Circus Border Of the Mind

Avec une création par an, la compagnie des 7 doigts est devenue, dans la lignée du Cirque Eloize, un des gros producteurs du cirque Montréalais. Aimés à l’origine pour leur fraîcheur et leur énergie communicatives, ils sont devenus à Montréal une des fiertés circassiennes que la ville a produites. Si les premiers spectacles il y a plus de dix ans, voire encore cinq, tranchaient avec ce qui était proposé ailleurs, ils ont fini comme beaucoup d’autres avant eux, à céder à la tentation du formatage des productions grand public gagnantes mais qui dans le même coup manquent souvent d’audace et de prise de risque artistique. Ce spectacle là ne fait pas exception à cette règle. Il suffit cependant de se prêter au jeu en connaissance de cause pour passer un tout à fait bon moment. Il faut bien reconnaître que la recette fonctionne.

Si les 7 doigts n’ont pas pour objectif de révolutionner la forme circassienne et d’inventer une nouvelle dramaturgie du cirque contemporain, ils se sont moulé une place qu’ils occupent très bien. Nous sommes bien loin des créations qui explorent les disciplines dans un mouvement de dé-construction, une quête de l’essence du cirque ou encore la recherche d’une nouvelle esthétique tel que ce que l’on peut voir en Europe chez James Thiérrée, Mathurin Bolze ou Yoann Bourgeois pour ne citer qu’eux. Les 7 doigts alimentent un système cirque Montréalais bien installé, entre l’Ecole Nationale le fournisseur d’artistes et la Tohu, le diffuseur de cirque, qui peut fonctionner en quasi vase clôt et dont les parties prenantes sortent incontestablement du même moule.

Pour autant, le spectacle fonctionne. La troupe est jeune, fraîche et généreuse. Comme à son habitude tous les passages de groupe sont gais et les chorégraphies de danse acrobatique sont irréprochables. Nous avons affaire à de très bons acrobates. La mise en scène est astucieuse. Rien qui n’ait jamais été fait ; tout est fortement inspiré d’autres créations de cirque, théâtre ou encore de danse mais le décor est bien exploité et constitue une bonne matière au jeu et à l’introduction des numéros. Composé de modules modulables dont la manipulation et les changements sont opérés en direct par les artistes, chaque élément peut aussi faire office d’accessoires. Manipulation et ingéniosité font partie de ce qu’on aime voir au cirque. Etre témoin de la manière dont tout se fait et se défait sous nos yeux grâce à la collaboration et l’entraide permanente des artistes agençant sans cesse la scène au grès des agrès qui l’envahissent. Il se dégage du spectacle une bienveillante énergie accompagnée d’une auto-dérision propre au cirque qui fait du bien. Réversible est définitivement un spectacle feel good.

Le duo de mât chinois est un des clous du spectacle, original et puissant. Un vrai bonbon épicé. Le solo d’équilibre-danse est porté majestueusement et discrètement par le reste de la troupe. Le clin d’œil à la rivalité corde – tissu aérien, les mettant côte à côte sur scène, fera sourire les adeptes ou praticiens de l’une ou l’autre de deux disciplines et reste par ailleurs très beau. Certains numéros sont plus classiques, mais toujours fort bien exécutés. Et surtout l’énergie qui lie l’ensemble est revigorante.

La formule des 7 doigts reste pourtant encore basée sur la primauté du numéro. Il est évident que ces derniers ont été créés en amont, dans une certaine autonomie. Nous sommes encore loin de la dilution du numéro dans une dramaturgie qui prendrait le pas sur la technique. Pourtant les metteurs en scène semblent avoir à cœur de nous raconter une histoire… bien qu’ils n’aient manifestement pas grand chose à dire. Le thème un peu tiré par les cheveux relate des anecdotes d’artistes au sujet de leurs grands-parents. Entre récit familial, secret et interprétation, il y a plusieurs facettes à chaque histoire - nous dit-on - avec plus ou moins de succès. Car cette ébauche narrative n’est exploitée qu’en début et fin de spectacle pour disparaître quasiment complètement du reste de la performance. Ces quelques prises de parole (car ils parlent au micro ouioui !) apparaissent futiles et sont même assez agaçantes pour atteindre une apothéose de la niaiserie en guise de finale. N’aurait-il pas fallu mieux assumer le fait que le propos ne sert pas la forme et d’ailleurs plutôt qu’il la dessert ? Une fois encore surgit la difficulté qu’ont les arts du cirque à raconter. Peut-être devraient-ils continuer à chercher du côté de l’émotion et rester dans la suggestion plutôt que tendre vers le récit qui est techniquement compliqué à intégrer aux disciplines de cirque et pour lequel les artistes de cirque (et les metteurs en scène) ne sont malheureument pas formés. 

Ils n’ont pas peur de la route

Nous avions vu le Cirque Aïtal il y a quatre ans sur un terrain vert parisien quelconque. Leur mini-chapiteau était venu égayer un dimanche pluvieux à Bercy. On était rentré sans attente particulière et on était ressorti les yeux écarquillés et le sourire collé aux lèvres. Ils nous sont restés longtemps imprimés sur le corps et sur le cœur les frissons de ce petit spectacle. Depuis il faut croire que Pour le meilleur et pour le pire (c’est le nom du spectacle) en a fait sourire bien d’autres car il était un invité d’honneur au festival de cirque de Montréal.

Le chapiteau est toujours aussi petit et charmant. A l’intérieur serré les uns à côté des autres sur les gradins, le public attend Kati la mini voltigeuse finlandaise et Victor le porteur massif à la tête bouclée. A bord de leur vieille Fiat, ils embarquent pour la vie ensemble. La voiture entre sur la piste, ca sent le pot d’échappement et ca fait de la poussière. En couple sur scène comme en dehors, c’est certainement dans l’intimité qui les unit que le spectacle puise sa force. Bienvenus dans leur quotidien où les disputes se règlent par agiles tours de main à main, leur spécialité. Il la fait voler et elle virevolte comme si rien ne pourrait jamais lui arriver dans les bras de son grand costaud. Acrobatique, souvent drôle, et surtout toujours poétique, le spectacle a un charme fou. Ils sont particulièrement extraordinaires quand ils se retrouvent main dans la main, tête (ou pied) contre tête. Rien n’est aussi doux que quand elle passe délicatement sa main dans les cheveux de son homme avant de s’y déposer pour tenir en équilibre. Tout doucement, comme un plume se poserait sur un cours d’eau. Elle nous conquit aussi quand, toute gauche dans sa combinaison de garagiste, elle joue les Charlot. Pendant que lui, le grand dadais, plante des fleurs dans le sable pour se faire pardonner.

Le duo dansé de la fin pourrait bien figurer parmi les plus beaux duos de cirque. Sur une reprise de Sophie Hunger de la chanson Le vent nous portera, les deux acrobates amoureux s’envoient valser dans la poussière aussi violemment que tendrement dans une promesse d’avenir. 

Cœurs d’artichaud, émotion garantie. Pour les autres, laissez-vous charmer. C’est sûr que la route sera belle. Le petit bidon de Kati en est déjà le signe certain.

Compagnie : Cirque Aital

Interprètes : Victor Cathala et Kati Pikkarainen

Quand la jongle rencontre le ballet

Associer ballet et jonglerie ne viendrait peut-être pas naturellement à tout le monde et pourtant ! Les deux disciplines ont plus de similitudes qu’on pourrait le croire. Les voilà réunies sur scène dans le spectacle 4x4 Ephemeral Architecture de la compagnie Gandini Juggling dans le cadre du festival Montréal Complètement Cirque.

4 x 4 est ce que forment les quatre danseurs et quatre jongleurs pour créer un ensemble de formes géométriques et éphémères, chassés-croisés sur pointes entre les lancés de balles, massues et cerceaux. Pendant une heure, danseurs et jongleurs sont ensemble à la recherche de l’équilibre parfait, d’une création architecturale mouvante qui suivrait les principes de la géométrie. Sorte de kaléidoscope géant. Il semblerait que cette quête insatiable de la forme absolue résonne aussi bien dans la danse que dans le monde de la jonglerie.

Ballet de mains et de balles (massues ou cerceaux) autant que ballet classique, le mélange fonctionne. Les jongleurs n’ont d’ailleurs rien à envier aux danseurs, leur grâce et leur élégance sont égales à la celles de la danse classique. Le rendu est esthétiquement très beau. La lumière est très travaillée et permet - par exemple - des effets assez magiques d’ombres sur les cerceaux qui donnent l’effet de ralentis cinématographiques. Humoristique aussi - c’est un bien spectacle du Royaume-Unis ! Les intermèdes sont pleins d’humour absurde dont les Anglais sont spécialistes. Autodérision artistique et divagations sont de la partie.

La réponse à la question de savoir si le jonglage et la danse réussissent à se parler est évidente. Tous deux sont basés sur la rigueur, la précision et la concentration. La danseuse sur ses pointes après une pirouette doit retrouver l’équilibre tout comme le jongleur la balance avec ses balles. La coordination et la synchronisation sont aussi un point d’équilibre à trouver commun aux disciplines. Si on était tenté de penser que le ballet, une formation plus classique était caractérisée par la rigueur et le sérieux alors que la jonglerie serait colorée de plus de frivolité, 4 x 4 s’efforce de montrer que les rôles pourraient facilement être inversés.

La réponse à la question de la réussite du spectacle est moins avérée. La performance des danseurs n’est malheureusement pas à la hauteur de celle des jongleurs. C’est indéniablement un travail intéressant que nous propose Gandini Juggling en rassemblant danse et jonglage sur une même scène. Mais captivés par l’agilité et la virtuosité des jongleurs, ne finirait-on pas par remettre en question la présence même de danseurs de ballet ? Et si le travail de recherche chorégraphique auprès du ballet aurait comme résultat que finalement on pourrait se passer de danseurs pour ne garder qu’un ballet des jongleurs ? Car c’est bien la performance de jongle qui est la plus aboutie et la plus intéressante.

C’est un spectacle pour les amateurs de curiosités artistiques et pour ceux qui se demandent encore de quoi le cirque contemporain est capable ! Très certainement ce spectacle est la preuve que le cirque n’a pas fini de pousser toujours plus les limites de son art. Et même si tout ne s’avère pas toujours une complète réussite, c’est tout de même une bonne nouvelle.

Compagnie Gandini Juggling

Mise en scène : Sean Gandini

Chorégraphie : Ludovic Ondiviela

Bromance – L’amitié compliquée de trois anglais

Le titre du spectacle est assez explicite. C’est un peu comme une romance, entre ‘’bro’’, c’est à dire entre bons copains. En fait non pas vraiment justement. Ca parle plutôt d’une relation d’amitié entre trois gars qui ont du mal à exprimer leur amour les uns envers les autres. Car se montrer de l’amour, c’est féminin, évidemment. Et pourtant ces garçons là s’aiment fort d’amitié et aimeraient bien se le montrer.  Mais le contact physique entre hommes, les gestes d’affection, sont compliqués à gérer sous peine d’être mal-interprétés comme des intentions gay, et d’être jugé et moqués par ses propres amis. Voilà donc le sujet du spectacle, toute cette ambigüité qu’ils vivent comme un malaise, et dont l’interprétation honnête et pleine d’humour british ne peut que nous rendre sympathiques les trois protagonistes. Ces derniers sont par ailleurs des acrobates épatants. Le travail de main à main est original et fort bien exécuté entre grâce et… masculinité évidemment ! Le grand porteur saura vous prouver qu’il n’est pas que virilité mais tout tendre à l’intérieur alors que le frêle voltigeur fera preuve de grande force. Oui, les hommes peuvent être virils et sexy tout en étant gracieux, souples, sensibles et aimer danser sur de la musique kétaine ! Sympathique effectivement mais tout de même un peu niais. Pas de scénographie, seulement trois chaises. Le spectacle a reçu des critiques dithyrambiques du milieu lors de ses premières représentations en Amérique du Nord en début d’année. Un enthousiasme un peu exagéré. On n’a pas ici une création qui révolutionne la dramaturgie circassienne. On ne ressort pas non plus en ayant eu l’impression d’avoir assister à du grand art. Ni d’avoir ressenti des émotions particulières. C’est du petit cirque contemporain agréable. Sympathique, et de haut niveau technique (mais qui n’a pas de haute technique de nos jours ?). On passe un bon moment, et on est toujours contents d’apprécier un peu d’humour anglais surtout quand il est fait les pieds en l’air. Mais de là à en faire toute une histoire... On aimerait que le cirque se réveille. Qu’il frappe un grand coup et qu’il sorte de sa zone de confort. En allant plus loin dans la prise de risque artistique générale et pas seulement dans ce qu’on lui donne de performance. Les artistes de cirque ont-ils si peu à dire ?

David Bobée, le metteur en scène comme à son habitude nous livre une pièce hybride. Homme initialement de cinéma, passé au théâtre et portant un fort intérêt au cirque contemporain, il s’applique dans ses mises en scène à faire interagir les arts.

«Lettres d’Amour » Une chambre occupée seulement d’un lit. Une femme écrit des lettres à l’homme de sa vie qui vient de la quitter avec ces mots ‘’Je ne t’aime plus’’. Ces mots qui signent la fin d’une histoire sont le point de départ de la pièce. La femme les reçoit d’abord avec admiration. Admiration du courage qu’il aura fallu à cet homme pour les formuler aussi crûment, aussi honnêtement. «Quand tu m’as dit je ne t’aime plus, j’ai pensé : quel courage» est l’éternel commencement de cette lettre d’adieu qui rythme le spectacle. Entre ses efforts de faire le deuil de son amour, la femme récite des textes antiques d’autres femmes de la mythologie abandonnées elles aussi. Car c’est une histoire banale que celle de la femme quittée, de l’amour perdu. Pénélope attendait son Ulysse dans l’angoisse et la solitude. Arianne a été abandonnée par Thésée. Cette femme-ci, attend dans sa chambre que quelque chose se passe, qu’on la libère du poids de la tristesse qui l’empêche de bouger, du poids de ces mots de rupture qui la dévorent. Et pendant ce temps, le fantôme de l’homme - des hommes - la nargue au dessus du lit. Il virevolte dans les airs, léger et puissant à la fois.

C’est une œuvre profondément féminine. La femme ne peut rien contre la puissance de cet homme. Ses mots l’ont tuée. Elle l’aime. Elle l’aime peut–être encore davantage d’avoir eu le courage de cesser de l’aimer. Le texte d’Evelyne de la Chenelière abrite une universalité qui ne peut que résonner en chacun d’entre nous.

Masha Limonchik, la femme quittée, porte son texte avec une grande intensité. Anthony aux sangles aériennes (discipline de cirque) force l’admiration de tant de prouesses et technicité, mais surtout par la délicatesse de sa présence pourtant imposante. La musique live electro folk de Dear Criminals composée spécialement pour la création accompagne à merveille le spectacle. Sensuelle et sombre à la fois, elle porte une pesanteur qui contraste avec la puissance élévatrice de l’acrobate et renforce la comédienne dans sa lutte avec ses mots. Ses mots dont elle reste interminablement prisonnière. Néanmoins, s’il y a des moments saisissants où l’atmosphère dense nous prend aux tripes, j’émets des réserves sur l’œuvre au complet. Le concept finit par prendre le pas sur le propos. Les passages de textes antiques alourdissent parfois les scènes et la répétition du procédé finit par lasser. Quelques dispositifs paraissent superflus, comment l’utilisation systématique de la projection vidéo qui nous fait sortir de l’espace confiné de la chambre pour nous emmener dans une esthétique proche du soap. On aurait aimé que le metteur en scène se regarde un peu moins faire.

« La jubilation, est-ce que vous savez vraiment ce que c’est ?  Est-ce que vous avez déjà jubilé vous-même ? Peut-être l’avez-vous fait sans vous en apercevoir. Ce qui est jubilatoire est toujours transmis, contagieux : on jubile sans faire exprès, à l’improviste, quand on ne s’y attend pas. »

Camille Boitel est un explorateur des bas-fonds du bordel. Maître dans l’organisation du désordre, il donne un spectacle ‘’L’Immédiat’’ qui est un hommage au capharnaüm, sa source sacrée de jubilation. Sur une scène intégralement recouverte de meubles qui se désossent,  de sacs qui débordent, d’objets empilés qui volent et tombent, des acrobates ahuris tourbillonnent sous ce monde qui s’écroule sous leurs pieds et sur leurs têtes. J’avais vu ce spectacle à Paris il y a quelques années et j’avais instantanément été séduite par cette proposition osée, à la frontière entre cirque et théâtre acrobatique. A un moment où le cirque contemporain vit une mutation compliquée et fragile, je trouvais ce travail sur le corps et le mouvement, inclassable artistiquement vraiment intéressant.   Aussi, quand j’ai entendu que Camille Boitel participerait à un 5 à 7 (nouveau concept du théâtre de la Chapelle en marge et en parallèle de sa programmation officielle lien) je me suis précipitée. Performance d’une heure, elle peut-être vue comme le penchant complémentaire (mais totalement opposée) de L’Immédiat. Même fond, on garde le thème de la ‘’jubilation’’,  autre forme. Contrairement à ‘’L’Immédiat’’, spectacle sans parole dont les objets sont les maîtres du jeu, cette performance est concue comme un monologue d’une heure, agrémenté de quelques rares gags physiques. Lors d’une conférence Camille a invité un maître conférencier qui s’est spécialisé dans l’étude pratique et théorique de la jubilation ; en gros comment la jubilation ne peut être expliquée et donc comprise. Maître de l’absurde, Camile tente de mener cette conférence vide face à un conférencier muet. Ses rares réactions impromptues sont violentes et humiliantes pour Camille, qui reste stoïque, bien décidé à nous aider à décrypter cette affaire de jubilation. Plus la ‘’conférence’’ avance et plus l’on s’éloigne du sujet. Enfin théoriquement, car Camille Boitel arrive à ses fins. A force de chercher à théoriser l’in-théorisable, il nous y a mené : en pleine jubilation. La preuve par l’expérimentation donc. Cette performance complètement décalée est inclassable à nouveau. Son humour second degré nous rappelle à quel point l’esprit humain est capable de partir loin quand on lui laisse la chance de prendre un autre chemin dans les méandres de l’absurde. Une bouffée d’air, car penser autrement, n’est-ce pas être libre ? 

Compagnie L’Immédiat Metteur en Scène Camille Boitel

Mon coup de cœur de cet été est un jeune artiste Jimmy Gonzalez . Jongleur et danseur, il a choisi de travailler la matière et en l’occurrence, l’argile. Dans cette création, le génie a été d’imaginer une coopération avec le musée des beaux arts de Montréal lors de leur exposition sur Rodin. 

Rodin, particulièrement connu pour ses bronzes et marbres, travaille d’abord l’argile lors d’une étape préparatoire. Ces sculptures en argile, plus petites, sont le résultat brut d’un premier faconnage qui permet l’études des sujets. Méconnues, elles sont présentées ici. Or Jimmy, propose, dans l’espace du musée même, une courte création inspirée de l’exposition de ces œuvres brutes. Tel Rodin dans son atelier, Jimmy travaille avec sa glaise les corps de deux danseuses-circassiennes. Il construit ses sculptures semi-vivantes, fait tourner les corps dans cette terre souple. Les trois se figent et s’animent sous ses doigts, comme s’il donnait vie aux sculptures de Rodin. Quelle ne sera pas notre ébahissement quand, pendant la visite de l’exposition par la suite, on reconnaîtra dans les œuvres de Rodin les mêmes postures et tableaux sculpturales animés lors de la présentation dansée . Mais Jimmy est avant tout un jongleur de talent et entre temps il a commencé à faire tournoyer les petits morceaux d’argile entre ses doigts, utilisant la matière pour faire de trois boules six sans qu’on s’apercoive de ce tour de maître. Il danse avec sa terre. Sur la scène de Jimmy comme dans l’atelier de Rodin, la terre se transforme, bouge, vit. 

Parfois dans un spectacle, c’est comme un film il suffit d’une scène, d’un tableau pour qu’il soit réussi. Acrobate est un hommage à Fabrice, un voltigeur de la compagnie des Arts Sauts qu’un accident de trapèze a laissé paraplégique. L’atmosphère un peu glauque des débuts, lourde, pesante, accablante ne laisse pas présager une fin d’une aussi subtile intensité. Après une longue introduction-témoignage montrant des images filmées de l’acrobate blessé tentant de renouer avec son corps, ce sont aux deux acrobates sur scène de s’approprier ce corps, le corps d’avant qui n’avaient aucune limite, le corps nouveau qu’il faut apprivoiser. Que dis-je, dompter… Est-ce possible pour un acrobate de vivre avec, ou plutôt sans ? La réponse est dans ce cas sera non. A deux, sur scène, peut-être sauront-ils mieux faire. Ce ‘’deux’’ qui a pourtant eu raison de sa colonne vertébrale à lui Patrice... Je retiens le dernier tableau, une envolée lyrique de main à main telle un combat pour la vie et dont se dégage une émotion vibrante. Une tendresse infinie. La voix de Fabrice flotte sur une musique parfaitement accordée et au dessus des deux acrobates qui, comme imprégnés de l’énergie de leur ami jouent pour le faire revivre une dernière fois. De la force et la fragilité des acrobates qui peuvent tomber à tout moment se dégagent une pulsion de vie incroyable. Les liens de fraternité sont nés et inscrits dans ce corps à corps. Pour faire renaître un homme. Car pour eux l’acrobatie est source de vie. Et c’est comme cela et seulement ainsi que la mémoire de Patrice peut continuer à vivre. Un bel hommage à l’acrobate. Au cirque.

https://www.youtube.com/watch?v=3s3_fTjzRAE

Il faut le voir Yoann Bourgeois, voler, défier la pesanteur comme pour nous accorder des moments suspendus. Entre le trampoline et l’escalier il s’offre des moments où le temps, s’il ne s’est pas arrêté, est au moins ralenti. La musique l’emporte comme la mer qui nous laisse dériver mais qui toujours continue à nous porter. Le mouvement le soutient dans la chute comme pour l’accompagner. Entre l’hypnose et le bercement, si on se laisse entraîner dans ce flot on pourrait se croire nous-mêmes liquides. Yoann Bourgeois bouge dans l’espace comme si rien ne le contraignait faisant presque fi des lois de la physique. 

Son travail sur le mouvement dans la chute, en suspension ou face à une force, s’inscrit dans une recherche sur un cirque nouveau, sans discipline. Sans narration non plus mais ce qui ne veut pas dire sans écriture. Yoann Bourgeois nous parle sans pour autant nous raconter quoi que ce soit de concret. C’est en cela qu’il propose quelque chose de nouveau. De la poésie du mouvement. Avec ces deux acolytes il semble chercher la lévitation parfaite, le point dans l’espace où il n’y aurait plus de temps. 

Le cirque permet de s’évader du réel, de bercer l’illusion qu’il n’y a pas de limite à ce que le corps peut faire et par extension pas non plus à là où esprit peut aller, penser, imaginer, ressentir. C’est une exploration magistrale des sensations. 

Pourtant dans la vision collective, c’est dans la plupart des cas un divertissement pour les enfants, au mieux un voyage dans les tréfonds de notre imagination, celle qu’on avait laissée à côté de notre cartable et nos crayons de couleur. Celle qui nourrissait nos rêves et nous a aidés à grandir et devenir qui nous sommes. Certes le cirque est un voyage dans le temps, celui de notre enfance, de notre ingénuité. Et il joue ce rôle indispensable de rendre cet régression possible aux adultes. Mais dans cet univers miroir d’un monde idéalisé quoique souvent un peu potache, où les plus grosses bizarreries n’en sont pas, où le farfelu côtoie le poète, et la bête la belle, une dimension plus profonde, plus sérieuse mais aussi plus poétique s’est invitée. 

Depuis les années 80, le cirque qu’on appelle contemporain veut aller plus loin. C’est un cirque plus adulte qui se dessine, où la performance laisse place à diverses recherches et expérimentations. Un cirque avec une vraie dramaturgie et qui prend une forme nouvelle. D’abord qui se constitue comme un tout et non plus comme un enchaînement de numéros indépendants. En prenant de la distance avec la tradition il a commencé à aborder l’esthétique autrement, le rapport au corps aussi. Petit à petit, les disciplines commencent à se mélanger, s’incorporer, parfois même jusqu’à disparaître. 

Suite à ces évolutions et alors qu’il commence à être reconnu comme ‘’art vivant’’ (et non plus simple divertissement des foules), le cirque contemporain est aujourd’hui dans une quête existentielle, quête de sa forme de narration propre, sa forme d’art, sa place dans le paysage artistique moderne. Or son langage particulier, la technique et les disciplines de cirque, agit souvent comme un handicap car il est une contrainte importante, que le cirque contemporain peine à essentialiser quand il lutte pour ne pas tomber dans les travers de la performance acrobatique et gymnique. Il a tenté, par des mouvements de mimétisme successifs, de se rapprocher du théâtre puis de la danse, mais a encore du mal à trouver son identité face à eux - tout en étant à leurs côtés. En France cette mutation s’opère un peu plus intensément qu’ailleurs. On apercoit des choses intéressantes voir le jour en Scandinavie et nouvellement en Europe de l’est. A Montréal connu mondialement comme étant la plaque tournante du nouveau cirque grâce à un gros effort de marketing (ainsi qu’au Cirque du soleil) le cirque reste pourtant principalement basé sur la technicité et la prouesse physique et scénique. Comment s’extraire de cette vision, et donc se libérer de cette attente du public qui donne à la prouesse et au danger des places primordiales dans l’identité du cirque ? Comment leur donner un sens sans en faire une contrainte trop forte qui l’éloigne de l’art? Comment renouer avec la tradition, extraire l’essence de l’atmosphère unique du cirque sans tomber dans le cliché? Comment rester intemporel en étant moderne ?

Triptyque est, comme son nom l’indique, fait de trois volets mais qui malheureusement pour ceux comme moi qui s’attendent à une cohérence du tout, n’en a pas.

Dans le premier, deux danseurs déambulent perchés sur des béquilles ce qui leur donne un air tels d’animaux apeurés dans la forêt. Leurs corps et leurs gestes sont certes gracieux et remarquables, ils ne nous en disent pas long sur leur intention, au delà de donner à cette gestuelle en tant que telle une qualité artistique. Le ‘’mâle’’ prend beaucoup de place, il lance des râles pénibles et incompréhensibles sur une musique classique qui nous crie à pleines oreilles la prétention de cette création.

Le second acte est une proposition totalement différente. Plus nombreux sur scène, les acrobates forment un ballet inversé, les mains fixées au sol, leurs jambes dansent dans les airs. La fluidité des mouvements nous évoque le monde marin, des algues ou des animaux dépossédés d’ossature. C’est simplement, naturellement, délicatement gracieux et beau. On en oublie la technicité. J’y vois l’amorce d’une recherche qui redonnerait aux équilibristes leurs lettres de noblesse, dont on voit principalement des numéros techniques isolés. Une partition de jambes (en l’air), juste de jambes, c’est donc possible.

Le troisième morceau se veut la pièce majeure et d’ailleurs on se demande pourquoi elle n’est pas l’unique. Deux moments de grâce retiennent mon attention. Une des qualités du Québec est son inventivité assortie d’un esprit pratique qui donne vie à des dispositifs créatifs et ingénieux. Au programme cette fois le portique de trois cordes lisses qui s’enroulent les unes autour des autres jusqu’à former une nouvelle structure décuplant les possibilités est – d’une simplicité enfantine - tout en finesse.

Le second, un lit renversé à la vertical a été percé de trous pour laisser pénétrer par l’arrière des mains permettant de manipuler une voltigeuse équilibriste qui virevolte entre les mains baladeuses telle un pantin. C’est amusant et délicat à la fois. C’est une girouette qu’on voudrait que jamais ne s’arrête, qu’on soit nous aussi emportés par ce mouvement, soutenus et entrainés par ces mains. Ca me fait penser à ces anciennes machines de guimauve de fête foraine...

Warm est un spectacle d’expérience. Pendant une heure deux acrobates vont au bout de leurs limites en explorant des chorégraphies de main à main sous la chaleur grandissante de néons aveuglants et assommés par la voix d’une femme de qui, ils sont, en quelques sorte, les marionnettes du fantasme. 

Nous les regardons faire, écrasés nous aussi par la chaleur, mais de plus en plus excités par les cris de cette femme qui s’accélèrent comme un orgasme, face à ces deux hommes qui s’escaladent, se surpassent, se touchent, se cueillent, s’accueillent, glissent et se rattrapent. Au début, les mouvements sont parfaitement maîtrisés mais à mesure que la chaleur augmente, et avec elle la fatigue et la transpiration des corps, ils se font plus chaotiques, plus précaires. Ces deux corps font-ils l’amour à cette femme ? Ces deux corps font-ils l’amour ensemble pour donner du plaisir à cette femme ? Elle les pousse aussi loin que son désir l’emmène, les mettant physiquement en danger à l’image du précipice devant lequel, au bord de l’orgasme, on se sent défaillir juste avant de s’y abandonner. Intéressant ce parallèle des corps en danger et du désir. Intéressant cette voix de femme face à deux corps d’homme. Il est question de se pousser à bout, de s’abandonner totalement à soi-même et à l’autre… Ca vous rappelle quelque chose ? Matérialisé par cette voix de femme, le lien avec un rapport sexuel tient dans ce moment de vulnérabilité où l’on ne maîtrise plus rien, on lâche, on se donne entièrement, à nu, dans un état de fragilité et donc de danger total…  Le risque physique associé à la confiance et l’abandon dans son partenaire faisant partie de l’essence même du cirque, je vois dans ce spectacle un bel hommage à cet art. C’est à la fois primitif et très poétique, renforcé par le choix qui a été fait de donner l’interprétation à deux hommes. La voix violente et un peu crissante peut se faire crispante mais si on pénètre dans l’expérience, on finit par n’y sentir plus qu’un bercement engourdissant un peu hypnotisant. Déjà bluffés par la prouesse physique et technique des deux hommes, on sort réellement éreintés, abasourdis, de cette épreuve. Fatigués, transpirants, haletants, vraiment comme après une bonne partie de sex…

Fenêtre sur cour, adaptation cirque. Sauf que c’est de lui que le metteur en scène parle. Bloqué chez lui après un accident de cirque, il observe de sa fenêtre ce qui se passe autour de chez lui, dans une de ces petites ruelles qui font le charme de Montréal, petits chemins retranchés, qui sont des havres de paix et le théâtre d’une vie de voisinage fort sympathique. Entre histoire personnelle et hommage à sa ville, je m’attends à voir ici quelque chose d’intime, à être émue. Mais que neni, nous voilà plongés dans une sorte de comédie musicale des années 80 (pourquoi d’ailleurs les garcons portent-ils une coupe de cheveux de ces années là?). La mise en scène est une niaiserie affligeante et les numéros n’ont aucun intérêt. Si par moments une utilisation astucieuse est faite du décor en transformant les rampes d’escalier en bases d’acrobatie ou des cordes à linge en appareils aériens, le tout flotte dans une totale superficialité assommée d’une musique tonitruante qui n’a pas d’autre intérêt que de nous tenir éveillée. Ah oui, parce que la chanteuse est une gagnante d’une émission musicale télévisée. Ceci explique pourquoi le public, majoritairement constitué de ses fans, est en transe. Gesticulant sur mon gradin, dans cette attente infinie de la fin (chaque scène et plus insoutenable que la précédente) je ne trouve d’échappatoire que dans mes pensées et prends conscience du fait qu’ici au Québec le spectacle semble prendre le pas sur toute autre quête de forme ou de contenu. Mais là, ni la performance ni la mise en scène ni la musique n’est à la hauteur. C’est du déjà-vu, en moins bien. Rien dans ce spectacle n’est moderne. Avec d’aussi bons acrobates, on ne peut que se désoler de tant de pauvreté dans la recherche artistique et narrative. C’est littéral, sans profondeur, sans réflexion et sans émotion. Les dispositifs prennent toute la place en empilant montages du film d’Hitchcock n’apportant rien à la narration, projections de matière chromosomique ou florale, tissus, ombres et j’en passe. Quand on pense au potentiel qu’offrait l’ambiance d’une ruelle, et le résultat, c’est presqu’insultant. 

Pour finir le metteur en scène a si peu à dire qu’il fait mourir un personnage, dans une dernière tentative de nous soutirer une émotion… en vain. 

J’aurais mieux fait de me mettre un film dans mon lit...

J+ 15, première plongée dans le cirque québécois. A mes cahiers !

Le cirque Alphonse a un concept. Il s’agit de faire du cirque paillard ancré dans la culture rustique du Québec. Une sorte de retour aux origines du cirque dans ce qu’il a de plus brut(e!) et disgracieux, transposé dans un univers profondément québécois.