs; Make critics ; et cetera et cetera. No one pays me for doing those things. If it’s not passion, then what is it?

I realized what the big picture is. It’s music. My dreams and plans are inside that big picture. So, as long as I try hard to achieve my dreams and still do those small things “in the meantime”, I guess I’m still on the right track. This might sound like an excuse but trust me, it’s not.

And so maybe we’ll say

Let it rain down on both our heads

And let it fall hard and wash away

Jakarta, 2 Juni 2017; 00:21

Lagu berjudul Grown Up dari Barefood terdengar dari earphone yang sedari tadi menempel di telinga saya. Sudah berkali-kali saya mendengarkan lagu-lagu yang ada di album baru Barefood, Milkbox, sejak dirilis bulan Maret yang lalu. Grown Up adalah salah satunya. Meskipun sudah hafal dengan nada dari hampir semua lagu, saya belum pernah “mengulik” lirik dari lagu-lagu di album ini, hingga malam ini. Saya kemudian tertarik dengan penggalan lirik dari lagu Grown Up berikut:

“And all the stories that you told me that was true And every story really stickin’ like a glue I don’t wanna be around if not with you I’ll grow up with you”

Penggalan lirik tersebut seolah mendeskripsikan kedekatan saya dalam menikmati karya-karya dari Barefood. Karya-karya tersebut terasa personal dan memiliki nilai sentimental, terutama dalam cerita-cerita saya menghadapi ibukota Jakarta.

Berawal dari bulan Desember tahun 2013, saya mengamati bagaimana linimasa Twitter dibanjiri kicauan tentang betapa kerennya EP dari Barefood yang berjudul Sullen. Tahun baru 2014, saya memutuskan untuk membeli EP ini, yang saat itu hanya tersedia di satu tempat di Yogyakarta, dengan stok yang sangat terbatas. Saya menikmati nuansa 90-an yang dihadirkan EP ini.

Tetapi nilai sentimental dari EP ini baru benar-benar saya rasakan di bulan Februari 2014, ketika saya harus berangkat ke Ibukota untuk menjalani program magang dalam rangka menyelesaikan kewajiban studi. Persiapan berangkat ke Jakarta terasa sulit pada waktu itu karena waktu persiapan yang terbatas dan berbagai kewajiban yang harus saya selesaikan sebelum keberangkatan. Ditambah lagi, saat itu Gunung Kelud mengeluarkan erupsi yang membuat rumah saya dipenuhi abu vulkanik setebal 2-3 cm.

Meninggalkan Yogyakarta selama 3 bulan terasa begitu berat saat itu. Apalagi, itu adalah kali pertama saya benar-benar tinggal di Jakarta selama lebih dari seminggu. Dan di dalam masa-masa sulit tersebut, lagu-lagu dari Barefood di Sullen EP menemani saya. Hampir setiap hari saya mendengarkan lagu-lagu di Sullen EP melalui earphone, sebagai latar belakang perjalanan kaki dari kantor magang ke kamar kos, atau sebaliknya.

Ada salah satu momen yang terasa begitu melankolis ketika mendengarkan salah satu nomor di Sullen EP, yang memiliki judul yang sama, Sullen. Perasaan melankolia itu datang di suatu hari, saat saya mengalami hari yang berat di kantor. Pada saat itu saya merasa kecewa karena usaha saya tidak dianggap, padahal saya sudah bekerja melebihi waktu. Hujan kemudian datang, padahal saya harus kembali ke kamar kos karena perut sudah meronta-ronta minta diisi. Alhasil, saya menerjang hujan tanpa payung dengan suasana hati yang kelam. Tepat pada saat itu, lagu Sullen terdengar. Perasaan kecewa yang sebelumnya saya rasakan, langsung membuncah keluar tanpa terbendung. Tanpa disadari juga, sedikit air mata menetes. Untung saja saat itu sedang hujan.

Hingga saat ini, ketika mendengarkan lagu Sullen, saya selalu teringat tentang momen melankolis di Jakarta tersebut.

3 tahun berlalu. Studi sudah terselesaikan dan tiba saatnya untuk mencari pekerjaan. Beberapa bulan di awal tahun 2017, saya lalui dengan perjalanan bolak-balik Yogyakarta-Jakarta dalam upaya mendapatkan pekerjaan. Hingga akhirnya, saya mendapatkan pekerjaan di Jakarta.

Lucunya, ketika saya mempersiapkan diri untuk mulai bekerja di Jakarta, Barefood merilis Milkbox. Bedanya, saat ini saya lebih siap menghadapi Jakarta dibandingkan 3 tahun lalu. Optimisme dalam menghadapi tantangan-tantangan yang ada di Jakarta seolah ditanggapi oleh Barefood melalui lagu-lagu di Milkbox yang terdengar lebih optimis daripada EP sebelumnya.

Beberapa minggu lalu, saya terjebak macet selama kurang lebih 2 jam di dalam bus Trans Jakarta. Seperti kebiasaan yang sudah-sudah, earphone terpasang di telinga dan kali ini album Milkbox yang saya pilih untuk menemani saya. Anehnya saya tidak merasa tertekan dan justru menikmati kemacetan tersebut untuk mendengarkan Milkbox. Saya kemudian sadar bahwa saya selalu ditemani oleh Barefood dalam momen-momen saya sejauh ini di Jakarta.

Petikan lirik lagu Grown Up, “And every story really stickin’ like a glue.I don’t wanna be around if not with you, I’ll grow up with you” seperti didedikasikan untuk saya karena saya memiliki banyak cerita di Jakarta, yang dihiasi oleh lagu-lagu Barefood. Pertumbuhan saya di Jakarta pun juga terasa seperti ditemani oleh Barefood.

Hampir setengah tahun 2017 berjalan, Milkbox masih menjadi salah satu album favorit yang dirilis, karena nilai-nilai yang bersifat personal tersebut.

Evan Weiss, satu-satunya personel utama Into It. Over It. (2016) — Spin.com

Durasi album: 41 menit

Para pelaku seni tak jarang keluar dari zona nyamannya untuk menciptakan sebuah karya seni yang berbeda dari sebelumnya. Thom Yorke (Radiohead) dan John Lennon (The Beatles) misalnya. Ketika sudah mulai merasa “nyaman” dengan musik yang mereka buat, mereka akan mempelajari instrumen musik baru, kemudian membuat lagu dari instrumen yang baru saja mereka pelajari tersebut.

Evan Thomas Weiss, satu-satunya personel utama Into It. Over It (IIOI). juga berusaha untuk keluar dari zona nyamannya dalam berkarya, meskipun dalam level dan pendekatan yang jauh berbeda dengan Thom Yorke dan John Lennon.

Evan pernah membuat sebuah karya ambisius yang diberi judul 52 Weeks. 52 Weeks adalah sebuah album kompilasi yang ditulis dan direkam sendiri oleh Evan sebagai IIOI. Lagu-lagu dalam 52 Weeks dirilis setiap seminggu sekali selama satu tahun penuh.

Evan juga memiliki side projects bersama musisi-musisi lain, ketika karya-karyanya tidak dapat dimanisfestasikan dalam koridor Into It, Over It.

Dua di antaranya adalah: Their/They’re/There, band alternative/indie-rock/emo yang juga digawangi oleh legenda emo 90-an, Mike Kinsella (American Football, Owen, Cap’n Jazz) dan gitaris twinkle berbakat, Matthew Frank (Loose Lips, Sink Ships); dan Pet Symmetry, band pop-punk/emo yang beranggotakan Eric Czaja dan Marcus Nuccio dari band bernama Dowsing.

Pada tahun 2015, Evan bersama Josh Sparks (additional drummer) kembali berusaha keluar dari zona nyamannya dalam menciptakan sebuah karya musik. Tinggal di dalam kabin yang terasing dan terisolasi selama sebulan, tanpa telepon dan internet, mereka menciptakan dan mempersiapkan seluruh materi album penuh ketiga Into It, Over It yang kemudian dirilis pada tahun 2016 dengan judul Standards.

Meskipun berjudul Standards, “standards” tidak serta-merta menjadi kata yang tepat untuk mendefinisikan kualitas dari album ini.

Standards (2016)

Standards (2016) — triplecrownrecords.com

Pertemanan Evan dengan Mike ketika bekerjasama di Their/They’re/There sedikit banyak mempengaruhi gaya bermusik IIOI, meskipun tidak terlalu kentara. Mike dengan proyek individu Owen, dikenal memiliki formulasi musik yang unik. Alternate tuning yang berbeda-beda di hampir setiap lagunya dikombinasikan dengan posisi capo yang bervariasi dan ketukan yang sedikit ganjil menjadi senjata utama Owen.

Formulasi tersebut seolah diadaptasi dan diberi twist khas a la IIOI. yang kemudian terlihat di beberapa lagu, diantaranya: Open Casket, Old Lace & Ivory dan Anesthetic.

Di album Standards, IIOI mengalami pendewasaan dari segi musikal dan lirik. Meskipun beberapa lagu di album Standards ini memiliki tempo cepat dan menghentak, suara vokal Evan tetap terdengar subtle, gentle dan tidak agresif. Liriknya pun kebanyakan bercerita tentang refleksi pribadi yang terjadi dalam kehidupannya.

Open Casket menjadi lagu pembuka album ini. Lagu ini memiliki nuansa folk, karena didominasi oleh petikan gitar dan ketukan drum dengan tone basah, yang umum digunakan pada lagu-lagu akustik. Uniknya, lagu ini “didampingi” oleh suara piano dan synth yang diberikan efek delay dan reverb, yang berfungsi sebagai ambience.

Lagu ini bercerita tentang kegelisahan Evan dalam hubungan pertemanannya yang tidak sehat dan kebimbangannnya untuk keluar dari hubungan yang tidak sehat tersebut. Secara gamblang Evan menceritakannya dalam petikan lirik:

‘My friends from where I’m from are all a wreck’

‘Hungover and divorced, they torch their twenties like it’s kerosene’, dan

‘I can’t decide if I should stay or sleep outside, with that look of sheer distrees from left to right’

Keragu-raguan Evan dalam mengambil keputusan dan bagaimana Ia berkutat dalam pikirannya sendiri yang rumit, kembali terlihat di petikan lagu kedua, Closing Argument, yang berbunyi:

‘But for the first time in a long time, I truly had to search for my thoughts, For the first time in a long time, I’m lost.’

Bedanya dengan lagu pertama, lagu ini lebih bernuansa rock. Bahkan di sepertiga akhir lagu, terdapat breakdown singkat yang dapat mengajak pendengar untuk headbang.

No EQ, yang menjadi lagu ketiga sekaligus lagu yang paling catchy, kemudian didaulat menjadi single pertama album ini. Josh Sparks dengan permainan drum atraktifnya berhasil mengawal lagu ini dengan baik, sekaligus mengajak kita untuk melompat bersama sambil berteriak:

‘An aching brain, doesn’t process things the same!’

Permainan drum atraktif Josh kembali ditunjukkan di lagu selanjutnya, Vis Major. Tanpa basa-basi, IIOI menggebrak dengan intens sejak lagu dimulai. Lagu ini merupakan lagu yang paling “urakan” dibandingkan lagu yang lainnya, tetapi masih dalam garis benang merah yang sama. Mendengar lagu ini terasa seperti mendengar pemuda awal 20-an meluapkan angsts-nya dengan energi yang meluap-luap sambil berteriak:

‘In one ear, while deaf against the other! Loud and clear, loud and clear!’

Into It. Over It. at Atlanta (2016) — Katrina Barber

Twist menarik kemudian hadir di lagu kelima, Your Lasting Image dan keenam, Old Lace & Ivory. Kedua lagu ini seolah menjadi satu kesatuan yang harus didengarkan secara berurutan. Your Lasting Image berusaha mengajak kita beristirahat setelah hingar-bingar tiga lagu sebelumnya. Dengan petikan gitar yang dipenuhi dengan efek reverb dan sedikit reverse-reverb sebagai latar, ditemani oleh bebunyian strings dan piano, Evan Weiss menyanyikan kesedihannya ketika memori bersama orang yang dikasihinya mulai pudar:

‘Photocopied black and white, this is your lasting image, Your colors fade to remain distorted grey.’

Lagu ini diakhiri dengan ambience reverb yang mengawang-awang dan masih berjalan hingga awal lagu keenam, Old Lace & Ivory. Petikan gitar akustik kemudian muncul dengan dramatis, dibarengi dengan vokal Evan Weiss yang mendayu-dayu dan lantunan choir sebagai latar belakang:

‘Glossed over, did you noticed I’ve been lost at sea? My mind’s an island dredging deep within the ship’s debris.’

Lagu ini merupakan lagu dengan lirik paling puitis dan merupakan salah satu lagu terpenting dalam album Standards secara keseluruhan.

Seperti tidak ingin membuat pendengar terlalu terbuai, IIOI melanjutkan set album Standards dengan dua lagu upbeat berjudul Adult Contempt dan Required Reading. Kedua lagu ini memiliki nuansa pop-punk, dan lagi-lagi didominasi oleh permainan drum atraktif Josh yang memberi nuansa berbeda dibandingkan lagu pop-punk pada umumnya. Mendengarkan kedua lagu ini justru mengingatkan saya dengan band pop-punk senior yang baru saja membubarkan diri, Motion City Soundtrack ketika Tony Thaxton masih menjadi penggebuk drum.

IIOI kembali menyisipkan lagu akustik dengan formula yang serupa dengan lagu sebelumnya ke dalam set. Gitar akustik, bebunyian piano dan synth, serta penggunaan suara perkusi yang unik disajikan dalam lagu Bible Black. Evan melihat dirinya sebagai sebab dari kebiasaan buruk yang dilakukan oleh teman/kekasihnya yang kemudian dituangkan dalam petikan lirik:

‘I’m just the bridge before the tunnel you cross before blacking out.’

Who Are You (Is Not Equal To) Where You Are sebagai lagu kesepuluh menawarkan sesuatu yang berbeda. Terdapat sedikit nuansa Blues dan Country-Rock di licks gitar yang dipetik oleh Evan Weiss dan hentakan drum Josh. Evan ingin menyampaikan bahwa berpindah tempat tidak akan membuat pribadi seseorang serta merta berubah. Lagu ini merupakan kritik yang disampaikan oleh Evan kepada orang yang dikenalnya, yang selalu berpindah-pindah tempat untuk mengubah diri, tetapi tidak pernah berubah.

“You aren’t where your head rests. The truth is, no personal touch made it all too much,” disampaikan untuk mempertegas pesan tersebut.

Evan Weiss at Northeast (2016) — Emily Dubin

Pengaruh formula musik Mike sebagai Owen kemudian terlihat sangat kentara di lagu berikutnya, Anesthetic. Petikan gitar dengan ketukan ganjil didampingi dengan suara piano yang saling bersahutan, serta ketukan drum sederhana membuat lagu ini memiliki nuansa mirip dengan lagu-lagu Owen. Pada beberapa kesempatan, lagu ini juga mengingatkan saya akan Death Cab for Cutie. Untungnya, Evan memiliki karakter vokal yang khas sehingga dapat dibedakan dengan Owen maupun Death Cab for Cutie.

Anesthetic bercerita tentang perasaan depresi. Depresi dapat menyulitkan kita untuk bisa berfikir dan bertindak normal. Meskipun terus berusaha untuk mencapai tujuannya, Evan Weiss kerap disulitkan oleh perasaan depresi ini. Hal ini tertuang dalam petikan lirik:

‘You see some things never change and not for lack of aiming, fundamentals never swaying but doubt shoots down the reason in my way.’

Album ini kemudian ditutup dengan santai, tanpa hingar-bingar melalui lagu pendek dan sederhana berjudul The Circle of the Same Ideas. Hanya dengan gitar akustik dan beat-beat sederhana, lagu ini menjadi penutup yang tepat untuk set panjang dan dinamis album Standards.

Melalui petikan lirik: ‘It’s the circle of the same ideas, it’s like discussing the weather, It’s a failure and how it can feel to be a failure together,’ Evan menyampaikan perasaan lelahnya dalam stagnansi. Entah itu dalam sebuah hubungan, maupun dalam proses berkarya.

Kesimpulan

Proses keluar dari zona nyaman yang dilakukan Into It. Over It. dalam mempersiapkan album ini berbuah manis. Standards menjadi album terbaik yang pernah dirilis IIOI di antara puluhan karyanya (album, EP, singles dan split).

Menciptakan dan mempersiapkan lagu bersama Josh, sang additional drummer, ternyata merupakan keputusan tepat yang diambil oleh Evan. Terlihat bagaimana isian-isian drum pada album ini memberi dimensi dan pendekatan berbeda, yang tidak ada pada karya-karya sebelumnya.

Evan yang sudah memasuki umur kepala tiga, juga mengalami pendewasaan dalam proses penciptaan lirik. Evan seolah ingin mengokohkan diri sebagai senior diantara banyak band muda di scene musik Midwest-emo.

Pergaulannya dengan beberapa musisi berbakat di projeknya, Their/They’re/There dan Pet Symmetry, sedikit banyak memberi pengaruh dari segi pendekatan musikal. Album ini merupakan album yang penting dan layak disimak bagi penggemar musik Indie-rock, Alternative dan Emo.

*Originally published on: https://medium.com/brief-cuts , 21st April 2017